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Das Repertoire der zuverlässig alle Jahre im Fernsehprogramm wiederkehrenden Filme und Kabinettstückchen hat sich hauptsächlich  in den 90er Jahren herausgebildet. Bis dahin waren die Programmplaner tatsächlich noch von der Idee geritten, zu diesem Anlass ein paar Überraschungen aus dem großen Sack der „Wiederholungen“ herauszuholen (das Wort galt als despektierlich – aber warum eigentlich?). Auch Loriots Familie-Hoppenstedt-Folge war nicht gleich nach ihrer Entstehung darin enthalten. Das Abschmelzen des rotierenden Spielfilm-Repertoires in den 2000ern folgte, und heute sehen (bzw. verpassen) wir Jahr für Jahr, was übrig geblieben ist.
Zu den Filmen, die ich hier vermisse, gehört z.B. das Filmmusical „Robin And The 7 Hoods“, der vierte, letzte und beste Kinostreich des Rat Pack um Frank Sinatra. Diese Prohibitionsklamotte kreist nicht um das Thema Weihnachten, doch sie endet so wie „Ocean’s Eleven“ begonnen hat: mit einer Weihnachtsszene. Seine Hauptdarsteller haben alle berühmte Weihnachtsalben aufgenommen, und in diesem Film ist sogar Bing Crosby mit von der Partie, der „Mr. White Christmas“ schlechthin. Außerdem sind amerikanische Technicolor-Komödien aus den 60er Jahren grundsätzlich durchweht von einer gewissen Festtagsstimmung – spätestens aus heutiger Sicht.

Auch die tröstliche Botschaft fehlt nicht. Im Finale singen die drei prominenten Weihnachtsmänner: „Don’t Be A Do-Badder“.

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„Irrgarten der Leidenschaft“

Schon die Vorspanntitel laufen über den Körper einer sich im Scheinwerferlicht suggestiv windenden Tänzerin. Wir sind in einem Milieu. Das Hitchcock immer wieder beschäftigen wird: der Welt der Bühne, der Show, des Varietés, der Welt, in der die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verschwimmen. Illusionen und Wirklichkeit prallen aufeinander, oft mit tödlichem Resultat.
Hier ist es zunächst noch nicht der Tod, aber dafür geiler Voyeurismus. Tänzerinnen bieten ihre Körper provokativ in einer Revue dar, im Zuschauerraum ein irritierender Gegenstand, der sich als Opernglas entpuppt. Dem Close-Up einer Tänzerin stellt Hitchcock die Großaufnahme eines vor Erregung schwitzenden Herrn im Parkett gegenüber. In wenigen Bildern, die keiner erklärenden Zwischentitel bedürfen, benennt Hitchcock präzis, um was es geht: käuflicher Sex, Fixierung auf Frauenbeine – da trifft sich der Meister schon im ersten Film mit seinem Schüler Truffaut, bei dem auch in jedem Film die Kamera suggestiv auf die Beine der Darstellerinnen schaut.

Bodo Fründt in „Alfred Hitchcock und seine Filme“, Heyne, März 1986

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Fast immer stand der Aufstieg von Hochkulturen in Zusammenhang mit günstigen klimatischen und geographischen Bedingungen. Die einst in den fruchtbaren Tälern des Euphrat und Tigris beheimateten Kulturvölker sind dafür der beste Beweis. Ihr Untergang und die Vernichtung der von ihnen begründeten mächtigen Reiche wurde über viele Jahrhunderte neben internen Fehden auch barbarischen Eindringlingen zugeschrieben, die diese Reiche militärisch unterwarfen. Inzwischen setzt sich aufgrund vielfältigen Beweismaterials immer mehr die Überzeugung durch, dass der Untergang vieler einstiger Hochkulturen und ihrer Großreiche zwar sowohl auf inneren Zerfall als auch auf feindliche Überfälle, in ganz bedeutendem Umfang aber auch auf entscheidende klimatische Veränderungen zurückzuführen sein dürfte.
Von der Jungsteinzeit an bis vor etwa hundert Jahren hat der Mensch auf bedrohliche Klimaveränderungen immer mit einem Standort wechsel reagiert. Er hat sein Domizil gewechselt und sich auf Wanderschaft begeben. Seine Wanderwege waren schon immer durch Zerstörung gekennzeichnet: Wälder wurden abgeholzt, der Boden bis zur Erschöpfung beackert. Die Folge war, dass das biologische Gleichgewicht aus den Fugen geriet und Klimaveränderungen eintraten: Quellen versiegten, Flüsse trockneten aus, Pflanzen verdorrten. Die überlebende Fauna – und mit ihr der Mensch – machte sich auf die Suche nach einem neuen Lebensraum.
(…) Dereinst war auch die Wüste Sahara ein fruchtbarer grüner Landstrich. Noch heute sind vom Flugzeug aus die ausgetrockneten Flussbetten bis ins südliche Äquatorialafrika hinein zu erkennen. Doch die Römer holzten die üppigen Wälder ab und machten Nordafrika zur Kornkammer ihres Weltreichs – bis sich die Böden erschöpften, das Land verdorrte und zur Wüste wurde. Erbarmungslos dringt der Sand noch heute weiter nach Süden vor und wird die küstennahen Weideländer – die Sahel – in absehbarer Zeit verschlungen haben.

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… nimmt man Fassung B zur Hand und liest sie ohne Anlauf in gemessenem Tempo laut vor.

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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2021/02/28/17612/ und andere Beiträge zur Rubrik „Mikrofonarbeit“.

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1982
Blade Runner, Regie: Ridley Scott
Der SF- und Dschungel-erprobte Weltstar Harrison Ford jagt in einer weiteren Glanzrolle künstliche Menschen, sogenannte Replikanten, und wird zuletzt von einer bösen Ahnung heimgesucht.
Dieser Film, der unterdessen den in solchen Fällen unvermeidlichen Director’s Cut sowie eine Fortsetzung nach sich gezogen hat, ist genau wie die 80er und wird aus den selben Gründen geliebt: trashig, unansehnlich und nur unfreiwillig komisch. Die literarische Vorlage stammt von Philip K. Dick, der durch diesen allmählichen Hit (den er um Haaresbreite nicht mehr erlebte) zum heute neben Richard Matheson meistverfilmten Autor der Science-Fiction aufstieg.

1983
Im Himmel ist die Hölle los, Regie: Helmer von Lützelburg
In dem Maße, in dem Deutschland nicht Amerika (bzw. Hollywood) ist, ist „Im Himmel ist die Hölle los“ nicht die „Rocky Horror Picture Show“. Und doch verdient dieses vollkommen schamlose Underground-Musical die Bezeichnung „Kultfilm“ in besonderer Weise. In der Subkultur erlangte er ohne jede Hilfe durch Marketing oder berühmte Fürsprecher immense Popularität. Die Handlung – ein pummeliges Mädchen vom Lande verliebt sich in den Star eines Kabelsenders und steigt gegen alle Widerstände zu seiner Assistentin und Geliebten auf – ist gleichzeitig nostalgisch und prophetisch, entstand der Film doch vor der Einführung des Privatfernsehens. Unter einem Kostüm aus schrillen Song-Einlagen und scheinbar schierem Blödsinn lauert ein Sittengemälde der späten Bonner Republik.

1984
Terminator, Regie: James Cameron
Dieser mit geringem Budget hergestellte Überraschungserfolg ist ein Sonderfall in dieser Auflistung, führte er doch zu einem der besten „zweiten Teile“ der Filmgeschichte und profitierte wiederum von dessen Nachruhm als dem künstlerisch wertvollsten Actionfilm aller Zeiten – bei gleichzeitigem Publikumserfolg. Der notorisch unterschätzte Muskelmann Arnold Schwarzenegger verkörpert eine Kampfmaschine, die aus der Zukunft in die 80er Jahre geschickt wird, um einen Rebellen im Kindesalter abzupassen und zu beseitigen. In der erwähnten Fortsetzung wird Arnie dann zum positiven Charakter heranreifen und die Selbstironie auf die Spitze treiben. „Terminator“ (1 und 2) zeigen sowohl, wozu dieses Genre fähig ist, als auch wie selten es gelingt, mit diesem Pfund zu wuchern.

1987
Dirty Dancing, Regie: Emile Ardolino
Einige wenige Nostalgiker erinnern sich vielleicht an das süßliche Melodram, in dem sich der Startänzer Gene Kelly nach dem Ende der Filmmusical-Ära im dramatischen Fach bewähren wollte. Er ist der Entertainer-Animateur in einem Ferienresort und bricht das Herz eines Mädchens aus bürgerlichem Hause. Danach beginnt erst die eigentliche Handlung, doch nur diesen ersten Akt übernahm Eleanor Bergstein in ihr Drehbuch für „Dirty Dancing“.
Der Film ist wahrlich kein Kunstwerk, doch etwas so Schauerliches wie die Musical-Umsetzung hat er nicht verdient: die Autorin bestand darauf, dass jede Kleinigkeit, jeder Dialogsatz 1 zu 1 adaptiert wurde.

1990
Pretty Woman, Regie:
Julia Roberts als „Dirne mit dem goldenen Herzen“ und der graumelierte Richard Gere, der sich mit ihrer Hilfe vom reichen Freier zum Märchenprinzen upgradet.

1994
Pulp Fiction, Regie: Quentin Tarantino
Der Ruhm, der den ehemaligen Videocassetten-Verleiher Quentin Tarantino nach diesem Coup ereilte, dauert an und entbindet ihn bis heute von allzugroßer Anstrengung. Er hat es sich verdient. Die Raffinesse, mit der er Sympathien für schreckliche Elemente in uns weckt – allen voran für das Killer-Duo Samuel L. Jackson und John Travolta – ist in der Tat ein ganz großer Wurf. Damit revolutionierte Tarantino nicht nur den Gangsterfilm, sondern das Kino an sich. Drehbuchautor Paul Schrader („Taxi Driver“) seufzte, alles, was er je geschrieben habe sei nun mit einem Schlag veraltet.
Für den Rest der 90er Jahre brach eine Flut von Nachahmungsversuchen über das Publikum herein (nach dem Motto: labernde Gangster – das kann doch nicht so schwer sein!), und scheiterten sämtlich (besonders die deutschen Produkte).
Unterdessen war jeder gespannt, was Tarantino nachlegen würde. Bereits ein Jahr später folgte „Jackie Brown“, ein ähnlicher künstlerischer Triumph, der doch ganz anders war.

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Natürlich hat mich der merkwürdige Umstand nicht losgelassen, dass mir in den letzten 25 Jahren allenfalls noch Lieblings-, aber eben keine Kultfilme mehr untergekommen sind. Ich fragte Peter Clasen von „TV Spielfilm“ danach, den leidenschaftlichsten mir persönlich bekannten Filmhistoriker. Ihm ging es ähnlich, und er fand das Thema „heikel“: „Großflächig entwickeln können sich potenzielle Kultfilme wohl nicht mehr. Ich sehe drei Gründe: 1) Es gibt viel zu viele Titel, das Feld ist ein riesiger Abgrund, wen kümmert da eine Handvoll Perlen? – 2) Alles ist immer und überall verfügbar, nichts ist mehr besonders. – 3) Alle Geschmäcker werden bedient, niemand muss darben oder auf etwas warten, die Gemüter werden sanft.
Wenn man heute von Kult sprechen kann, sind das m. E. keine Filme mehr, sondern Serien. Denn da gibt es noch den Mainstream und die kleinen, schrägen Dagegen-an-Stinker, die eine Fangemeinde hochzuhalten versucht.“
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* Näheres dazu auch unter https://blog.montyarnold.com/2017/07/17/die-schoensten-filme-die-ich-kenne-33-im-himmel-ist-die-hoelle-los/

Der Beitrag Kultfilme Nr. 41 bis 46 (nach 1980) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Es gab eine Zeit, da informierte sich der Filmfreund über die Schauspielgrößen vor allem der amerikanischen Welt aus einer weißen Taschenbuchreihe aus dem Heyne-Verlag. Die meisten dieser Fibeln beschränkten sich darauf, die jeweilige Filmographie durchzugehen und flapsig zu bewerten, einige waren Übersetzungen, manche „Originalausgaben“. Jene Nummern, die sich keiner Person sondern eines Themas annahmen, wurden ihrem Gegenstand zumeist schon aus Gründen ihres Umfangs nicht gerecht, aber sie rundeten die Sammlung ab. Ende der 80er wurden die Bücher etwas dicker und ambitionierter und bekamen einen versilberten Look. Zunehmend fanden nun auch Taschenbuchausgaben existierender Biographien Eingang ins Angebot, 2000 erschien der 276. und letzte Band.

Besonderes Vergnügen bereitete 1985 die Nr. 73: „Kultfilme“. Ronald M. Hahn und Volker Jansen erklärten im Vorwort, was dieser Begriff bedeutet* (und worin der Unterschied z.B. zum Klassiker besteht) und beschrieben dann ausführlich 40 Beispiele zwischen 1927 („Metropolis“) und 1980 („Blues Brothers“).
Obschon sich obligatorisch bei all den Lesern entschuldigt wurde, die „ihren“ Kultfilm vermissten, verblüffte mich, wie ausgewogen, ja wie vollständig mir die Liste erschien. Das ging wohl auch dem Verlag so: die zum Trost scherzhaft in Aussicht gestellte Fortsetzung unterblieb ebenso wie eine Erweiterung der Neuauflage.
Ich gebe die Auswahl der Autoren hier nicht wieder, brächte ich Sie damit doch um ein lustvolles Gedankenspiel. Außerdem ist dieses Buch unverändert ein derartiges Vergnügen, dass ich die antiquarische Anschaffung unbedingt empfehlen möchte – auch für Filmfreunde, die sonst keine einschlägige Fachliteratur lesen.

Schon die Inhaltsangaben und Bildunterschriften sind das pure Vergnügen. Für den Coverboy Jean-Paul Belmondo in „Außer Atem“ finden die Autoren die treffliche Bezeichnung „New-Wave-Bogart“.

Ich habe mir in der langen Zeit, die seit meiner ersten Lektüre klammheimlich vergangen ist, immer mal wieder überlegt, ob die Liste inzwischen aus Gründen der Aktualität verlängert werden müsste.
Hier kommen die wenigen Filme, die mir seither eingefallen sind (zwei davon existierten schon zur Zeit der Erstauflage, mussten sich aber noch bewähren). Der jüngste davon ist auch schon süße 25 Jahre alt.
Der Kultfilm als Phänomen scheint ebenso aus unserem Leben verschwunden zu sein wie die „Heyne Filmbibliothek“.

unter https://blog.montyarnold.com/2019/07/26/kultfilme-nr-41-bis-45-nach-1980/)
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* Näheres dazu auch unter https://blog.montyarnold.com/2014/09/21/was-ist-kult/

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