danke fürs Heraussuchen eines unvermuteten Kleinods aus den Spättagen von Old Hollywood als Pyramid Frolic!
„Marty“ ist als Film so scharf beobachtet, gewinnt daraus einen solchen Charme, und tut dies mit einer so „schlanken“ Dramaturgie und solch schlichten Stilmitteln, dass zumindest der Gewinn der Palme d’Or wenig wundert, war doch Neorealismus in den Mittfünfzigern in der europäischen Filmkunst schwer en vogue. Der Oscar-„Hagel“ erstaunt da schon eher, wenn man sich die „Kleinheit“ des Stoffes vor Augen führt. In der Jury des Jahres 1956 hatten wohl die Filmkünstler das Sagen… Dass dem Ganzen ein erfolgreiches Theaterstück oder Fernsehspiel zugrunde lag, kam der Ökonomie — gemeint in jedem denkbaren Sinne — des Stoffes sichtlich zugute; ich würde sogar vermuten, dass selbst der angenehm kurze und bündige, gerade noch nicht völlig offene Schluss darauf zurückzuführen ist.

Was die „mitspielende“, Kolorit und Atmosphäre verleihende Stadt angeht, meint der Ingenieur in mir 😁 Anzeichen dafür bemerkt zu haben, dass es sich wohl um New York, genauer gesehen um einen seiner östlichen Kleine-Leute-Stadtteile wie Brooklyn, die Bronx oder Queens handelt:
Neben zahlreichen Anklängen des unverwechselbaren Dialekts im Originalton sind dort bei Straßenszenen auch die charakteristischen Fahrgeräusche der Hochbahn zu hören, als welche die New Yorker U-Bahn große Teile der genannten Stadtteile durchquert bzw. erschließt. In einer Außenszene fährt im Hintergrund sogar ein Hochbahnzug durchs Bild.
Wichtigstes Indiz sind für mich aber die Szenen an den Bushaltestellen: Der Nachtbus trägt an seinen Seitenwänden die für das New York der Epoche typische Aufschrift „Metropolitan Transit Authority“ der Städtischen Verkehrsbetriebe, welche sich auch als Kürzel MTA auf den Haltestellenschildern wiederholt.
Die genannten Stadtteile (Boroughs) von New York wurden erst relativ spät (und aus ihrer Sicht ungern) eingemeindet (in der Regel deshalb, weil sie der Leistungsfähigkeit ihrer eigenen örtlichen Trinkwasserversorgung längst entwachsen waren und von der leistungsfähigen Fernwasserversorgung der Millionenstadt New York mit versorgt werden sollten). Zum Zeitpunkt ihrer Eingemeindung waren das aber längst eigenständige Mittelstädte mit hunderttausend oder mehr Einwohnern (im Falle von Brooklyn) und gewachsenen urbanen Strukturen wie eigenen, lebendigen „Stadtzentren“. Ähnlich wie hierzulande etwa Altona, Spandau, Tegel, Charlottenburg oder Köpenick mit ihren „Stiefmutterstädten“ Hamburg bzw. Berlin verbindet die Boroughs eine herzliche Hassliebe mit der Metropole, die mindestens so groß ist wie der jeweilige Lokalstolz und so etwas wie Selbstgenügsamkeit: Die haben selber alles, die brauchen „die Stadt“ eigentlich gar nicht… Dass dem Film gelang, dies ganz beiläufig — gewissermaßen atmosphärisch — ebenfalls einzufangen, spricht für die Kunstfertigkeit von Delbert Mann, dessen Regie-Oscar meiner unmaßgeblichen Meinung nach ebenso verdient ist wie der Darstellerpreis für Ernest Borgnine.

„Marty“ mag relativ sang- und klanglos aus dem Gedächtnis des breiten Publikums verschwunden sein; immerhin aber hat die Kongressbibliothek in Washington in getreulicher Verfolgung ihres Auftrags den Streifen mittlerweile in ihre Auswahl des filmischen Kulturerbes der Nation aufgenommen.

(Das letzte Mal, dass mir Ernest Borgnine auf der Leinwand bewusst vor Augen kam, war in einem maßgeschneiderten Cameo als steinalter Archivar und personifiziertes Gedächtnis der CIA in der hübsch selbstironischen Bruce Willis/John Malkovich/Helen Mirren-Agenten-Remmidemminummer „R.E.D. — Alt und gefährlich“)

Zähneknirsch.

Ich habe Abbitte zu leisten für einen „uneducated guess“ in vorstehender Ziffer 1 meines nachgetragen Senfs: Inzwischen weiß ich’s besser und nehme die gemachten Andeutungen gegen Phalanx Productions zurück.

Folgendes hingegen ist richtig:

Um sich auch im neuen Hollywood-System Einflussmöglichkeiten auf die Produktion ihrer Filmstoffe zu sichern, steckten Billy Wilder und I.A.L. Diamond beträchtliche Summen eigenen Geldes in die späteren Wilder-Filme. Zu diesem Zweck gründeten sie gemeinsam Phalanx Productions, die alle Wilder-Filme von „Der Glückspilz“ bis (mindestens) „Fedora“ ko-produzierten und dabei bisweilen ziemlich zusetzten.
Phalanx können also in der Kabale um die gekürzte Fassung von Wilders Sherlock-Holmes-Film nicht die „Bösen“ gewesen sein.
Auch der schillernde Name des Unternehmens, „Phalanx“, erklärt sich in diesem Lichte ganz zwanglos als „Wir beide gegen den Rest der Welt“…

SI TACUISSES PHILOSOPHUS MANSISSES!

AscheaufmeinHauptstreu.

„Arme“ ≈ Army

„Konstruktor“ = Instrukteur

😠😡🤬🤯 Dreimal verfluchtes AutoCorrect! Künstliche Intelligenz= natürliche Blödheit; uund bestellt habe ich die Einmischung dieses neunmalklugen Nixkönners schon gar nicht. — Entschuldigung!😔

Auf dem japanischen U-Boot fährt übrigens Christopher Lee als Nazi-Marineoffizier und Konstruktor mit und tritt den Beweis an, dass er tatsächlich fließend und akzentarm Deutsch sprach.
Spielbergs reizüberflutende Materialschlacht „1941“ ist ein mit vielen einzelnen Kabinettstückchen gespickter bad movie we love und wäre vielleicht ein lohnender Kandidat für einen Pyramide Frolic bei den Kultfilm-Azubis.

Viele Grüße!

„Ich hatte ihr das Manuskript geschickt. Und prompt kam es zurück, buchstäblich postwendend: „Eingeschrieben. Per Eilboten“, so als hätte sie es nicht schnell genug loswerden können. Und ein Brief war dabei. Er bestand aus fünf Worten: „How could you possibly think!“ In großen Druckbuchstaben. Ja, wie hätte ich auch nur ernsthaft annehmen können, dass sie …“
(zit. n.: Billy Wilder. Eine Nahaufnahme von Hellmuth Karasek)

… John Gay war mit seiner „Rasierklinge“ absolut werkgetreu (vgl. englischsprachige OV von Wilders „Witness To The Prosecution“). Der „Haifischrachen“ stammt aus der deutschsprachigen Synchronisation von 1958(?) und nützt ziemlich schamlos aus, dass man Charles Laughton zu dem Zeitpunkt nicht in Großaufnahme sieht und die vielsilbige Weitschweifigkeit der mittelmäßigen Übersetzung leicht vermogeln kann.
„Rasiermesser“ wäre die bessere (und besser im Bild bleibende) Übersetzung gewesen.
Ansonsten hast Du natürlich mit allem dermaßen Recht, und die „Remakeritis“ (= Filme, die die Welt [eher] nicht braucht) IST eine Seuche…

(Aren’t we Grumpy Old [White] Men?)

1) Als Produktionsgesellschaften von „Das Privatleben des Sherlock Holmes“ zeichnen drei Firmen verantwortlich: The Mirisch Corporation, Compton Films und Phalanx Productions.
Die Gebrüder Mirisch, gegen Ende des alten Hollywood-Studiosystems mit eigenem Geld als unabhängige Produzenten ins Filmgeschäft eingestiegen, hatten bereits früher vertrauensvoll und erfolgreich mit Wilder und Diamond zusammengearbeitet (und nicht nur mit denen!), waren ein verhältnismäßig honoriger Laden und eher nicht dafür bekannt, sich groß in künstlerische Angelegenheiten einzumischen. Ein gutes Händchen für Filmstoffe hatten sie obendrein, und deshalb in den 60er und 70er Jahren einen stetig wachsenden Anteil am „Kuchen“.
In den 70er Jahren flossen aber zusehends auch Mittel von eigens dafür gegründeten Finanzierungsgesellschaften aus dem freien Kapitalmarkt nach Hollywood — mit entsprechend aggressiver Gewinnerzielungsabsicht. Die beiden anderen Gesellschaften, Compton und Phalanx, die die Großproduktion von Wilders Sherlock-Holmes-Film mit stemmen sollten, waren offenbar von letzterem Schlage — bei den besonders schillernd betitelten „Phalanx Productions“ ist die get-rich-quick-Schwindelfirma ja geradezu mit Händen zu greifen!
Ich vermute stark, dass die Mirisch-Brüder bei dem Projekt die Rolle der Galionsfiguren erfüllen mussten, deren guter Name „die Künstler“ und „die Szene“ beruhigen sollten, die wahren Schurken in diesem Stück Filmgeschichte aber in den Büros und Rechtsabteilungen der Kofinanziers zu suchen sind…

2) Der britische Schriftsteller Jonathan Coe, der u.a. einen teilweise biografischen Roman „Mr. Wilder und ich“ über und mit Billy Wilder und dessen letzten Film geschrieben hat (lesenswert!), erzählte für die „Cahiers du Cinéma“ in einem längeren Artikel „Detective Work“ von seiner langjährigen Obsession mit Wilders Sherlock-Holmes-Film und dessen fehlenden Teilen. Den Artikel kann mensch bei Interesse im Netz unter
https://www.theguardian.com/film/2005/apr/30/jonathancoe.arthurconandoyle
nachlesen.

3) Wie ihm anscheinend öfter untergekommen, war Wilders Sherlock-Holmes-Film außerhalb der USA, speziell in Europa, deutlich erfolgreicher als auf dem „heimischen“ Markt.

Wissend, dass ich mich damit in vermintes Terrain wage, nun aber noch zu etwas völlig anderem:

4l Wenn man sich die englischsprachige Originalversion von „Manche mögen’s heiß“ anschaut, wird m.E. ziemlich deutlich, wie Marilyn Monroe durchaus begriffen hat, dass Wilder und Diamond Sugar Kowalchik aus Sandusky, Ohio, als Rolle angelegt haben, die eine andere Rolle spielt, um im Leben „vorwärts“ zu kommen — nämlich das stereotype blonde Dummchen. Der Hintergrund ihres richtigen Lebens scheint da bei mehr als einer Gelegenheit durch, nicht zuletzt in der Eispickel-Sequenz mit Tony Curtis während der Spontanparty der Mädchenkapelle.
Die Sympathien der beiden Autoren liegen hier — wie in anderen ihrer Drehbücher auch — ziemlich eindeutig bei den kleinen Leuten mit den großen Träumen, und Monroe transportiert das auch alles erfolgreich: Ihre darstellerische Leistung durch den ganzen Film hindurch ist ungemein konsistent und m.E. umso bewundernswürdiger, wenn mensch bedenkt, welche Ohrfeigen und Tiefschläge das wahre Leben gleichzeitig an Norma Jeane Mortenson austeilte. (In diesem Licht verlieren die zahlreichen und beliebten Anekdoten über Monroes „Verpeiltheit“ am Set von „Manche mögen’s heiß“ auch das meiste von ihrer Heiterkeit.)

Howgh, ich habe (schon wieder!) gesprochen…

(Is‘ das peinlich…)

danke für die jüngsten Kultfim-Azubis mit einem „Double whammy“ von Filmen aus meiner insgeheimen Favoriten-Liste!
Über beide Wilder-Filme gibt’s für mich wenig zu diskutieren, aber noch viel zu erzählen. Ich will’s mir aber erstmal verbeißen, hier noch viel Senf dazuzugeben, und mich auf zwei Dinge beschränken:

1) Der deutschsprachige „Vorgänger“ von „Some Like It Hot“ war 1951 „Fanfaren Der Liebe“ von 1951, Regie: Kurt Hoffmann, mit Dieter Borsche und Georg Thomalla in den Hauptrollen. Hoffmanns und Wilders Film beruhen tatsächlich beide auf demselben, 1935 in Frankreich erstmalig verfilmten Treatment von Robert Thoeren und Michael Logan, was bei Wilder nichts Unübliches ist, denn er hat oft fremde Stoffe als Ausgangspunkt für eine grundhafte Überarbeitung im Team mit seinem jeweils aktuellen Co-Autor verwendet (ein anderes derartiges Beispiel wäre „One, Two Three“, dessen Plot aus einer ungarischen Theaterfarce aus der Zwischenkriegszeit hervorging).

„Fanfaren der Liebe“ kann mensch gegenwärtig übrigens unter
https://youtu.be/KQsOjivvePY?is=asY195LT_kXSO794
auf DuTube! finden, wenn’s interessiert.

2) Im Gegensatz zu Wilders früheren Erfolgsfilmen im alten Hollywood-Studiosystem, bei denen es ihm als Kassenmagnet stets gelang, auch die Schnittrechte für sich mit herauszuverhandeln, hatte er diese für „The Private Life Of Sherlock Holmes“ nicht erhalten. Ursprünglich als große, überlange Breitwand-Produktion in der Tradition der 50er und 60er Jahre konzipiert und auch abgedreht, bekamen Studio (d.h. Investoren) und Verleih nach dem Rohschnitt kalte Füße und erzwangen verschiedene nachträgliche Eingriffe in die Film- und Erzählstruktur — neben dem leicht verunglückten Rahmenhandlungs-Vorspann eben die von Euch erwähnten drastischen Kürzungen. Wilder war so sauer darüber, wie ihm da ins Handwerk gepfuscht wurde, dass die nachträglichen Filmschnitte nicht bloß auf dem sprichwörtlichen cutting room floor landeten, sondern gleich im incinerator…

(Leider habe ich in den Shownotes nirgends den versprochenen Link zu mehr Hintergrundmaterial zu den beiden verlorenen Kapiteln von Wilders Film finden können – oder habe ich nur nicht an der richtigen Stelle bzw. gründlich genug gesucht?)

Jetzt sind’s doch wieder mehr Worte geworden als ursprünglich beabsichtigt. — Sorry.
Nochmals danke für die heutige Podcast-Folge, und viele Grüße!