B) Spiegelbild im goldenen Auge / Reflections In A Golden Eye
Amerikanisches Südstaaten-Drama von 1967

Major Penderton und Lt. Colonel Langdon leben mit ihren Ehefrauen auf einem Militärstützpunkt in Georgia am Rande großer Waldungen. Die kriegsfreie Zeit lässt Neurosen ins Kraut schießen, die allesamt sexueller Art sind. Der impotente Major (Marlon Brando) verzweifelt an seiner lebenslustig-gefühllosen Frau (Elizabeth Taylor), die sich mit Langdon vergnügt, während dessen Frau langsam durchdreht und der verschrobene Stallbursche Williams (Robert Forster in seinem ersten Filmauftritt) sie heimlich stalkt. Dass das nicht gut ausgeht, wird schon zu Beginn des Films verraten: „Dort im Süden steht ein Fort, in dem vor Jahren ein Mord geschah.“

John Hustons Verfilmung einer Erzählung von Carson McCullers zeigt uns eine Garnison in Friedenszeiten als Mikrokosmos verkorkster Beziehungen und Obsessionen. Die Rolle des verklemmt schwulen Major Penderton hätte für Montgomery Clift das Leinwand-Coming-Out werden sollen, doch Clift starb kurz vor Beginn der Dreharbeiten, und der von ihm beeinflusste Marlon Brando übernahm. Brandos Biograf Tony Thomas attestierte diesem „die komplizierteste, rundeste und intelligenteste schauspielerische Leistung“ seiner Karriere. Elizabeth Taylor glänzt einmal mehr als große Komödiantin in einem Drama.

Nächste Woche: Sein oder Nichtsein und King Of Comedy

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Das Grauen weit draußen erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der kauzige Erfinder Doc Brown hat einen DeLorean-Wagen zur Zeitmaschine umgebaut. Als er diese seinem Freund, dem Vorstadt-Teenager Marty McFly, auf dem nächtlichen Rathausmarkt vorführt, wird er von den Terroristen erschossen, denen er den nötigen Treibstoff – das Plutonium – geklaut hat. Marty flieht mit dem Wagen und landet in der einprogrammierten Zeit: im 30 Jahre zurückliegenden 1955. Um seine Rückreise zu organisieren, sucht Marty den jungen Doc Brown im Ort auf. Der erklärt ihm, nur ein Blitzschlag böte genug Energie für dieses Unternehmen. Doch Marty hat noch ganz andere Sorgen: seine Mutter – ein süßer Teenager – verliebt sich in ihn und droht seinen späteren Vater zu verschmähen. Das würde Martys Existenz nachträglich auslöschen …
Mühelos trägt uns diese federleichte Klamotte über alle Paradoxien des Zeitreise-Sujets hinweg, was nicht zuletzt an den sympathischen Hauptfiguren liegt, die fortan an ihren Darstellern klebten: der ewige Teenager Michael J. Fox und der liebenswerteste Irre, der sich denken lässt: Christopher Lloyd. Eigentlich eine Teenie-Komödie, absorbierte „Back To The Future“ alle Zielgruppen in Reichweite und überzeugte auch folgende Generationen. Die Gewitternacht an der Rathaus-Uhr wurde zu einer der ikonischen Filmszenen schlechthin. Auch die beiden Fortsetzungen sind sehenswert.

B) Star Trek VI: Das unentdeckte Land / Star Trek VI: The Undiscovered Country
Amerikanischer Science-Fiction Film von 1992

Die Explosion des Mondes Praxis vernichtet die Energieversorgung der Klingonen. Anstatt seine alten Erzfeinde ihrem kläglichen Ende zu überlassen, muss ausgerechnet der pensionsreife Captain Kirk mit seiner Enterprise der klingonischen Delegation unter Kanzler Gorkon und General Chang das diplomatische Geleit geben. Als Gorkon nach einem gemeinsamen Bankett an Bord der Enterprise von Attentätern getötet wird, werden Kirk und Bordarzt Dr. McCoy in einem Schauprozess zu lebenslanger Lagerhaft auf einem vereisten Straf-Asteroiden verurteilt. Mr. Spock muss nun seine Freunde befreien und die wirklichen Mörder finden. Die Zeit ist knapp, denn die die Verschwörer planen bereits das nächste Attentat …

Die geraden Nummern der Enterprise-Filme mit Captain Kirk & Co sind dufte, die ungeraden sind Gurken, lautet eine alte Weisheit der frühen Nerd-Kultur. In dieser kurzen Glanzliste wird „Star Trek VI“ zuletzt genannt, obwohl die humorvolle, aber niemals alberne Zeichnung der beliebten Charaktere, die Selbstironie der Inszenierung und die Balance, die diese mit den dramatischen Elementen hält, niemals sonst so gut gelungen sind. Die erste Generation des Star-Trek-Universums nimmt mit diesem Film ihren Abschied – spätere Gastauftritte nicht ausgeschlossen. 

Nächste Woche: Freaks und Funny Bones

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Heute ist gestern erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

In der aktuellen Folge unseres Podcasts sprechen wir über zwei Filme, in denen Halbwüchsige sich mit sehr mächtigen Androiden anfreunden.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/terminator-2-der-gigant-aus-dem-all

A) Terminator 2 – Tag der Abrechnung / Terminator 2 – Judgement Day
Amerikanischer Science-Fiction- und Actionfilm von 1991

Intelligente Maschinen haben sich mit der Menschheit einen Atomkrieg geliefert und die Macht übernommen. In rauchenden Ruinen leisten die Rebellen um John Connor letzten Widerstand. Um diesen charismatischen Anführer auszuschalten, wird der Flüssigkristall-Droide T-1000 – ein Gestaltwandler – aus dem Jahr 2029 in das Los Angeles unserer Gegenwart, die frühen 90er, gesandt. Er soll Connor schon im Kindesalter ausschalten. Das umgepolte Auslaufmodell T-800 wird hinterhergeschickt, um ihm beizustehen.
In den Kampf wird auch Johns Mutter Sarah verwickelt, die sich seit Teil 1 zu einer Elitekämpferin entwickelt hat, nun aber in der Klapsmühle sitzt weil sie zu eindringlich vor dem Krieg der Maschinen gewarnt hat … 

Terminator 2 bricht mit mehreren Naturgesetzen des kommerziellen Kinos: als einziger Actionfilm begeisterte er Mainstream und Kulturkritik gleichermaßen. Er bestand den Test Of Time besser als der Rest des Genres und ist einer der seltenen zweiten Teile, die noch besser sind als ihr Vorgänger. Der selbstironische Bodybuilder Arnold Schwarzenegger wurde damit zu einem der versiertesten Schauspieler des Unterhaltungskinos.

B) Der Gigant aus dem All / The Iron Giant
Amerikanischer Science-Fiction-Animationsfilm von 1999

1957 befinden sich die USA im Kalten Krieg. Dessen Nebenschauplatz ist der Wettlauf ins All, bei dem die Sowjets durch ihren Satelliten Sputnik gerade die Nase vorn haben.
Im neuenglischen Hafenstädtchen Rockwell wünscht sich der kleine Hogarth ein Haustier, was seine Mutter ihm ausschlägt. Dieser Wunsch erfüllt sich im Übermaß, als Hogarth einen 15 Meter hohen Kampf-Droiden aus dem Weltraum – er sieht wirklich zum Fürchten aus – dabei erwischt, wie er im Wald das örtliche Elektrizitätswerk anknabbert. Nachdem er den Riesen vor einem gewaltigen Stromschlag gerettet hat, will er ihn auch behalten. Nun muss er ihn nicht nur vor seiner Mutter und den anderen Erwachsenen verstecken, sondern auch vor einem Regierungsbeamten, der eine russische Geheimwaffe in der ländlichen Idylle vermutet. Der nette Schrotthändler und Schrott-Künstler Dean ist der einzige, den Hogarth ins Vertrauen zieht. Doch auch er kann den erbarmungslosen Lauf der Dinge nicht aufhalten …

Diese märchenhafte Parabel ist besinnlich, ohne uns belehren zu wollen, rührend, ohne gleich rührselig zu werden, und ein Grund, den Umstand zu bedauern, dass Animationsfilme nicht länger Zeichentrickfilme sind.

Der Beitrag Kultfilm Azubis (5): Junge und Apparat erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/tanz-der-teufel-telefon

The Evil Dead / Tanz der Teufel
US-Horrorfilm von 1981

In „Tanz der Teufel“ suchen fünf junge Leute eine abgelegene Hütte im Wald auf, um sich dort für einige Tage zu vergnügen. Im Keller finden sie das Necronomicon, ein mysteriöses Buch der Toten, und spielen eine Tonbandaufnahme ab, auf der ein Unbekannter die Beschwörungsformeln daraus vorliest. Durch diesen Jux werden uralte, böse Dämonen erweckt. Nach und nach ergreifen diese Mächte von den Freunden Besitz und verwandeln sie in mörderische Kreaturen. Ein blutiger Überlebenskampf entbrennt, bei dem nur einer von ihnen eine Chance hat, das Grauen zu überstehen.

 „The Evil Dead“ war ein grobkörniger 16mm-Film, das offensichtliche Werk von Amateuren, die nur einen Scheinwerfer hatten. Chef-Amateur war der damals 21jährige Sam Rami, der damit seine Hollywood-Karriere begründete. 1987 legte er eine Art Remake nach, an der sich der Charme der Urfassung gut nachvollziehen lässt. Der etwas voreingenommene Eli Roth bezeichnet „Tanz der Teufel“ in seiner Dokumentarreihe „History Of Horror“ als den einflussreichsten Kultfilm aller Zeiten. Zu seiner Wirkung auf die Fangemeinde hat sicherlich beigetragen, dass der Film 35 Jahre auf der Liste der jugendgefährdenden Medien zugebracht hat.

Telefon
Amerikanischer Spionagethriller von 1977

Es ist die Blütezeit des Kalten Krieges. Der in Ungnade gefallene russische Spion Dalchimsky flieht in die USA, um die dort stationierten Schläfer in Tätigkeit zu setzen. Wir lernen jeden von ihnen rasch ein wenig kennen, ehe das Telefon klingelt und Dalchimsky den Code zu ihnen spricht, der sie in seelenlose Saboteure verwandelt. Die Worte stammen von Robert Frost: „Des Waldes Dunkel zieht mich an / doch muss zu meinem Wort ich stehn / und Meilen gehn / bevor ich schlafen kann.“ Der oder die Angerufene wird zum Zombie und führt präzise die Missetat durch, die ihm viele Jahre zuvor per Hypnose einprogrammiert wurde. Eine Mutter verlässt im Bademantel das Haus – ihre eben noch ausgeschimpften Kinder zurücklassend, ein humorvoller Pfarrer unterbricht eine Reparaturarbeit, ein muffiger Autoschlosser verwandelt sich in eine muffige Killermaschine. Wer nach der Tat noch dazu in der Lage ist, tötet sich mit Zyankali – eine verstörte Mitwelt zurücklassend.
Der KGB schickt den Agenten Borzov (Charles Bronson) in den Westen, wo ihn Kollegin Barbara (Lee Remick) empfängt. Ihre Partnerschaft wird von Spannungen geprägt sein: von persönlichen und von solchen, die der Beruf mit sich bringt. Dass Dalchimsky eine voyeuristische Ader hat und aus sicherem Abstand dem jeweiligen Inferno lüstern zusehen will, gibt seinen Jägern immerhin die Chance, sich an seine Fersen zu heften. Doch die Zeit ist knapp …

Das Skript zu Don Siegels Film schrieben Peter Hyams und Oscar-Preisträger Stirling Silliphant. Tyne Daly, später Teil des Teams „Cagney & Lacey“ – stiehlt als Programmiererin nach Meinung einiger Kritiker allen die Show.

Der Beitrag Kultfilm-Azubis (2): Verbotene Verse erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

„Topaz“ ist einer der Hitchcock-Filme, die niemand mag, und das schon seit seiner Premiere. Während er atmosphärisch in jeder Einstellung als solcher erkennbar ist, fehlen ihm doch viele Aspekte, an die sich das Publikum in dieser Produktlinie mittlerweile gewöhnt hatte: ein flottes Tempo, ein charismatischer Held in akuter Gefahr, obligatorischer Hollywood-Glamour, eine dicke Überraschung im zweiten oder dritten Akt, eine Filmmusik von Bernard Herrmann (mit dem Hitchcock sich soeben verkracht hatte).
Auch Hitchcocks Lieblingsmotive – der unschuldig Gejagte, die große (blonde) Frauenfigur im Zentrum der Handlung, der allgegenwärtige Witz – sind nicht am Platz. Zwar wird uns für jede dieser Auslassungen etwas anderes geboten, doch das interessierte niemanden: eine Vielzahl von Schauplätzen, prächtigen Dekorationen und liebevoll gezeichneten Charakteren und eine sehr lineare, gleichmäßige Erzählung, die sich zielstrebig auf ihre Auflösung zubewegt (und dem Film als Lahmheit angekreidet wurde). Diese Auflösung ist wiederum etwas missglückt (es wurden mehrere alternative Enden gedreht und alle verworfen, zuletzt „bastelte“ man sich ein Finale zusammen). Und der Titelheld hat wahrhaftig das Temperament eines Dienstreisenden: Frederick Stafford, ein österreichisch-tschechischer Schauspieler, der sich als Gehreimagent in europäischen Kolportagefilmen bewährt hatte und nach „Topaz“ augenblicklich in Vergessenheit geriet. Der Humor des Films ist weniger vordergründig, sondern erschöpft sich stattdessen in der feinen Beobachtung menschlicher Schwächen und Marotten, die die Regie sehr effektiv aus dem Ensemble herausholt – nur eben nicht aus dem strahlend attraktiven, aber eindimensionalen Hauptdarsteller.*  
Mit seinem Vorgänger „Torn Curtain“ bildet „Topaz“ ein Doppelprogramm aus Agentenkrimis – eine seltsam trendige Phase in Hitchcocks Werk. Dass die Reklame „Topaz“ als 50. Film des großen Regisseurs zusätzliche Erwartungen aufbürdete, hat die Sache nicht einfacher gemacht. „Torn Curtain“ ist der temporeichere und insgesamt populärere der beiden, aber das ist ungerecht.

Trotz seiner bedächtigen Struktur erlebe ich „Topaz“ bei jedem Wiedersehen als erstaunlich kurzweilig. Die vielen kleinen Portraits der Menschen, die unter die Räder des Kalten Krieges geraten oder doch zumindest um ein erfülltes Familienglück gebracht werden, sind subtil und trotz der eleganten Technicolor-Patina der Produktion zeitlos und berührend. Hitchcock leistet sich eine Handvoll europäischer Stars. Das in Paris spielende Finale wartet etwa mit den Giganten Philippe Noiret und Michel Piccoli auf (auch der Komponist Maurice Jarre kommt aus Frankreich), und die Deutsche Karin Dor ist in ihrer Rolle als kubanische Untergrundkämpferin einfach großartig. Sie hatte es über ein 007-Gastspiel bis nach Hollywood geschafft, doch die Weltkarriere blieb aus. Gleichzeitig endete die in ihrer Heimat. Mit ihrer Scheidung vom Regisseur Harald Reinl verschwand Dor auch aus dem Wirtschaftswunder-Klamottenkino.
_______________

* Es gibt Leute, die das anders sehen. Harris & Lasky finden in der „Citadel“-Filmbuchreihe die Schauspielerei insgesamt „armselig“, gestehen aber immerhin John Forsythe (später der Patriarch im „Denver-Clan“) eine durchschnittliche Leistung zu.

Der Beitrag Die schönsten Filme, die ich kenne: „Topaz“ erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

1957 befinden sich die USA im Kalten Krieg und werden von den Parolen des Senators McCarthy ideologisch genarrt. Ein Nebenschauplatz der Feindschaft zwischen Ost und West ist der Wettlauf ins All, bei dem die Russen durch ihren soeben gestarteten Sputnik gerade die Nase vorn haben.
Auch im neuenglischen Hafenstädtchen Rockwell nimmt man daran großen Anteil. Dort wächst der kleine Hogarth auf (ein Bengel mit hinreißenden Steh-Ohren). Seine alleinerziehende Mutter arbeitet in einem Diner und hat mit ihren Erziehungsbotschaften keine Chance. So erfüllt sich der Wunsch ihres Jungen nach einem verbotenen Haustier im Übermaß, als Hogarth nach einem verbotenen langen Aufbleiben in den nächtlichen Wald läuft, um einer technischen Störung und einer seltsamen Spur in der Umgebung auf den Grund zu gehen.
Ein 15 Meter hoher Kampf-Droide aus dem Weltraum – er sieht wirklich zum Fürchten aus – ist dabei, das örtliche Elektrizitätswerk anzuknabbern. Hogarths kindliches Gemüt erlaubt den beiden, sich miteinander anzufreunden, nachdem er den Riesen vor einem gewaltigen Stromschlag gerettet hat.
Auch in weniger paranoiden Zeiten – und ohne den Hunger des Roboters nach nahrhaftem Eisen – wäre es kompliziert, diese Freundschaft auszuleben. Hogarth muss das Ungetüm nicht nur vor seiner Mutter und den anderen Erwachsenen verstecken, dummerweise taucht auch noch ein Regierungsbeamter auf, der eine russische Geheimwaffe in der ländlichen Idylle vermutet. Der Schrotthändler und Schrott-Künstler Dean erweist sich als netter Kerl und Hogarths hilfreicher Verbündeter. Doch auch er kann den erbarmungslosen Lauf der Dinge nicht aufhalten …
  
Als „The Iron Giant“ von Brad Bird herauskam, mutete sein klassischer Trickfilm-Look bereits altmodisch an, doch als 3D-Animation wäre er ebenso undenkbar wie es Charlie Chaplins „City Lights“ als Tonfilm wäre. Die nächtlichen Bilder der schlafenden Stadt, des herbstlichen Waldes, der Aussicht von der Handfläche des Riesen sind atemberaubend. Und unser Blick zu ihm hinauf ist bis zuletzt staunend und ungläubig. Es bleibt ein Rätsel, wie es den Zeichnern gelungen ist, diesen grobmotorischen Koloss mit so viel Wärme und Anmut auszustatten, wann immer die Geschichte danach verlangt.
Auch alle übrigen Abweichungen von den Gesetzen des animierten Langfilms, tragen das Ihre zu seiner Wirkung bei: das Fehlen eines oder mehrerer gefälliger Songs, der sparsame Umgang mit (dadurch umso wirkungsvollerem) Slapstick, die kleinen Auslassungen, die den Zuschauer ebenso ernst nehmen wie die Charaktere. So wird etwa das Fehlen des Vaters nie erwähnt – wir sehen sein Foto in einem Kameraschwenk vorbeihuschen und können uns denken, dass er im Krieg gefallen sein könnte. Es gibt auch keine knuffig-komische Nebenrolle, die uns mit der Synchronstimme von Eddie Murphy auf die Nerven geht. Und wie durch ein Wunder werden wir auch nicht mit Details über die Herkunft des Roboters belästigt. Zum Finale folgen wir sogar der Flugbahn einer tödlichen Rakete – und sehen sie explodieren.

„The Iron Giant“ unterläuft alle Formatierungen, die ihn auf eine bestimmte Zielgruppe ausrichten, und gerade das macht ihn zum einsamen Musterbeispiel dessen, was so gern mit dem verklemmten Ausdruck „Familienfilm“ bezeichnet wird. Trotz seiner humanistischen Botschaft wird es Eltern gegeben haben (und immer noch geben), die der Meinung sind, dieses Vergnügen lieber auszulassen.
Ein Verlust! Zum Glück einer, der sich leicht korrigieren lässt. 

Pete Townsend, Gitarrist bei „The Who“, ließ sich 1989 von dem Kinderbuch „The Iron Giant“ von Ted Hughes zu einem Konzeptalbum inspirieren, das 1993 als Musical auf die Londoner Bühne fand. Townsend war an der filmischen Umsetzung als ausführender Produzent beteiligt.

Der Beitrag Die schönsten Filme, die ich kenne (122): „Der Gigant aus dem All“ erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

In den Nullerjahren wurde für kurze Zeit der amerikanische Schriftsteller John Cheever wiederentdeckt. Literaturstars wie John Updike, T. C. Boyle und Dave Eggers priesen ihn als wichtigen Impulsgeber, und der Showrunner der nostalgischen Serie „Mad Men“ nahm immer wieder bezug auf ihn als herausragenden Chronisten der amerikanischen Mittelklasse.
Was können wir zur Wiederbelebung dieses leider verflogenen feuilletonistischen Trends zur Hand nehmen? Zunächst einmal die Buchreihe, die der DuMont Verlag von 2007 bis 2012 in neuer Übersetzung vorgelegt hat:

1946 – 1978
Der Schwimmer – Kurzgeschichten
The Stories Of John Cheever

Es sind die Stories, die John Cheever zu einem der wichtigsten Autoren der amerikanischen Literatur gemacht haben. Von der internationalen Literaturkritik gepriesen, wurde er zum verehrten Vorbild für Autorenkollegen. Der Autor schrieb im Vorwort der 1978 erschienenen Sammlung: „Diese Stories sind seit meiner ehrenhaften Entlassung aus der Armee am Ende de Zweiten Weltkriegs entstanden. Manchmal wirken sie wie Geschichten aus einer längst untergegangenen Welt, als New York noch eine vom flirrenden Licht zweiter Flüsse durchwirkte Stadt war, als man aus dem Radio das Benny-Goodman-Quartett hörte und als so gut wie jeder einen Hut trug. Hier treten die letzten aus jener Generation von Kettenrauchern auf, die morgens alle Welt mit ihrem Gehuste weckten, die sich auf Cocktailparties regelmäßig zudröhnten, sich voller Wehmut nach Liebe und Glück sehnten und deren Götter so alt waren wie Ihre (wer immer Sie sein mögen) und meine Götter.“
Lakonisch, präzise, skurril und witzig portraitieren diese Geschichten nicht nur ihre Zeit, sondern erzählen die ganze Comédie Humaine.
Zur Titelgeschichte der deutschen Ausgabe dieser Sammlung wurde „Der Schwimmer“* gewählt, der erstmals 1964 im „New Yorker“ erschien.

1957
Die Geschichte der Wapshots
The Wapshot Chronicle

Leander Wapshot, Kapitän eines kleinen Vergnügungsdampfers, hat schriftstellerische Neigungen und ist nie um eine Lebensweisheit verlegen. Seine Frau Sarah glänzt schubweise durch damenhafte Tüchtigkeit. Die Söhne Coverly und Moses bestehen mehr schlecht als recht die amerikanischen Abenteuer des Erfolgs und Versagens. Alles in allem eine Familie, die mit ihren standesgemäßen Scheuklappen über ihren drohenden Verfall hinwegsieht.
Dieser Roman ist das Gegenstück zu einer erhabenen Familienchronik.

1964
Der Wapshot-Skandal
The Wapshot Scandal

Es ist die Zeit des Kalten Krieges, die Angst vor der Atombombe ist allgegenwärtig, da verschlägt es die Wapshots auf der Flucht vor der Steuerfahndung aus dem vertrauten neuenglischen St. Botolphs hinaus in die Welt der Raketenbasen, Autobahnen, Supermärkte und Satellitenstädte. Und darauf sind sie nicht vorbereitet. Ihre Reise durch den Südwesten der USA und nach Europa konfrontiert sie mit den Tücken der Gegenwart. Die Wapshots scheitern auf eine für den Leser vergnügliche Weise.

1969
Die Lichter von Bullet Park
Bullet Park

Bullet Park ist eine kleine aufgeräumte Vorstadt im Umland von New York mit Vorgärten, getrimmtem Rasen, einer kleinen Bahnstation mit leeren Sitzbänken, weißen Häusern, ein paar Cocktailparties. Bullet Park scheint der ideale Wohnort für Paul Hammer und seine anspruchsvolle Gattin zu sein. Ein Makler verkauft ihnen das Haus der Witwe Heathcup, deren Mann sich gerade das Leben genommen hat, und bald stellen die beiden sich dem Pfarrer vor. Was Paul Hammer nur zu gut weiß: In Bullet Park ist nichts wie es scheint …

1975
Willkommen in Falconer
Falconer

Ezekiel Farragut erlebt die Hölle auf Erden: Der drogensüchtige Universitätsdozent kommt ins Gefängnis Falconer, nachdem er mit einem Schürhaken seinen Bruder erschlagen hat. Wer aber von ihnen war Kain, wer Abel?
In der brutalen, trostlosen Gefängniswelt erlebt der verheiratete Farragut unerwartet eine intensive Liebe zu einem Mitgefangenen. Er lässt seine Kindheit und Ehe Revue passieren und erkennt, wie umfassend seine Unfreiheit ist und schon immer war. Bald hat der Ex-Junkie, der seiner täglichen Methadon-Ration ruhelos entgegensieht, nur noch einen Gedanken: den der Flucht …
Cheever, der einige Jahre in Sing Sing unterrichtete, erzählt hier nicht ohne Heiterkeit von der Wertschätzung, die uns am besten gelingt, wenn ihr Gegenstand verlorengeht.

1977
Ach, dieses Paradies
Oh What A Paradise It Seams

Lemuel Sears ist ein Geschäftsreisender aus New York. Als passionierter Naturfreund besucht er hin und wieder ein idyllisches Fleckchen in Connecticut, um auf dem Beasley-Teich Schlittschuh zu laufen. Damit soll es plötzlich vorbei sein, denn der Teich soll zur Mülldeponie werden. Lemuel will dies mit allen Mitteln verhindern. Von der Rettung „seines kleinen Paradieses“ können ihn auch nicht die Affäre mit der kapriziösen Renée und andere Begegnungen abbringen. Bei seinem Kreuzzug gegen die skrupellosen Umweltverschmutzer erhält er sogar überraschende Unterstützung …
Der erst kurz vor Cheevers Tod veröffentliche Roman baut auf der Idee auf: Egal wie moralisch wir zu handeln glauben, wir handeln stets selbstsüchtig.

________________
* Siehe dazu: https://blog.montyarnold.com/2017/10/20/die-schoensten-filme-die-ich-kenne-48-der-schwimmer/

Der Beitrag John Cheever wiederlesen erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Kurz nach dem NATO-Austritt reiste Charles de Gaulle in die Sowjetunion, wo er von jubelnden Menschen begrüßt wurde. Die Staatsoberhäupter vereinbarten eine Intensivierung des Kulturaustauschs. Der Osten schickte seine neueste Prestige-Produktion: „Anna Karenina“ von Alexander Sarchi. Frankreich revanchierte sich mit den ersten beiden „Fantomas“-Komödien mit Louis de Funès (- der vierte Film hätte „Fantomas in Moskau“ geheißen, wenn der Autor der Romanvorlage eine Fortsetzung der Reihe nicht gerichtlich verhindert hätte). Diese Filme, in denen sowohl die französische Lebensart als auch der unbestrafte Spott gegen Obrigkeiten zu bestaunen sind, wurden vom Publikum begeistert aufgenommen – zumal ihm die James-Bond-Filme, die hier parodiert werden, noch unbekannt waren. Auch sowjetische Filmemacher ließen den maskierten Schurken Fantomas in ihren Arbeiten auftreten und achteten darauf, dass er dem Vorbild möglichst ähnlich sah.

Doch so leicht lässt sich Demokratie nicht exportieren, nicht mal aus Jux. Im Gefolge der Filme stellten die Ordnungskräfte einen Anstieg der Jugendkriminalität fest: Vandalismus, Diebstähle und Graffiti mit antisowjetischen Parolen und Fantomas-Signatur. Auch plumpe Trittbrettfahrer – Einbrecher, die sich mit Strumpfhosen über dem Kopf zu Fantomas-Epigonen hochdekorierten – schlossen sich dem Phänomen an.
Das Ausmaß der Untaten war so groß, dass sie schließlich sogar den KGB beschäftigten. Was mag den Spionen da durch ihre Betonköpfe gegangen sein? Die französischen Kinoklamotten konnten solche Verbrechen unmöglich ausgelöst haben – das hätte ja für die zersetzenden Qualitäten des westlichen Propagandakinos gesprochen. War ihr Erfolg etwa nur das Äußere Anzeichen eines bestehenden Übels? Diese Erklärung dürfte den Herren noch weniger gefallen haben.
Die Filme wurden aus dem Verkehr gezogen.
Seit 2009 ist Frankreich wieder Vollmitglied der NATO.
Es war den Versuch wert.

Der Beitrag Botschafter der Angst – Fantomas in Moskau erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

„The Americans“ von Joe Weisberg ist eine der besten modernen Dramaserien im (noch immer) aktuellen Trend, aber hierzulande taucht sie nicht einmal in einschlägigen Aufzählungen auf. Sie hat praktisch nicht stattgefunden (was die Protagonisten sicher gefreut hätte). ProSieben Maxx sendete die erste Staffel seinerzeit innerhalb weniger Tage. Damit machte man ein Zugeständnis an die Bingewatcher, war vielleicht aber auch froh, dieses ungewohnt hochwertige Format so schnell hinter sich gebracht zu haben. Auf dem linearen Bildschirm ist es nicht wieder aufgetaucht. Die restlichen der 75 Episoden waren und sind nur im Streaming zu sehen, inzwischen gibt es auch eine DVD-Komplettbox aus England, allerdings ohne deutsche Tonspur. Beim Agentenpaar Jennings ist der Vater der sympathischere, weil an der Dreckigkeit des Jobs zuweilen (ver)zweifelnde. Besonders in der letzten Staffel, in der sich Mutter Elizabeth in eine regelrechte Killermaschine verwandelt. Doch es sind besonders die weiblichen Figuren, die mir in Erinnerung bleiben werden: die armen netten Frauen und Mädchen aus dem Volk, die das Pech haben, als „Quellen“ auf dem Radar der Sowjetspione aufzutauchen oder von der „Zentrale“ zum Abschuss freigegeben zu werden. Das Schicksal der liebenswerten FBI-Sekretärin Martha hat mir schier das Herz gebrochen. Bei allen Grausamkeiten, die den Weg der Helden zwangläufig säumen, sind „The Americans“ ein leises, kammerspielartiges (ich möchte sagen: klandestines) Format, das bis zum Finale alle konventionellen Showdown-Erwartungen elegant unterläuft.
Der größte erzählerische Kunstgriff verweist auf Orwell: der Feind wird nie gezeigt oder auch nur beschrieben. Die Befehle dieses amorphen Gebildes sind so sprunghaft wie bürokratisch. Der große räumliche Abstand zur Front führt außerdem zu einer Inkompetenz, die die Agenten wie auch ihre fragwürdige Mission unentwegt zusätzlichen Gefährdungen aussetzt. „Die Zentrale“ ist nicht nur der Gegenspieler der zum Glück recht ahnungslosen FBI-Agenten, sie ist vor allem der Feind ihrer eigenen Leute.

Der Beitrag Gerade zuendegesehen: „The Americans“ erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Schlechte Filme mit guten Soundtracks (6)

Zugegeben: ich habe eine Schwäche für langsam erzählte Geschichten, auf denen ein gewisser Mehltau aus Monotonie und Tristesse liegt. (Für mich ist das Eskapismus!) Ich liebe psychologische Kammerspiele, und auch mit Agentenkrimis hatte ich schon viel Freude. Eine Starbesetzung nehme ich gerne nebenbei mit.
Die le-Carré-Verfilmung „The Russia House“ (1990) erfüllt alle diese Voraussetzungen, und deshalb wollte ich ihn unbedingt mögen. Mit einigen Jahren Abstand habe ich es in drei Sitzungen versucht, und dabei werde ich es belassen. Dieser Film lässt mich sofort nachvollziehen, warum so viele Menschen lieber schnelle, bunte, fröhliche Filme mögen und von Geschichten aus dem Kalten Krieg gerade die Nase voll haben. Er ist eine Zumutung! Dabei hatten die beiden männlichen Stars des Films ein paar Jahre zuvor in einer sehr vergnüglichen James-Bond-Klamotte zusammen gespielt, und danach lobte Sean Connery seinen Kollegen Klaus Maria Brandauer als einen der fünf besten Schauspieler der Gegenwart.

Für den bienenfleißigen, langlebigen Filmkomponisten Jerry Goldsmith war dies nur ein Job von vielen, aber seine Musik verströmt all das Flair, das der Film – obwohl der Soundtrack darin zu hören ist – ums Verrecken nicht entwickeln will. Der Komponist bezeichnete „The Russia House“ als seine liebste Arbeit.

Der Beitrag Augen zu, Ohren auf: „Das Russland-Haus“ erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..