Drei große Hymnen auf das Showgeschäft hat das Broadway-Musical hervorgebracht: „That’s Entertainment!“ von Howard Dietz & Arthur Schwartz, „Ev’rything’s Coming Up Roses“ aus „Gypsy“ und – die meist gespielte davon – „There’s No Business Like Show Business“ aus dem Western-Musical „Annie Get Your Gun“. Wie den meisten Evergreens aus großen Film- oder Theaterereignissen, haftet auch dieser Nummer die Anekdote an, sie hätte um ein Haar gar nicht stattgefunden. Weil der Produzent von „Annie Get Your Gun“ – der berühmte Broadway-Komponist Richard Rodgers – beim Zuhören offenbar sehr konzentriert geschaut und Irving Berlin diesen Blick als Missfallen missdeutet hatte, erbot er sich, den betreffenden Song zu streichen. Glücklicherweise konnte er daran gehindert werden.
Irving Berlin hat noch einen weiteren Jahrhundert-Hit geschaffen, der sich von seinem Ursprung völlig emanzipiert hat: „White Christmas“, das erste nicht-kirchliche Weihnachtslied. Dieser Song ist stark mit der Biographie des Komponisten verbunden.

Weihnachten ist das Fest der Rituale, und für die Kosaken gehörte im späten 19. Jahrhundert ein zünftiges antijüdisches Pogrom  – neben viel Alkoholgenuß – zur Tradition. Auch das Haus der Familie Baline im sibirischen Tjumen ging bei einem solchen in Flammen auf. 1893 flohen die Balines in die USA und landeten, wie so viele Einwanderer, in der New Yorker Lower East Side, wo sie in den nächsten Jahren in Armut lebten.*
Knapp 50 Jahre später notierte der jüngste Baline-Sohn Israel seine Wunsch-Version von Weihnachten: „I’m dreaming of a white Christmas, just like the ones I used to know“ – und schuf damit das vielleicht kitschigste, bestimmt aber das populärste Weihnachtslied der Welt.

„White Christmas“ – 1942 veröffentlicht – machte seinen Schöpfer, der sich nun Irving Berlin nannte, endgültig zum erfolgreichsten Komponisten des 20. Jahrhunderts.
Bis heute verkaufte sich allein die von Bing Crosby gesungene „Christmas“-Fassung weit über 30 Millionen mal und schlägt damit locker andere Berlin-Hits wie „Cheek To Cheek“ oder „There’s No Business Like Show Business“.
Gott hat Moses die zehn Gebote gegeben, und dann gab er Irving Berlin White Christmas”, flachste der Schriftsteller Philip Roth.
Der amerikanische Journalist Jody Rosen weist in seiner Berlin-Biografie „White Christmas“ auch auf die unterschwellige Traurigkeit des gleichnamigen Songklassikers hin, die diesen zum „trübseligsten, bluesartigsten Song macht, der je in der Maskerade eines Weihnachtsliedes dahergekommen ist“.

In seinem extrem langen und fruchtbaren Leben – er starb 1989 im Alter von 101 Jahren und hinterließ um die 1000 Songs, zu denen er ebenfalls die Texte geschrieben hatte – hat Berlin alle Bereiche der Popularmusik bedient, sei es Tin Pan Alley (also die Schlagerindustrie), den Broadway oder Hollywood. Später tauchte seine Musik im Fernsehen, in der Werbung und immer wieder in den Charts auf.

Diesen späten Charterfolg von „Puttin‘ On The Ritz“ mußte Irving Berlin noch persönlich miterleben. Er dürfte diese Interpretation, in der noch andere seiner Hits angespielt werden, nicht goutiert haben.

Einen ausgeprägten Personalstil wie etwa Gershwin oder Porter besitzt der vielseitige Berlin weniger, es sei denn, dass seine Songs meist außerordentlich geradlinig und einfach wirken, ohne es freilich auch immer zu sein.
Schon Gershwin sah in Berlin neben Kern eines seiner musikalischen Vorbilder, und bis heute scheint Berlin in Amerika wie eine Ikone verehrt zu werden. Offenbar repräsentiert seine Musik wie keine andere das Selbstbild der Amerikaner, die ihm neben „White Christmas“ auch „God Bless America“ verdanken.

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* In dem Trickfilm-Musical „An American Tail“ (1986) wird das Szenario der Vertreibung durch die zaristischen Horden dem Helden, dem Mäuserich Feivel, in die Biographie geschrieben. (Siehe dazu den Blog vom 23. Juni 2015.) Auch die musikalisch aufgegriffene Inschrift auf dem Sockel der Freiheitsstatue, die den kleinen Emigranten – noch im Bau befindlich – willkommen heißt, verweist auf Irving Berlin: diesen Text sollte er später vertonen.

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Es ist bezeichnend, dass in den kurzen Radiomeldungen vom Tod James Horners bei einem Flugzeugabsturz hauptsächlich von zeitgenössischen Filmen die Rede ist, bei denen sich schon jetzt kein Mensch mehr an die Musik erinnert: „Braveheart“ und „Avatar“ – und natürlich von seinen beiden Oscars für „Titanic“.
In den letzten Jahren war mir seine Musik bereits fremd geworden. Sein ganz großer Ruhm kam für unsere Liebesgeschichte zu spät.
(Das erinnert mich etwas an die Rezeption von John Barry – einem weitaus berühmteren Filmkomponisten -, der von Soundtrack-Freunden* heute vor allem für „Out Of Africa“ gefeiert wird – eine solide, aber für seine Verhältnisse anspruchslose Arbeit.)

Es gab eine Zeit, da war James Horner meine letzte Hoffnung. In den 80ern, als sich der spätromantische Soundtrack zugunsten von unterlegter Popmusik aus dem Kino verabschiedete, komponierte er noch für großes Orchester. Und er konnte Melodien schreiben, bei denen dieses Orchester auch wirklich etwas zu erzählen hatte.
Seine Musik für „The Wrath Of Khan“, dem zweiten Spielfilm mit Captain Kirk und der Enterprise, machte „Star Trek“ endgültig auch zu einem Kinoformat; „Star Trek – Der Film“ war eher als Kuriosum aufgefallen. Die Geschichte um einen Tyrannen auf Rachefeldzug wird von einer edlen, beschwingten Historienfilmmusik begleitet, in die immer wieder der kosmische Donner des Actionfilmzeitalters hineinfährt.
Dieser zweite Teil gilt noch immer als eines der Glanzlichter der Serie, wenn auch der Humor hier etwas zu kurz kommt, der ab dem Legendären Teil IV (der mit den singenden Walen) zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Kinokonzeptes wurde.
Um die selbe Zeit entstanden „Brainstorm“ und „Gorky Park“, zwei Thriller, in denen der komponist auch die sphärischen Momente eindrucksvoll herausarbeitet.

Dass James Horner auch Songs schreiben konnte, bewies er in seiner reichsten und einfühlsamsten Filmmusik überhaupt, dem Trickfilm-Musical „Feivel, der Mauswanderer“ (unterstützt von der Texterin Cynthia Weil). Hier gibt es alles, was das Kind zum Großwerden braucht – und noch mehr.
Der naive aber berechtigte Optimismus der emigrierenden russischen Mäuse auf der Überfahrt wird mit „There Are No Cats In America!“ gefeiert, eine unerwartete Freundschaft mit der anrührenden Vaudeville-Nummer „A Duo“. Das große Liebesthema „Somewhere Out There“ funktioniert ebensogut als kinderstimmiges Fern-Duett wie als große Rockballade von Linda Ronstadt und James Ingram über dem Abspann. All das wird von einer sinfonischen Partitur umarmt, bei der sich Horner – dem Heimatland der Flüchtlingsfamilie entsprechend – an den russischen Meistern orientiert hat. Ein besonderes Juwel ist der gehauchte Chor, der den Willkommensgruß vom Sockel der Freiheitsstatue zitiert: „Give Me Your Tired, Your Poor“. New Yorks Wahrzeichen ist gerade im Bau begriffen, als der kleine Feivel in einer Flaschenpost in den Hafen einläuft.
Der Film hat bis heute seine Bewunderer, und das hat viel mit James Horner zu tun.

           Ein unbesungenes Meisterwerk: die Einzelausgabe von „Somewhere Out There“

Bis heute werden Oscars für den besten Song vergeben, aber die meisten davon hört nur der Kinobesucher. Mit „My Heart Will Go On“ lieferte Horner 1997 für „Titanic“ einen letzten fulminanten Beitrag zur Tradition des Filmhits, der unabhängig von seinem Originalkontext um die Welt geht.

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* Gewiß, gewiß – außerhalb der Filmmusik-Fanblase nimmt man John Barry vor allem als den Vater des James-Bond-Sounds wahr, und das ist eine ganz andere wunderbare Geschichte.

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