In der dritten Staffel unseres Podcasts sprechen wir künftig in loser Folge über Künstlerpersönlichkeiten, Kunstfiguren oder Kulturphänomene, die die Bezeichnung KULTFIGUREN verdient haben.
Die 2. Staffel mit den KULTFILM AZUBIS geht indessen weiter.

Hayao Miyazaki und das Ghibli-Studio
Gast: Franzi Blass

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/hayao-miyazaki-und-das-ghibli-studio

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki wird von gern wahlweise als Kurosawa des Trickfilms oder als japanischer Disney betrachtet. Für „Toy Story“-Erfinder John Lasseter ist er der größte lebende Zeichentrickkünstler überhaupt, für die „Zeit“ „nicht nur der Kaiser, sondern auch der Narr, der voller Schalk auf den Kaiser blickt“.
Miyazaki und sein Ghibli-Filmstudio verzaubern die Erwachsenen mit abgründigen, jugendlichen Helden – meistens Mädchen – und die Kinder damit, dass er sie als Publikum ernst nimmt. Beiden mutet er Botschaften wie diese zu: „Die Menschen sind hässlich, aber das Leben ist schön.“
Seine märchenhaften Filme bewahren und interpretieren die alte Kultur Japans, das sich einst im Rekordtempo industrialisierte und ebendiese Kultur abschaffte und zerstörte.
Miyazaki hält Computerspiele für ein frustförderndes Medium und erlaubt deshalb keine Games mit seinen Figuren. Er sagt: „Kinder sollten so viel freie Zeit wie möglich damit zubringen, ihre reale Umwelt zu erkunden. Sie sollten also auch nicht zu viel ins Kino gehen. Wenn sie sich einen oder zwei meiner Filme anschauen, reicht das schon.“

Diese beiden Filme werden näher in Augenschein genommen:

Nausicaä aus dem Tal der Winde/ Kaze no Tani no Naushika
Dystopischer Anime von 1984

Nach einem verheerenden Krieg breitet sich das „Meer der Fäulnis“ über die Welt aus, ein giftiger Pilzwald. Nur im Tal der Winde können Menschen noch ohne Schutzmaske existieren.  Prinzessin Nausicaä sieht ihre Heimat bedroht durch die Machtkämpfe kriegerischer Stämme, der Torumekia und der Pejite, die mit ihren fliegenden Kampfschiffen den Krieg auch in das grünte Tal tragen.  Sie hat das Geheimnis des Pilzwaldes ergründet und begibt sich auf eine wichtige Mission, um ihr Volk zu retten …

Dieser Film brachte den Erfolg, der die Gründung des Studios Ghibli ermöglichte.

Das wandelnde Schloss / Hauru no Ugoku Shiro
Anime von 2004

Sophie – ein Mauerblümchen, das mit Freizeit nichts anzufangen weiß – arbeitet als Hutmacherin im Geschäft ihres verstorbenen Vaters. Ihre flüchtige Begegnung mit dem Zauberer Hauro verändert ihr Leben auf vielfache Weise: sie verliebt sich in ihn und erregt damit die Eifersucht einer Hexe, die sie daraufhin mit einem Fluch belegt: Sophie steckt jetzt im Körper einer 90jährigen. Aus Scham über ihren Zustand flieht sie aus dem Ort und schlüpft im wandelnden Schloss des jungen Zauberers unter. Von ihm unerkannt verdingt sie sich dort als Putzfrau.
Als der Krieg ausbricht, gerät ihr Leben abermals aus den Fugen …

Nächste Woche: Das Leben des Brian und Der Omega Mann

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Ich gebe hier also den Kern des feinfühlig-informativen rbb-Nachrufs auf Gerd Thumser (den Kollegen) von Kai Luehrs-Kaiser wieder: „Gerd Thumser war ein Originalgenie der Szene, ein schwergewichtiger Mann, der mit wankendem Gang die Bühne enterte und eine geradezu bedrohliche Präsenz besaß. Er wirkte beim Auftritt gern auf bedenkliche Weise mürrisch und erzielte die größten halb erschrockenen, ganz verzückten Lacher, wenn er ein rekordverdächtig breites Lächeln mit kolossaler Zahnlücke sehen ließ. Jahrzehntelang war Thumser der getreue Pianist von Cora Frost, die ihn bis zum Schluss treusorgend ummutterte. Unvergesslich, ja unsterblich: Gerd Thumsers getanzte Playback-Version »Es war in Königswinter, nicht davor und nicht dahinter«. Er versah diesen Partykracher mit einem ekstatischen Tanz wie man ihn seinem schweren Körper kaum zugetraut hätte. Kurzum: eine merkwürdige Urgewalt der Komik ging von diesem Künstler aus. Bei Ades Zabel mimte er gern eine Figur namens Paula Frantz-Kuhn, die illegitime Tochter von Justus Frantz und Paul Kuhn.“ Letztere Figur beschreibt „QueerLive“ auf Facebook als „eine ebenso schroffe wie verletzliche Pianistin, tragikomisch, liebeshungrig und von entwaffnender Ehrlichkeit“, was mich an die Faszination der großen weiblichen Schmerzensfiguren des frühen Ernie Reinhardt denken lässt.
Mehr geht nicht.
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Das Foto machte Dirk Lang 1993 in Berlin. „Soll ich mich ausziehen?“ fragte Cora Frost, den Schauplatz würdigend.

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Der Tod der großen Hildegard Knef vor 22 Jahren wurde von großer Anteilnahme begleitet, sie war ein Star bis zuletzt. Ihr heutiger Jubeltag wurde in den öffentlich-rechtlichen Programmen schon im Voraus intensiv begangen: mit zwei neuen TV-Dokus, einer „Langen Nacht“ im Deutschlandfunk und anderem. Ein besonderer Leckerbissen für alle, die sie noch nicht kennengelernt haben, ist Knefs Lesung einiger langer Auszüge aus ihrer berühmten Autobiographie „Der geschenkte Gaul“ (eines Welterfolgs von 1970), die jetzt in der ARD Audiothek nachzuhören sind. Parallel zum Buch erschien bereits eine Doppel-LP, die sich inhaltlich mit dem Hörbuch von 1999 überschneidet und zu einem Stimmenvergleich einlädt: knapp 30 Jahre liegen zwischen den Aufnahmen.

MDR KULTUR

Hildegard Knef:
Der geschenkte Gaul

10 Folgen à c.a. 30 Minuten

Im Dezember 1998 wurde in Hildegard Knefs Privaträumen in Berlin eine Lesung ihrer Autobiografie „Der geschenkte Gaul“ aufgenommen. Sie selbst wählte die Kapitel für die gekürzte Hörfassung aus. Die Knef war zu diesem Zeitpunkt 73 Jahre alt. Die Aufnahme lebt von ihrer rauchigen Stimme, dem schnoddrigen Berlinern, dem abgeklärten Ton. Die Rückschau auf die Anfänge ihrer Karriere in Krieg und Nachkriegszeit ist auch eine persönliche deutsche Geschichtsstunde. Hildegard Knef wurde am 28. Dezember 1925 in Ulm geboren und wuchs in Berlin auf. Sie arbeitete zunächst als Trickfilmzeichnerin bei der UFA, war dann als Schauspielerin, später auch als Chansonsängerin erfolgreich. Ihr autobiografisches Werk „Der geschenkte Gaul“ landete 1970 auf Platz 1 der Spiegel-Bestsellerliste und wurde anschließend in 17 Sprachen übersetzt. Hildegard Knef verstarb im Frühjahr 2002 im Alter von 76 Jahren.
Am 28. Dezember wäre sie 100 Jahre alt geworden.
Produktion: Roof Music/tacheles! 1999

Verfügbar bis 17. März 2026

1. In ihren Erinnerungen beschreibt Hildegard Knef vor allem die Zeit zwischen 1930 und 1950. In der ersten Folge geht es um Ihre Kindheit, u. a. über ihren Großvater, bei dem sie einige Jahre lebte und den sie sehr liebte.

2. Hilde verlebt ihre Jugend in Berlin zwischen Bombenhagel und Hunger. Nach Probeaufnahmen für die UFA bekommt sie einen Ausbildungsvertrag zur Schauspielerin an der Staatlichen Filmschule Potsdam-Babelsberg.

3. Hilde lernt wie besessen, arbeitet an ihrem Lispeln und an den berlinischen Endsilben. Sie hat erste Dreharbeiten und lernt den Tobis-Chef Ewald von Demandowsky kennen, der verheiratete Mann wird ihre erste große Liebe.

4. Drastisch schildert Hilde Knef die letzten Kriegstage. Gemeinsam mit dem Geliebten „EvD“ erlebt sie die Schlacht von Spandau. Verkleidet mit einer Volkssturmuniform beginnt eine verzweifelte Flucht aus dem Bombenhagel.

5. „Ich komme von Ewald von Demandowsky, und ich habe Ruhr, Läuse und keine Papiere“. So meldet sich Hilde Knef bei Viktor de Kowa. Sie wird aufgenommen und ist dabei, wenn Nachkriegstheatergeschichte geschrieben wird.

6. Kurt Hirsch beginnt, eine Rolle im Leben der Knef zu spielen. Ihr Mentor, der Filmproduzent Erich Pommer, kurbelt mit der Rolle in „Die Mörder sind unter uns“ ihre Filmkarriere an. Bald heißt es: Berlin oder Hollywood?

7. Bei der Premiere von „Die Mörder sind unter uns“ bleibt Hildes Stuhl leer. Sie ist mit Kurt Hirsch auf dem Weg nach Hollywood. Doch anstatt Ruhm hat sie hier bald wieder dieses Gefühl der Abhängigkeit und Hilflosigkeit.

8. Hilde ist zurück um „Die Sünderin“ zu drehen. Der Skandal um den Film stellt alles in den Schatten. Mit dem Wirtschaftswunder hat sich „eine auf Keuschheit bedachte Betulichkeit“ breit gemacht im Nachkriegsdeutschland.

9. Weil der Skandal um „Die Sünderin“ bald in Verfolgung ausartet, verlässt die Knef Deutschland, dreht im Ausland. Doch dann bekommt sie ein besonderes Angebot aus Amerika: Als erste Deutsche soll sie am Broadway spielen.

10. Hilde spielt die „Ninotschka“ in „Silk Stockings“ am Broadway. Cole Porter hat aus dem Ernst Lubitsch-Film ein Musical adaptiert. Die monatelangen Proben sind nervenaufreibend. Und Marlene Dietrich kommt zur Premiere.

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Es gehört zum Wesen eines Provokateurs, dass er auch jenen zuweilen auf die Nerven geht, die seine Arbeit schätzen und ihm für vieles dankbar sein müssen.
Anfang der 90er Jahre wurde in der schwulen Subkultur diskutiert, ob es statthaft sei, versteckt-homosexuelle Prominente zu outen. Soweit ich mich erinnere (es mag trügen), war ich der einzige in meinem Blickfeld, der diese Maßnahme grundsätzlich für legitim hielt. Die jüngeren wie die älteren politisch aktiven Schwulen – die sogenannten Bewegungsschwestern – waren der Meinung, das dürfe man nicht und musterten mich indigniert. Ich hatte mich selbst in meinem konservativen Lehrbetrieb geoutet und damit letztlich sehr gute Erfahrungen gemacht – einige besonders offene Feindseligkeiten inklusive, die mir die Beendigung eines würdelosen Zustandes jedoch wert waren. Außerdem empfand ich den damaligen Zeitgeist als günstig, um der Gesellschaft mit einigen Denkanstößen aufzuhelfen. Das Ganze war ohnehin ein Gedankenspiel: ich hatte nicht die Absicht, irgendjemanden zu outen und hätte dafür auch gar nicht über die notwendige Öffentlichkeit verfügt.
Rosa von Praunheim verfügte darüber.
1991 saß er in einer Krawallsendung des jungen Privatfernsehens auf dem titelgebenden „Heißen Stuhl“ und sprach, wie es so seine Art war, über mancherlei, hauptsächlich aber über sich selbst. Die Koketterie, mit der in einem flüssigen, auf beiläufig gemachten Nebensatz Alfred Biolek und Hape Kerkeling outete, war mir unsympathisch. Aber sie wirkte: Rosa war in aller Munde, Biolek verhielt sich großartig (als die „Bild“ ihn darauf ansprach, bremste er sie mit dem Spruch „Das weiß doch jeder!“ für alle Zeit aus), und auch Kerkeling erfüllte meine niedrige Erwartung: erst stritt er auf wenig originelle Weise alles ab (indem er andeutete, Rosa wolle sich dafür rächen, dass er ihn habe abblitzen lassen), dann erkannte er, dass ihm sein Publikum diese Enthüllung keineswegs übelnahm, und schließlich ließ er sich von der Schwulenszene als wackerer Vorreiter feiern und auf zahlreiche Partys und Schnittchen-Büffets einladen, gerade so, als habe er sich tapfer selbst geoutet.

Es ist anzunehmen, dass Rosa von Praunheim mit diesem Outing zweier letztlich unverwüstlicher Publikumslieblinge tatsächlich dazu beitrug, dass sich das gesellschaftliche Klima in seinem Sinne weiter entspannte. Auch die Auswahl stimmte: hätte er zwei Fußballer von Bayern München für seine Enthüllung gewählt, wäre es denen übel ergangen.

Der für die Schwulenbewegung ebenfalls bedeutsame Comic-Künstler Ralf König, den von Praunheim für den Sender arte einmal portraitierte, weiß dessen Verdienste zu schätzen, nennt ihn und seine Arbeit aber auch als einen der Gründe dafür, dass er seiner Community niemals als jemand erscheinen wollte, der ihr erklärt, wie sie sich zu verhalten habe.

Dass alles einmal Erreichte nicht für die Ewigkeit war, dass sich die Lage heute wieder zunehmend homophob gestaltet, dafür kann Rosa von Praunheim nichts.
Was bleibt, sind seine c. a. 180 Filme, die unterschiedliche Genres bespielen und auch in der Qualität sehr voneinander abweichen. Meine beiden Favoriten sind seine Rainer–Werner–Fassbinder-Doku* (der einzige mir bekannte Film zu diesem großen Thema, der eine gewisse Ausgewogenheit besitzt) und das Dokumentarspiel „Härte“**. Ich glaube, diese Titel werden ihren Wert noch eine Weile behalten.  
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* https://blog.montyarnold.com/2022/04/12/fuer-mich-gabs-nur-noch-fassbinder/
** https://blog.montyarnold.com/2022/07/23/haerte-rosa-von-praunheim/

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Lars-Olav Beier hat die Wirkung des Filmschauspielers Sean Connery 1991 so beschrieben, als er den alten Recken im gleichnamigen Taschenbuch zu den „Stars des Neuen Hollywood“ rechnete: “Vielleicht machte ihn gerade die Impertinenz, mit der er in die Welt des Reichtums und des Luxus eindringt, ohne ihr selbst anzugehören, zur unerwarteten Identifikationsfigur. Connerys Bond bittet nicht um Einlass, er verschafft sich Zutritt; statt vor den Klassenschranken stehenzubleiben, setzt er leichtfüßig über sie hinweg. (…) Im Gegensatz zu Flemings Helden fehlt Connery die snobistische Attitüde; er ist ein pragmatischer Hedonist. (…) Connery war in diese Rolle wie in einem Maßanzug geschlüpft und decouvrierte sie zugleich bei jedem Schritt als Kostümierung.“

Connery war außerdem ein Glückspilz, bei dem sich sogar Missliches als Vorteil herausstellen sollte. Offensichtlichstes Beispiel: sein frühes Altern (komplett mit Haarausfall) machte aus ihm mit etwa 40 den schönsten alten Löwen des Kinos und späteren „sexiest man alive“ (nur Burt Lancaster hat ähnlich früh damit begonnen, bildschöne Altersrollen zu spielen); selbst die zwei tiefen Falten, die ihm ein Magengeschwür in Jugendtagen einbrachte, ließen ihn nur markanter und attraktiver aussehen. Dass ihm der frühe Ruhm mit schlechter Bezahlung und dem Verbot vermiest wurde, neben James Bond mehr als einen Film pro Jahr zu drehen, führte zu einer hochinteressanten Rollenwahl bei diesen und den folgenden Projekten. Das hielt bis zu seiner letzten, eher parodistischen Rückkehr zu 007, gut 20 Jahre nach seinem Debüt in dieser Rolle. Connery hat nach dem tiefenentspannten Befreiungsschlag, als der sich „Never Say Never Again“ herausstellen sollte, nur noch wenig gemacht, was seinen früheren Ansprüchen gerecht würde. Im Wesentlichen sind hier nur „Der Name der Rose“ und „The Untouchables“ zu nennen. Der Rest ist (immerhin) Edelschrott. Sein annoncierter Abschiedsfilm war 2003 „Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen“. Obwohl diese Action-Komödie eine hochinteressante Vorlage hat (die gleichnamige Graphic Novel von Alan Moore) und mit Connerys großer Vergangenheit spielt, kommt nur oberflächlicher Murks dabei heraus. Das Schlimmste: der Film kreist ausschließlich um seinen eitlen Hauptdarsteller, obwohl es doch ein Ensemblefilm ist.
Schwamm drüber!

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In den heute vernehmlichen Nachrufen auf Charles Strouse – wo es überhaupt welche gibt – ist von seinen beiden Hauptwerken als Musical-Komponist die Rede: „Bye Bye Birdie“ (ein letztlich vergeblicher Versuch des Broadway, dem Lauf der Popkultur ins Gesicht zu lachen) und „Annie“ (einem sensationell gut besuchten Kitschmonster, das wie von selbst den Weg in die Verulkung fand, wie Kai Luehrs-Kaiser so richtig anmerkte).
Es muss uns genügen, dass ein fähiger Künstler zu seiner Zeit Erfolg hatte, wenn auch nicht mit den Arbeiten, die es verdient gehabt hätten. Auch den Liebhabern des klassischen Musicals ist Strouses „Golden Boy“ von 1964 weitgehend unbekannt. Ich kenne dieses swingende Boxerdrama nur von der Langspielplatte und ahne entfernt, was es bedeutet haben könnte, Sammy Davis jr. in der Hauptrolle zu erleben. Einen Augenzeugenbericht enthält die 5teilige Radiodoku „Der unmögliche Traum“, die diesem schwarzen Entertainer gewidmet ist, urgesendet im April und Mai 1984 im RIAS und noch nachhörbar auf der DLF-Seite zum Thema „Aus den Archiven“. Der Autor Siegfried Schmidt-Joos erzählt sogar, wie der „Golden Boy“ sich im Laufe seiner Spielzeit am Broadway entwickelt hat.
In ihr lebt auch Charles Strouse noch einmal auf. Ein weiteres vergessenes Kleinod des Komponisten ist „Applause“, seine Version des Filmklassikers „All About Eve“. Lauren Bacall übernimmt darin in ihrer einzigen Musical-Rolle am Broadway den Part von Bette Davis.

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Das Wichtigste zuerst: die Deutschen, die Richard Chamberlain phasenweise sehr geliebt haben, sprechen ihn falsch aus (auch bei den Nachrufen wird das so bleiben): er heißt nicht Tschemberläin, sondern – umgekehrt wird ein Schuh draus – Tschäimberlin.
Weniger wichtig, aber interessanter ist: als jemand, der als ein typischer Vertreter seiner Schauspielergeneration hin und wieder zum Singen genötigt wurde, zählte er zu jenen, die das tatsächlich konnten. Nicht nur die Titelmelodie seiner Serie „Dr. Kildare“ (in den USA sehr erfolgreich, bei uns völlig unbekannt) hat er interpretiert: „Three Stars Will Shine Tonight“, hie und da wurde er auch anlässlich seiner Kino-Hauptrollen ans Mikrofon gebeten.
Als er 1984 seine bei uns beliebteste Rolle spielte – den Pater Ralph im TV-Vierteiler „Die Dornenvögel“ -, war das Genre des Filmsongs bereits versunken, und so blieb der Titelmusik von Henry Mancini eine Vokalfassung verwehrt.
Das Liebesdrama „Joy In The Morning“ haben wir nie in einer deutschen Version gesehen, und das ist mindestens hinsichtlich des Soundtracks ein Verlust. Er stammte von Bernard Herrmann, den Song steuerte das bewährte Team Fain & Webster bei.
Mit „Dr. Kulani – Arzt auf Hawaii“ und den Wiederholungen von „Shogun“ konnte Chamberlain seinen deutschen Serien-Ruhm im jungen Privatfernsehen noch etwas dehnen. Die LP, die ihm der verantwortliche Sender SAT.1 in diesem Zusammenhang widmete, vermochte ihn als Sänger leider nicht bei uns etablieren.

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Maggie Smith hat sich ziemlich dicht an Woody Allens Begriff von der Unsterblichkeit herangepirscht. Als der große Regisseur mal etwas billig mit dem Hinweis getröstet wurde, durch seine Filme sei er jetzt schon unsterblich, antwortete er, er zöge es doch vor, lieber tatsächlich am Leben zu bleiben.
So hat es auch die noch etwas ältere Kollegin Maggie Smith bisher geschafft, selbst bei den jugendlichen Zielgruppen präsent zu bleiben: weiterleben und weiter arbeiten.

Aus dem Munde dieser großartigen Komödiantin (darauf läuft es mal wieder hinaus) wirkten sogar die tuntig-faden Hüstelwitzchen in „Downton Abbey“ wie Oscar–Wilde-Einlassungen. „Der Spiegel“ (sicherlich ein freundlicheres Organ als dieses) sagt dazu, Smith, die „jeden noch so brillanten Dialogsatz weiter zuspitzen und punktgenau ins Ziel bringen konnte, war mit ihrem wunderbar ausdrucksvollen Gesicht auch jederzeit in der Lage, der Komik Melancholie beizumischen“.
Melancholie und Erstaunen. Wer genau hinsah, konnte bei ihren Auftritten als Violet Crawley bei jeder „Punktlandung“ ein winziges Kräuseln in ihrer Mimik erkennen, das zu sagen schien: „Faszinierend, was heute alles beim Fernsehen durchgelassen wird.“
Maggie Smith wusste: das Miterleben des kulturellen Niedergangs ist der Haken an der Unsterblichkeit.

Mir ist Maggie Smith in einem meiner Lieblingsfilme erstmals aufgefallen: in „Hotel International“*, einer All-Star-Schnulze, die großen Kitsch auf handwerklich höchstem Niveau zu bieten hatte. Hier stammten die Texte noch von Terence Rattigan. (Sein ewiges Leben endete 1977.)
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* Siehe auch https://blog.montyarnold.com/2017/04/25/die-schoensten-filme-die-ich-kenne-23-hotel-international/

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Die Gäste schlecht vorbereiteter Interviews werden gerne mit langen klebrigen Aufzählungen begrüßt, so nach dem Schema: „Frau Knef – Sie sind Sängerin, Schauspielerin, Malerin, Dichterin, Schriftstellerin, Tropenforscherin, Krokodilzüchterin, Kopfgeldjägerin … – Wie schaffen Sie das eigentlich alles?“ Ich schäme mich dann immer ein bißchen fremd – so als hätte sich hier jemand selber gelobt.
Werner Schneyder ist in meiner Erinnerung der einzige, der einer solchen Einführung mit dem Hinweis entgegentrat, letztlich hingen ja all die gesagten Dinge miteinander zusammen und wären gar nicht so viele wie sie sich anhören.

Nun lese ich in den ersten Online-Meldungen vom Tode des Schauspielers David McCallum ein Statement seines Sohnes Peter, das in diese Richtung geht. Sein Vater sei „von Wissenschaft und von Kultur begeistert gewesen. Er konnte sowohl ein Orchester dirigieren, als auch eine Autopsie vornehmen, dank seiner jahrzehntelangen Studien“ für die Rolle des  Gerichtsmediziners Donald „Ducky“ Mallard in der seit 2003 laufenden Krimiserie „Navy CIS“.
Ich habe die Serie nie gesehen, dennoch hat David McCallum einen ganz besonderen Platz in meinem Herzen. Er war her heimliche Held (also der wichtigste männliche Nebendarsteller) im Adventsvierteiler meines 12. Lebensjahres „Die Abenteuer des David Balfour“ (sowas verbindet, besonders wenn Peter Fricke die Rolle synchronisiert) und trat bald darauf – gerade so, als hätte er meine geheimsten Wünsche erfüllen wollen – in einem herrlich schrägen „Frankenstein“-Zweiteiler auf.* Da war er längst ein Star für mich, denn er hatte kurz davor in der Titelrolle der kurzlebigen Reihe „Der Unsichtbare“ große Selbstironie bewiesen. Ich schnappte am Rande auf, er habe außerdem in „Solo für O.N.C.E.L.“ (wiederum im Fernsehen, aber nicht auf unserem Bildschirm) mit Leo G. Carroll und Robert Vaughn ein Team gebildet. Dass David McCallum auch Musiker war, wusste sich seit seiner Version des „Batman“-Themas von Neal Hefti (als Erkennungsmelodie der SR-Sendereihe „Bundfunk“) …
All das ist natürlich kompletter Kleinkram und längst vom Winde verweht, ebenso wie die wenigen Filmauftritte des Schauspielers – etwa als Patient von Montgomery Clift in „Freud“ (1961) oder als Bösewicht in „Hear My Song“ -, aber da war es schon passiert: ich hatte diesen gar nicht mal gutaussehenden, aber unendlich liebenswerten Kerl mit der Handpuppenfrisur längst ins Herz geschlossen.
Und ich freute mich all die Jahre, dass er immer noch da war und mitmischte, z.B. bei „Navy CIS“. Dass uns ein so vielseitiger Künstler ausgerechnet auf dem Gipfel des Facharbeitermangels verlässt, hätte sich auch die Drehbuch-KI nicht schöner ausdenken können.

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* Der ST. GEORGE HERALD berichtete: https://blog.montyarnold.com/2015/04/17/kein-monster-wie-alle-anderen/

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Paul Schrader und sein Bruder Leonard wurden in eine tiefreligiöse Familie hineingeboren. Die Eltern ließen ihnen eine psychologische Folter aus Nadelstichen, Peitschenhieben und der völligen Verfemung irdischer Annehmlichkeiten angedeihen, um sie schon einmal seelisch auf die ewige Verdammnis vorzubereiten. Fernsehen und Kino waren natürlich verboten, dafür wurden den Jungs frühzeitig Gewehre geschenkt, die sie sogar mit ins Bett nahmen. (Leonard soll sich den Lauf der Waffe nachts in den Mund gesteckt haben „wie einen Schnuller“.)
So begab es sich, dass der spätere gefeierte Drehbuchautor Paul Schrader seinen ersten Film mit zwanzig sah. Bei einem der nächsten hat es dann Klick gemacht: „Lied des Rebellen“, in dem Elvis Presley einen jungen Schriftsteller spielt.

Den Besuch des calvinistischen College versüßte sich Schrader mit seiner Arbeit für den studentischen Filmclub und das Verfassen von Kritiken für die Unizeitung. (Besonders lobend äußerte er sich darin über Bergman, Dreyer und ähnlich hochwertige Kinoerzähler.) Die berühmte Kritikerin Pauline Kael, an die er sich mit der Bitte um Rat und Aufmunterung gewandt hatte, riet ihm zum Besuch der Filmhochschule. So begann Schrader 1968 ein Studium an der UCLA.
Für das nervöse, untersetzte Landei bedeutete dies sowohl einen Umzug ins Paradies als auch einen einschüchternden Kulturschock.  Immerhin: er konnte sich im Schreiben von Kritiken üben und gewann zumindest fachliches Selbstbewusstsein. Als er „Easy Rider“ verriss, wurde er aus der Filmredaktion seiner Underground-Zeitung herausgeschmissen. Da Pauline Kael sich für ihn einsetzte, brachte er es schließlich zum Herausgeber eines angesehenen Filmmagazins.
Nachdem er dies erreicht hatte, formte sich das nächste Ziel in ihm aus: er wollte Drehbuchautor werden.

Die Herausforderung ließ seine Neurosen von Neuem aufblühen. Schrader wurde abhängig von Tabletten, Alkohol und Pornokino-Besuchen und scheiterte in einer Ehe. Sein Schusswaffenfetisch verschlimmerte sich (seine braven Eltern wären stolz auf ihn gewesen), aber das dürfte es ihm immerhin erleichtert haben, sich mit John Milius anzufreunden (später der Autor von „Apocalypse Now“ und der Regisseur von „Conan der Barbar“ und schon damals ein Waffen-Fan). Mit Brian De Palma traf er sich hin und wieder zum Schachspielen.
1972 brach er unter der Last seiner Komplexe und seines Lebenswandels zusammen und kam mit einem blutenden Magengeschwür ins Krankenhaus. Das – so erzählte er später – habe ihn gerettet. Er kam hier nicht nur zu Besinnung, er brütete auch die Geschichte aus, die ihn unsterblich machen und ihm einen künstlerischen Exorzismus verschaffen sollte: „Taxi Driver“. Ein Song von Harry Chapin und die Meldungen über die Erschießung des Gouverneurs von Alabama lieferten ihm wichtige inhaltliche Details.
Mit dem so entstandenen Drehbuch musste er noch eine ganze Weile hausieren gehen (auch De Palma lehnte ab). Zu abseitig war dieser Held gestrickt, der unser Verständnis für einen Außenseiter einfordert, der sich in Selbstjustiz übt. Sogar Pauline Kael war nach der Lektüre besorgt. Wie er bloß auf diesen Typen gekommen sei, fragte sie ihren Zögling, und er antwortete: „Das bin ich ohne Verstand.“ Der Erfolg, der dem Film schließlich beschieden sein sollte, änderte nichts an Schraders Bescheidenheit. Mitte der 90er verkündete er etwa, durch „Pulp Fiction“ sei seine Arbeit als Drehbuchautor mit einem Schlag völlig veraltet. Von seinem größten Triumph machte er einen entscheidenden Abstrich.
Die Szene, die sich dem Publikum von „Taxi Driver“ und insbesondere der De-Niro-Fangemeinde als wichtigster Schlüsselmoment eingeprägt hat, ist jene, in der der Held in einem heruntergekommenen Zimmer steht und sich in seine geplante Begegnung mit den Halbweltfiguren hineinmonologisiert, die er zur Strecke bringen will. Er übt das Ziehen seiner Waffe und freut sich darauf, sich provozieren zu lassen. Immer wieder fragt er: „You’re talking to me?“
Die Szene entstand in den letzten Tagen der Dreharbeiten. Regisseur Martin Scorsese hatte Robert De Niro gebeten, diesen Text zu improvisieren, aber zusätzlichen Schliff bekam der Vortrag dadurch, dass er mehrmals wiederholt werden musste.
Schrader hat eingeräumt, dass das Ergebnis wirklich eindrucksvoll war: „Das war die beste Stelle im ganzen Film. Und ich habe sie nicht geschrieben!“

Ab Ende der 70er Jahre hat Schrader auch als Regisseur gearbeitet und Erfolg gehabt. Sogar den Katholiken konnte er noch eins draufgeben: mit seinem Drehbuch für „Die letzte Versuchung Christi“, wiederum für Martin Scorsese.

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