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B) Du lebst noch 105 Minuten / Sorry, Wrong Number
Amerikanischer Thriller von 1948

Die schwerreiche Leona Stevenson liegt im Bett und telefoniert. Sie macht sich Sorgen, wo ihr Mann bleibt, doch in seinem Büro ist immerzu besetzt. Durch einen Vermittlungsfehler belauscht sie das Telefonat zweier Männer, die sich offensichtlich für einen Mord verabreden. Entschlossen, ein gutes Werk zu tun, denn Mrs. Stevenson hält sich für einen außerordentlich guten Menschen, teilt sie ihr Erlebnis im folgenden Anruf einem Polizeibeamten mit. Sie wird in dieser Nacht noch viele Anrufe tätigen und erhalten – und in ihren Leben wird kein Stein auf dem anderen bleiben …

„Sorry, Wrong Number“ war in der Blütezeit des Radios ein erfolgreiches Hörspiel. Während die Originalbesetzung, die Schauspielerin Agnes Moorehead, auf boshafte Charaktere quasi festgelegt war, konnte die schöne, aber abgründige Barbara Stanwyck in Film die Ambivalenz ihrer Figur optimal herausarbeiten: das herrschsüchtige, vereinsamte Alpha-Weibchen, das in sich selbst den schlimmsten Feind gefunden hat. Neben einem illustren Ensemblespiel, das der junge Burt Lancaster anführt, hält der Film eine elegante Thriller-Atmosphäre, gruselige Anrufer, ein verfallenes Strandhaus im nächtlichen Staten Island und ein Finale breit, das die Konventionen Hollywoods missachtete.

Nächste Woche: Wer die Nachtigall stört und Capote

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In der Eröffnungsnummer ihres Soloprogramms „Elaine Stritch at Liberty“ (2001) hat das sprichwörtliche alte Zirkuspferd Elaine Stritch im schönsten Sinne gegen mindestens ein Naturgesetz verstoßen. Es gelang ihr, die ebenso totgespielte wie immergrüne Nummer „There’s No Business Like Show Business“ zu ihrer ganz eigenen zu machen. Ich will Sie keine Sekunde länger durch eine Fortsetzung dieses Textes davon abhalten, sich diese Glanzleistung anzuschauen.

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Peter Bogdanovich ist der beste Beweis dafür, dass die Pflege großer Vorbilder das eigene Talent befördert. Was in Frankreich seit der Nouvelle Vague gewissermaßen üblich ist, tat er ungewöhnlicherweise in Hollywood: er führte Interviews mit vielen der größten Filmregisseure, schrieb beachtliche und vielbeachtete Artikel und Bücher über sie, ehe er 1967 zum ersten Mal selber Regie führte. Mit 30 hatte er sich zum Posterboy des „New Hollywood“ gemausert. Wie so vielen späteren Schauspiel- und Regielegenden gab der B-Filmer Roger Corman auch Peter Bodganovich seinen ersten Film. Und seinen ersten Star: Boris Karloff, der ihm noch zwei Drehtage schuldete.
Peter Bogdanovich ist heute einer gefragtesten Zeitzeugen und Fachliteraten Hollywoods. Dass man ihn nicht auch zu den größten Filmregisseuren rechnet, hängt neben seinen sonstigen Verdiensten damit zusammen, dass er seine allerbesten Arbeiten ganz zu Beginn abgeliefert und danach noch viele weitere Filme gemacht hat. Ähnlich wie Orson Welles (mit dem er lange Zeit befreundet war), verteilte er sein größtes Geschick auf sein – allerdings vierteiliges – Erstlingswerk.
Diese meisterlichen Filme sind massiv vom Vergessen bedroht und sollen daher noch einmal kurz heraufbeschworen werden.

1968
„Targets“ („Bewegliche Ziele“) erzählt von einem alten Horrorfilmstar, der der Uraufführung seines neuen Films in einem Autokino beiwohnen will, ehe er sich vom Filmgeschäft zurückzieht. (Er führt Gründe an wie „Alle guten Filme sind schon gedreht!“ oder „Meine Art von Schrecken ist heute nicht mehr schrecklich.“) Der wahre Horror bricht in Gestalt eines Snipers über die Veranstaltung herein …
Schmucklos und mit lächerlich kleinem Budget in 25 Tagen gedreht (typisch Corman eben …) ist „Targets“ neben vielem anderen ein sachlicher, kleiner Film über die Liebe der Amis zu Schusswaffen und die Konsequenzen daraus.*

1971
„The Last Picture Show“ („Die letzte Vorstellung“) spielt 20 Jahre vor seiner Entstehung und zeigt uns die Jugendlichen eines texanischen Wüstenkaffs, die mit dem Erwachen ihrer Sexualität auch ein Gefühl dafür bekommen, wie trost- und perspektivlos ihre Leben sind. Das titelgebende Ereignis ist die Schließung des einzigen Kinos am Ort, nachdem dessen Betreiber – der charismatische „Sam der Löwe“ – unerwartet stirbt. Die „letzte Vorstellung“, den Western-Klassiker „Red River“, sehen sich zwei der Helden, Sonny und Duane zusammen an, ehe Duane in den Krieg zieht …
(Seit dem Film ein paar Minuten hinzugefügt wurden, kursiert er nur noch in einer entsetzlichen Neusynchronisation, die überdies auf Breitbild heruntergeschnitten wurde.)

1972
Bei „What’s Up Doc?“ („Is‘ was, Doc?“) herrschte – ähnlich wie bei „Targets“ – ein gewisser Zeitdruck: die Stars Barbra Streisand und Ryan O’Neal waren schon da, aber das Drehbuch noch nicht. Zwei Monate später wurde gedreht. Dennoch gilt diese Klamotte um eine vertauschte Reisetasche als würdiger Nachtrag zum Genre der Screwball-Comedy, einem Komödiengenre, das 40 Jahre zuvor seine Blüte hatte.

1973
„Paper Moon“ ist ein Road-Movie und eine Gaunerkomödie, ein Vater-Tochter-Film und ein heiteres Sittengemälde der Depressionszeit. Der Hochstapler Moses Pray zieht in Begleitung einer rauchenden Neunjährigen als Bibelverkäufer durchs Land. Wir sehen mit Madeline Kahn und Ryan O’Neal zwei Akteure aus dem letzten Film wieder, außerdem O‘Neals Tochter Tatum, die den Oscar für die beste Nebenrolle abräumte.

„Paper Moon“ macht im selben Maße glücklich, in dem „Targets“ verstört, „What’s Up Doc?“ amüsiert und „The Last Picture Show“ tiefe Melancholie verbreitet. Abgesehen vom Namen des jungen Regisseurs gibt es nichts, was diese Filme verbindet.

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* Näheres dazu unter https://blog.montyarnold.com/2016/07/20/das-gegenteil-von-spielberg/

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Während die meisten öffentlichen Personen entweder über- oder unterschätzt werden, gehört Jack Nicholson zu den ganz wenigen Künstlern, deren Rezeption in einem gesunden Verhältnis zu ihrer Leistung steht. Der ärgerliche Teil seines Spätwerks ist winzig – 5 Filme in den letzten 15 Jahren, was weniger als einem Elftel einer von Anfang an amüsanten Filmographie entspricht – und einem Künstler ohnedies zu verzeihen, dessen größter Stolz darin besteht, niemals Hundefutterwerbung gemacht zu haben.
Wer Jack Nicholson liebt, ihn aber niemals singen hörte, hat in bezug auf sein Faszinosum noch eine Bildungslücke zu schließen.

„Who Is There Among Us Who Knows?“ ist ein Song, der für die Filmversion des Broadway-Musicals “On A Clear Day You Can See Forever” entstand, das war 1971. Nicholson spielt darin Ted Pringle (der im Stück nicht auftaucht), den freigeistigen Stiefbruder von Barbra Streisand, und hat ein Duett mit ihr. Strenggenommen ist es ein Nicholson-Solo, bei dem die Streisand nur im Hintergrund zu hören ist. Das kann der Diva nicht gefallen haben, deren größter Stolz es ihrerseits zu sein scheint, niemals Background-Vocals gesungen zu haben. Auf ihr Betreiben hin wurde die Nummer wieder herausgeschnitten.
Das ist allzu betrüblich – obwohl Jack Nicholson natürlich kein großer Sänger ist. Es ist einfach ein fabelhafter singender Schauspieler.

Jack Nicholson singt einen Song von Burton Lane und Alan J. Lerner.

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Dass die Lebenswege von Kunstfiguren bzw. -werken mitunter ähnlich verschlungen sind wie menschliche Biographien, dafür finden sich an dieser Stelle immer wieder Beispiele. Gleich mehrere unergründliche Song-Schicksale gingen von „Funny Girl“ aus, einen Jule-Styne-Musical, das 1964 herauskam.

„Funny Girl“, nach der Lebensgeschichte der jüdischen Komikerin Fanny Brice, festigte den beginnenden Ruhm von Barbra Streisand sowohl am Broadway als auch auf der Leinwand.
Wenn in diesen Zeiten aus Broadway-Musicals Filme gemacht werden, kamen Songs hinzu und andere fielen weg – heute (in der Zeit nur gelegentlicher Musical-Verfilmungen) ist man da weitaus werkgetreuer. Der Eleven-O’Clock-Spot in der Bühnenfassung von „Funny Girl“ – der musikalische Höhepunkt kurz vor Schluss – wurde von Fanny / Barbra gesungen, während sie darauf wartet, dass ihr Nicky nach Hause kommt. Trotz dieser prominenten Position schaffte es „The Music That Makes Me Dance“ nicht in den Film. Dort wurde er durch eine aus Frankreich stammende Ballade ersetzt, die die reale Fanny Brice tatsächlich gesungen hat und die für ein Repertoire, das vor allem aus fruchtigen Novelty Acts bestand, ungewöhnlich gefühlvoll ist: „My Man“.

Jule Styne wird es verschmerzt haben. „People“ – ein Hit aus Show und Film – wanderte ins Repertoire von Barbra Streisand und wurde zu einem Signature-Song ihrer langen Karriere.
Den Titelsong „Funny Girl“ wiederum hat sie bis zu einem Konzert im Jahre 2007 nicht wieder gesungen. Bei einem so prall gefüllten Songbook konnte sie es sich leisten.

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1975 hatte ein Musical am Broadway Premiere, das Langzeitrekorde aufstellen sollte, lange bevor das Konzept einer weltweiten Vermarktung (dazu später mehr) ihm dabei hätte helfen können: “A Chorus Line”. Es erzählt die alltägliche Geschichte vom langsamen Entstehen eines Tanz-Ensembles.
Der Komponist Marvin Hamlisch hatte zu dieser Zeit bereits einige Filmmusiken geschrieben und sich hier auch um die Titelsongs gekümmert. Besonders beliebt wurde Barbra Streisands „The Way We Were“.Wenige Jahre später sollte Hamlisch für „The Spy Who Loved Me“ die erste Soundtrack-Oscarnominierung für einen „James Bond“-Film erhalten.

Zach ist der Regisseur eines neuen Broadway-Musicals, für das noch Tänzer gesucht werden: vier Jungen und vier Mädchen für die Revuegruppe im Vordergrund. In einem gnadenlosen Auswahlverfahren werden die anfangs ein paar hundert AnwärterInnen auf gesangliche und tänzerische Fähigkeiten geprüft: Vortanzen bis zum Exzeß und ehrliche Antworten auf noch so persönliche Fragen, damit Zach in der engeren Wahl feststellen kann, wer vielleicht auch eine kleinere Rolle in dem Stück übernehmen kann. Nur wer beide Prüfungen besteht, kriegt auch den Job. Als Zachs Ex-Geliebte Cassie auftaucht, um sich zu bewerben, entwickelt sich die Veranstaltung zum Psychodrama.

Das Broadway-Musical „A Chorus Line“ gehört zu den erfolgreichsten aller Zeiten, trotzdem ließ die Kinofassung zehn Jahre auf sich warten. Bis dahin war das Musical in Deutschland – auch von den Lehrlingen der Musical-Zunft – völlig unbemerkt geblieben.  Obwohl Regisseur Sir Richard Attenborough 1969 mit der Verfilmung einer Antikriegsrevue das Genre des Musikfilms schon einmal bedient hatte, bestätigte er die Befürchtung, so lange nach dem Ende des MGM-Musicals könnte der Stoff auf der Leinwand Probleme verursachen. Dem Monumentalfilmer Attenborough, der soeben mit „Gandhi“ das Publikum begeistert hatte, fehlte erkennbar der Blick für’s menschliche Detail. Die Schicksale der Protagonisten werden zu schnell abgehandelt, weder die Tänze noch die Songs wollen zünden. Wer diese Show genießen will, ohne dass dies gerade im Theater möglich ist, dem erweist das Cast-Recording von 1975 noch immer den besten Dienst.

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Frank Sinatra und sein „Rat Pack“ waren mit ihrer legendären Konzertreihe in Las Vegas und einer Handvoll Filmen die letzte und letztmalig siegreiche Sturmtruppe des Old School Entertainment gegen den Rock’n’Roll und die von ihm angeregte neue Popmusik aus Europa. Dann dann fegten die Swingin‘ Sixties jene Musikrichtung beiseite, nach der sie benannt waren.
1964 eroberten britische Beat-Bands schlagartig die amerikanischen Hitparaden – noch setzte sich bei der Grammy-Verleihung für den besten Song des Jahres die Titelmelodie des Jerry-Herman-Musicals „Hello Dolly“ gegen „A Hard Day’s Night“ von den Beatles durch, aber die alten Meister des Broadway räumten das Feld. Leonard Bernstein widmete sich seinen zahlreichen Tätigkeiten auf dem klassischen Sektor, Cole Porter hatte sich schon einige Jahre lang zurückgezogen, als er in jenem Jahr starb. Das letzte Musical des greisen Irving Berlin – ein John F. Kennedy gewidmetes Werk namens „Mr. President“ – war ein Misserfolg gewesen. Richard Rodgers sollte mit keinem Songtexter zu einer ähnlich erfolgsträchtigen Zusammenarbeit wie mit Lorenz Hart oder Oscar Hammerstein II finden, Frederick Loewe gab das Komponieren ganz auf, ebenso Harry Warren, der im neuen Sound gar nichts Musikalisches mehr erblicken mochte.

Es kam zu einem Generationswechsel am Broadway, der jedoch nichts daran änderte, dass Musical und Popkultur sich auseinandergelebt hatten. Es gelang nur ganz wenigen der neuen Garde, sich überhaupt dauerhaft durchzusetzen – z.B. John Kander oder Cy Coleman. Unter ihnen zeigte aber allenfalls Stephen Sondheim ein Interesse daran, dem Genre neue Horizonte zu eröffnen. Frank Loesser glückte nach „How To Succeed In Business Without Really Trying“ kein großer Wurf mehr, Meredith Willson oder Mitch Leigh erlebten nach fulminantem Einstand einen jähen Karriereknick, Burt Bacharach beließ es bei einer kurzen Stippvisite am Broadway.
Der Komponist Charles Strouse – dessen populärstes Werk „Annie“ von 1977 werden sollte – verhöhnte den Rock’n’Roll 1960 mit „Bye Bye Birdie“. Hier wird die Geschichte des rockenden Teenageridols Conrad Birdie zum Anlaß genommen, den aktuellen Stil zumindest parodistisch aufzugreifen. Ein knappes Jahrzehnt sollte es noch dauern, bis im Musical wirklich ein neuer Sound zu hören war.

Weit weg vom Broadway – auf der europäischen Kinoleinwand – gab es inzwischen so etwas wie einen neuen Musical-Stil, aber er blieb ein Nischenereignis.
Der Komponist Michel Legrand ist heute zum einen durch seine Filmmusiken in Erinnerung (darunter einige, die große Songs mitbrachten) und seit dem Filmmusical „Yentl“ (1983) einer der Lieblingskomponisten von Barbra Streisand. Legrands ambitionierteste Arbeit auf dem Gebiet des Musicals ist jedoch „Les Parapluies de Cherbourg“, eine Liebesgeschichte vor dem Hintergrund des Algerienkrieges.
In diesem französischen Filmerfolg von 1964 ließ der Regisseur und Textdichter Jacques Demy alle Dialoge singen – auch die banalsten Wortwechsel: „Ist mein Wagen fertig?“ fragt da einer, und der Monteur trällert zurück: „Ja, der Motor ist noch etwas laut, aber das ist immer so, wenn er kalt ist.“ Cathérine Deneuve spielt hier ihre erste Filmrolle. Die Handlung erstreckt sich vom Jahr 1957 bis in die damalige Gegenwart, und das große Liebesthema – geronnen zu einem Song, den die Amerikaner „I Will Wait For You“ nennen – erhielt eine Oscar-Nominierung.

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Wieder lieferte das Showgeschäft, das eigene Genre, den Hintergrund für Stynes “Funny Girl” von 1964. Das „Funny Girl“ ist Fanny Brice, die vor allem aus den Ziegfeld Follies bekannte Komikerin und Sängerin. Ihrer Biografie ist das Musical gewidmet. Verkörpert wurde Fanny Brice von der 21jährigen Barbra Streisand, die ihren frisch erworbenen Starruhm damit noch vergrößern konnte. Wie Mama Rose ist auch das „Funny Girl“ ein von Ehrgeiz und Durchsetzungswillen geprägtes Energiebündel. Noch ist sie das hässliche Entlein, doch sie kennt ihre Qualitäten und weiß in einer berühmten Comedy-Nummer zu Beginn der Show: „I’m The Greatest Star“. Und ein Star wurde Fanny, doch ihre Komik war weitaus bizarrer, als es die Neu-Interpretation der (Nase hin oder her) bildschönen Barbra Streisand vermuten lässt. In „Everybody Sing!“, einem frühen MGM-Musical mit Judy Farland, können wir uns ein Bild davon machen. In Fannys schräger Solonummer „Quainty Dainty Me“ sind einige ihrer Manierismen zu sehen, die im Film „Funny Girl“ zumindest angedeutet werden.
Die Bühnen-Fanny legt im Privatleben die selbe Unbedingtheit an den Tag wie im Beruf. Um sich den Mann ihrer Träume zu sichern, lässt sie alles stehen und liegen und reist ihm nach. Nichts soll sich ihr in den Weg stellen: „Don’t Rain On My Parade!“
Auch hier zeigen sich Ähnlichkeiten zu „Gypsy“, Ähnlichkeiten musikalischer Art. Styne verwendet nämlich die selbe Technik, einzelne Glieder von Songs an anderer Stelle sinnstiftend zu wiederholen. So bezieht sich „Don’t Rain On My Parade“ musikalisch auf „I’m The Greatest Star“ zurück.

Ebenfalls mit einer historischen Person – diesmal nicht aus dem Showgeschäft sondern aus der Politik – hatte sich 1959 das Musical „Fiorello!“ befasst.

Als es noch für jedermann käufliche gedruckte Klavierauszüge der wichtigsten aktuellen Broadway-Musicals gab, waren die dazugehörigen „Voval Selections“ schmale Heftchen, die nur die Refrains der wichtigsten Songs in einfacher Notierung enthielten, aber immerhin mit ein Paar Bühnenfotos und dem Plakatmotiv auf dem Cover aufwarteten. Heute haben wir es mit einer Mischform dieser beiden Varianten zu tun, wenn Musical-Noten (was selten genug geschieht) in gedruckter Form verkauft werden.

„Fiorello!“ war die zweite gemeinsame Arbeit und der erste Erfolg des Komponisten Jerry Bock und des Texters Sheldon Harnick. Nach „Of Thee I Sing“ und „South Pacific“ erhielt “Fiorello!” als drittes Musical überhaupt sogar den Pulitzer-Preis für Drama. Das Musical zeichnet den Werdegang des legendären New Yorker Bürgermeisters Fiorello LaGuardia bis zu seinem schließlichen Amtsantritt im Jahre 1933 nach. Der Rivale und Amtsvorgänger des ehrenhaften, energiegeladenen LaGuardia war der smarte, etwas halbseidene Jimmy Walker, ein Bürgermeister New Yorks, so perfekt in die Roaring Twenties passend, dass ihn ein Librettist nicht besser hätte erfinden können. Den „Gentleman Jimmy“ charakterisiert ein Song zu seinen Ehren, aufgeführt auf einer Wahlkampfparty vom eigens engagierten Broadwaystar samt Chorus Line. Natürlich kleidet Jerry Bock diese Eloge auf Walker in einen Charleston, das musikalische Symbol der 20er. Sheldon Harnick macht sich den Spaß, sich auf einen Songtext zu beziehen, der historische Jimmy Walker einmal verfasst hat und der den markanten Titel trägt: „Will You Love In December As You Did In May?“
Den dynamischen LaGuardia lernen wir zu Beginn des Stückes und seiner Karriere als menschenfreundlichen und engagierten Anwalt kennen. Im Song „Unfair“ lehrt er die für bessere Arbeitsbedingungen streikenden Textilarbeiterinnen, sich lautstark bemerkbar zu machen. Kein Zweifel: Mit dieser ansteckenden Energie wird Fiorello später auch der korrupten Stadtregierung das Handwerk legen können.

Der Beitrag Broadway’s Like That (46): Der Frauenversteher Jule Styne (iii) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..