Die Legende vom wohltätigen Robin Hood, der von den Reichen nimmt und den Armen gibt, ist gelogen. Der wirkliche Robin von Locksley ist ein Verbrecher, vor dessen Bande nicht einmal Frauen und Kinder sicher sind. Auf seine alten Tage hadert Robin zunehmend mit einem Leben voller Mord, Raub und Schändung. Nach einer schweren Verletzung bietet eine mysteriöse Frau dem heruntergekommenen Recken einen Weg zur Erlösung an. Hugh Jackman, Jodie Comer und Bill Skarsgård erzählen den Epilog zur Legende vom Helden in Strumpfhosen und dekonstruieren dessen Mythos.
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Ronny Fanta (ein Millennial) und Volker Robrahn (alte Schule) haben den Film vorab gesehen und betrachten ihn im Gespräch von der eingangs beschriebenen und von der heutigen Seite:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/the-death-of-robin-hood

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* Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2018/10/12/doc-savage-der-bronzemann-die-deutschen-taschenbuecher/

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Auch das wichtigste Broadway-Musical der 50er Jahre sollte noch der alten Operettenseligkeit verpflichtet sein, das Meisterwerk von Alan Jay Lerner & Frederick Loewe. Ihr am 15. März 1956 erstmals in New York aufgeführtes Werk „My Fair Lady“ brach die Rekorde von „Oklahoma!“, ist bis heute eines der weltweit meistgespielten Stücke und für viele der Inbegriff des Musicals geblieben. Zwei Lieder – „I Could Have Danced All Night“ und „On The Street Where You Live“ – standen schon vor der New Yorker Premiere in den Hitparaden. Bei der Vergabe der Antoinette Perry Awards erhielt “My Fair Lady” insgesamt neun Tonys, darunter auch den für das beste Musical der Spielzeit. Binnen weniger Jahre lief das Stück in allen Metropolen der westlichen Welt – die Berliner Bühnenfassung von Günter Neumann war nach dem Krieg die erste Musicalübertragung ins Deutsche überhaupt – der Cockney-Akzent des Blumenmädchens wird hier durch den berlinerischen ersetzt. Selbst in Moskau, wo „My Fair Lady“ im Rahmen eines Kulturaustauschs gezeigt wurde, fand das Werk so großen Anklang, dass sogleich eine russische Version davon produziert und unter dem Titel „Mya Prekrasnaja Lady“ gespielt wurde. Die aufwändige Verfilmung mit Rex Harrison und Audrey Hepburn – die Julie Andrews’ Part übernahm – erwies sich 1964 ebenfalls als Kassenschlager.

Die Geschichte spielt im edwardianischen London des Jahres 1912. Der misogyne Sprachwissenschaftler Henry Higgins wettet mit seinem Bekannten Oberst Pickering, dass er eine 18jährige Blumenverkäuferin namens Eliza Doolittle trotz ihres derben Dialektes und ihrer unfeinen Ausdrucksweise in Kürze zu einer Dame der Gesellschaft machen kann, die gepflegt zu parlieren versteht. Als die Rechnung nach großer Mühsal schließlich aufgeht und Eliza zum glanzvollen Mittelpunkt eines Diplomatenballs wird, behandelt er seine Schülerin weiterhin mit der gehabten Herablassung. Erst nachdem sie ihn wutentbrannt verlassen hat, erkennt er, was sie ihm bedeutet – zu seiner Überraschung und Freude kehrt sie zu ihm zurück.

Der ungarische Filmproduzent Gabriel Pascal, der jahrelang um Rechte und Realisierung seines Projektes gekämpft hatte, erlebte den triumphalen Erfolg nicht mehr – er war 1954 verstorben. Zwei Jahre zuvor hatte er Lerner & Loewe erstmals vorgeschlagen, aus George Bernard Shaws Schauspiel „Pygmalion“ ein Musical zu entwickeln. Das Duo arbeitete sechs Monate an dem Stoff und gab schließlich auf – wie auch Rodgers & Hammerstein, die Pascal ebenfalls darauf angesetzt hatte. Erst 1954 gelang Lerner & Loewe in einem zweiten Anlauf die Adaption, indem sie in bis dahin ungekannter Werktreue Shaws Dialoge weitestgehend übernahmen. Dessen Schauspiel geht auf ein von Ovid in seinen „Metamorphosen“ überliefertes griechisches Sagenmotiv zurück, das von einem Bildhauer berichtet, der sich in eine von ihm geschaffene Frauenstatue verliebt und sie zum Leben erweckt. War in der Schauspielfassung die Eliza meist von 30- bis 50jährigen Darstellerinnen gespielt worden, wurde bei der Produktion des Musicals Shaws Altersangabe ernst genommen und die junge Engländerin Julie Andrews engagiert. Dass der britische Higgins-Darsteller Rex Harrison über keine Gesangsstimme verfügte, störte niemanden: sein Sprechgesang war idealer Ausdruck für Higgins’ Unfähigkeit, Gefühle zu zeigen und ermöglichte einen nahtlosen Übergang vom Sprechen zum musikalischen Räsonnieren, z.B. wieso eine Frau nicht wie ein Mann sein kann. (In Leslie Bricusses „Doctor Doolittle“ hat Harrison dieses Konzept sogar noch einmal eingesetzt.)
Die Film-Eliza Audrey Hepburn durfte im Film nicht selbst singen – obwohl sie das ja in „Breakfast At Tiffanys“ schon einmal kurz auf der Leinwand getan hatte. Ihre Stimme wurde von Marni Nixon gedoubelt.

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Kein eigenes Cover, nur die Polydor-Diensthülle – dennoch ein Hit für Cole Porter und Caterina Valente.

Hierzulande ist „I Love Paris“ einer der bekanntesten Titel von Cole Porter  – in der deutschen Version von Caterina Valente „Ganz Paris träumt von der Liebe“. Der Song entstammt seinem Spätwerk „Can-Can“, in dem sich Porter 1953 noch einmal an jenen Ort  zurückerinnert, in dem er so glücklich gewesen war. In seinen letzten Musicals – Porters Leben war zunehmend beschwerlich – kehrte er immer wieder dorthin zurück. Sein letzter Theatererfolg ist „Silk Stockings“, eine Adaption des Filmklassikers „Ninotschka“ von Ernst Lubitsch. Zum ersten und bis heute letzten Mal in der Geschichte des Broadway sollte eine Deutsche die Urbesetzung einer Titelrolle in einem Hit-Musical spielen: Hildegard Knef (die auf den Reklametafeln allerdings Hildegarde Neff hieß). Die bald darauf folgende Verfilmung durch MGM fiel bereits in die Zeit, da Musicals aus der Mode kamen. Porters letzte Arbeit war wiederum eine Geschichte aus Paris: das MGM-Musical „Les Girls“ mit Gene Kelly, eine letzte Kraftanstrengung des Studios, das im folgenden Jahr 1958 die Konsequenzen zog und sich aus der Produktion von Musicals zurückzog.
Das geschah allerdings mit einem vielfach oscargekrönten Rausch in Breitwand und Technocolor: „“Gigi“. In dieser Colette-Verfilmung lebt die Pariser Belle Époque noch einmal auf, und das leibhaftige Denkmal Maurice Chevalier spielt eine tragende Rolle.

Noch wenige Jahre zuvor waren die Musicals von MGM Produkte gewesen, die ihre beträchtlichen Herstellungskosten mühelos wieder einspielten.
1951 kam Vincente Minnellis berühmter Musicalfilm „Ein Amerikaner in Paris“ heraus. Eine Bearbeitung von George Gershwins programmatischem Orchesterwerk „An American In Paris“ liegt dem großen Ballett-Finale des Films zugrunde. Irving Berlin besuchte die Dreharbeiten. Die Mitteilung, Gene Kelly wollte die letzten 15 Minuten des Films mit einem Ballett, einer gigantischen Traumsequenz mit stilisierten Toulouse-Lautrec-Dekorationen, beschließen, machte ihn ratlos. „Weiß Mr. Kelly eigentlich, was er tut?“ soll er gefragt haben.
Auch die Songs des Films stammen von Gershwin – heute hieße ein solches Projekt Jukebox-Musical. Als sich der Protagonist des Films (Gene Kelly), ein amerikanischer Maler, in Paris verliebt – in das selbe Mädchen wie sein französischer Freund (Georges Guetary), was aber beide noch nicht wissen – singen (und tanzen) sie „’s Wonderful“, das ursprünglich in das Broadway-Musical „Funny Face“ von 1927 gehört.
„Funny Face“ ist auch der Titel eines weiteren zusammengefügten Gershwin-Filmmusicals, in dem der fast 60jährige Fred Astaire elegant wie eh und je mit der jungen Audrey Hepburn tanzt.

Was hier „Langspielplatte“ genannt wird (siehe Rückseite, Abb. unten) hatte die Größe einer Single und beinhaltete vier Songs.

Wie schon „Gigi“ gelangte auch das Pariser Märchen „Victor/Victoria“ (1982) von der Leinwand auf die Bühne. Aus der Blake Edwards-Komödie um eine Sopranistin, die erst Karriere macht, nachdem sie sich als Transvestit ausgibt, wurde 1997 ein letzter Broadway-Erfolg für Julie Andrews, die schon im Film die Hauptrolle gespielt hatte.

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Zu den größten internationalen Kino-Schlagern des 20. Jahrhunderts – Das 21. wird in diesem Zusammenhang keine Rolle mehr spielen, woll’n wir wetten? – gehört „The Pink Panther Theme“ von Henry Mancini.
Mancinis Kompositionen sind nicht zu zählen, und es sind einige Ohrwürmer darunter – „Moon River“, der Elefantenbaby-Marsch aus „Hatari!“ oder „Die Dornenvögel“, um nur drei weitere zu nennen. „Der rosarote Panther“ hat von allen die bewegteste Geschichte. Sie sei hier kurz wiedergegeben.

Autogrammstunde in Hollywood

Im Jahre 1961 begann Mancinis Karriere mit einem doppelten Paukenschlag. Er hatte bisher für einige Mutations-Horrorfilme des Paranoia-Kinos* Szenemusik komponiert und den Orson-Welles-Film „Touch Of Evil“ betreut, da heimste er auf einen Streich zwei Oscars ein: „Bester Soundtrack“ für „Breakfast At Tiffany’s“ und „Bester Song“ für „Moon River“ aus ebendiesem Film. Es war eine Filmmusik, die sich erstmals deutlich vom Tschaikowski-Idiom absetzte, ohne vollständig in den Jazz oder Rock’n’Roll abzutauchen. Sie balancierte genau dazwischen und hatte schon etwas von jenem lebensfrohen, federleichten Swing, der kurz darauf von jungen britischen Musikern in der Popmusik etabliert werden sollte.
In einer Szene des Films schleichen Audrey Hepburn und ihr Verehrer durch einen Laden, um etwas zu stehlen. Sie tragen Tiermasken. Darunter stampft eine nicht ganz ernstgemeinte Jazzmucke. Hier – so sollten später einige Filmhistoriker feststellen – kündigt sich der rosarote Panther schon machtvoll an.

1964 produzierten die Mirisch-Brüder eine Art Caper-Movie, gewissermaßen die abendfüllende Version des Ladendiebstahls aus „Breakfast At Tiffany’s“. Der Schurke war ein schnieker Gentleman-Ganove mit kleinem Bärtchen, der (selbstverständlich!) von David Niven gespielt wurde. Ihm war das Eröffnungsmotiv gewidmet – aber das merkte niemand mehr, als der Film herauskam. Die Filmemacher um den Regisseur Blake Edwards waren auf die Idee gekommen, dem titelgebenden „rosaroten Panther“, einem geheimnisvoll schimmernden indischen Diamanten, eine Trickfigur zu widmen. Dieser Vorspann war nach Meinung einiger Kritiker „witziger als der eigentliche Film“**. In jedem Falle war mitverantwortlich für die Fortsetzung der Filmreihe, als deren Held sich der schusselige Ermittler Clouseau emanzipieren sollte. „The Pink Panther Theme“ wurde seine Erkennungsmelodie, und Zeichentrickvorspänne kamen allgemein groß in Mode.

Noch vor Inspektor Closeau machte das Panthertier Solo-Karriere – zunächst in dem oscargekrönten Kurzfilm „The Pink Phink“ (auch 1964), bald darauf in einer TV-Reihe, in der unzählige solcher Panther-Cartoons mit Mancinis Saxophonthema (eigentlich Vorfilme fürs Kino) zu 25minütern zusammgefügt wurden. Ab 1973 lief diese Serie unter dem Titel „Der rosarote Panther – Zu Gast bei Paulchens Trickverwandten“ im ZDF-Vorabendprgramm. Der Synchron-Autor, -Sprecher und Regisseur Eberhard Storeck textete dazu eine Abspannmusik, die mit der berühmt gewordenen Frage begann: „Wer hat an der Uhr gedreht?“ und mit dem legendären Versprechen endete „Heute ist nicht alle Tage, ich komm wieder – keine Frage!“ Storeck dichtete auch eine Erzählerspur über alle Cartoons, von denen einige (nicht nur mich) geradezu an Wilhelm Busch erinnerten.

Auch ohne Film wirkliche Poesie: Beginn eines gereimten Panther-Abenteuers von Eberhard Storeck.

Seither heißt der Panther – wenn auch nur in Deutschland, Österreich und der Schweiz – Paulchen und das „Pink Panther Theme“ die Paulchen-Panther-Melodie. Es wird gelegentlich mit der Serien-Erkennungsmelodie von Fred Strittmatter verwechselt, der Instrumentalversion von „Wer hat an der Uhr gedreht?“

In den 70er Jahren nahm die Clouseau-Filmreihe Fahrt auf, und das „Pink Panther Thema“ lag unter immer neuen Trickfilm-Kinovorspännen – zuletzt mit Steve Martin als Clouseau. Es stieg als letzter Tune ins klassische Jazz-Repertoire auf und erlebte Dutzende Cover-Versionen. Der Autor Heinz Strunk machte es quasi zur Titelmusik seines Bucherfolges „Fleisch ist mein Gemüse“: die lausige Tanzkapelle, in der er seine picklige Landjugend zubrachte, spielt diese Nummer als Auftrittsmusik. Jetzt ist es amtlich: Mancinis Klassiker ist endgültig im Trash angekommen.

Im November 2011 wird der NSU öffentlich bekannt, der bis dato mindestens zehn Menschen ermordet und in selbstgebastelten Videoclips verhöhnt hat. Diese Videoclips basieren auf den Paulchen-Panther-Filmen und verwenden Bild- und Tonmaterial daraus mit rassistischen Verfremdungen.
Das ist ein herber Schlag sowohl für die schicke Raubkatze als auch für den Musiktitel. Das könnte sein Ende sein – möglicherweise.
Es könnte aber auch sein, dass Paulchen-Panther und seine Erkennungsmelodie auch diese Schändung überleben und weiterswingen. Oder -grooven.

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* siehe dazu den Blog vom 14. Oktober 2015
** Friz Freleng und David H. DePatie waren seine Schöpfer

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