The Social Reckoning
Politthriller von Aaron Sorkin

Die leidenschaftliche Facebook-Ingenieurin Frances Haugen muss erkennen, dass ihr Arbeitgeber schädliche Inhalte duldet und mit politischer Hetze und Falschinformationen die Demokratie und das Wohl der Jugend gefährdet. Da sie intern mit ihrer Kritik nicht ernstgenommen wird, wendet sie sich schweren Herzens an das „Wall Street Journal“, um die Missstände öffentlich zu machen. Jeff Horwitz nimmt sich des Falles an, der in seinem Unternehmen einen ähnlichen Außenseiter-Status hat wie Haugen in ihrem und der immerhin etwas weniger neurotisch ist.

Unterdessen wird der unnahbar-despotische Facebook-Chef Mark Zuckerberg darin geschult, den Protest gegen seine Machenschaften rhetorisch abwehren zu können.
Der berühmte Drehbuchautor Aaron Sorkin zeichnet die Ereignisse nach, die Facebooks Ruf als gemeinnützige Einrichtung ruinierten, ohne der Plattform oder ihrem Gründer letztlich etwas anhaben zu können. Während die Veröffentlichung der „Facebook Files“ ihren Lauf nimmt, durchläuft die Welt die Corona-Pandemie. Es spielen Mikey Madison, Jeremy Allen White und Jeremy Strong.

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Nächste Woche: KULTFILM SOMMERFERIEN mit den Science-Fiction-Kultfilmen der ersten Staffel von „Metropolis“ bis „2001: Odyssee im Weltraum“

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Die Legende vom wohltätigen Robin Hood, der von den Reichen nimmt und den Armen gibt, ist gelogen. Der wirkliche Robin von Locksley ist ein Verbrecher, vor dessen Bande nicht einmal Frauen und Kinder sicher sind. Auf seine alten Tage hadert Robin zunehmend mit einem Leben voller Mord, Raub und Schändung. Nach einer schweren Verletzung bietet eine mysteriöse Frau dem heruntergekommenen Recken einen Weg zur Erlösung an. Hugh Jackman, Jodie Comer und Bill Skarsgård erzählen den Epilog zur Legende vom Helden in Strumpfhosen und dekonstruieren dessen Mythos.
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Ronny Fanta (ein Millennial) und Volker Robrahn (alte Schule) haben den Film vorab gesehen und betrachten ihn im Gespräch von der eingangs beschriebenen und von der heutigen Seite:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/the-death-of-robin-hood

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Ab heute ist Julia Roberts in einem neuen Film zu sehen. Und da man mit RomComs und Komödien schwerlich einen Oscar gewinnt und Roberts in diesem Abschnitt ihrer Karriere noch keinen bekommen hat, erleben wir sie von einer sehr ernsten Seite.

Alma Olsson ist Philosophieprofessorin an der US-Eliteuniversität Yale. Ihre Professur auf Lebenszeit ist in Reichweite, doch dann gerät auf den letzten Metern alles ins Schleudern. Nachts, nach einem Fest im Hause Olsson, steht plötzlich Maggie Price im Hausflur, eine von Almas Doktorandinnen. Sie berichtet völlig aufgelöst davon, wie ihr Dozent Hank Gibson ihr gegenüber sexuell übergriffig geworden sei, nachdem er sie von der Party nach Hause begleitet hat und noch auf ein Glas mit in ihre Wohnung gekommen ist. Alma zögert, dem Mädchen ihre Solidarität zuzusichern, und rät ihr sogar, die Sache für sich zu behalten. Ohne genau zu wissen, was sich zugetragen hat, sieht sie ihren Aufstieg in Gefahr, wenn sie sich auf eine Seite schlägt. Außerdem ist sie mit dem jungen Kollegen Hank in einer On-Off-Beziehung, was ihr loyaler Ehemann Frederik, ein Psychotherapeut, zu dulden scheint. Maggie schweigt jedoch nicht, meldet die Vorwürfe dem Dekan, und Hank verliert seine Stellung. Für Alma und ihre Universität bricht ein gesellschaftlicher Konflikt offen aus, der auf ihrer Party noch ein philosophisches Gedankenspiel gewesen war …

Der Vorspann wirkt wie eine Anspielung: wir sehen die typische Woody-Allen-Schrift vor schwarzem Hintergrund und hören dazu passend einen Song von Tony Bennett. Ich fürchte, das soll ein inhaltlicher Wink sein. Der Eindruck von Leichtigkeit erfüllt sich jedenfalls nicht. Die Heldin Alma Olsson wird wie eine Kranke eingeführt, oder doch wie eine Frau, der ein Zusammenbruch bevorsteht, wenn es so weitergeht. Ihr Mann legt ihr ihre Medikamente auf den Nachtschrank und schleicht sich dann wieder hinaus, um sie nicht zu stören. Dieses morgendliche Ritual ist sehr unheilschwanger in Szene gesetzt. Nach diesem Opening sind wir beinahe überrascht, dass diese Frau in ihrem überaus bewegten Alltag doch so gut funktioniert.

Julia Roberts in dieser Altersrolle zu erleben, ließ mich an Patrick Bahners‘ kluge Überlegung denken, wenn der „Peanuts“-Held Charlie Brown erwachsen geworden wäre, hätte er das Leben des Comic-Büromenschen „Dilbert“ führen müssen. Die federleichten 90er Jahre sind vorbei, und aus der vielseitigen, aber doch beständig zauberhaften Julia Roberts, in deren Charme sich dieses Jahrzehnt noch lange zu konservieren schien, ist eine etwas freudlose, aufgeräumte, pragmatische Frau geworden. Sie ist immer noch unverkennbar Julia Roberts, hat aber zur Seite keinen anheimelnden George Clooney mehr, sondern einen treusorgend-putzigen Gatten, der latent ein erstaunliches Talent erkennen lässt, auch allein zurechtzukommen. Dass sexuell längst nichts mehr läuft, dass es nicht einmal eine wirkliche Freundschaft ist, fängt Frederick mit nachsichtiger Großzügigkeit auf. Michael Stuhlbarg macht diesen Ehemann zur interessantesten Figur des ganzen Films, zur einzigen, die bei aller Schlüssigkeit ein gewisses Geheimnis bewahrt.
Was noch für den Film spricht, ist seine Relevanz. Er ist gesellschaftspolitisch auf der Höhe der Zeit und zeigt uns den längst zur Farce herabgesunkenen Geschlechterdiskurs in all seiner verbohrten Aussichtslosigkeit. Doch dann fangen die Probleme an. Das für jeden Film Wichtigste ist bei diesem ein rechter Murks: das Drehbuch. Es hat keinen Rhythmus, verschleppt den Anfang, lässt ihn in endlosen dümmlichen pseudo-philosophischen Querelen versacken. Die Dialoge – ganz besonders die fachspezifischen, aber beileibe nicht nur sie – lassen das gut besetzte Ensemble im Regen stehen. Der Zorn des beruflich ruinierten Hank wirkt eher wie der Unmut seines Darstellers Andrew Garfield über die tölpelhaften Phrasen, die er zu sprechen hat, und über die verkrampften Kamerawinkel, die sich ihm in die Nasenlöcher bohren. Man spürt jede Minute dieses überlangen, über weite Strecken geschwätzigen Dramas, gerade so, als würde das schicksalhafte, schleppende Ticken, das wir ganz zu Beginn hören, die ganze Zeit durchlaufen.

Julia Roberts spielt untadelig, kommt aber gegen das Material nicht an. Das nach der Präsentation des Films in Venedig sogleich einsetzende, unvermeidliche Geschwätz von der Oscarwürde ihrer Leistung stellte die Ambivalenz ihrer Rolle in den Vordergrund. Leider ermöglicht ihr der Film eben nicht, diese als solche auszuspielen, so blass bleibt ihre Figur in ihrem Bestreben, sich aus allem herauszuhalten. Um ihr etwas Tiefe zurückzugeben, lässt das Buch sie an schlimmen Magengeschwüren leiden, lässt sie selbst ein dunkles Geheimnis hüten, in dem ein sexueller Übergriff eine Rolle spielt, und sie ein schmuddeliges Zimmer bewirtschaften, in das sie sich zurückzieht, um sich mit Hank treffen zu können, oder um … tja, warum eigentlich? Will sie der wohlgeordneten Ehe mit einem Mann entfliehen, der unauffälliger und bescheidener lebt, aber so viel glücklicher ist als sie? Der sie – eine komplett hobbylose Karrieristin – mit seinen vergnügten Kochkünsten beschämt und mit der Freude über seine laut aufgedrehten John–Adams-Platten? Der sie überdies vor den intellektuellen und charakterlichen Mängeln der Studentin gewarnt hat, deren Förderung Alma nun auf die Füße fällt. Dieser Sache ein wenig (nicht völlig) auf den Grund zu gehen, hätte dem Film die menschlichen Zwischentöne gegeben, die vor lauter Hader und Agitation nicht gedeihen wollen. Die Kontrahenten in diesem Konflikt sind letztlich durchweg schäbige Subjekte und interessieren sich ausschließlich für ihre eigenen Belange, die sie notdürftig mit gesellschaftlichen Botschaften verbrämen. Die Heldin ist da leider keine Ausnahme. Regisseur Luca Guadagnino verhebt sich an seinem Thema und lässt uns mit all den ungelösten – unlösbaren? – Problemen zurück, die uns in der Wirklichen Welt täglich umgeben. Der Slogan auf dem amerikanischen Poster „Not everything is supposed to make you comfortable“ („Nicht alles ist dafür da, damit du dich wohlfühlst“) klingt nach schlechtem Gewissen. Ein fesselndes Drama hat so etwas nicht nötig. Die deutsche Kopfzeile versucht, das Beste draus zu machen: „Wer sagt die Wahrheit?“

Etwas ratlos macht der Schluss, ein angeklebt wirkender „5 Jahre später“-Epilog. Er bietet eine Überraschung, stellt aber auch alles auf den Kopf, was man sich im Kinosessel zusammengereimt hat, neutralisiert es gleichsam, so als sollte sich hier niemand festlegen können, wo die Sympathien hingehören, die man so gern entwickelt hätte. Für mich fühlt es sich an, als wolle der Film mir sagen: wem auch immer du in den letzten zweieinhalb Stunden die Stange gehalten hast, es war Verschwendung. Es ist betrüblich, mit diesem Gefühl aus einem so ambitionierten Film herauszukommen.

Im Podcast auch zum Hören: https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/after-the-hunt-aktuelle-filmkritik

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https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/pretty-woman-paper-moon

A) Pretty Woman
Amerikanische Liebeskomödie von 1990

Der graumelierte New Yorker Millionär Edward (Richard Gere) verfährt sich mit dem Mietwagen in Los Angeles. Die Hure Vivian (Julia Roberts) steigt zu, lotst ihn zum Luxushotel „Beverly Wilshire“ und bringt ihn mit einem Griff neben den Steuerknüppel in Stimmung. In der eleganten Suite angekommen, packt sie erst einmal ihre Profi-Ausstattung aus: Kondome in den Regenbogen-Farben. Edward bietet ihr an, für 3000 Dollar plus Boutiquenbummel mit der goldenen Kreditkarte die zehn Tage bis zu seiner Heimreise Tisch und Bett mit ihm zu teilen. Vivian, die pfiffige Bordsteinschwalbe, entwickelt sich zur Dame und verweist die Society-Susen auf die Plätze. Ein Märchen wird wahr …

Overknee-Stiefel, die eine Modewelle auslösten, eine legendäre Shoppingtour zum kultigen Titelsong von Roy Orbison, eine klägliche Musicalversion, die ausgerechnet diesen Song nicht verwenden durfte – die 1990 erschienene Liebeskomödie „Pretty Woman“ von Garry Marshall ist bis heute der größte Kinoerfolg des Genres. Diese moderne Variante der Dirne mit dem Goldenen Herzen brachte Millionen zum Schluchzen und machte die 22-jährige Julia Roberts augenblicklich berühmt. Eine kuriose Besonderheit: die schwule Community, die in jenen Tagen so viele Filmerfolge mit starker Titelheldin zu verantworten hatte, mochte diesen Film überhaupt nicht!

B) Paper Moon
Satirische US-Komödie von 1973

Die USA zur Zeit der Großen Depression. Am Grab einer Ex-Geliebten bekommt der charmante Trickbetrüger Moses (Ryan O’Neal) deren Tochter aufs Auge gedrückt – und mit Bestimmtheit wissen wir nur, dass es im wirklichen Leben auch seine eigene (Tatum O’Neal) ist. Addie soll bei einer Tante abgeliefert werden. Auf dem Weg dorthin nervt sie Moses mit ihrer schlechten Laune und ihrem Dickkopf. Bei dessen Fischzügen als betrügerischem Bibelverkäufer erweist sich die zigarettenrauchende Göre jedoch als hilfreiches Naturtalent. Dennoch lässt Moses keinen Zweifel daran, dass er sie wie geplant abliefern will. Addies Laune verfinstert sich noch mehr, als Moses eine vulgäre Cabaret-Sängerin zusteigen lässt, die ihn ganz offensichtlich längerfristig ausnutzen möchte …

Tatum O’Neal wurde mit 9 Jahren die jüngste oscarprämierte Schauspielerin überhaupt, und an den Erfolg des Films schloss sich eine gleichnamige Fernsehserie an. Seither ist die Zeit gründlich über dieses Frühwerk von Peter Bogdanovich hinweggegangen. Heute wieder hervorgeholt, beweist der Film einen berühmten Ausspruch von Loriot: Altmodisches hält sich besser.

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Fortsetzung vom 27. Juni 2024

Ab 2003 hatte ich die Freude, an der Joop Van Den Ende Academy, einer luxuriösen Musical-Ausbildungsstätte in der Hamburger Speicherstadt, als Geschichtslehrer zu arbeiten. Die JVDEA war (wie auch die anderen Hamburger Musical-Schulen, an denen ich tätig war) ein gesellschaftspolitisch paradiesischer Ort. Obschon die meisten der männlichen Eleven schwul waren (logisch), wurde auch jede andere Ausrichtung als Normalfall betrachtet. Unter den Dozentinnen und Dozenten herrschte eine ähnliche Statistik und Aufgeschlossenheit.
Und da ich es wichtig finde, die eigene künstlerische Arbeit mit dem gesellschaftlichen Umfeld (also dem Publikum) in Bezug zu setzen, konzipierte ich einem Unterrichtsschwerpunkt zum Thema „Homosexualität und Musical“. Ich rechnete – ähnlich wie meine politisch bewegten Freunde aus Saarbrücken – mit verständigen und lächelnden Mienen, hinter denen der sprichwörtliche Groschen fällt. Da ich bei der Ankündigung das Genre etwas knallig als eine im Kern schwule Kunstform bezeichnete, gab mir meine Klasse das Gefühl, einen frechen Witz gemacht zu haben. Also eröffnete ich die folgende Stunde mit einer kleinen Montage von anschaulichen Filmausschnitten. Es waren Beispiele aus neueren Hollywoodfilmen, in denen das Interesse an Musicalthemen in der schwulen Community verortet wurde, z.B. die Szene aus „Kiss Me Guido“, in der zwei frischgebackene Mitbewohner (ein schwuler Junge und ein Hetero) „The Sound Of Music“ im Fernsehen anschauen, darüber sprechen und den Film „Pretty Woman“ mit Julia Roberts als „eher was für Heteros“ entlarven. Oder eine Sequenz aus „Teuflisch“: Brendan Fraser schließt einen Pakt mit dem Teufel und verwandelt sich in mehrere ganz unterschiedliche Varianten seiner selbst. Als er plötzlich über enzyklopädisches Musical-Fachwissen verfügt, wird ihm klar, dass er schwul ist …
Danach zeigte ich meinen Studenten die üblichen zwischen den Zeilen gay konnotierten Song-Klassiker (beginnend mit „Secret Love“ aus „Calamity Jane“). Ich schilderte tragische schwule Showbusiness-Schicksale (Rex Gildo) oder groteske (Liberace), wies auf die Legion homo- und bisexueller Autoren hin (Porter, Sondheim, Herman, Weill, Bernstein, Noel Coward, Lorenz Hart, Arthur Laurents …). Ich bemühte mich, das Phänomen „Camp“ zu erklären, jene auch für das Hetero-Publikum so beglückende Substanz, die das für jüdische und schwule Künstler überlebensnotwendige Talent zur Selbstironie dem europäischen Konzept der Operette am Broadway hinzugefügt hat und die für das amerikanische Musiktheater ebenso unverzichtbar werden sollte wie die jazzigen Synkopen.
Ich führte den Anfang von „Torch Song Trilogy“ vor (Harvey Fiersteins erhellenden Prolog und die Nummer „Dames“), spielte verkleidete Pride-Songs und hintergründige Soliloquies, führte Shows ins Feld, die nicht so hetero sind wie sie tun u.v.a.m.

Mein Auditorium blieb höflich – und unberaten. Und etwas irritiert. Meine Ausführungen wurden wohl als ein Versuch gelesen, eine persönliche Marotte historisch aufzumotzen (Schauspieldozenten machen sowas ja auch). Als ich das begriff, ließ ich das Thema nach der zweiten Stunde ruhen. Ich habe immer mal wieder darauf hingewiesen, wenn mir homosexuelle Untertöne in den behandelten Werken auffielen, unterließ aber auch das, nachdem mir mein Direktor (ohne Nachdruck und ein wenig achselzuckend) nebenbei erzählte, es sei sich über meinen Homo-Fetisch leise beklagt worden.

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1982
Blade Runner, Regie: Ridley Scott
Der SF- und Dschungel-erprobte Weltstar Harrison Ford jagt in einer weiteren Glanzrolle künstliche Menschen, sogenannte Replikanten, und wird zuletzt von einer bösen Ahnung heimgesucht.
Dieser Film, der unterdessen den in solchen Fällen unvermeidlichen Director’s Cut sowie eine Fortsetzung nach sich gezogen hat, ist genau wie die 80er und wird aus den selben Gründen geliebt: trashig, unansehnlich und nur unfreiwillig komisch. Die literarische Vorlage stammt von Philip K. Dick, der durch diesen allmählichen Hit (den er um Haaresbreite nicht mehr erlebte) zum heute neben Richard Matheson meistverfilmten Autor der Science-Fiction aufstieg.

1983
Im Himmel ist die Hölle los, Regie: Helmer von Lützelburg
In dem Maße, in dem Deutschland nicht Amerika (bzw. Hollywood) ist, ist „Im Himmel ist die Hölle los“ nicht die „Rocky Horror Picture Show“. Und doch verdient dieses vollkommen schamlose Underground-Musical die Bezeichnung „Kultfilm“ in besonderer Weise. In der Subkultur erlangte er ohne jede Hilfe durch Marketing oder berühmte Fürsprecher immense Popularität. Die Handlung – ein pummeliges Mädchen vom Lande verliebt sich in den Star eines Kabelsenders und steigt gegen alle Widerstände zu seiner Assistentin und Geliebten auf – ist gleichzeitig nostalgisch und prophetisch, entstand der Film doch vor der Einführung des Privatfernsehens. Unter einem Kostüm aus schrillen Song-Einlagen und scheinbar schierem Blödsinn lauert ein Sittengemälde der späten Bonner Republik.

1984
Terminator, Regie: James Cameron
Dieser mit geringem Budget hergestellte Überraschungserfolg ist ein Sonderfall in dieser Auflistung, führte er doch zu einem der besten „zweiten Teile“ der Filmgeschichte und profitierte wiederum von dessen Nachruhm als dem künstlerisch wertvollsten Actionfilm aller Zeiten – bei gleichzeitigem Publikumserfolg. Der notorisch unterschätzte Muskelmann Arnold Schwarzenegger verkörpert eine Kampfmaschine, die aus der Zukunft in die 80er Jahre geschickt wird, um einen Rebellen im Kindesalter abzupassen und zu beseitigen. In der erwähnten Fortsetzung wird Arnie dann zum positiven Charakter heranreifen und die Selbstironie auf die Spitze treiben. „Terminator“ (1 und 2) zeigen sowohl, wozu dieses Genre fähig ist, als auch wie selten es gelingt, mit diesem Pfund zu wuchern.

1987
Dirty Dancing, Regie: Emile Ardolino
Einige wenige Nostalgiker erinnern sich vielleicht an das süßliche Melodram, in dem sich der Startänzer Gene Kelly nach dem Ende der Filmmusical-Ära im dramatischen Fach bewähren wollte. Er ist der Entertainer-Animateur in einem Ferienresort und bricht das Herz eines Mädchens aus bürgerlichem Hause. Danach beginnt erst die eigentliche Handlung, doch nur diesen ersten Akt übernahm Eleanor Bergstein in ihr Drehbuch für „Dirty Dancing“.
Der Film ist wahrlich kein Kunstwerk, doch etwas so Schauerliches wie die Musical-Umsetzung hat er nicht verdient: die Autorin bestand darauf, dass jede Kleinigkeit, jeder Dialogsatz 1 zu 1 adaptiert wurde.

1990
Pretty Woman, Regie:
Julia Roberts als „Dirne mit dem goldenen Herzen“ und der graumelierte Richard Gere, der sich mit ihrer Hilfe vom reichen Freier zum Märchenprinzen upgradet.

1994
Pulp Fiction, Regie: Quentin Tarantino
Der Ruhm, der den ehemaligen Videocassetten-Verleiher Quentin Tarantino nach diesem Coup ereilte, dauert an und entbindet ihn bis heute von allzugroßer Anstrengung. Er hat es sich verdient. Die Raffinesse, mit der er Sympathien für schreckliche Elemente in uns weckt – allen voran für das Killer-Duo Samuel L. Jackson und John Travolta – ist in der Tat ein ganz großer Wurf. Damit revolutionierte Tarantino nicht nur den Gangsterfilm, sondern das Kino an sich. Drehbuchautor Paul Schrader („Taxi Driver“) seufzte, alles, was er je geschrieben habe sei nun mit einem Schlag veraltet.
Für den Rest der 90er Jahre brach eine Flut von Nachahmungsversuchen über das Publikum herein (nach dem Motto: labernde Gangster – das kann doch nicht so schwer sein!), und scheiterten sämtlich (besonders die deutschen Produkte).
Unterdessen war jeder gespannt, was Tarantino nachlegen würde. Bereits ein Jahr später folgte „Jackie Brown“, ein ähnlicher künstlerischer Triumph, der doch ganz anders war.

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Natürlich hat mich der merkwürdige Umstand nicht losgelassen, dass mir in den letzten 25 Jahren allenfalls noch Lieblings-, aber eben keine Kultfilme mehr untergekommen sind. Ich fragte Peter Clasen von „TV Spielfilm“ danach, den leidenschaftlichsten mir persönlich bekannten Filmhistoriker. Ihm ging es ähnlich, und er fand das Thema „heikel“: „Großflächig entwickeln können sich potenzielle Kultfilme wohl nicht mehr. Ich sehe drei Gründe: 1) Es gibt viel zu viele Titel, das Feld ist ein riesiger Abgrund, wen kümmert da eine Handvoll Perlen? – 2) Alles ist immer und überall verfügbar, nichts ist mehr besonders. – 3) Alle Geschmäcker werden bedient, niemand muss darben oder auf etwas warten, die Gemüter werden sanft.
Wenn man heute von Kult sprechen kann, sind das m. E. keine Filme mehr, sondern Serien. Denn da gibt es noch den Mainstream und die kleinen, schrägen Dagegen-an-Stinker, die eine Fangemeinde hochzuhalten versucht.“
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* Näheres dazu auch unter https://blog.montyarnold.com/2017/07/17/die-schoensten-filme-die-ich-kenne-33-im-himmel-ist-die-hoelle-los/

Der Beitrag Kultfilme Nr. 41 bis 46 (nach 1980) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

70 Meter unter dem Vegas-Strip befindet sich ein gewaltiger Tresor. Hier wird jede Münze verwahrt, die oben in den Automaten der drei beliebtesten Casinos der Glücksspielmetropole landet. Zufällig gehören alle drei dem ebenso eleganten wie ruchlosen Unternehmer Terry Benedict. Mit der Wahl der Frau an seiner Seite hat er sich allerdings einen besonderen Feind gemacht: ihren Exmann.
Danny Ocean (George Clooney) plant kaum 24 Stunden nach seiner Entlassung auf Bewährung zweierlei: das ganz große Ding (die Leerung des besagten Tresors) und die Rückeroberung von Tess (Julia Roberts).
Bereits die Zusammenstellung der im Titel geführten Panzerknacker-Mannschaft wird genüsslich zelebriert: der meisterliche Taschendieb Linus etwa (Matt Damon), der Falschspieler Rusty (Brad Pitt) oder der Pyrotechniker Basher (Don Cheadle) – und Comedy-Power-Opa Carl Reiner.
Aber die Jungs nehmen die Sache nicht auf die leichte Schulter (– dies ist nicht „Aliens“!). Der Gegner ist mächtig und auf der Hut …

„Ocean’s Eleven“ ist nicht nur eines der beiden cleversten Remakes der Filmgeschichte, und es gibt bisher auch kein amüsanteres Caper Movie (jenes Filmgenre, das einen kriminellen Beutezug zum Inhalt hat). Da sich Gaunereien dieser Art offiziell nicht lohnen dürfen, enden die meisten dieser Filme – unabhängig ob Krimi oder Komödie – mit einem Scheitern des famosen Plans. Das gilt auch für das „Ocean’s Eleven“ von 1961. 40 Jahre später stellen es nicht nur die Gangster auf der Leinwand, sondern auch Regisseur Steven Soderbergh geschickter an. Der Casino-Mogul, der hier geplündert werden soll, ist ein derart dämonischer Riesenfiesling, dass wir ihm das Rutschen in die Miesen von Herzen gönnen zumal die Bank ja sonst immer gewinnt. Außerdem verlässt sich Soderbergh nicht wie der Vorgänger auf die Unwiderstehlichkeit der Starbesetzung (– die in beiden Fällen überwältigend ist). Bei ihm gibt es keine müde Minute, der größte Irrsinn scheint plausibel, jede Pointe sitzt. Dabei wird der Zuschauer genauso hinters Licht geführt wie Mr. Benedict.
Das Verblüffendste aber ist, dass das Rat Pack nicht nur in seinem natürlichen Lebensraum sondern auch auf seinem ureigensten Gebiet geschlagen wurde: der grandiosen Musiknummer. Nach geglücktem Coup müssen sich die 11 voneinander trennen. Sie versammeln sich ein letztes Mal an einem prachtvoll beleuchteten Springbrunnen – rechtschaffen ermattet, lächelnd, schweigend! Wir hören „Clair de la Lune“ von Claude Debussy. Nach und nach löst sich die Runde auf und verflüchtigt sich in der Dunkelheit. Dieses Nachspiel – ohne Gesang und Tanz, aber perfekt choreographiert – veredelt die Gangsterklamotte nachträglich zur sophisticated comedy.

Beide Filmversionen standen übrigens am Anfang kleiner Reihen. Frank Sinatra und der harte Kern seines Rat Pack drehten noch drei weitere swingende Komödien zusammen, von denen die letzte „Robin And The Seven Hoods“ mit Abstand die beste ist. Clooney & Co schickten ihrem Las-Vegas-Abenteuer noch zwei Fortsetzungen (bzw. Wiederkäuungen) hinterher. Was soll’s – es sind schon minderwertigere Teebeutel mehrmals ins Wasser gehängt worden.

Der Beitrag Die schönsten Filme, die ich kenne (58): „Ocean’s Eleven“ (2001) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..