A) Masters of The Universe
US-Fantasymärchen von 1987

Der abscheuliche Skeletor hat Eternia erobert und die Macht der guten Zauberin gebannt. Der tapfere Krieger He-Man stellt sich dem Aufstieg des Usurpators zum Beherrscher des Universums erbittert entgegen. Er bringt den magischen Dimensions-Schlüssel an sich und wird mit einem Häuflein Getreuer in eine andere Welt katapultiert: in die USA der Achtziger. Zwei Teenager finden das Gerät und haben prompt Skeletors finstere Handlanger am Hals. Die Schlacht des Guten gegen das Böse geht in die entscheidende Runde …

Innerhalb von fünf Jahren konnte der Spielwarengigant Mattel weltweit 120 Millionen He-Man-Actionpuppen verkaufen. Es folgte eine Zeichentrickserie, den Film besorgte die „Cannon“-Gesellschaft, ohne deren hurtig produzierte Produkte die Videotheken der 80er Jahre halbleer geblieben wären. Den israelischen Cousins Menahem Golan und Yoram Globus war zuvor mit den „Eis am Stiel“-Sexklamotten der Einstieg in die Branche gelungen.

B) Ein Mann geht durch die Wand
Wirtschaftswunder-Fantasykomödie von 1959

Der unverheiratete Finanzbeamte Buchsbaum ist ein netter Langweiler aus dem Bilderbuch – er sammelt sogar Briefmarken. Eines Tages bemerkt er eher zufällig, dass er durch Wände gehen kann. Diese Superkraft ermöglicht ihm, allerlei Unfug anzustellen – z.B. nächtliche Einbrüche – und kommt ihm sehr gelegen, als er sich seines neuen Chefs erwehren muss. In einer besonders wichtigen Angelegenheit hilft Buchsbaum diese Fähigkeit aber nicht weiter: er hat sich in seine neue Nachbarin verliebt, eine alleinerziehende französische Klavierlehrerin …

Marcel Aymés phantastische Novelle „Le Passe-muraille” von 1941 wurde mehrmals verfilmt, als Hörspiel und Musical adaptiert, in Paris wurde ihr sogar ein Denkmal gesetzt. Gewisse Parallelen zu „Und täglich grüßt das Murmeltier“ fallen uns nachträglich auf. Mit der kleinen Anita von Ow und dem Regisseur Ladislao Vajda realisierte der deutsche Superstar Heinz Rühmann im selben Jahr noch einen auf ganz andere Weise bemerkenswerten Film, das Kriminaldrama „Es geschah am hellichten Tag“ nach Friedrich Dürrenmatt.

Nächste Woche: Ferris macht blau und Tödliche Entscheidung

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„Die Mumie“ ist wieder da, das jüngste der ganz klassischen, alten Kinomonster.

TV-Reporter Charlie Cannon ist von Berufs wegen mit seiner Familie nach Ägypten gezogen. Als sein Töchterchen Katie von einer Magierin aus dem Garten des Grundstücks entführt wird, ist die örtliche Polizei keine Hilfe, sondern äußert sogar ungebührliche Verdächtigungen.
Die Cannons kehren nach New Mexiko zurück. Acht Jahre später erreicht sie dort die Nachricht, Katie sei wiedergefunden worden: in einem Sarkophag, der unbeschädigt an der Absturzstelle eines Flugzeugs gefunden wurde. Zur allgemeinen Verwunderung ist das Mädchen noch am Leben, wenn auch nicht ansprechbar und überhaupt in einem grauenerregenden Zustand. Vor allem Mutter Larissa will Katie schnellstmöglich nach Hause holen und dort pflegen.
Wie sich herausstellt, ist das Mädchen von einem Dämon besessen. Familie Cannon macht schwere Zeiten durch …

„Die Mumie“ von 1932 ist nicht nur ein ganz besonders reizvoller Genreklassiker, sie erlebte auch ab 1999 mit Brendan Fraser und Dwayne „The Rock“ Johnson eine frisch gebliebene Neuauflage. Der Regisseur des neuen Anlaufs, Lee Cronin, verspricht eine „einzigartige, furchterregende Version, die sich von früheren Mumienfilmen unterscheidet.“ Die Heimlichtuerei geht so weit, dass erst seit heute früh um 6 überhaupt über den Film berichtet werden darf – in den USA läuft er erst morgen an. Ein Schuft, wer dabei auf die Idee kommt, die Produzenten könnten ihrem eigenen Produkt misstrauen.

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Richard Linklater ist ein sehr sorgfältiger Autor und Regisseur, der lange an seinen Filmen arbeitet. Das können Mehrteiler wie die „Before“-Trilogie sein, aber auch eine Langezeitstudie wie „Boyhood“ oder der für 2040 angekündigte „Merrily We Roll Along“. Zurzeit sind zwei seiner Filme parallel unterwegs, beide nach realen Begebenheiten aus dem Kulturbetrieb: das Kammerspiel „Blue Moon“ und der programmatisch betitelte Schwarzweißfilm „Nouvelle Vague“ über die gleichnamige Strömung des französischen Kinos nach dem Krieg.
Zum Letzteren schrieb der „Spiegel“ etwas, das auf beide zutrifft: »Alle Protagonisten geben permanent geistreiche Sätze von sich, (…) ein Quell von Sentenzen, literarischen Zitaten, Apercus; und in manchen Passagen wirken die Dialoge wie eine zu dichte Aphorismensammlung. Verstärkt durch die perfekt kuratierten Kulissen erlangt die (…) Ästhetik stellenweise eine beinahe pornografische Intensität. In dieser Opulenz liegt schließlich auch der elementare Unterschied zwischen Original und Rekonstruktion.«

Während „Nouvelle Vague“ klassische Filmszenen wiederherstellt, ist „Blue Moon“ eher ein Backstage-Bericht, der am Premierenabend des Broadway-Musicals „Oklahoma!“ spielt. Dieses markierte 1943 den Wechsel des Erfolgskomponisten Richard Rodgers von seinem langjährigen Songtexter Lorenz Hart zu Oscar Hammerstein II. Heute wissen wir, dass dies eine endgültige Veränderung sein würde. Und dass das Musical wie auch das Duo Rodgers & Hammerstein Geschichte schreiben sollten.
Der aussortierte Liedtexter sitzt nun am Abend der Premiere im „Sardi’s“ und ist so niedergeschlagen, als wäre ihm beides schon bewusst. Als spitzfindiger, homosexueller Satiriker lässt er sich seine Endzeitstimmung nur mit starker ironischer Brechung anmerken.

Der erste Teil des Films wird hauptsächlich von Ethan Hawke als Lorenz Hart und von Bobby Canavale als Barmann getragen, deren Dialog aus einem pointierten Theaterstück stammen könnte. Dann treffen nach und nach die anderen Premierenbesucher und -beteiligten ein, schließlich auch Rodgers & Hammerstein. Sie lesen die ersten Kritiken (alle hymnisch) und brechen schließlich zu ihrer Feier auf. Hart wird ankündigen, später dazuzustoßen und natürlich nicht hingehen – wie käme er dazu? Er schwadroniert immerzu von seiner Gegenparty, auf der das Golden Gate Quartet singen wird.

Ich bin nicht unvorbelastet: die Details der Trennung von Rodgers & Hart, die abgesehen von Cole Porter die witzigsten, zeitlostesten Musicals der 30er Jahre verfasst haben und damit Dutzende unsterblicher Hits wie „My Funny Valentine“ und „The Lady Is A Tramp“, hat mich schon immer interessiert. Ich habe mich gefragt, wie es wohl gewesen sein mag, als sich der solide Erfolgskomponist Richard Rodgers – bürgerlich und brav, wenn auch kein treuer Ehemann – seines so wesensfremden Texters entledigte: des Partylöwen Lorenz Hart, der zunehmend mit Alkoholproblemen zu kämpfen hatte. Linklater erarbeitete sich das Buch aus dem Briefwechsel Lorenz Harts mit seiner jungen Vertrauten Elizabeth Weiland und benannte es nach dem Popsong „Blue Moon“, einem Erfolg des Teams Rodgers & Hart von 1933, den der Liedtexter selbstredend als unter seiner Würde betrachtete.
Gnädigerweise musste Lorenz Hart die Erfolgsgeschichte des neuen Musical-Duos, der „Klassiker-Fabrik“ Rodgers & Hammerstein, nicht mehr miterleben: er starb Monate später  an den Folgen seines Lebenswandels, wie wir schon zu Beginn des Films erfahren.
Der Charme von Hawke und Cannavale trägt diesen Film über Bitterkeit und die erbarmungslosen Gesetze des Showgeschäfts, der sonst allzuleicht in Häme und Selbstmitleid versacken könnte, gerade angesichts der geschliffenen Bosheiten, mit denen der Held seine Lage kommentiert. Neben diesem Risiko ist es vor allem das Namedropping eines solchen Kostümfilms in Echtzeit, vor dem man sich als Regisseur in Acht nehmen muss. Der Film bekommt das ganz ordentlich hin, jongliert er auch unablässig mit Liedzeilen und Showtiteln, außerdem mit „Casablanca“-Anspielungen – Hart und Barmann Eddie haben diesen aktuellen Kinohit schon mehrmals gesehen.
Ethan Hawke macht seine Sache sehr gut, obwohl er (soweit man das bei einem so versierten Schauspieler sagen darf) gegen seinen Typ besetzt ist. Als älterer Schwuler mit Haarausfall, der zudem unter seiner geringen Körpergröße leidet, wird er vor allem durch die Bemühungen der Tricktechniker behindert, seine tatsächliche Beinlänge zu überspielen.
„Blue Moon“ ist ein sehenswerter, ein kostbarer Film. Er wird es nicht leicht haben.
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Weiterführendes zum Thema: https://blog.montyarnold.com/2021/04/19/soliloquy-from-carousel/

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B) Spiegelbild im goldenen Auge / Reflections In A Golden Eye
Amerikanisches Südstaaten-Drama von 1967

Major Penderton und Lt. Colonel Langdon leben mit ihren Ehefrauen auf einem Militärstützpunkt in Georgia am Rande großer Waldungen. Die kriegsfreie Zeit lässt Neurosen ins Kraut schießen, die allesamt sexueller Art sind. Der impotente Major (Marlon Brando) verzweifelt an seiner lebenslustig-gefühllosen Frau (Elizabeth Taylor), die sich mit Langdon vergnügt, während dessen Frau langsam durchdreht und der verschrobene Stallbursche Williams (Robert Forster in seinem ersten Filmauftritt) sie heimlich stalkt. Dass das nicht gut ausgeht, wird schon zu Beginn des Films verraten: „Dort im Süden steht ein Fort, in dem vor Jahren ein Mord geschah.“

John Hustons Verfilmung einer Erzählung von Carson McCullers zeigt uns eine Garnison in Friedenszeiten als Mikrokosmos verkorkster Beziehungen und Obsessionen. Die Rolle des verklemmt schwulen Major Penderton hätte für Montgomery Clift das Leinwand-Coming-Out werden sollen, doch Clift starb kurz vor Beginn der Dreharbeiten, und der von ihm beeinflusste Marlon Brando übernahm. Brandos Biograf Tony Thomas attestierte diesem „die komplizierteste, rundeste und intelligenteste schauspielerische Leistung“ seiner Karriere. Elizabeth Taylor glänzt einmal mehr als große Komödiantin in einem Drama.

Nächste Woche: Sein oder Nichtsein und King Of Comedy

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Frankreich zur Zeit der Belle Époque. Nach dem Selbstmordversuch seiner Frau erfährt ein Kleinbürger, dass es sich bei der Perlenkette, die er oft an ihr gesehen hat keineswegs um eine Imitation handelt. Das erlaubt nur einen Schluss: seine schöne Frau hatte einen reichen Verehrer. In Rückblenden wird die Liebesgeschichte aufgerollt: Madeleine (Marianne Hoppe) lernt zufällig den pompösen Komponisten Michael (Ferdinand Marian) kennen und inspiriert ihn zu einer künstlerischen Entscheidung. Schließlich gibt sie seinem Werben nach. Eine Rückkehr in ihr altes Leben wird durch einen Erpresser verhindert …

Für den französischen Filmhistoriker Georges Sadoul war diese Verfilmung einer Vorlage von Guy de Maupassant der einzige deutsche Film von künstlerischem Wert, der während des Dritten Reichs gedreht wurde. Viele seiner Landsleute bestätigten, dass Helmut Käutner darin am reinsten den Geist des Autors beschworen habe. In der Bundesrepublik, wo sich Käutners Karriere bis ins Fernsehen fortsetzte, wurde ein anderer Film aus der Ära allerdings noch populärer: das flotte musikalische Drama „Große Freiheit Nr. 7“ mit Hans Albers.    

B) Zeiten des Aufruhrs / Revolutionary Road
Amerikanisches Ehedrama von 2008

Die USA Mitte der 50er Jahre. Ihrem Mann Frank zuliebe hat sich die verhinderte Schauspielerin April mit ihrer Familie in einem hübschen Vorort von Connecticut niedergelassen. Da Frank seinerseits an seinem drögen Bürojob leidet, schlägt sie ihm aus einer Laune heraus vor, auszusteigen und nach Paris zu übersiedeln. Frank lässt sich darauf ein, vor allem, um nicht wie sein Vater zu enden, der einst in der selben Firma versauerte. Die Vorbereitungen laufen an. Doch dann bietet man Frank überraschend eine Beförderung an – und April wird schwanger. Über die Konsequenzen daraus sind die Eheleute unterschiedlicher Meinung …

In den Nuller- und Zehnerjahren wurde durch die Serie „Mad Men“ der Autor John Cheever kurzzeitig wiederentdeckt und mit ihm die kleinen Tragödien der Vorstadt nach dem Kriege, Geschichten von Ehemännern, die mit dem Vorortzug in die Stadt fahren und dort angeblich länger im Büro bleiben, um in Wahrheit ihre Frauen zu betrügen. Auf der Kinoleinwand war Sam Mendes‘ „Revolutionary Road“ nach Richard Yates das denkwürdigste Ergebnis dieses Trends. Das garantierte seinen Erfolg ebensowenig wie die Wiedervereinigung von Kate Winslet und Leonardo DiCaprio, dem tragischen Liebespaar aus „Titanic“.

Nächste Woche: Rocky und Der Zirkus.

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A) Das Leben des Brian / Monty Python‘s Life Of Brian
Britische Bibelfilmparodie von 1979

Als die Heiligen drei Könige dem Stern von Bethlehem folgen, irren sie sich zunächst in der Adresse und legen ihre Gaben um ein Haar an der Krippe des Erdenbengels Brian nieder. Dieses Missgeschick ist prophetisch. Im Laufe seines Lebens wird Brian immer wieder für den Messias gehalten – so sehr er sich auch dagegen wehrt – denn alle sehnen sich wie verrückt nach einem Erlöser. Als Brian am Kreuz hängt, widerfährt ihm durch einen singenden Leidensgenossen tatsächlich die Erleuchtung: „Always Look On The Bright Side Of Life“.

Nach dem Erfolg des ersten Kinofilms der englischen Komikertruppe Monty Python – „Die Ritter der Kokosnuss“ – führte ein Witz auf einer Pressekonferenz zu dieser Bibelkomödie, die von Kritikern, Fans und Beteiligten heute als deren beste Filmarbeit betrachtet wird. Naturgemäß waren die Widerstände gegen dieses Werk, das sich unbesehen sehr leicht als blasphemisch missverstehen lässt, ebenso groß. Das Wunder geschah: die enorme Werbung, die die katholische Kirche ihm mit ihrer Kampagne eintrug, hat es letztlich gar nicht gebraucht.

B) Der Omega-Mann / The Omega Man
Amerikanischer Science-Fiction-Film von 1971

Im Jahre 1977 hat ein bakteriologischer Krieg die Welt entvölkert. In Los Angeles kämpft der Wissenschaftler Neville, der in letzter Sekunde ein selbstentwickeltes Heilmittel an sich ausprobierte, gegen die wenigen Überlebenden, eine fanatische Sekte lichtscheuer Seuchenkrüppel. Diese Albinos wollen die letzten Spuren der Zivilisation beseitigen – und ihren letzten Repräsentanten Neville, ihren „Leibhaftigen“. Richard Mathesons dystopische Erzählung „I Am Legend“ wurde später mit Will Smith noch ein drittes Mal verfilmt.

Im Leben wandelte sich der Schauspieler Charlton Heston vom Unterstützer des schwarzen Bürgerrechtlers Martin Luther King zum waffenstarrenden Redneck, auf der Leinwand von der Verkörperung biblischer und historischer Heldenfiguren zu einem der ersten großen Hollywoodstars, die sich für Science-Fiction-Filme hergaben, beflügelt vom Erfolg seiner Hauptrolle in „Planet der Affen“. „Der Omega-Mann“ überbrückt diese Rollenfächer, umweht von den letzten Schwaden der Flower-Power-Ära.

Nächste Woche: Romanze in moll und Zeiten des Aufruhrs

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Welcher uralte Stoff wäre ideal, um ein Publikum zu erfreuen, das nach einem Jahr Jane-Austen-Jubiläum jetzt Lust hat, sich einem anderen großen Schatz aus der britischen Klassiker-Bibliothek zuzuwenden? Wie wäre es für die nächste Kinosaison mit einer Autorin, die im Jahr nach Austens Tod zur Welt kam und noch ebenso begabte Geschwister hat – für weitere Vorlagen? Hier kommt die Antwort:

Wutherhing Heights
Episches Liebesrama von Emerald Fennell

Das windgepeitschte Ödland von Yorkshire im 19. Jahrhundert. Der Gutsherr von Wuthering Heights hat seiner Tochter Cathy einen streunenden Knaben von einer Geschäftsreise mitgebracht, der in die Familie aufgenommen und Heathcliff genannt wird. Die Kinder sind einander auf Anhieb emotional verbunden, doch als sie ins heiratsfähige Alter kommen, entscheidet sich Cathy für den braven Edgar Linton, dessen Landsitz Thrushcross Grange in einem lieblichen, windgeschützten Tal liegt. Ihr Spielgefährte wird diesen Verrat niemals verwinden. Er läuft fort, um nach fünf Jahren als gemachter Mann zurückzukehren. Er wird bei Lintons vorstellig, wo Cathy in einer erstickend langweiligen Beziehung ihr luxuriöses Dasein fristet. Als sie sich noch immer nicht von ihrem Mann trennen möchte und überdies endlich der lang ersehnte Stammhalter ins Haus steht, verfestigen sich Heathcliffs Rachegelüste …

Drehbuchautorin und Regisseurin Emerald Fennell setzt den Roman von Emily Bronte in historischen Kostümen, aber mit modernen Details und Effekten in Szene.

Wer diesen Stoff heute auf die Leinwand bringt, der hat nicht nur eine Saga zu bewältigen, die sich über Generationen erstreckt, sondern auch mindestens zwei erinnerungswürdige filmische Umsetzungen: einen schweren Burgunder aus dem alten Hollywood und eine Version aus der mexikanischen Phase von Luis Bunuel, die schon im Titel nichts anbrennen lässt: Abgrund der Leidenschaft. Zwar kennt diese Vorstufen heute kein Schwein mehr (machen wir uns nichts vor), aber ich habe insgeheim die Hoffnung gehegt, das Projekt könnte sich ihnen dennoch verpflichtet fühlen. Wie gut würde es gelingen, die dreckige Abgründigkeit mitzuerzählen, die sich bei einem solchen Klassiker der Weltliteratur von selbst versteht und die in früheren Bearbeitungen nicht möglich oder nicht gestattet war? Nachdem ich das Buch kennengelernt hatte, sah ich die Hollywood-Verfilmung von 1939 mit anderen Augen: Laurence Olivier war geradezu ein Gentleman, verglichen mit dem elenden Mistkerl Heathcliff aus dem Roman.

Alles in allem ist das Unterfangen geglückt: „Wuthering Heights“ 2026 ist als aktuelles Kinoprogramm sehenswert, als Buchverfilmung beachtlich und trotz aller geschmacklichen Entgleisungen eine spontane Kinokarte wert.

Die Autorin der Vorlage lebte tatsächlich die längste Zeit ihres kurzen Lebens auf einer solchen neblig-zugigen „Sturmhöhe“.
Der Film nutzt die heutigen Möglichkeiten des Darstellbaren: technisch und publikumsgeschmacklich. Der ärmliche Landsitz der Earnshaws in der Heide hat den Komfort einer möblierten Höhle. Leider sieht die aufgedonnerte Margot Robbie in ihrem Dirndl aus wie Veronica Ferres auf einer Münchner Filmparty und ruiniert den herben Naturalismus der ersten halben Stunde. Heathcliff, der Zweinhalbmetermann Jacob Elordi, hat es etwas besser. Er darf im ersten Teil der Handlung als zotteliger Rasputin-Verschnitt auftreten und uns nach seiner Rückkehr aus der Fremde damit überraschen, wie vollständig er sich zum viktorianischen Dressman gewandelt hat.
Als Cathy erstmals Thrushcross Grange und seine neuen Bewohner, die Lintons, erkundet, bietet sich uns dort eine betont künstliche Umgebung. Erst jetzt, in diesem überzeichneten zweiten Spielraum, ergibt die grelle Robbie-Cathy einen Sinn. Die Parallelwelt wird zum ergänzenden Gegen-Schauplatz. Quasi als dessen Anbau fungiert das von Edgars Schwester Isabella für die angehimmelte Cathy errichtete Puppenhaus – ein toller Effekt. Leider schafft es der Film nicht, die provozierend realistische arme und die Jean-Paul-Gauliter-hafte Kitsch-Welt der Reichen souverän auszubalancieren.

Klar: auch in einen Film mit Überlänge passt dieser Stoff nicht vollständig hinein, vor allem zum Ende hin fasst er sich sehr kurz. Cathys fieser Bruder Hindley aus dem Roman wird mit der gütigen Vaterfigur zu einem elenden Säufer zusammengelegt, was sehr gut funktioniert und hilft, viele Buchseiten zu bändigen. Leider lässt sich die Regisseurin in diesem Zusammenhang dazu verleiten, ihre Figuren allzuviel erklären zu lassen. Der größte Teil dieser Funktionstexte wird zwischen den Orgasmen der wilden Affäre von Cathy und Heathcliff geliefert, die im dritten Akt sehr ausführlich vor uns abrollt. In den Trailern werden diese Szenen ihre Wirkung nicht verfehlt haben, im Film bedeuten sie die einzige wirklich ungebührliche Aufweichung der Originalstory und beschädigen die Glaubwürdigkeit der Figuren. Aber zum Glück findet die Sache zum Ende hin wieder zu ihrer grimmigen Storyline zurück. Ich hatte mir während der endlosen Kopulationsmontage schon Sorgen gemacht, man könnte mir nach all der werkgetreuen Niedertracht ein Happy-End zumuten.

Insgesamt sieht man dem Film seine Stilvorbilder etwas zu deutlich an, die Anspielungen sind ungeschickt arrangiert. Dass unmittelbar auf eine ikonische Hitchcock-Szene eine „Vom Winde verweht“-Einstellung folgt, ist ebenso unwuchtig wie die eingestreuten Songs der Sängerin Charli XCX, die in den glücklicheren Momenten nach Enya klingt, in den weniger glücklichen nach Dieter Bohlen, die aber nie einen eigenen Stil erkennen lässt. Baz Luhrmann, bei dessen pathetisch-poppigen Musikdramen sich „Wuthering Heights“ besonders ausdrücklich bedient, hat damals solche Stilbrüche vermieden, indem er schlauerweise auf alles Reale verzichtet und mit existierenden Songs gearbeitet hat.

Ein besonderer Glücksgriff der Besetzung ist Shazad Latif als Edgar Linton. Seine Performance liefert die ideale Verkörperung des weichtierhaften Schnösels, unter dessen edlem Zwirn ein freundlicher Kleinbürger steckt (nicht weniger, aber auch nicht mehr). Latif sieht in seiner Aufmachung Paul Dahlke zum Verwechseln ähnlich, der einst in „Romanze in moll“ eine ähnliche Rolle ähnlich großartig gespielt und zu einer der besten Liebestragödien des deutschen Films beigetragen hat.
Nach der Vorstellung waren viele, mit denen ich sprach nicht sicher, was sie von „Wuthering Heights“ halten sollten: auch ihnen passte vieles nicht zusammen. Der außer mir zufriedenste, mit dem ich sprach, will am Ende über das Schicksal der Heldin geweint haben. Dazu besteht nun wirklich kein Anlass. Aber es lohnt sich!

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