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Seit der Erfolg von „Knives Out“ zur Serie angewachsen ist, hat das uralte und irgendwie gemütliche Genre des Krimi-Kammerspiels, der Thriller in geschlossenen Räumen, wieder Konjunktur. Das passt prima zum Jubiläum der „Queen Of Crime“ Agatha Christie, das dieser Tage in den Mediatheken gefeiert wird. Aber ist der neueste Beitrag „The Housemaid“  auch so witzig wie es diese Beispiele?
Im aktuellen Podcast versuchen wir, es herauszufinden:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/the-housemaid-wenn-sie-wuesste-aktuelle-filmkritik

The Housemaid – Wenn sie wüsste
Thriller von Paul Feig

Die 27-jährige Millie hofft nach der Entlassung aus dem Gefängnis als Hausmädchen bei einem wohlhabenden Ehepaar neu anzufangen. Doch schon bald merkt sie, dass sich hinter der Fassade aus Luxus und Eleganz eine dunkle Wahrheit verbirgt, die weitaus gefährlicher ist als ihre eigene. Ein verführerisches Spiel um Geheimnisse, Skandale und Macht beginnt…

Sydney Sweeney und Amanda Seyfried spielen die Hauptrollen in dieser Verfilmung eines Bestsellers von Freida McFadden.

Außerdem unterhalten wir uns über den neuen Film von Ralph Fiennes:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/28-years-later-the-bone-temple

28 Years Later: The Bone Temple
Horror-Drama von Nia DaCosta

Nachdem Spike seine Heimatinsel hinter sich gelassen hat, gerät er in die Fänge der Satanistensekte um den Guru „Sir Jimmy Crystal“. Der kleine Junge wird genötigt, sich der Horde anzuschließen. Inzwischen hat Dr. Ian Kelson das Vertrauen eines grobschlächtigen Alpha-Virus-Trägers gewonnen, den er Samson nennt. Als Sir Jimmys Sekte Kelsons Refugium, den „Bone Temple“ entdeckt, erpresst er den Einsiedler, ihn bei seinen Plänen zu unterstützen …

Angeregt von der Comicserie „The Walking Dead“, die später erfolgreich als TV-Serie umgesetzt wurde, brachte der Brite Danny Boyle den Zombie-Mythos in „28 Days Later“ erfolgreich auf die Leinwand und machte inhaltliche Anleihen. Eine Fortsetzung später, legte er voriges Jahr mit „28 Years Later“ den Grundstein für eine neue Filmreihe, die nun im Kino ihre Fortsetzung findet.

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A) Blutgericht in Texas / The Texas Chainsaw Massacre
US-Horrorfilm von 1974

Sally und ihr im Rollstuhl sitzender dicklicher Bruder Franklin bereisen mit ihren Freunden Pam, Kirk und Jerry das ländliche Texas. Als ihnen das Benzin ausgeht, erkunden sie ein einsames Haus, das – wie sich herausstellt – von einer irren Schlachterfamilie bewohnt wird, die sich von Menschenfleisch ernährt. Ein besonders unangenehmer Geselle ist der eine röhrende Motorsäge schwingende „Leatherface“ – er heißt so, weil er sich die Gesichter seiner Opfer anzieht …

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/kettensaegen-massaker-und-oma-horror

Der billig produzierte Schocker von Tobe Hooper ist die Mutter des Slasher- und Teenie-Horrorfilms und so blutrünstig, dreist und grauenvoll, dass er jahrelang verboten war. Das ist in diesem Genre eine Auszeichnung, die den Kult in ungeahnte Höhen trieb. Der Kannibale Leatherface geht auf den realen Serienmörder Ed Gein zurück, der ansonsten so unterschiedliche Figuren wie Norman Bates in „Psycho“ und „Buffalo Bill“ in „Das Schweigen der Lämmer“ inspirierte.

B) The Visit
US-Teenie-Horrorfilm von 2015

Die Teenager Tyler und Rebecca haben durchgedrückt, ihre Großeltern besuchen zu dürfen, obwohl sich Mutter Loretta vor langer Zeit restlos mit ihnen überworfen und den Kontakt abgebrochen hat. Während sie eine Kreuzfahrt mit ihrem neuen Lover macht, fahren der extrovertierte Tyler und seine pfiffige große Schwester für eine Woche aufs Land. Rebecca filmt die ganze Reise mit dem Smartphone, um sie zu einer Doku zu verarbeiten. Die Kids werden herzlich empfangen, wundern sich jedoch bald darüber, wie seltsam das Alter die Menschen macht. Nach und nach werden ihnen Oma und Opa immer unheimlicher …

Der gesamte Film ist als Found-Footage-Montage gestaltet. Das mag damit zusammenhängen, dass Autorenfilmer M. Night Shyamalan nach seinem Durchbruch mit „The Sixth Sense“ einen Abstieg hinnehmen und kleinere Brötchen backen musste. Doch die kleine Form bekommt dem Ergebnis ausgezeichnet. „The Visit“ ist ein klug aufgebautes, raffiniertes und gut besetztes Kammerspiel, das sämtliche Shyamalan-Unsitten davor und danach vermeidet. Sogar die Synchronfassung ist meisterlich.

Unsere Gäste:

FILMTIEFTAUCHEN
Der Film-Podcast mit historischem Faktencheck

Wir – die Kunsthistorikerin und Japanologin Susi, der Filmschaffende Asfaha sowie der Cineast Sven – sprechen jeden Freitag über Filme. Dabei tauchen wir tiefer ein: Wir verbinden unsere Filmanalysen mit historischen Faktenchecks sowie mit filmwissenschaftlichen und gesellschaftlichen Aspekten. Außerdem geben wir Einblicke in die Kultur Japans. Neben unseren regulären Folgen betreiben wir das Format „Kurzkritik“ – kompakte, spoilerfreie Episoden, in denen wir aktuelle Filme bewerten.

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Machen wir uns nichts vor: all die „Unsterblichen“ des Kinos sind heute vergessen (abgesehen vielleicht von der Monroe), und kein heute 30jähriger kann noch einen einzigen „Klassiker“ nennen, der deutlich vor seiner eigenen Lebensspanne gedreht wurde. Ohne „Psycho“ wäre selbst Alfred Hitchcock nicht der geflügelte Name, der er heute ist. „Psycho“, dieser unverwüstliche Kultfilm in einem prallen Repertoire aus verdienten Erfolgen und historischen Leistungen, ist der Reißnagel, der Hitch in der heutigen schnelllebigen Popkultur befestigt. Ohne ihn hätte sie seinen Regisseur längst ebenso gründlich fallenlassen wie sie es längst mit Billy Wilder und Orson Welles gemacht hat. Was „Vertigo“ den Cineasten ist, das ist „Psycho“ der wirklichen Welt. Ausgerechnet der einzige Horrorfilm im Werk des „Master of Suspense“ (was mit „Meister der Spannung“ nur nachlässig übersetzt ist), dieses mit kleinem Budget und leichter Hand wie ein Fernsehfilm produzierte Zwischenwerk, hat all die Worte, Bilder, Typen und Töne in die Welt gesetzt, die der heutige Mediennutzer braucht, um sich eines so uralten Filmes (und seines Schöpfers) zu erinnern, der überdies in Schwarzweiß gedreht wurde.

„Psycho“ brachte uns den Duschenmord mit der Jingle-tauglichen Musik von Bernard Herrmann, die Mumien-Mutter mit dem Messer, diese Schlusspointe, die inzwischen jeder kennt und die trotzdem das Vergnügen, diesen Film immer wieder mit knisternder Gänsehaut anzuschauen, nicht spoilert. Und er schenkte uns Norman Bates, den hinreißenden jugendlichen Psychopathen, der dem hoffnungsvollen und bis dato überaus vielseitigen Anthony Perkins die Rolle verpasste, von der er fortan nicht mehr loskam. Wie schon in „Marnie“ (der Folge 4 dieser Hörbuchreihe), hat Hitchcock auch diese männliche Hauptfigur etwas jünger und einnehmender gestaltet als es die Vorlage angelegt hatte. Das reale Vorbild war umso finsterer: Ed Gein war ein nekrophiler Transvestit, der nicht die Kleider seiner Opfer anzog, sondern gleich ihre Haut. Und später das Vorbild für weitaus grauenvollere Ikonen des Kinos: neben „Leatherface“ aus dem „Texas Chainsaw Massacre“ und „Buffalo Bill“ aus „Das Schweigen der Lämmer“ ist Norman Bates eine geradezu poetische Figur. Und doch steht „Psycho“ noch immer erhobenen Hauptes in einer Reihe mit unseren Zeitgenossen.
„Psycho“ ist eine solche Energiequelle der Inspiration, dass sogar seine Fortsetzung – zwei Jahre nach Hitchcocks Tod herausgekommen und ihrerseits der Startschuss für eine Unzahl von schwächeren, aber wirkungsvollen Nach- und Neuerzählungen – ein beachtlicher Film geworden ist. Er wartet mit einem Anthony Perkins auf, der wirklich aussieht, als hätte er die 22 Jahre unterdessen in einer Irrenanstalt verbracht. Und wir sind begierig, das Psycho-Haus ein weiteres Mal zu betreten – und die Winkel und Räume zu besichtigen, auf die wir zuvor keinen Blick erhaschen konnten. Nur einer freute sich nicht darüber: der ansonsten begeisterte Kritiker des „Tip“ klagte, dass „die durch allzu perfektes ‚Remake‘ der Hitchcock’schen Kulisse aufkommenden Erinnerungen an dessen Meisterwerk manchem herzlichen Lacher einfach im Wege stehen.“
Stimmt ja – witzig ist „Psycho“ auch noch. Vor allem, wenn man ihn zum zweiten Mal sieht.

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Seit Anthony Hopkins vor knapp 35 Jahren zum ersten Mal Hannibal Lecter spielte – als zweiter Interpret dieser Rolle – haben Schauspieler und Kunstfigur ihre rasch errungene Spitzenposition eisern behauptet. Anthony Hopkins gilt ungebrochen als Inbegriff britischer Schauspielkunst und hat die mit dem Vergessenwerden solcher Namen wie Gielgud, Olivier und Richardson freigewordene Bewunderung auf diesem Gebiet gleichsam mit auf sich genommen. Sein Dr. Lecter wird seither in einschlägigen Rankings regelmäßig zum gelungensten Filmbösewicht aller Zeiten gewählt, stets mit Norman Bates auf dem zweiten Platz. (Ironischerweise werden beide auf den realen Verbrecher Ed Gein zurückgeführt, der weder über Bates’ jugendlichen Liebreiz noch über Lecters universalgebildete Eleganz verfügte.)
„Das Schweigen der Lämmer“ ist einer dieser Filme, deren Ruhm sich längst verselbständigt hat, während viele ihn seit einer Ewigkeit nicht mehr gesehen haben.
Doch das ist in Ordnung: er ist nicht nur tatsächlich fabelhaft, er ist außerdem gut gealtert.

Mir ging bei der letzten Sichtung folgendes ganz nebenbei durch den Kopf:

Die berühmte Maske mit der vergitterten Mund-Öffnung, die Hannibal trägt, wenn er der Senatorin vorgeführt wird, macht ihn jünger. Vielleicht ist sie deshalb seither so gern parodiert und wiederverwendet worden.

Dass Anthony Hopkins raffinierterweise niemals mit geschlossenen Augen gezeigt wird, dass er nicht einmal zwinkert, ist Unsinn. Mit dieser Behauptung versuchen Party- und Talkshowgäste gern, ein „Ach wirklich?“ bei ihren weniger interessierten Gesprächspartnern auszulösen.

Die Synchronfassung wirkt bei jeder Betrachtung des Films sorgfältiger auf mich – was an der Gegenläufigkeit der tatsächlichen Entwicklung liegt. Hopkins’ Darstellung profitiert davon, dass es noch Rolf Schult ist, der ihn stimmlich vertritt (ein Könner, der sich bald darauf zurückzog). Der behutsam-spitzfindige Peter Matic macht aus dem Mund von Scott Glenn jedesmal große Freude, Jürgen Thormann ist wie üblich ein komödiantischer Hochgenuss – diesmal auf Anthony Heald, dem unausstehlichen Dr. Chilton. Nur in Kleinstrollen gestattet sich die Bearbeitung Nachlässigkeiten. Die wenigen Takes, von Mr. Lamar (ein Mitarbeiter des Bestattungsinstituts, der von dem versierten Kleinstrollenschauspieler Tracey Walter gespielt wird) sind fehlbesetzt und unsauber betont.

In der Filmmusik wird mehrmals eine Tonfolge aus Lou Alters „Manhattan Sereande“ zitiert – gewiss zufällig und ohne Hintergedanken.

Der Film war auf vielfache Weise stilprägend. Er setzte den Satz „Bereit wenn Sie es sind!“ in die Welt, er definierte, wie in Filmen mit Gefangenen umgegangen wird, die wir als ganz besonders gefährlich anerkennen sollen. Die Parallelmontage, in der wir fälschlich glauben, dass das FBI-Team das richtige Haus stürmen will, ist oft kopiert worden. Das Horrorhaus, in dessen Untergeschoss der Killer seine Opfer quält, inspiriert bis zum heutigen Tag den Einrichtungs- und Lebensstil unzähliger Serienmörder in amerikanischen Filmen und Serien.

Die wenigen Schwachpunkte des Films haben mich schon immer gestört, weitere sind nicht hinzugekommen. Dazu gehört etwa Jodie Fosters erster Abgang aus dem Kerkerflur (ein Affentheater wie in einem Durbridge-Hörspielkrimi). Und obwohl der Film insgesamt mit dem noch exotischen Thema sexueller Uneindeutigkeit sehr taktvoll umgeht, ist die Gestaltung des Unter-Bösewichts „Buffalo Bill“ so plump auf halbseidene Schrillheit gebürstet, dass einem die Achtziger Jahre an ihrem Ende noch einmal klebrig den Rücken herunterlaufen. Eine Kleinigkeit noch: als Jodie Foster angeblich durch das Nachtsichtgerät beobachtet wird, wirft sie gehörige Schatten.

An der Fortsetzung „Hannibal“ mochte Jodie Foster nicht mehr mitwirken. Das war in zweifacher Hinsicht eine gute Entscheidung. Erstens ist dieser Film schlichtweg Mist, zweitens wird auch ihre Figur Clarice Starling gehörig gerupft und entzaubert. Sie schafft es nicht mehr, an ihren ersten Erfolg beim FBI anzuknüpfen und muss sich einen Satz anhören, mit dem Dr. Lecter sie schon in vorigen Film aufgezogen hat: „Ihr Problem ist, dass Sie es nicht schaffen, mehr Spaß aus Ihrem Leben herauszuholen!“
Auch im Vergleich mit seinen unzähligen sonstigen Nachzüglern und -ahmern schneidet „Das Schweigen der Lämmer“ gut ab: er vermeidet die Unmäßigkeit der Mittel und das quasireligöse Gelaber, das viele davon auszeichnet (vor allem seit David Finchers „Seven“).

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