Als Großmeister der Soliloquy – des als Selbstgespräch angelegten Theatersongs – haben sich Lerner & Loewe bewährt, nachdem Rodgers & Hammerstein* und Lerner gemeinsam mit Kurt Weill** in den 40er Jahren wahrhaft meisterliche Beispiele dieser Liedgattung vorgelegt hatten.
Meistens wird ein solcher Song im 3. Akt vorgetragen, um einen Zweifel zu säen und das Happy End noch einmal durch eine nachdenkliche Abwägung in Frage zu stellen.
In „My Fair Lady“, dem größten Hit von Alan J. Lerner und Frederick Loewe sowie des Broadway, ist es Henry Higgins, der sich fragt, ob er Eliza verzeihen sollte, wenn sie wieder an seine Türe klopft, oder ob er sie rausschmeißen sollte, wie es zwar seinem frauenfeindlichen Naturell, nicht aber seinen liebenden Gefühlen entspräche. Der Titel „Ich bin gewöhnt an ihr Gesicht“ weist schon darauf hin, wie er seine Wahl treffen wird – obschon der Schlusssatz des Abends „Wo zum Teufel sind meine Pantoffeln?“ ein ironisiertes offenes Ende bedeutet. Dieser Song ist beinahe ein Sprechgesang, was den reduzierten gesanglichen Neigungen des Darstellers Rex Harrison entgegenkommt, der den Prof. Higgins sowohl in der Originalinszenierung als auch im Film gespielt hat.

Ähnlich verhält es sich mit Louis Jourdan, der wenig später eine Lerner-&-Loewe-Soliloquy vorzutragen hatte. In „Gigi“, einem Filmmusical nach dem Roman der Colette, ist auch er ein fehlbarer männlicher Hauptdarsteller, der auf das Ende des Stückes und auf seine moralische Läuterung zusteuert.
Der Refrain von „Gaston’s Soliloquy“ ist der Titelsong der Show und geht in deren Finale über. Ohne den nachdenklichen Vers wurde daraus „Gigi“, ein Titel, der in Songbooks und Musical-Galas eine Zeitlang zum Standard-Repertoire gehörte. Die Kunst bestand darin, ihn so zu verfassen, dass er sowohl im Sprechgesang als auch bei ambitionierterer Umsetzung funktioniert. Das ist geglückt, wenn auch „Ich bin gewöhnt an ihr Gesicht“ – gemeinsam mit dem Werk rundherum – der größere Evergreen geworden ist.
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* In „Carousel“ – siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2016/12/10/broadways-like-that-36-youll-never-walk-alone/
**  Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2017/10/07/the-glorious-theater-lyrics-of-monty-arnold-21-this-is-the-life/

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Frank Sinatra und sein „Rat Pack“ waren mit ihrer legendären Konzertreihe in Las Vegas und einer Handvoll Filmen die letzte und letztmalig siegreiche Sturmtruppe des Old School Entertainment gegen den Rock’n’Roll und die von ihm angeregte neue Popmusik aus Europa. Dann dann fegten die Swingin‘ Sixties jene Musikrichtung beiseite, nach der sie benannt waren.
1964 eroberten britische Beat-Bands schlagartig die amerikanischen Hitparaden – noch setzte sich bei der Grammy-Verleihung für den besten Song des Jahres die Titelmelodie des Jerry-Herman-Musicals „Hello Dolly“ gegen „A Hard Day’s Night“ von den Beatles durch, aber die alten Meister des Broadway räumten das Feld. Leonard Bernstein widmete sich seinen zahlreichen Tätigkeiten auf dem klassischen Sektor, Cole Porter hatte sich schon einige Jahre lang zurückgezogen, als er in jenem Jahr starb. Das letzte Musical des greisen Irving Berlin – ein John F. Kennedy gewidmetes Werk namens „Mr. President“ – war ein Misserfolg gewesen. Richard Rodgers sollte mit keinem Songtexter zu einer ähnlich erfolgsträchtigen Zusammenarbeit wie mit Lorenz Hart oder Oscar Hammerstein II finden, Frederick Loewe gab das Komponieren ganz auf, ebenso Harry Warren, der im neuen Sound gar nichts Musikalisches mehr erblicken mochte.

Es kam zu einem Generationswechsel am Broadway, der jedoch nichts daran änderte, dass Musical und Popkultur sich auseinandergelebt hatten. Es gelang nur ganz wenigen der neuen Garde, sich überhaupt dauerhaft durchzusetzen – z.B. John Kander oder Cy Coleman. Unter ihnen zeigte aber allenfalls Stephen Sondheim ein Interesse daran, dem Genre neue Horizonte zu eröffnen. Frank Loesser glückte nach „How To Succeed In Business Without Really Trying“ kein großer Wurf mehr, Meredith Willson oder Mitch Leigh erlebten nach fulminantem Einstand einen jähen Karriereknick, Burt Bacharach beließ es bei einer kurzen Stippvisite am Broadway.
Der Komponist Charles Strouse – dessen populärstes Werk „Annie“ von 1977 werden sollte – verhöhnte den Rock’n’Roll 1960 mit „Bye Bye Birdie“. Hier wird die Geschichte des rockenden Teenageridols Conrad Birdie zum Anlaß genommen, den aktuellen Stil zumindest parodistisch aufzugreifen. Ein knappes Jahrzehnt sollte es noch dauern, bis im Musical wirklich ein neuer Sound zu hören war.

Weit weg vom Broadway – auf der europäischen Kinoleinwand – gab es inzwischen so etwas wie einen neuen Musical-Stil, aber er blieb ein Nischenereignis.
Der Komponist Michel Legrand ist heute zum einen durch seine Filmmusiken in Erinnerung (darunter einige, die große Songs mitbrachten) und seit dem Filmmusical „Yentl“ (1983) einer der Lieblingskomponisten von Barbra Streisand. Legrands ambitionierteste Arbeit auf dem Gebiet des Musicals ist jedoch „Les Parapluies de Cherbourg“, eine Liebesgeschichte vor dem Hintergrund des Algerienkrieges.
In diesem französischen Filmerfolg von 1964 ließ der Regisseur und Textdichter Jacques Demy alle Dialoge singen – auch die banalsten Wortwechsel: „Ist mein Wagen fertig?“ fragt da einer, und der Monteur trällert zurück: „Ja, der Motor ist noch etwas laut, aber das ist immer so, wenn er kalt ist.“ Cathérine Deneuve spielt hier ihre erste Filmrolle. Die Handlung erstreckt sich vom Jahr 1957 bis in die damalige Gegenwart, und das große Liebesthema – geronnen zu einem Song, den die Amerikaner „I Will Wait For You“ nennen – erhielt eine Oscar-Nominierung.

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Das letzte Musical der nunmehrigen amerikanischen Institution Rodgers & Hammerstein war 1959 „The Sound Of Music“. Es geht auf den deutschen Film “Die Trapp-Familie” von 1956 zurück. Dieser bezog sich wiederum auf die Memoiren der wirklichen Maria Augusta von Trapp. Rodgers & Hammerstein mit ihren Musical Plays, musikalisch wie vom Sujet her stets der Operette nah, pflegen diese Beziehung in „The Sound Of Music“ vielleicht am deutlichsten. Für Amerikaner wäre schon der alpenländische Schauplatz ein Indiz dafür. Das Libretto stammte übrigens diesmal nicht von Hammerstein – er schrieb nur die Songtexte.

Die Geschichte um die singende Nonne Maria, die sich in bewegter Zeit um die sieben Kinder eines verwitweten Barons kümmert, ist uns heute in der späteren Filmversion mit Julie Andrews präsent, die im Jahr zuvor als „Mary Poppins“ mit einem ganz ähnlichen Part Erfolge gefeiert hatte.
Eine gewisse Sentimentalität brauche man einfach für diese Geschichte, meinte Rodgers. Einigen Kritikern war “The Sound Of Music” denn doch zu kitschig erschienen. Rodgers & Hammersteins Musicals schwelgen ohnehin nicht selten in Rührung oder Pathos. Hammerstein gab gerne zu, ein Gefühlsmensch zu sein: „An Gefühlen ist nichts Schlimmes, denn die Ereignisse, von denen wir uns rühren lassen, sind die elementaren Ereignisse des Lebens: die Geburt eines Kindes, der Tod eines Kindes, jemand, der sich verliebt. Ich kann nur mit Gefühl auf diese Grundereignisse reagieren – jede andere Reaktion ist nur Pose.“
Und Rodgers pflichtete bei: „Ich bin überzeugt, dass jeder, der bei Kindern, Heimat oder Natur nicht auch mal gerührt sein kann, nicht mit sich im Reinen ist.“

Nach dem Tod Hammersteins schrieb Rodgers (der 1979 starb) mit verschiedenen anderen Partnern weitere Musicals. Die Zeit der großen Erfolge aber war vorbei – wenn auch nur sein letztes „I Remember Mama“ ein kommerzieller Fehlschlag war.
Als das Jahrzehnt zuendeging, war nicht nur Oscar Hammerstein gegangen. Ein Großteil der alten Broadway-Garde zog sich aus Altersgründen oder Bequemlichkeit zurück (Cole Porter, Frederick Loewe), wegen nachlassenden Erfolges (Irving Berlin) oder schlicht, weil der sich wandelnde Zeitgeschmack – der Siegeszug des Rock’n’Roll war offensichtlich keine Phase sondern eine Tendenz – den Künstlern zuwider war (Harry Warren). Die neuen Autorenteams waren bei weitem nicht mehr so produktiv wie ihre älteren Kollegen, und keiner von ihnen verstand sich auf einen Sound, der als zeitgemäß oder gar modern durchgegangen wäre. Das erste Rock-Musical „Hair“ kam erst 1968 heraus, und es blieb lange ein Unikat. Ironischerweise verabschiedete sich der Broadway aus seiner glanzvollsten Zeit mit sehr nostalgischen Tönen.

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Der Textdichter Alan Jay Lerner ist eine Figur, die für die Geschichte des Musicals eine besondere Rolle spielt.
Es vergingen nur wenige Jahre vom künstlerisch-kommerziellen Höhepunkt dieser Kunstgattung bis zum Beginn ihres Niedergangs.
Diese Entwicklung läßt sich am gemeinsamen Spätwerk von Lerner & Loewe entlang trefflich nachzeichnen.

1956 – im Jahr nach dem endgültigen Durchbruch des Rock’n’Roll als neuer tonangebender Musikrichtung – krönen der Amerikaner Alan J. Lerner und der Österreicher Frederick Loewe ihr nicht unbeträchtliches Broadway-Schaffen mit einer altmodisch-operettenhaften Theateradaption namens „My Fair Lady“. Der unmittelbare Sensationserfolg geht augenblicklich um die Welt, dringt sogar bis hinter den Eisernen Vorhang, wird erfolgreich verfilmt und begründet die bundesrepublikanische Musical-Tradition. Gleich zwei Güteklasse-Übersetzer erschaffen die erste Musical-Übertragung ins Deutsche. Bis heute hält sich das Werk weltweit auf den Spielplänen.
Das Broadway-Musical ist auf seinem Höhepunkt, auch was die Wahrnehmung des Genres bei der breiten Bevölkerung angeht.

1958 endet mit der Mammutproduktion „Gigi“ die Ära des Filmmusicals. Lerner & Loewe behalten das siegreiche Konzept bei: abermals trägt die widerwillig eingestandene Liebe eines charakterlich lädierten Helden zur jungfräulich gezeichneten Titelfigur zu dessen Läuterung bei. Wieder ist eine Metropole der Alten Welt der Schauplatz. Auch der Zeitpunkt der Handlung, die Belle Époque, stimmt beinahe überein.
Nichtsdestotrotz: Filmmusicals rechnen sich nicht mehr. MGM, lange Zeit das wichtigste Studio dieses Genres, produziert mit aller Kraft noch diesen würdigen Abschiedsfilm und erringt damit tatsächlich alle neun Oscars, für die er nominiert ist (u.a. den als „Bester Film“).

Wieder zwei Jahre später legen Lerner & Loewe „Camelot“ vor, das sich m. E. als Schlußpunkt der Ära des klassischen Broadway-Musicals anbietet.* Wieder sind die Parallelen zum Vorangegangenen überdeutlich, aber diesmal hat auch die Originalität nachgelassen. „Gaston’s Soliloquy“ in Finale von „Gigi“ mag an Higgins‘ Soliloquy „I’ve Grown Accustomed To Her Face“ aus dem Finale von „My Fair Lady“ erinnert haben, aber sie funktionierte als eigenständige Darbietung. König Artus‘ selbstreflektiver Song „I Wonder What The King’s Doing Tonight“ aus „Camelot“ wirkt wie ein Selbstplagiat und ist dramaturgisch irgendwie sinnlos. Insgesamt wartet die Partitur mit einigen Glanzlichtern auf, hat aber längst nicht die durchgehende Qualität ihrer Vorgänger. Die weibliche Hauptrolle spielt Julie Andrews, die Ur-Eliza aus „My Fair Lady“.
Frederick Loewe zieht die Konsequenzen aus dem allgemeinen Bedeutungsverlust des Musicals (und einem Krach mit Lerner) und zieht sich aus der Branche zurück – wie viele andere Boradwayschaffende der alten Generation in jener Zeit. Er wird sich sogar weigern, Lerner zu unterstützen, als dieser 1973 „Gigi“ für die Bühne bearbeitet.
Alan Jay Lerner wird (wie schon zuvor) mit anderen Komponisten arbeiten – unter anderem mit Burton Lane an „O A Clear Day You Can See Forever“.
In den 60er und 70er Jahren wird das Musical in einer Nische verschwinden und viel grandiosen Trash hervorbringen. (Das ist eine andere Geschichte.)

Nachspiel:
Zuletzt macht der Autor dem Briten Andrew Lloyd Webber Hoffnung auf eine Zusammenarbeit. Er überlegt es sich anders, und sein Tod beendet bald darauf auch Webbers Versuche, ihn mit „dringenden Anrufen“ umzustimmen. „Phantom der Oper“ würde sonst heute wie eine benutzte Windel auf dem Lebenswerk eines der größten Songtexter in der Geschichte der USA liegen.
So steht am Ende von Lerners Weg nun „My Man Godfrey“, eine nicht fertiggestellte Arbeit, die aber nicht frei von Meriten ist. (Hören Sie sich mal „Garbage Isn’t What It Used To Be“ an – ich vermute, das findet man im Internet …)

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* Darüber kann man natürlich streiten. Der hochgeschätzte Mark N. Grant plädiert z.B. für das vier Jahre später entstandene „Hello, Dolly!“.

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Lerner & Loewe sind die Sicherheitsnadel, die die Geschichte des Musicals zusammenhält. 1956 lieferten sie mit „My Fair Lady“ den fulminantesten Welterfolg des Genres, schon zwei Jahre später mit „Gigi“ das Abschlußwerk der Filmmusical-Ära und 1960 mit „Camelot“ einen würdigen Abgesang auf ihre Partnerschaft und auf das Broadway-Musical insgesamt, das den Anschluß an das Rock-Zeitalter endgültig verschlafen hatte.
Selbstverständlich blieben sie auf dem Spielplan, der deutsch-österreichische Komponist Frederick Loewe und der New Yorker Librettist und Songtexter Alan J. Lerner. Zunächst einmal mit „My Fair Lady“, aber auch mit anderen Shows und nicht zuletzt mit „Wandrin‘ Star“ einem Evergreen aus „Paint Your Wagon“.
1973 kam „Gigi“ auch auf die Bühne.

Mein langjähriger Begleiter am Klavier, Hans Peter Reutter, verpaßte einem der Songs daraus einen deutschen Text. Ursprünglich wurde dieses Duett von seinem Duo „Emmi und Bertie“ interpretiert.
Emmi (Christoph Dompke) ist noch immer erfolgreich unterwegs.

Jetzt erinn’re ich mich auch!
I Remember It Well
Text: Alan J. Lerner, Musik: Frederick Loewe, deutsch von Hans Peter Reutter

Du warst Solist, ich dirigier’
.                      Ich war Statist, Du am Klavier
Ach ja – jetzt erinn’r‘ ich mich auch!
Es war „Bohème“.
.                      „Die Fledermaus“!
Regie sehr schön!
.                      Sie war ein Graus!
Ach ja – jetzt erinn’r‘ ich mich auch!
Wir schwelgten in Musik …
.                      Die Sänger waren schlecht!
… stand in der Kritik.
– Du hast ja recht!
.                      Wir waren jung, wir waren froh,
.                      jetzt fehlt der Schwung und das Niveau!
Ach ja, ja auch ich seh’ es so!

Wie oft denk’ ich an jene Freitag…
.                      …Montag!
…nacht und an unser erstes Rendez-vouz!
In Nullkommanix hast Du mich verliebt gemacht!
Doch sage, erinnerst Dich auch Du?

Im Sonnenschein …
.                      Es war schon Nacht!
Vor Glück geweint…
.                      Ich hab gelacht!
Ach ja – jetzt erinn’r‘ ich mich gut!
Ich lud Dich ein!
.                      Ich zahlte selbst!
Wir war’n allein!
.                      Wir war’n zu zwölft!
Ach ja – jetzt erinn’r‘ ich mich gut!

Wir gingen heim dann bald!
.                      Wir soffen bis um drei!
Werd’ ich etwa alt?
Ach ja, verzeih!
.                      Du warst begabt, so jung und schön,
.                       bist nun betagt, willst Du’s nicht sehn?
Ach ja, ja auch ich kann’s jetzt seh’n!

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