The 5,000 Fingers Of Dr. T
Amerikanisches Filmmusical von 1953, keine deutsche Fassung

Der kleine Bart wird von seiner ansonsten recht netten, alleinerziehenden Mutter zum Klavierunterricht gezwungen. So liefert sie ihn dem sadistischen Musikerzieher Dr. Terwilliker aus, der zwei Dinge aus tiefster Seele hasst: kleine Jungs und jedes andere Musikinstrument außer dem Klavier. Er bewirtschaftet ein Spukschloss, wo er eine gewaltige Tastatur aufgebaut hat. Hierhin entführt er Bart, um ihn mit 499 anderen armen Buben sein 5000-Finger-Konzert aufzuführen. Barts letzte Hoffnung ruht auf dem netten Schlossermeister Mr. Zabladowski, doch der will eigentlich nur seine Klempner-Arbeit machen …

Trotz eines berechtigten Musik-Oscars und seines berühmten Produzenten Stanley Kramer ist dieses amüsante Grusical nicht einmal Fachleuten mehr ein Begriff – immerhin einigen Künstlern. Jim Henson hat aus der Szene im Non-Piano-Players-Dungeon viel für seine „Muppet Show“ herausgeholt, der Stil von Terry Gilliam ist erkennbar inspiriert von diesem Original-Filmprojekt des in den USA bedeutenden Kinderbuch-Anarchisten Theodore Geisel alias Dr. Seuss. „Die Simpsons“ ehrten Dr. T., indem sie einen ihrer Bösewichte nach ihm benannten: Bob Terwilliker alias Tingeltangel-Bob. Der Soundtrack und die bemerkenswerten Songs stammen von der Kabarett-Legende Friedrich Hollaender, der bald darauf aus seinem Exil in die deutsche Heimat zurückkehrte.

Nächste Woche: Die Vögel und Spiegelbild im goldenen Auge

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Mein persönlicher Lieblings-Marvelheld Prinz Namor* ist vom MCU bisher recht ungeschoren geblieben. In die Neuinterpretationen seines Ursprungs-Formates wird er hingegen einbezogen. Vor zwei Jahren erschien Peter Milligans 5teilige Heftreihe „Sub-Mariner: The Depths“, gezeichnet von Esad Ribić, als Hardcover-Sammelband bei uns.

Der Wissenschaftler und Entdeckungsreisende Professor Stein bricht per U-Boot auf, um einen in den Tiefen des Ozeans verschollenen Kollegen zu finden – und zu beweisen, dass Atlantis und dessen Herrscher Namor nur Seemannsgarn sind. Zumindest zweiteres kann ja nichts werden. Und so wächst die Paranoia an Bord, je weiter wir vorwärtskommen. Der Auftritt des Titelhelden kommt spät, aber gewaltig …

Der trübe, von Blautönen beherrschte, aquarellhafte Strich wird dem Sujet unbedingt gerecht. Und insofern ist auch das aktuelle Erscheinungsbild des Helden von Atlantis zielführend: er sieht tatsächlich wie ein (menschliches) Wesen der Tiefsee aus, und man meint beim Umblättern einen Fischgeruch in der Nase zu haben.
Der Stil dieses Abenteuers ist eindeutig von der Wiederentdeckung des H. P. Lovecraft inspiriert – ein Autor, der zu Meeres-Ungeheuern eine besondere Beziehung hatte – und von dem Niederschlag, den diese in der Comic-Kultur gefunden hat.
Ribic gibt Namor das spitze Kinn der Kriegsjahre zurück (wie es Bill Everett einst gestaltet hatte), verpasst ihm das hymische Zackengebiss des Tigerhais und lässt ihn sogar nackt auftreten, was durch geschickte Blickwinkel freilich niemals zu indezenten Details führt. Das ist wagemutig und konsequent. Was dabei auf der Strecke bleibt, ist der edle Sexappeal, den besonders John Buscema dem Charakter einst verliehen hatte. Dass sich dieser glibberige Wüstling in der Zeit nach seiner Wiederauferstehung im frühen Silver Age allen Ernstes um Susan Storm bemüht haben könnte, mag man sich gar nicht vorstellen.
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* Siehe https://blog.montyarnold.com/2016/10/01/aquarius-prinz-namor-der-held-von-atlantis-die-deutsche-chronologie-von-marvels-sub-mariner/

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Misery, my sweetest friend – oh, weep no more!
Percy Shelley – „Death“

… twice would be vicious or just repetitious. (…) I never do anything twice!
Stephen Sondheim – „The Seven-Per-Cent Solution“

Ein großes Faszinosum der Marvel Comics aus dem Silver Age* hat sich erst nach dessen Ende erweisen können: die Befristung, die Endlichkeit.
Ironischerweise ist das in jenem Zeitraum geschaffene Repertoire ziemlich genau das, was der Williams Verlag von 1974 bis ’78 auf Deutsch veröffentlichen konnte, ehe er das Programm wieder einstellen musste. (Es bildet außerdem die literarische Vorlage für das „Marvel Cinematic Universe“.) Aus heutiger Sicht könnte man sagen: so abrupt und schmerzhaft dieses Ende für die Leser dieser Generation einst war, es kam erzählerisch zu einem guten Zeitpunkt. Es hatte ohnehin eine Zäsur stattgefunden.

Im frühen Bronze Age zog sich Stan Lee aus dem Autorensessel zurück, was von der Leserschaft auch deshalb kaum bemerkt wurde, weil er mit Roy Thomas einen überaus fähigen Nachfolger aufgebaut hatte. Thomas verhinderte, dass es zu einem qualitativen Bruch gekommen wäre.
Doch da die Marvel-Helden im Gegensatz zu herkömmlichen Comic-Heroen auch alterten, Kinder bekamen, starben …, konnte es nicht ewig so weitergehen. Das Überleben der Zeitachse war die Schattenseite des bahnbrechenden Konzeptes. Der Hulk musste irgendwann (recht früh, wenn man es genau betrachtet) die Wüste verlassen, die ihn hervorgebracht hatte, und in die Stadt gehen; Peter Parker musste irgendwann sein Teenagerdasein hinter sich lassen und „erwachsen werden“; und Captain Marvel ging erst im All verloren und dann in einer unbequemen Kette von Relaunches – nicht einmal sein Krebstod konnte ihn davor bewahren.

Der „Silver Surfer“ verkörpert dieses Paradox mustergültig. Er ist eine ganz besonders charismatische und spitzfindige Heldenfigur aus dem „Haus der Ideen“ – und folglich hatte er zunächst wenig kommerziellen Erfolg. Seine eigene Heftreihe, nachdem er bei den „Fantastic Four“ auf einem Höhepunkt der Dramaturgie eingeführt worden war, brachte es gerade mal auf 18 Ausgaben. Diese passten genau in den Prachtband „Silver Surfer Omnibus“, den Panini im letzten Jahr vorgelegt hat.
Dass es nun mit der „Classic Collection“ trotzdem eine natürliche Fortsetzung gibt, ist eine gute Nachricht – denn schließlich möchte man nach dieser Lektüre nicht wahrhaben, dass die Saga tatsächlich zuende sein könnte. Aber wer, wenn nicht wir Marvel-Leser, könnte besser begreifen, dass darin wiederum eine Ironie liegt? Und was sich daraus machen lässt. Um weiterleben zu können, musste der Surfer seinen Markenkern opfern: den Status des „gefallenen Engels“, des Verbannten.

Bill Slaviscek erklärt es im Nachwort zum besprochenen Band: „Gleich in der ersten Ausgabe befreien Steve [Englehart] und Marshall [Rogers] den Silberstürmer aus seiner Gefangenschaft. ‚Wir werden einen Silver Surfer zeigen, der sein volles Potenzial entfalten kann‘, sagte Steve. ‚Ich habe beim Schreiben festgestellt, dass die Figur ohne die Fesseln ganz anders wird als das, was wir bisher gesehen haben. Es ist wie bei einem riesigen Gorilla im Zoo, der kaum etwas mit seinem Gegenstück in der Wildnis zu tun hat.‘“
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* Siehe https://blog.montyarnold.com/2021/01/11/the-silver-age-of-comics/

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Am Tag als John Romita starb, saß ich mit einem Comic-Sammlerfreund zusammen, und wir dachten gemeinsam an ihn. Das ist kein Zufall im eigentlichen Sinne, denn ich habe in den letzten 50 Jahren viel an John Romita gedacht. Mein erstes Marvel-Heft war ein „Die Spinne“-Zweiteiler, und Romitas Name war der erste Marvel-Künstler, den ich mir gemerkt habe. Ich begriff erst während der Lektüre, dass es klüger gewesen wäre, die älteren Ausgaben vorher zu lesen. Bei „Fix und Foxi“ war die Reihenfolge ja egal …

John Romita hatte die Fähigkeit, besonders schöne Menschen zu zeichnen, ohne dass sich das distanzierend oder sonstwie störend auswirkte. Die übermenschliche Energie, die jedes Panel von Jack Kirby so wirkungsvoll machte, oder der Sex-Appeal der Bilder von John Buscema waren buchstäblich nicht zu übersehen. Romitas Effekte  fielen nicht auf und alles wirkte alles so, als würde es tatsächlich so aussehen.
In der Medientheorie ist häufig davon die Rede, der Konsument solle vom Produkt abgeholt werden. Das ist etwas, was die Filme des Marvel Cinematic Universe bei mir allenfalls in den ersten Minuten schaffen – ich glaube, sie versuchen es nicht einmal. Das New York des Peter Parker erschien mir immer als ein realer, theoretisch erreichbarer Ort, der mir als Umsteigebahnhof in die Welt der Superhelden dienen könnte. Romitas Zeichnungen trösteten so mein vom bedrückenden Mief des saarländischen Landlebens geknechtetes Unter- und Selbstbewusstsein mit einer luftigen Perspektive. Ich vermute, mein Einstieg in Jack Kirbys halb-kosmische Welten gelang mir auch deshalb so glücklich und fließend, weil mir Spider-Man zuvor New York gezeigt hatte.
Wie alle halbwüchsigen Heftchenleser habe ich mir damals gewünscht, es würde eines Tages bewegte Bilder von meinen Lieblingen geben. (Den ersten tapsigen Versuch mit „Spider-Man, der Spinnenmensch“ von 1977 wollen wir mal höflich beiseitelassen.) Inzwischen ist technisch „alles möglich“, und die Macher der Filme haben sogar begriffen, dass sie sich nicht unnötig von den Vorlagen entfernen sollten. (An dieser Stelle verdrängen wir bitte den „Hulk“-Film von Ang Lee…) Doch sie beeilen sich in jedem ihrer Abenteuer, möglichst schnell von unserer Welt wegzukommen und schicken ihre Helden in überladene, komplett ortlose Kulissen. Trostlose Bildschirmschoner klaffen, wo sich in den Comics wirklich Portale in andere Welten geöffnet haben. Es würde den Kollegen der Animationsabteilung wirklich helfen, sich die Comics von Jack Kirby einmal anzuschauen …*
Außerdem müssen diese Verfilmungen zwangläufig auf Zeichnungen wie die von John Romita verzichten.

John Romita wechselte kurz vor der Einstellung unserer Heftreihe „Die Spinne“ auf einen Redaktionsposten, und seither lag seine zeichnerische Begabung brach, während der wenig subtile Ross Andru „Spider-Man“ übernahm. Er wurde später von John Romita jr. abgelöst, und auch das war kein Vergnügen, wenn man mit den Comics des Alten aufgewachsen war. Romita jr. hat sich im Laufe der Zeit prächtig entwickelt, aber er hat über die Abwesenheit von „Jazzy Johnny“ nie hinwegtrösten können.

Unglaublich, aber wahr: sogar das comicfremde Nachrichtenmagazin „Der Spiegel“ hat sich einen winzigen Nachruf auf John Romita abgepresst. Darin wird der Zeichner für seine Innovation des Spider-Man-Charakters gelobt: „Er gab der Comicfigur ein muskulöseres, reiferes Aussehen und mit Mary Jane Watson ein Topmodel als Freundin“.

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* Siehe https://blog.montyarnold.com/2017/01/14/der-raum-ausstatter/

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Seit ich an dieser Stelle das letzte Mal über Gene Colans großartiges Dracula-Epos für Marvel Comics gesprochen habe, ist viel Zeit vergangen*, so viel, dass es unterdessen bei Panini eine Neuausgabe gegeben hat, die sämtliche 70 Hefte zuzüglich Sonderausgaben und Team-Ups (bzw. den Inhalt der alten 12bändigen Sammelbandversion) in zwei dicken Schwarten wiederherstellte. Dass nun nach dem Sieg von Blade & Co. über den adligen Untoten noch ein dritter Band herauskommt, ist auf den ersten Blick eine Überraschung. Aber halt – gab es da nicht neben der Heftreihe noch das Magazin „Dracula Lives!“ … und verschiedenes andere? All das ist nun glücklich im neuesten abschließenden Volume versammelt. Obwohl Colans Serie zwangläufig fehlt, führt der unerreichte Marvel-Vampir-Spezialist die imposante Liste der Zeichner an. Und was für eine Liste das ist! Hier seien nur Steve Ditko, John Buscema, Neal Adams, Mike Ploog und Val Mayerik genannt, die mir als Nostalgiker zuerst ins Auge springen. Dieser Schinken ist geeignet, den Freunden von Graphic Novels, die sich für Comichefte und –Magazine bisher nicht interessiert haben, zu zeigen, was eine Harke ist – zumal auch Bram Stokers Vorlage hier adaptiert wird. (In „The Tomb Of Dracula“ war das Vor“leben“ des Vampirgrafen in früheren Jahrhunderten allenfalls der Gegenstand kurzer Rückblenden.)

Den Marvel-Superhelden wurde und wird von den Freunden des frankolbelgischen Comics gern vorgeworfen, sie seien asexuell, und auch Marvels „Dracula“ war – abseits der erotischen Aufladung des Vampirmythos an sich –  jugendfrei. Da wir es im vorliegenden Kompendium nun mit Nachdrucken von Magazinen zu tun haben, die sich auf dem US-Zeitschriftenmarkt bereits durch das größere Format vom Angebot für die jugendlichen Zielgruppen absetzten, geht es vergleichsweise sexy und auch etwas brutaler bzw. gruseliger zu.

Wie schon im Marvel-Horror-Sampler „Die Monster kommen“ von 2019 werden Auszüge aus dem Mantelteil der alten Magazine liebevoll im Original-Look in deutscher Sprache präsentiert, also auch einige Kurzgeschichten und ein Essay. Leider fehlen die Interviews und Setberichte, die uns auf den Titelseiten schmackhaft gemacht werden, aber auch so ist der Umfang des Buches beachtlich. Apropos Titelseiten: sie sind in angemessener Größe eingepflegt – das war in der alten 12bändigen Ausgabe sehr unbefriedigend gelöst, wobei das matte Papier dort mehr Freude machte (… man kann nicht alles haben). Fast alles Übrige ist (mit gelegentlichen Blutspritzern) in Schwarzweiß. Die Colorierung der drei abschließenden Frankenstein-Crossovers** wirkt (der aktuellen US-Vorlage entsprechend) in der feinen Rasterung so grell und steril, dass man das zu schätzen weiß. Wer also auf Seite 892 mit der Lektüre beginnt und dann von vorne anfängt, dem steht ein ziemlich reines Vergnügen bevor.

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* Genaugenommen haben ich und Daniel Wamsler darüber gesprochen, siehe https://blog.montyarnold.com/2019/06/15/tomb-of-dracula-1/ und die Fortsetzungen.
** Diese sind auch im soeben erschienenen Monster-Sammelband „Frankensteins Monster – Classic Collection“ enthalten.

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Die meisten Zeichner verändern ihren Stil über die Jahre. Einige sind in der Früh am besten (der Disney-Zeichner Luciano Bottaro etwa oder der Marvel-Künstler John Buscema), andere werden besser und besser (Jack Kirby – jedenfalls solange er sich von Marvel-Leuten tuschen ließ). Und dann gibt es jene, die ihren Strich im Laufe der Jahre bis zur Unkenntlichkeit verändern und es dem persönlichen Geschmack überlassen, welche Phase man lieber mag. Hier wäre (wieder bei Disney Europa) Massimo de Vita zu nennen. Oder Guy Peellaert.
Der erregte 1966 Aufsehen mit einem Comic, der die Stilmerkmale, die die Pop Art dem Comic entwendet hatte, dorthin zurückbrachte: „Jodelle“ („Les Aventures de Jodelle“). Die Heldin ermittelt im Rom des Jahres 007 (!), in einer poppigen Antike, in der es Nachtclubs und die Beatles gibt und in der die Autos von Pferden gezogen werden. In der Arena tritt man im Trainingsanzug auf. Peellaert bringt das Kunststück fertig, den Zeitgeist fröhlich auszuschlachten und ihn im gleichen Moment kritisch zu hinterfragen. Nebenbei ist „Jodelle“ ein erotischer Comic, dessen Heldin der Sängerin Sylvie Vartan nachgebildet ist.  Die Serie erschien ursprünglich im französischen Satiremagazin „Hara-Kiri“ und wurde schon im folgenden Jahr auf Deutsch herausgebracht.

Sexy Superfrauen hat es im Comic – bzw. in dessen Filmvarianten – in jenen Jahren viele gegeben, aber die Historiker sind sich heute einig, dass „Jodelle“ Mitbewerberinnen wie „Modesty Blaise“, „Axa“ oder „Barbarella“ in puncto Stilwillen und Innovation meilenweit voraus und im übrigen ohne nennenswerte Nachahmerinnen geblieben ist. Lediglich Peellaerts nächste Produktion bewegt sich in ihrem Kielwasser.

Dann aber wandte sich der Künstler vom Comic ab und gestaltete Plattencover für die Allergrößten, Leute wie David Bowie oder die Rolling Stones. Wir wollen uns kurz in Erinnerung rufen, was für ein tolles Medium so eine Schallplattenhülle mit ihren 31 x 31 cm gewesen ist, um Kunst in private Wohnräume zu schmuggeln.

1986 brachte Guy Peellaert zusammen mit dem Autor Michael Herr den Bildband „The Big Room“ heraus, in dem er V.I.P.s der USA portraitiert – in Situationen, die sie durchaus in ihrer Glanzzeit zeigen. Und doch sehen sie so einsam aus, aus wären sie aus den Gemälden von Edward Hopper herübergekommen, in denen wir nun umso freieren Blick auf Räume, Straßenzüge und Landschaften haben.

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Prinz Namor, der Held von Atlantis
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ 

Des Sub-Mariners eigene Reihe nach “Tales To Astonish” präsentierte der Williams Verlag erstmals in „Die Spinne“ Nr. 41. Die Originalcover wurden meist für die Einleitung der Fortsetzungen benutzt. Zeichner: John Buscema.

Namor, der Sub-Mariner

Wenn man die Anfangstage der Williams-Version von „Prinz Namor, Held von Atlantis“ ignoriert, wird einem kaum bewusst, wie viel der Verlag wirklich gekürzt hat. Nicht nur, dass gleich zu Beginn Namors zweite Episode aus “Tales To Astonish” (TTA) # 71 fehlt, kurz darauf ersetzte man in „Die Spinne“ Nr. 3 (TTA # 73) eine komplette Comic-Seite durch Verlagseigenwerbung für die Frankenstein-Reihe. Irgendwie schien der Platz, zumindest im ersten Jahr, nie völlig ausreichend: eine Seite weniger in Die Spinne Nr. 6 (TTA # 76), drei Seiten aus TTA # 77 verspätet nach der Eröffnungsseite in „Die Spinne“ Nr. 8, TTA# 79 ausgelassen, zwei fehlende Halbseiten in „Die Spinne“ Nr. 9 (TTA # 80) und je 1 bis 4 fehlende Seiten in „Die Spinne“ Nr. 10 – 18 (TTA # 81-89). Erst nach zwei vertauschten Seiten in „Die Spinne“ Nr. 23 (TTA # 92) und dem Jahreswechsel 1974/75, ist auch die Williams-Ausgabe des Sub-Mariners mustergültig.

Weit vollständiger und damit mindestens als Ergänzung empfehlenswert ist die farbige Version des Sub-Mariners in den späten Hit Comics. Einziges Manko: der Wirrwarr der Veröffentlichung quer durch alle Hit Comics-Unterserien und die kaum nachvollziehbare Reihenfolge. Angefangen mit FV Nr. 226 über „Thor“ Nr. 206 zu „Spinne“ Nr. 237, „Rächer“ Nr. 213, „Der Dämon“ Nr. 1, X-Menschen Nr. 217, einer kleinen Lücke (TTA # 76), über „Spinne“ Nr. 230-231, FV Nr. 240 – 241, „Der Dämon“ Nr. 4, einer weiteren Auslassung (TTA # 82) zu FV Nr. 244 – 248, „Spinne“ Nr.  243 und einer fehlenden Episode (TTA# 89), FV Nr. 239, FV Nr. 249, „Spinne“ Nr. 252-253, „Der Dämon“ Nr. 3, „Spinne“ Nr. 254, den schwarzweißen Hit Comics Nr. 75, 83 und 91, brummt dem Leser zwangsläufig der Schädel Und die teilweise an einen LSD-Trip gemahnende Farbgebung, in der Namor grüne Beine hat, muss man auch mögen.

Aus dem Marvel Cinematic Universe blieb Prinz Namor ausgesperrt, und am 1. April 2018 musste er sich auch noch in der Serie „Family Guy“ als schlechterer „Aquaman“ demütigen lassen – was umso gemeiner ist, wenn man bedenkt, dass sein Schöpfer Bill Everett ebendiesen Aquaman als Auftrags-Plagiat des Sub-Mariners angefertigt hat.**

Prinz Namors ganz und gar unrühmlicher Gastauftritt in der TV-Episode „Veteran Guy“. Dass er seine Meerestiere nicht im Griff hätte, ist allerdings nicht zutreffend. Er produziert dabei nur keine Kringelchen.

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* Siehe https://blog.montyarnold.com/2016/10/01/aquarius-prinz-namor-der-held-von-atlantis-die-deutsche-chronologie-von-marvels-sub-mariner/
** Die ganze Geschichte unter https://blog.montyarnold.com/2017/02/27/irgendwo-dort-unten-bill-everett/

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Die Fantastischen Vier auf dem deutschen Comicmarkt
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ (Fortsetzung vom 26.8.2019)

Teil IV
Panini – Paten der Superhelden?
(1996 bis heute)

Im Gegensatz zu „Spider-Man“ ging die FV-Fortsetzung von Panini ziemlich in die Hose. Trotz guter Vorsätze und ambitionierter Aufmachung findet man Paninis FV-Schuber nur allzu oft im Ramsch wieder.

Nachdem der Stuttgarter Dino Verlag mit den MTV-Chaoten „Beavis & Butthead“ (Juli 1994) und den parallel zur Zeichentrickserie laufenden „Batman Adventures“ (Juni 1995) einigen Erfolg verbuchen konnte, folgten „Superman“ (Januar 1996) und die „Simpsons Comics“ (November 1996). Mit dem Neustart der mehr als sieben Jahre zuvor bei Ehapa eingestellten Serie um den Stählernen vom Planeten Krypton begann ein wahrer Superhelden-Boom an den Kiosken. Mit mäßigen Verkaufszahlen hatte DCs Wahrzeichen ein Comic-Dasein bei diversen Verlagen (Feest, Hethke, Carlsen) gefristet, bis es den Weg zurück in die Schwabenmetropole und damit zum Erfolg fand. Jahrelang hatte nach den Superhelden kein Hahn mehr gekräht und bei den Händlern lagen die Hefte wie Blei. Nun war es nur eine Frage der Zeit, bis Epigonen auf den Dino-Zug aufsprangen und ins Superhelden-Verlagsgeschäft einstiegen.
Splitter brachte „Wichblade“, Infinity „Spawn“ und die Ideenschmiede Paul & Paul (IPP) veröffentlichte eine deutsche Serie nach amerikanischem Vorbild, die erstmals mit gängigen Comic-Standards mithalten konnte, unter dem Titel „Helden“. Doch der Coup gelang den italienischen Klebebilderfabrikanten von Panini, die sich Marvels Aushängeschild „Spider-Man“ angelten. Nach dem Dino-Prinzip erschien zuerst ein knappes Jahr lang der Comic zur Zeichentrickserie „Spider-Man Adventures“, bis schließlich Anfang 1997, kurz nach der Einstellung bei Condor, eine deutsche Version der Serien „Amazing Spider-Man“ und „Spectacular Spider-Man“  unter dem Titel „Spider-Man / Die Spinne“ startete.

Dino hatte seine Fans und Abonnenten mit Beilagen, Variantcovern, Sonderausgaben, umfangreicher und fachkundiger redaktioneller Betreuung und vor allem mit einer originalgetreuen Wiedergabe und Handlettering regelrecht verwöhnt. „Marvel Deutschland“, wie sich der Panini Verlag fortan nennen sollte, konnte zwar nicht mit Handlettering, dafür aber mit jeder Menge Schnickschnack in Form von Postern, Trading Cards und natürlich Klebesammelbildchen aufwarten. Man kopierte einfach das Dino-Konzept, erreichte jedoch nie ganz dessen Klasse. Koordiniert wurde das Ganze von Marco M. Lupoi, der seit Urzeiten für die italienische Marvel Produktion verantwortlich zeichnet (Editoriale Corno). Mit Reinhard Schweizer holte sich Panini schließlich einen Marvel-Experten ins Boot, der fünf Jahre zuvor seine Doktorarbeit „Ideologie und Propaganda in den Marvel-Superhelden-Comics“ (1992) veröffentlicht hatte. Es schien, als würden die einstigen Fans, die in den Siebzigern die Williams-Hefte verschlungen hatten, ihre eigenen Comics machen. Unterstützt von Seiten der Comic-Fachpresse wurden die Bahnhofsbuchhändler und Comic-Shops in der Folgezeit von Neuerscheinungen geradezu überflutet.

Seite 18 aus Die Fantastischen Vier Nr. 136 aus dem verschmähten FV-Schuber von Panini. John Buscema war ein Meister der Splash-Panels.

Abgesehen von der Williams-Fortsetzung im Schuber „Die Fantastischen Vier“ brachte Panini relativ wenig klassisches Material der FV auf den Markt. Erwähnenswert sind die Bände und Einzelhefte der ursprünglichen US-Serie aber allemal. US-„Fantastic Four“ # 1-30 liefen innerhalb von „Marvel Klassik“ 4, 8 und 11 und enthalten neben zwei deutschen Erstveröffentlichungen (FF # 6 und FF Annual # 1) drei Geschichten, die es vorher nur beim bsv oder Condor in einer eher mäßigen Aufmachung gab (FF # 5, 10 und 21). Zudem erschienen FF # 17-30 ungekürzt, in FV Nr. 15-21, 23-25 und 27 hatte Williams die ein oder andere Seite bzw. das ein oder andere Panel entfernt. Somit sind die drei Hardcoverbände eine ideale Ergänzung zu jeder bestehenden FV-Sammlung, da die Williams Folgenummern (Die Fantastischen Vier Nr. 28 – 69, 73 und 75 – 124) komplett ungekürzt erschienen.

Neben FF # 128 – 137 in besagtem Schuber, brachte Panini noch insgesamt vier klassische Einzelhefte auf den Markt, die zuvor alle bei Williams und dem bsv verlegt worden waren. Zum einen den Nachdruck der FF-Erstausgabe aus „Marvel Klassik“ 4 mit deutlich sichtbarem Moiré-Effekt, der dem Marvel-Jubiläumspack 3 beilag. In Zusammenarbeit mit Modern Graphics FF # 10 mit einer Coverillustration von Alex Ross als sogenannte „Open House“-Edition und schließlich FF # 46 und 52 in den „Marvel Knights Pack“s 2 und 3. Alles schön, aber nichts wirklich Besonderes. Die Open House-Edition von FF # 10 konnte man immerhin zwischen Williams-FV Nr. 9 und 10 einordnen und dadurch eine kleine Lücke schließen, da es die Story vorher nur in Hit Comics Nr. 230 des Bildschriftenverlags gab.

Später erschien FF # 1 noch einmal innerhalb der F.A.Z.-Bibliothek „Klassiker der Comic-Literatur“ in Band 04. Da die Reihe in Zusammenarbeit mit Panini erstellt wurde, verwurstete man bereits erschienenes Material mit bislang (zumindest bei Panini) unveröffentlichtem. Absolutes Highlight sind dabei FF # 48-51 mit der Galactus-Saga und dem Folge-Heft „This Man… This Monster!“. Drei der ebenfalls im F.A.Z.-Band enthaltenen Storys stammen von John Byrne. Positiv anzumerken ist, dass durchweg ein einheitliches Lettering („RAM“, bekannt aus den frühen Panini-Heften) benutzt wurde, die Farben sind Geschmackssache. Das Format ist irgendwo zwischen Taschenbuch- und Heftgröße und damit noch gut lesbar. Auf jeden Fall kann man den Verantwortlichen eine sehr gute Auswahl der Storys bescheinigen.

FV-Schuber zum letzten! Der Deutsche Comic-Markt und das Verhalten des Zielpublikums sind oft unergründlich. Sicher ist jedenfalls, dass sich die Hefte FV Nr. 128 – 137 schlecht verkauften, und zwar so schlecht, dass sowohl der Schuber als auch die Einzelhefte spätestens seit der Jahrtausendwende verramscht werden. Bei den Spott-Preisen sollte jeder Williams-Sammler unbedingt zuschlagen. Für das wenige Geld erhält man ein klasse Produkt: zehn Hefte, die sich nahtlos an Williams-FV Nr. 124 anschließen, in einer gelungenen Übersetzung von Reinhard Schweizer, mit erstklassigen Zeichnungen von John Buscema und redaktionellem Vorwort von Max Briegel, im Mittelteil der Hefte außerdem ein Poster mit einigen Hintergrundinfos über die FV auf den Rückseiten. Selbst die bescheuerte, ganzseitige Sea-Monkeys-Anzeige wurde in einer aktualisierten Fassung übernommen. Vielleicht hätte man, wie beim „Die Spinne – das fehlende Jahr“-Schuber, die Williams-Zweitstorys und die alte Nummerierung weiterführen sollen. Doch wer weiß, ob es das gebracht hätte. Schade jedenfalls, dass solch ein ambitioniertes Projekt nicht von Erfolg gekrönt war. Im umgekehrten Fall hätte der Verlag durchaus noch das eine oder andere Schmankerl für die Fans vom Stapel lassen können.

Nächstes Kapitel: „The X-Men“

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Die Fantastischen Vier auf dem deutschen Comicmarkt
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ (Fortsetzung vom 19.8.2019)

Teil III B
Fantastische Kürzungen, Formate und die Frage nach der inneren Kontinuität
Eine fantastische Chronologie in 47 Bänden
(Condor 1979-1996)

Noch ein kurzer Nachtrag: FV Album Nr. 1 hatte das passende Cover zu FF # 32 und Taschenbuch Nr. 2 das Titelbild von FF # 51. Die Story dazu erschien allerdings erst in Tb Nr. 9. In zwar knapper aber dennoch korrekter Übersetzung brachte Condor FF # 13 im Taschenbuch Nr. 3. Williams hatte in seiner Version in FV Nr. 11 den Red Ghost zum „Geist“ gemacht, seine russische Abstammung unerwähnt gelassen, und da die Mondlandung 1974 längst vollzogen war, wurde der Mond auf Reed Richards Karte zum „Mars“.

Irgendwie beschleicht einen immer das Gefühl, dass Condor zumindest in etwa wusste, was Williams nicht mehr veröffentlicht, bzw. nicht mehr eingekauft hatte. Es könnte durchaus sein, dass Biehler über Marvel USA an diese Daten kam und deshalb einige Nummern nach dem „Ende“ von Williams einsetzte. FF # 128 mit dem Abschluss des in Williams‘ FV Nr. 124 begonnenen Zweiteiler wurde bereits im letzten der Hit Comics mit dem „Superhelden“-Signet abgedruckt, während FF # 129 – 132 erst 1999 im Fantastischen-Vier-Schuber von Marvel Deutschland erschienen. Der Einstieg von Condor erfolgte 1980 mit FF # 133 in Marvel-Comic-Sonderheft Nr. 2 in ordentlicher Bearbeitung und einer Farbgebung erstaunlich nahe am Original, aufgrund der Drucktechnik doch um Klassen besser als die grobe US-Rasterung. Unverständlicherweise packte man als Zweitstory FF # 203 dazu, was nur insofern einen Sinn ergibt, als dass die Storys nur in geringem Maß der Marvel-Continuity unterliegen und deshalb problemlos einzeln veröffentlicht werden konnten. Die FF # 133-Gast- Zeichnerin Ramona Fradon (bei Condor: „Ramon Fradon“) dürfte dem einen oder anderen Sammler noch aus den Super-Comics „Metamorpho“ des bsv bekannt sein.

Die chronologische Fortsetzung erfolgte 1981 in FV Taschenbuch Nr. 5. Dort erschienen die Ausgaben FF # 134-141. Die Übersetzung ist formatbedingt etwas knapp gehalten und die Farbgebung ähnlich der US-Vorlage, wenn auch etwas heller. Keine schlechte Bearbeitung, wenn da nicht FF # 135 wäre. Abgesehen davon, dass die 3D-Brillen der Rock’n’Roller wegen der schwarzgefärbten Gläser nicht mehr als solche zu erkennen sind, enthält die deutsche Fassung eine Szene,  die in keinster Weise mit dem Original übereinstimmt. Anscheinend konnten die Leutchen bei Condor sich nicht zurückhalten und sahen sich gezwungen, die Gewalt aus diesem Comic zu eliminieren. Denn im Original bekommt Ben Grimm alias das Ding im fünften Panel der Seite 16 einen kräftigen Kinnhaken verpasst. Nicht so in der Taschenbuchausgabe, stattdessen kann man an dieser Stelle folgendes lesen:

„(Das ist mein) Sohn! Und wie du vielleicht verstehen wirst, Ben Grimm, habe ich großes Interesse daran, dass wir beide – mein Sohn und ich – noch einige Jahre leben! Dazu sind Energien erforderlich, die du dir nicht einmal vorstellen kannst! Und nur ein Genie wie ich ist in der Lage, eine Quelle zu finden, die uns mit der Kraft versorgt, die nötig ist, um unsere radioaktive Molekularstruktur vor dem endgültigen Zerfall zu bewahren! Darum, Ding, werdet ihr verschwinden! Für immer!“

Jeder, der in seinem Leben ein Marvelcomic gelesen hat, kann sich denken, dass so etwas nicht in der US-Ausgabe gestanden hat. Kein Superschurke haut einem Superhelden auf die Bauchdecke (hier nicht direkt sichtbar), um anschließend mit ihm über seine Absichten zu diskutieren. Außerdem fragt man sich, warum sich das Ding im darauffolgenden Bild die Nase bzw. das Kinn hält und warum um alles in der Welt die Hände seines Gegners Gregory Gideon rauchen. Auch scheint Ben Grimm Gleichgewichtsprobleme zu haben, da er sich ein Bild weiter an einer herumstehenden Gerätschaft festhalten muss. Die auf dem Boden liegenden Trümmer stammen vermutlich noch von der vorhergehenden Seite, auf der man das Ding quer durch den Raum fliegen sieht. Kommen wir also zum logischen Schluss, dass man (ähnlich wie bei geschnittenen Kinofilmen) zwar die Auswirkungen von Gewalt, nicht aber die Gewalt selbst darstellen durfte.

Positiv anzumerken ist, dass nicht wie bei Panini die Farbfilme einzelner Seiten vertauscht wurden. In der Fassung von 1999 hat Medusa an mehreren Stellen im Heft grüne Haare. Leider gab es bei Condor was Chronologie und Bearbeitung anbelangt, nicht allzu viel Freude. Das FF „Giant-Size“ # 2 erschien bereits im 3. Taschenbuch obwohl „Cataclysm!“ bzw. „Die Katastrophe“ inhaltlich nach dem 5. Taschenbuch spielt. Nach einer Lücke von mehreren Ausgaben folgten die beiden Storys aus FF # 150 in umgekehrter Reihenfolge in FV Album 6 und 7. Mehrere Storys wurden zusammenmontiert und erschienen in den Alben Nr. 2 – 4. Weiter ging es auf ähnliche Weise mit dem 6. Taschenbuch, dessen letzte Seiten ihre Fortsetzung in TB Nr. 4 finden. Nach einigen willkürlich herausgegriffenen Einzelepisoden konnten die Fans endlich aufatmen. Mit Ausnahme der Annuals erschienen die Abenteuer der Fantastischen Vier ab dem 11. Taschenbuch in chronologischer Reihenfolge. Inwieweit das mit dem Wechsel des Übersetzers zusammenhängt, sei dahingestellt. Klaus Strzyz war Hajo F. Breuers offizieller Nachfolger, der vorher ausgerechnet für die Zeitschrift „Comixene“ schrieb, deren Herausgeber Andreas C. Knigge mit Wolfgang M. Biehler und dem Condor Verlag auf Kriegsfuß stand. Zudem schien der Verlag sich Mitte der 80er neu orientieren zu wollen, da nicht nur der Übersetzer wechselte, sondern fast parallel auch mehrere von Condors großformatigen Reihen eingestellt wurden.

Strzyz‘ Ablösung jedenfalls war Michael Nagula, der 1989 mit FV Taschenbuch Nr. 26 bei Condor einstieg. Inoffiziell hatte Nagula schon vorher einige Episoden der Marvel-Helden für seinen Vorgänger übersetzt, was nicht im Impressum stand. Nagula führte das Programm in ähnlicher Weise fort und endlich erschienen auch die Annuals an der korrekten Stelle. „Ähnlich“ deshalb, weil die Originalchronologie beinahe korrekt eingehalten wurde, aber eben nur beinahe. Ein paar ausgelassene Episoden wurden in der Endphase nachgeholt, ebenso wie ein erneuter Abdruck der Entstehung der Fantastischen Vier aus FF # 1 in derselben Länge, wie sie Williams 1974 in FV Nr. 1 gebracht hatte, bevor die Taschenbuch-Reihe mit der Nr. 47 im September 1996 etwa gleichzeitig mit Hulk und den Rächern endgültig eingestellt wurde. Zum Abschluss brachte man die Einzelstory „Ruhe sanft, Reed Richards“ aus FF # 400. Den inhaltlich chronologischen Abschluss der Reihe bildete allerdings das auf den Seiten zuvor abgedruckte FF # 395. Panini setzte mit der Onslaught-Phase bei FF # 415/416 ein, um danach die „Heroes Reborn“ aus der Taufe zu heben.

Von einer Übersetzung der „Essentials“ – hier die serbische Ausgabe – können deutsche Fans nur träumen ...

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Diese Serie mit Artikeln zur Geschichte der Marvel Comics aus dem Silver Age ist eine Übernahme aus dem Fanmagazin „Das sagte Nuff“ (2005-10). Ich bedanke mich herzlich für die Genehmigung, sie hier wiederzugeben. 

Der Dämon – Ein Mann ohne Furcht
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ (Fortsetzung vom 13.7.2019)

In Deutschland startete Daredevil seine Karriere unter dem Pseudonym „Devil-Man“ in den Hit Comics des Bildschriftenverlags (Hit Comics Nr. 34). Anscheinend erkannte der Verlag das Potential dieser Serie und „Der Mann ohne Furcht“ bekam von Anfang an sein eigenes Heft. Da sich Daredevil mit ein oder zwei Worten allerdings kaum treffend übersetzen lässt, schielte man wohl auf die Ehapa-Konkurrenz und deren aufstrebende Helden „Superman“ und „Batman“ und wählte die Bezeichnung „Devil-Man“. Zum besseren Verständnis lieferte der bsv die Übersetzung „Teufelskerl“ im Untertitel gleich mit. Mit Blick auf das Doppel-D auf Daredevils Brust Brust (nicht zu verwechseln mit der entsprechenden BH-Größe) wurde der Name Anfang der 70er Jahre in „Der Dämon“ geändert. Williams führte diese Tradition fort, und selbst der Condor Verlag bezeichnete den Helden nach einem kurzen Ausreißer in den frühen Hulk-Taschenbüchern, wo Daredevil  unter seinem Originalnamen agierte, als „Der Dämon“. Abgesehen davon, dass der bsv – wie üblich – inmitten der laufenden US-Reihe startete, verliefen Devil-Mans Abenteuer mit Auslassung von zwei Heften und einem Annual fast chronologisch. Ein ebenfalls ausgelassenes Heft (DD # 37) wurde später noch eingeschoben (Hit Comics Nr. 82 statt 67). Als der bsv 1972 mit „Der Dämon“ als neue Reihe mit Nr. 1 startete, entstand nach den ersten beiden Heften eine riesige Lücke von vierzehn US-Ausgaben (DD # 63-76). Dummerweise folgte mit „Der Dämon“ Nr. 3 ein Crossover mit „Spider-Man“ und „Sub-Mariner“ welches zwischen Sub-Mariner # 39 und 40 spielt. Diese beiden Nummern des Atlantäers erschienen jedoch nie auf deutsch, so dass auch hier die aus dem Zusammenhang gerissene Handlung nur schwer nachzuvollziehen ist. Mindestens genauso unglücklich erschien das letzte deutsche Heft. Die Auflösung des Zweiteilers mit Man-Bull (DD # 79) blieb den Lesern hierzulande ebenfalls vorenthalten.

Matt Murdock alias Daredevil kann wieder sehen. (Alp-)Traumsequenz aus “Daredevil” # 74 – „In The Country Of The Blind“ (März 1971). Autor Gerry Conway spielte den Marvel-Charakteren oftmals übel mit.

Der Williams Verlag verlegte den „Dämon“ auf die hinteren Seiten der „Fantastischen Vier“ wobei die ersten Abenteuer noch etwas ungelenk wirkten. Die Origin Story entstammte einer leicht bearbeiteten britischen Vorlage, welche ein UK-Titelbild (statt ASM # 1) auf der ersten Seite bzw. dem Cover zeigte. Die Panels waren mit Rasterfolie beklebt und zudem in der Höhe leicht gestutzt. Der Name der Anwaltsgehilfin Karen Page wurde in „Karin“ eingedeutscht und für die Fortsetzung entfernte man zwei Bilder zugunsten des Einleitungstextes. Auch erschienen bei Williams Anfang 1974 jeweils separate Titelbilder im Innenteil, von denen zwei verwechselt wurden, so dass der Bösewicht Electro zu sehen war, noch ehe die dazugehörende Story veröffentlicht wurde. Bei der dritten Geschichte wurde insgesamt eine Seite herausgekürzt, was nur allzu deutlich anhand der verbliebenen Originalseitenzahl und den unterschiedlich großen Panelrändern auffällt. Und ausgerechnet„Daredevil“ # 7 (FV # 14-15) stutzte man auf fünfzehn von ursprünglich zwanzig Seiten, so dass Daredevils Kampf mit Aquarius nur allzu kurz ausfiel. Ein letztes Mal wurde bei „Daredevil“ # 8 (FV Nr. 16-17) die Schere angesetzt. Alle folgenden Ausgaben blieben ungekürzt, wenn man von einem schmalen Panel in FV Nr. 85 (DD # 31) absieht, an dessen Stelle der Einleitungstext platziert wurde. Im Anschluss an diese Nummer fehlte das erste „Daredevil Annual“, da Williams generell keine dieser Jahressonderhefte veröffentlichte. Nach fünfzig Originalausgaben in 123 Heften der „Fantastischen Vier“ folgten nur noch die ersten zehn Seiten von DD# 51 (FV Nr. 124), da die FV-Reihe im November 1978 allzu früh eingestellt wurde.

Männer ohne Furcht

Marvel bzw. Herausgeber Stan Lee wählte für Daredevil stets gute Zeichner aus, doch deren „Assignments“ waren meist nur von kurzer Dauer. So wurde Bill Everett direkt nach der Herkunftsgeschichte in Daredevil # 1 und Joe Orlando nach drei Folgeausgaben wieder abgezogen. EC-Star Wally Wood* verweilte immerhin ein ganzes Jahr und wechselte erst, als man die Reihe auf monatliches Erscheinen umstellte. Wood entwarf Daredevils zweites Kostüm und fertigte gleichzeitig gültige Charakterstudien für die Zukunft (vgl. Abbildungen weiter oben) an. Angeblich war das Color Department mit dem ursprünglich gelb/schwarzen Kostüm unzufrieden, so dass Stan Lee nach einer „langen Denkpause für diese Entscheidung von höchster Priorität“ (etwa zwei Sekunden) meinte: „Okay, macht ihn rot!“. Im Januar 1966 folgte ein Zeichner, bei dem Stan Lee ohne dessen Wissen testete, ob dieser fähig wäre, Steve Ditko bei „Amazing Spider-Man“ abzulösen. Lee und Ditko hatten offenbar unterschiedliche Vorstellungen, wie sich die Serie weiterentwickeln sollte. John Romita kam direkt aus dem DC-Lager, wo er jahrelang für die Liebesschnulzen-Abteilung tätig gewesen war. Stellvertretend sei hier nur die Reihe „Young Love“ genannt, von der zwei Hefte beim bsv unter dem Titel „Junge Liebe“ erschienen. Romita zeichnete die Cover und meisten Hauptstorys der US-Ausgaben # 39-54 (# 52 stammt von Gene Colan). Nach seinem Wechsel zu Marvel erschienen noch eine zeitlang einseitige, von ihm illustrierte Beauty Tipps in „Young Love“, die vermutlich lange im voraus angefertigt worden waren. Insgesamt verbrachte Romita sieben Jahre im DC-Romance Department. Laut eigener Aussage kam damals niemand auf die Idee, dass dieselben Künstler auch Superhelden hätten zeichnen können. Carmine Infantino hatte ihn jedenfalls nie gefragt.

Romitas erste Arbeit war zwar gut, sah aber nicht nach „Marvel“ aus, weshalb Jack Kirby gerufen wurde, der kurzerhand die Layouts für „Daredevil“ # 12-13 aufs Papier warf. Nach dieser „Unterrichtsstunde“ durfte Romita ab der Folgenummer dann wieder selbst ran. Der selben Prozedur musste sich auch Mike Esposito unterwerfen, der bei DC vertraglich gebunden war und den Hulk in „Tales To Astonish“ deshalb unter dem Pseudonym Mickey Demeo zeichnete. Zwei Monate nach einem gelungenen Daredevil/Spider-Man–Crossover (DD # 16-17 / Williams FV Nr. 42-47) setzte Stan Lee John Romita als neuen Zeichner für „The Amazing Spider-Man“ ein. Da Lee sich nicht weiter dazu äußerste, dachte Romita jahrelang, er würde Steve Ditko nur für eine kurze Weile vertreten, um danach zu Daredevil zurückzukehren. Angeblich konnte er sich nie richtig mit dem Arachniden identifizieren, wogegen die Zeit bei „Daredevil“ seine liebste war (vgl. Interviews mit John Romita in „Once Upon A Time The Super Heroes“ (arte 2002), und „Daredevil“-DVD Bonusmaterial „The MenWithout Fear“, 2003).

„Comics Journal“ # 231 mit einem Titelbild von Gene Colan mit Daredevil und dem Spaßvogel (The Jester). März 2001, Fantagraphics Books Inc.

Der Künstler, den man am ehesten mit Marvels klassischem Daredevil identifiziert, dürfte zweifelsfrei Gene Colan sein. Immerhin zeichnete er DD von September 1966 bis April 1973 kontinuierlich, wenn man von den beiden Barry Windsor-Smith Intermezzi (DD # 50-52 und 83) absieht. Auch „Daredevil Annual“ # 1 ging auf Colans Konto und für die Jubiläumsnummer DD # 100 (Juni 1973) holte man ihn ebenfalls ans Zeichenbrett. Danach kam er nur noch sporadisch zum Einsatz, bis schließlich Frank Miller mit DD # 158 das zeichnerische Ruder fest übernahm. Zwar konnte Daredevil  viele namhafte Credits verbuchen, doch blieb eine Kontinuität aus. Sam Kweskin, Rich Buckler, Syd Shores, Don Heck, Jim Starlin, John Buscema, John Byrne, Sal Buscema, Lee Elias, George Tuska, Frank Robbins und sogar Steve Ditko waren kurzzeitig involviert. Die einzigen mit etwas längerer Verweildauer blieben Bob Brown, Gil Kane und DCs Carmine Infantino (DD # 149-150 und 152). Bereits mit „Daredevil“ # 60 hatte man Gene Colan von den Covern abgezogen, so dass die meisten nachfolgenden mit weniger Dynamik auskommen mussten. Vielleicht war Gene Colan bei „Dracula“ kein besonders guter Coverzeichner, doch bei „Daredevil“ zog er alle Register. Vielleicht lag es auch an der Arbeitsüberlastung, jedenfalls stammten die meisten Umschläge in der Folgezeit von Marie Severin, Sal Buscema, Gil Kane, Rich Buckler, John Romita, John Buscema und einigen anderen Zeichnern. Erst DD # 156 und 157 waren wieder von Colan und markierten den bevorstehenden Wechsel. Die Einflüsse Frank Millers, der zunächst als Zeichner, später als Autor für die Serie verantwortlich zeichnete, waren gravierend, aber dies wäre Stoff für ein separates Kapitel.

„The Marvel Comics Index“ # 9B von George Olshevsky aus dem Jahr 1982. Neben „Daredevil“ werden auch die Serien „Black Panther“, „Shanna The She-Devil“, „Black Goliath“, „Human Fly“ und „Dazzler“ unter die Lupe genommen.

DAREDEVIL-Checkliste der klassischen deutschen Ausgaben 1968-2003 als PDF
Daredevil-Checkliste

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* Sie dazu auch https://blog.montyarnold.com/2018/11/02/mit-wallace-wood-in-den-weltraum/

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