Auf einem Teldec-Doppel-Album mit seinen wichtigsten Film- und TV-Melodien ließ sich Martin Böttcher 1974 mit diesem Text abfeiern, der und die skurrile Welt der alten Bundesrepublik wieder am Bein hochkrabbeln lässt. Das lässt nur dadurch übertreffen, diese oder andere Platte des Meisters tatsächlich aufzulegen.

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Die Fernsehkult-Generation ist in etwa identisch mit den „Boomern“, die sich zur Zeit scharenweise in den Ruhestand verabschieden. Der Soundtrack zu ihrem Leben kam zu einem nicht unerheblichen Teil von zwei Männern: Peter Thomas und Christian Bruhn. Die haben nicht nur in der Schlagerbranche mitgemischt – uns also aus dem Radio heraus unterhalten -, sondern auch eine Unzahl von TV-Serien und Kinofilmen (die später im Fernsehen rotieren sollten) musikalisch gestaltet.
Beide waren große Könner und überaus produktiv. Doch während Peter Thomas heute hauptsächlich wegen seines Themas für „Raumpatrouille Orion“ abgefeiert wird, weiß man bei Christian Bruhn gar nicht, wo man anfangen soll. Nach der Nennung weniger Titelsongs ist man kurz versucht, ihn für den einzigen deutschen Fernseh-Komponisten der Nachkriegszeit zu halten: „Captain Future“, „Heidi“, „Timm Thaler“, „Hey, hey, Wickie“, „Die rote Zora“ …

Beide lassen sich in Buchform erforschen. Christian Bruhn hat 2005 eine Autobiographie vorgelegt, deren Titel „Marmor, Stein und Liebeskummer“ die Tür zu seinem beachtlichen Schlagerschaffen aufmacht (die wir schon aus Platzgründen gleich wieder schließen müssen). Es ist ein eminent witziges, lebenskluges Buch, in dem die alte Bundesrepublik uns wie ein Paradies pfiffigen Entertainments erscheint, in dem die Sonne niemals unterging. (In gewisser Weise war das wohl auch so …)

Peter Thomas starb, ohne sein Leben selbst erzählt zu haben, und so ist diese Aufgabe Gerd Naumann zugefallen: „Der Filmkomponist Peter Thomas“ erschien 2009. Das Buch ist gut recherchiert, aber komplett unlesbar. Wenn man sich schon kein kompetentes Lektorat leisten wollte, hätte allein das Redigieren der leutseligen Thomas-Zitate sehr gutgetan („Nun mach doch mal wat anderet, aber was besonders anderes. Aber so, dass es auch jeder versteht und dass auch jeder sich erinnert und sagt: Da ist eine Titelmusik, das ist aber sehr beknallt.“; „Ich sag: Hör mal, Meise! Einmal singen, Geld kriegen, Wiedersehen!“ – so geht das die ganze Zeit!).
Wer sich informieren möchte, während sich die Musik von Peter Thomas auf dem Plattenteller dreht, der könnte sich auf der todschicken Homepage des Meisters wohlfühlen.

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Georges Delerue studierte unter Darius Milhaud und leitete das französische Rundfunkorchester, ehe er zur Filmmusik kam. Zunächst war er für François Truffaut, dann auch für andere Filmemacher der Nouvelle Vague tätig. Erst recht spät, ab 1972, wurde auch Hollywood auf ihn aufmerksam, nachdem er 1969 eine Nominierung für „Konigin der tausend Tage“ erhalten hatte. Wiederum wurde er dort wurde gemeinsam mit seinen Regisseuren groß – etwa Oliver Stone, für den er „Platoon“ schrieb –wie es heute allgemein üblich ist Den Oscar bekam er schließlich 1980 für „Ich liebe dich – I Love You – Je t’aime“.

So sehr Delerue die französische Filmmusik seiner Epoche repräsentiert, so ausgeprägt ist andererseits sein Personalstil. Der Humorist Harry Rowohlt kokettierte damit, seine Musik nicht zu mögen, und vielen Filmmusiksammlern ging es ebenso. Wer Walzer schätzt, hat in diesem Repertoire viel Grund zur Freude. Besonders hübsch ist das winzige, gut versteckte Liebesthema für die Louis–de–Funès-Komödie „Hibernatus“.

Als Georges Delerue 67jährig in Los Angeles starb, riss ihn das aus einer fleißigen und erfolgreichen Tätigkeit. Der Regisseur Bruce Beresford erinnerte sich einige Jahre später: „Er hat sehr viel gearbeitet und aufgrund seiner Rückgratverkrümmung und den damit verbundenen Problemen musste er Medikamente nehmen. Hinzu kam das Rauchen.“ Und wie war er so? „Wäre er kein Komponist gewesen, hätte er ein General der Armee sein können. Er war immer so unglaublich gut organisiert und vorbereitet. Er war pünktlich wie ein Uhrwerk – und hat ja immer an mehreren Filmen gleichzeitig gearbeitet.“

Zuletzt hatte Georges Delerue  alle großen Preise gewonnen, und heute trägt der vom Film Fest Ghent verliehene Filmmusikreis seinen Namen.

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Ungeachtet dessen ist die Her- und Bereitstellung von Archivmusik ein seriöses und anspruchsvolles Anliegen und ist das betreffende Material künstlerisch mitunter wertvoll.
So obskur diese Musiktracks auch sein mögen, zu ihren Komponisten zählen überaus bedeutsame Leute wie Rolf Kühn, Dieter Reith, Coco Schumann und Peter Thomas, letzterer ein Wirtschaftswunder-Filmmusiker der durch seine Arbeit an Serien wie „Raumpatrouille“, „Der Alte“ und „Edgar Wallace“ frühzeitig ein bekannter Name war. Dass viele seiner Takte seit dem Easy-Listening-Boom der 90er Jahre als Samples wiederkehrten, passt dazu, dass er inzwischen auch als Archivmusiker entdeckt und gefeiert wird.

Als Soundtrack getarnt kam eine Sammlung britischer Library Music von Simon Park und seinem Team auf den Schallplattenmarkt. Das Titelstück ist die Erkennungsmelodie der Serie „Van der Falk“. Der Detektiv auf dem Cover ist der Schauspieler Barry Foster, der in jenen Tagen auch für Hitchcock den abscheulichen Krawattenmörder spielte. Vermutlich deshalb fanden viele den Darsteller so unsympathisch, dass die Serie hierzulande bald abgesetzt wurde.

Library Music ist eine Gebrauchsmusik, die nicht über die GEMA abgerechnet wird, sondern deren Schöpfer durch eine Einmalzahlung vergütet werden. Die Produktionsfirma stellt sie für vergleichsweise kleines Geld Film- und TV-Produzenten zur Verfügung. Hin und wieder werden diesem Repertoire auch Film- und TV-Soundtracks nachträglich hinzugefügt, etwa Fred Strittmatters und Quirin Ampers neo-retrospektive Stummfilmmusik für die Serie „Väter der Klamotte“, die heute von Intervox vertrieben wird. Der Zuschauer des Endproduktes erfährt den Namen der Komponisten nicht, Anonymität ist in diesem Bereich der Regelfall.
Gerade das machte die Arbeit fürs Archiv für Leute wie Peter Thomas so interessant: ohne eine Rufschädigung zu riskieren, konnte man hier Missglücktes weiterspinnen, den Zettelkasten auswerten, schlicht „einfach nur Quatsch machen oder ganz ernsthaft in dieser vor den marktüblichen Kommerzialisierungsanforderungen geschützten Nische endlich seine kühnsten avantgardistischen Ideen verwirklichen“ (Dieter Diederichsen in der „taz“).

Wenn sich eine Produktionsfirma auflöste oder sich im Zuge der Digitalisierung von ihren Vinylbeständen trennte, landeten diese Aufnahmen auf dem Second-Hand-Plattenmarkt, wo sich ein eigenes Publikum von Sammlern dafür generierte. Inzwischen gibt es CD-Labels, die diese Musik regulär neu herausbringen. Library Music gibt es seit der Stummfilmzeit. Zunächst wurde sie – wie auch in der Popmusik – in Form von Notenblättern vertrieben. 1909 gründete der niederländische Musiker Meyer de Wolfe das Unternehmen „De Wolfe Ltd.“, das Kinos belieferte, die einen oder mehrere eigene Musiker zur Filmbegleitung beschäftigten. (Ab 1927 weitete de Wolfe seinen Service auf Schellackplatten aus, 1962 auf Vinyl.) Bis heute legendär und im Umlauf ist die Notenmappe „Kinothek“ von Giuseppe Becce von 1919, in der neben eigenen Stimmungsstücken auch Salonstücke und Evergreens aus der Klassischen Musik zu finden waren.

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Einem Genie der Filmmusik wie Henry Mancini erweist man in einer Nische wie dieser die größte Achtung, wenn man seine zahlreichen Hits nicht ein weiteres Mal aufzählt. Okay! – Einen vielleicht, weil ich die Geschichte dahinter sehr hübsch finde: Mancini wurde mehrmals gebeten, aus seinem „Pink Panther Theme“ ein paar weitere hunderttausend Dollar herauszuholen, indem er einen Text dafür in Auftrag gibt. Er tat das Gegenteil: er untersagte ausdrücklich jede Vokalversion, weil nach seiner Überzeugung ein sehr albernes Lied dabei herausgekommen wäre.
Dass seine restlos unbekannten Arbeiten qualitativ nicht gegen seine Erfolge abstinken, beweisen „Me, Natalie“ oder das parodistische „Shadows Of Paris“. Oder der Song „Tomorrow Is My Friend“ aus der Komödie „Gaily, Gaily“. Wenn man den Text durchliest, könnte man denken: was für eine seichte, naive Schnulze. Gemeinsam mit der Musik – auf dem Album zum Film werden eine Liedermacher-Version und eine typische Mancini-Chorfassung gespielt – wirkt das ganz anders.
„Tomorrow Is My Friend“ müsste eigentlich ein ganz großer Ohrwurm sein.

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Fortsetzung vom 19.9.2018

In den Sommern 1962 und ’63 arbeitete Bernard Herrmann an seinen letzten drei Beiträgen für „The Twilight Zone“.
„Little Girl Lost“ (Folge 91 vom 16. März 1962) handelt von einem Mädchen, das im Haus seiner Eltern in eine andere Dimension hineinstolpert. Eine fieberhafte Rettungsaktion beginnt …
Der Plot wurde etwas später unter dem Titel „Poltergeist“ zu einer erfolgreichen Filmreihe verarbeitet. Von der Musik war Buck Houghton so angetan, dass Herrmann diesmal sogar einen Credit im Vorspann bekam.

In „Living Doll“ (Folge 126 vom 1. November 1963) ist ein Familienvater eifersüchtig auf die Puppe seiner Tochter. Er will sie loswerden, doch das Biest wehrt sich … 
Diese Episode bietet puren Horror (nach Meinung von Steven C. Smith den reinsten Horror der ganzen Serie), und Herrmann würdigt dies mit einem seiner morbiden Walzermotive (wie er sie hin und wieder, z.B. für „Fahrenheit 451“, komponiert hat).

„Ninety Years Without Slumbering“ (Folge 132 vom 20. Dezember 1963) schließlich erzählt von Sam Forstmann, der glaubt, dass er sterben muss, wenn die Uhr seines Großvaters zum Stillstand kommt …
Herrmanns letzte Musik für die Serie ist vergleichsweise freundlich und konventionell, eine weitere Beschäftigung mit dem Thema Jung(gewesen)sein und Altwerden. Der Song, der der Geschichte als Inspiration diente, liegt auch der Musik zugrunde.

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Fortsetzung vom 19.9.2018

Nach dem Pilotfilm betreute Bernard Herrmann noch sechs weitere Episoden der „Twilight Zone“, verteilt über die gesamte Laufzeit der Serie.

In „The Lonely“ (Folge 7 vom 13. November 1959) muss ein Sträfling seine Zeit auf einem menschenleeren Asteroiden absitzen. Eines Tages wird ihm ein weiblicher Androide als Gesellschaft zugeteilt, mit dem er eine Liebesbeziehung beginnt. Doch das Ende ist gewissermaßen programmiert …
Herrmanns Musik etabliert schon zu Beginn sowohl das fantastische Element der Story als auch die Liebesgeschichte. Der mechanischen Braut wird ein 4-Ton-Trompetenmotiv gewidmet, das Liebesthema „The Stars“ verweist auf das große Vorbild Charles Ives.

„Walking Distance“ (Folge 5 vom 6. November 1959) gilt – inhaltlich wie musikalisch – als Highlight der Serie:  ein gestresster Geschäftsmann nutzt eine Autopanne, um einen Spaziergang in seinen nahegelegenen Geburtsort zu machen. Er findet diese Kleinstadt so wieder, wie er sie gekannt hat und trifft sich selbst als Zwölfjährigen …

The children’s carousel, the chesnut trees, the wishing well … – ein Thema aus „Walking Distance“
Der Score ist ganz dem sehnsuchtsvollen Aspekt gewidmet, der Ironie, dass man im Erwachsenenalter ausgerechnet jene Aspekte der Kindheit besonders schätzt, für die man als Kind gar kein Organ hatte. Das zentrale Streichermotiv – ein Walzer – weht wie von fern herüber.
Im Rahmen dieses Projektes kam es zu einer kleinen Meinungsverschiedenheit zwischen Produzent und Komponist. Buck Houghton monierte ein Arrangement mit dem Hinweis, es würde die Szene – einen Dialog zwischen Geschäftsmann Sloane und seinem gleichaltrigen Vater – zu sehr dominieren. Herrmann war nicht amüsiert, stimmte aber rasch zu. „Die meisten Produzenten wissen nicht was sie tun“, soll er zu Houghton gesagt haben. „Bei dir ist das anders!“

Nach zwei Soundtracks für Hitchcock kehrte Herrmann in die „Twilight Zone“ zurück, um eine der populärsten Episoden mitzugestalten: „Eye Of The Beholder“ (Folge 42 vom 11. November 1960). Eine offensichtlich missgestaltete Frau soll ein letztes Mal versuchen, sich einer Operation zu unterziehen, die sie für die menschliche Gesellschaft tauglich machen soll. Alle bisherigen Eingriffe sind fehlgeschlagen …
Zu Harfe und Vibraphon gesellt sich diesmal tiefes Blech, eine Studie in Isolation und Andersartigkeit. Die dazu passende diskrete Kameraarbeit legt die Fährte zu einer Pointe, die leider unentwegt in Fachbüchern, Artikeln und sogar auf dem Cover einer CD-Box mit Herrmanns Musik preisgegeben wird.

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