Der Sommer hatte noch gar nicht angefangen, da hatte Deutschland mit um die 40° schon seinen All-Time-Hitzerekord. Und da waren wir im europäischen Vergleich noch gar nicht am schlimmsten dran.
Wir sorgen in der ersten Folge unserer Serie zur Sommerpause für Abkühlung mit einer Reise hinauf ins All. Und tief hinunter ins Archiv: in unsere erste Staffel „Alle 42 Kultfilme“.

1. Die Kultfilme der Science-Fiction

Schon Robert A. Heinlein hat erkannt: die Zukunft kommt nicht von allein, sie muss gemacht werden.
Die Science-Fiction galt lange Zeit als niedere Gattung, als ein Wegwerfprodukt an sich. Nicht nur in der Literatur, sondern ganz besonders im Kino, wo das Genre nahtlos in die dezent gruseligen Paranoia-Filme der 50er Jahre übergeht – die mit Rieseninsekten, Robotern und Gesteinsmonstern ihren Ruf gefährdeten. Kult war schon immer eine hübsche Methode, die Misfits der Popkultur zu nobilitieren.
So gesehen müsste unsere 1. Staffel, in der wir die amtliche Wuppertaler Kultfilm-Liste behandelt haben, vor Science-Fiction nur so strotzen. Weit gefehlt. Es finden sich darin nur vier solcher Titel. Und sie reichen vom Trash bis ins Elysium der Kinokunst. Per Aspera ad Astra.
Wie sich das gehört, haben Torben Sterner und ich uns ohne Rücksicht auf das offizielle Ansehen der Werke die Frage gestellt: was bringt es, sich diese Filme heute noch anzusehen?

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/die-kultfilme-der-science-fiction

Finsterer Stern / Dark Star
Amerikanische Science-Fiction-Parodie von 1974

Um aus der Umlaufbahn geratene Planeten zu sprengen, sind vier Männer 20 Jahre lang in einem Raumschiff unterwegs, dem deutlich anzumerken ist – so hätte man es damals formuliert –, „dass die weibliche Hand fehlt“. Eine außerirdische Lebensform, die als Maskottchen mitreist, beginnt renitent zu werden. Doch richtig gefährlich wird es erst, als sich eine der intelligenten Bomben gegen die Mannschaft auflehnt …

Auf den ersten Blick zieht der versiffte Erstlingsfilm von John Carpenter vor allem Kubricks „2001“ und den Klassiker „Lautlos im Weltraum“ durch den Kakao – was schon aus Budgetgründen ein kühnes Konzept war. Doch er nimmt das ganze Genre in den Blick. Die Beliebtheit dieser Klamotte vor allem beim studentischen Publikum beförderte die Karriere des Regisseurs. Zuletzt hat sich diese Mechanik umgekehrt. 

Apropos: betrachten wir doch als nächstes den Klassiker, der in besonderem Maße die Vorlage für „Dark Star“ geliefert hat. Er war einer von zwei Filmen des Regisseurs Stanley Kubrick in unserer Liste.

2001: Odyssee im Weltraum / 2001: A Space Odyssey
Englische Science-Fiction-Parabel von 1968

In der Morgendämmerung der Menschheit inspiriert ein kosmischer Monolith einen Urmenschen dazu, einen Knochen als Werkzeug und Waffe zu benutzen. Millionen Jahre später wird auf dem Mond ein ebensolcher schwarzer Quader gefunden. Er zeigt in Richtung Jupiter. Und so macht sich eine Expedition dorthin auf, um sein Rätsel zu entschlüsseln. Wichtiges Mitglied der kleinen Crew ist der Computer H.A.L. 9000. Der entschließt sich unterwegs, seine menschlichen Kollegen auszumerzen, um die Mission vor ihrer Fehlbarkeit zu schützen …

In fast dreijähriger Arbeit schuf Stanley Kubrick einen mythisch gefeierten Beitrag zum Genre des Weltraumfilms – fast handlungslos, ohne Aliens, Raumschlachten und heldenhafte Recken mit Strahlenpistolen. Das rätselhafte Ende wurde ebenso ikonisch, wie die Idee, das Schweben der Raumstation mit dem Johann-Strauß-Walzer „An der schönen blauen Donau“ zu unterlegen.

Nehmen wir nun den einzigen deutschen Film in den Blick, der es zu wahrem, zu wirklichem Kult gebracht hat. Dass das fast ein Jahrhundert her ist, macht ihn unter unserem heutigen Gesichtspunkt nur umso interessanter. Noch interessanter wurde er durch die weitgehende Wiederherstellung der Urfassung durch einen Archiv-Fund, an den schon niemand mehr geglaubt hatte. Auf diese Fassung bezieht sich unser Gespräch.

Metropolis
Deutscher Stummfilmklassiker von 1927

Die Zukunftsstadt Metropolis bietet ein sorgloses Leben in Wolkenkratzern und elysischen Gärten. Als der einzige Sohn des Industriediktators Fredersen sich in die Arbeiterin Maria verliebt und ihr heimlich folgt, entdeckt er Schreckliches. Unter der Stadt sorgt eine elende Sklavenkolonie für den Luxus der Stadt. Vergeblich bittet Freder seinen Vater, die Lebensumstände der Arbeiter zu verbessern. Inzwischen erschafft der irre Erfinder Rotwang, der mit Fredersen noch eine Rechnung offen hat, eine Maschinenfrau nach Marias Ebenbild, um mit ihrer Hilfe in der Unterwelt eine Revolte anzustacheln …

Der teuerste Film der deutschen Geschichte ist auch einer der bekanntesten.  Gekürzt für den Weltmarkt und daraufhin jahrzehntelang stark verstümmelt, überlebte er in den 80er Jahren sogar eine bunt angemalte Neuveröffentlichung mit der Disco-Musik von Giorgio Moroder. Architektur, Posen und Kostüme werden seit einem Jahrhundert zitiert und gehören heute zur historischen Bildergalerie des Kinos. Regisseur Fritz Lang verbrachte die Phase des Nationalsozialismus in Hollywood und filmte später in der Bundesrepublik weiter. Doch „Metropolis“ blieb bei aller Fragwürdigkeit der Botschaft seine wichtigste Arbeit.

Den possierlichsten und amüsantesten Film unserer heutigen Auswahl haben wir für den Schluss aufgehoben. Seine Liebenswürdigkeit wird ihm übrigens nicht helfen, soweit es Torben betrifft …

Die Dämonischen / Invasion Of The Body Snatchers
Amerikanischer Invasionsgruselfilm von 1956

Dr. Bennell kehrt etwas früher als geplant von einem Ärztekongress in die Kleinstadt Santa Mira zurück. Den Hilferuf seiner Sprechstundenhilfe tut er voreilig als falschen Alarm ab: den Umstand nämlich, dass sich immer mehr Patienten seltsam seelenlos und geistesabwesend verhalten. Es dauert eine Weile, bis er dahinterkommt, dass eine Invasion außerirdischer Schoten-Wesen im Gange ist, die die gesamte Menschheit gegen Duplikate austauschen wollen. Da ist bereits Bennells engstes Umfeld verseucht …

Atmosphärisch ist dieser Film von Don Siegel mit seinem preiswerten aber geschmackvollen Schwarzweiß-Look und seinen Horror-Elementen ein Schmuckstück des Paranoia-Kinos der 50er Jahre. Inhaltlich ist er so konfus wie es selbst in B-Pictures nicht alle Tage auf einem Haufen zu bestaunen ist. Der Plot, der auf die McCarthy-Ära anspielt, wurde unzählige Male geklaut, und in regelmäßigen Abständen kamen Remakes in die Kinos.

Nächste Woche: der Kultstar Sean Connery auf der Flucht vor James Bond.

Der Beitrag Summer Of Kult: Die Kultfilme der Science-Fiction erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der polnisch-amerikanische Architekt und Stadtplaner Daniel Libeskind hat alles erreicht, was in seiner Profession möglich ist (definitorische Überraschungen einmal ausgenommen), und ist prominenter als die meisten „Promis“ (noch nie war die Verniedlichung in diesem Wort so illusionsfrei und sarkastisch grundiert wie heute). Zum Helden in Erzählwerken bringt es sein Berufsstand nur selten, was angesichts seiner Assoziation mit Begriffen wie „Größe“ und „Beständigkeit“ verwundert.
Immerhin wurde der Schauspieler Adrien Brody kürzlich für seine Hauptrolle in der Hollywood-Großproduktion „Der Brutalist“ gefeiert, in der er den fiktiven Architekten László Tóth spielte.
Wenige solcher Figuren haben wir gesehen, seit Gary Cooper vor mehr als einem Dreivierteljahrhundert eine solche Figur auf der Leinwand verkörpert hat: Howard Roark, auch dies eine erfundene Figur.
2018 gab es immerhin eine vierstündige Theaterproduktion, der die selbe literarische Vorlage zugrundelag, die schon Coopers Auftritt anschob: „The Fountainhead“ von Ayn Rand.
Dies ist die sinngemäße Wiedergabe der Einführung in diese Hamburger Inszenierung durch die Thalia-Dramaturgin Susanne Meister.

Wenn Sie von der russisch-amerikanischen Autorin  Ayn Rand noch nie etwas gehört haben sollten – das geht vielen so. In den USA verkaufen sich ihre Bücher angeblich besser als die Bibel. Der Roman „The Fountainhead“, den Sie heute abend in der Theaterfassung „Fountainhead“ sehen, ist 1943 erschienen. Er wurde zweimal ins Deutsche übersetzt: 1946 unter dem Titel „Der ewige Quell“ und 2000 als „Der Ursprung“. Beide deutschen Fassungen sind vergriffen und nicht nachgedruckt worden. Wir haben es geschafft, noch je ein Exemplar zu ergattern – zu stolzen Preisen, wobei unser Geschäftsführer nicht davor zurückschreckte, den Antiquariaten beim Verhandeln auch Theaterkarten anzubieten.
Ein „Fountainhead“ ist laut Duden der Brunnenkopf oder die Quelle. Ayn Rand spielt auf den Menschen als Quell der Kreativität an, als Brunnen einer Idee. Gern lässt sie überlebensgroße Figuren auftreten, die sich ihre eigenen Gesetze machen, die nicht in der Masse aufgehen, sich keiner Gesellschaft unterordnen möchten. Der titelgebende Ursprung ist ein Quell neuer Ideen und  Gesellschaftstheorien. In „The Fountainhead“ ist das der unangepasste, innovative Architekt Howard Roark.

Der Theaterabend, der Rands Roman auf die Bühne bringt, spielt natürlich mit ihren Ansichten. Es kommt uns erst mal ein bisschen seltsam vor, was für Theorien das sind, die den „großen Einzelnen“ da antreiben. Sie haben sich aus dem Vorleben der Autorin entwickelt.
Ayn Rand wird 1905 unter dem Namen Alissa Rosenbaum in Sankt Petersburg geboren. Die Familie gehört zur oberen Mittelschicht. Der Vater besitzt eine Apotheke, und bis Alissa dreizehn ist lebt sie sehr komfortabel. Dann zerbricht ihre bürgerliche Idylle in den Wirren der Oktoberrevolution. Familie Rosenbaum flieht vor den Bolschewiki auf die Krim, die Apotheke wird enteignet, und eigene Biografen sprechen sogar davon, dass die Familie hungert.
Jahre später kehren die Rosenbaums zurück in eine Stadt, die nun Leningrad heißt. Alissa beginnt ein Studium der Geschichte und Philosophie. In der jungen Sowjetunion kommt sie dadurch mit der marxistischen Lehre in Berührung, die sich für sie durch die traumatisierende Erfahrung der Revolution bereits erledigt hat.
Die Idee des Kommunismus, der Herrschaft des Proletariats, wird für sie auf immer ein Rotes Tuch bleiben. Alissa kann sich nicht mit dem Gedanken anfreunden, ihr Leben in einem solchen System zu fristen. Stattdessen begeistert sich die junge Studentin für den Gegenentwurf: Amerika. Dieses Land lernt sie durch das Hollywood-Kino jener Jahre kennen. Sie beginnt, Kurse im Drehbuchschreiben zu belegen und gelangt 1926 tatsächlich auf Umwegen in die USA.
Dort erfindet sie sich neu. Sie nennt sich jetzt Ayn Rand – ihren neuen Nachnamen hat sie auf ihrer Schreibmaschine gefunden, einer Remington Rand, was eine hübsche Geschichte ist. Sie schlägt sich zunächst mit schlecht bezahlten Jobs in Hollywood durch und lernt den einflussreichen Regisseur Cecil B. DeMille kennen. Sie arbeitet als Komparsin und schreibt die Drehbücher anderer Leute um, wofür sie sich ja bereits qualifiziert hat.
Es folgen ein eigenes Drehbruch und einige Stücke für den Broadway: eine Hollywoodkarriere wie aus dem Bilderbuch.

1929 kommt es zum Börsenkrach. 25 % der Amerikaner sind arbeitslos und Präsident Roosevelt versucht, mit den Sozialreformen des New Deal die Armut abzufedern. Für Rand ist das ein Albtraum. Sie sieht ihr Paradies, ihr „Land of the free“ gefährdet, eine Art zweiter Sowjetstaat zu werden, der sich ungebührlich in die Belange der Bürger einmischt.
In ihrer ersten Erzählung „We The Living“ lässt sie ihrem Hass auf die „Versklavung durch politische Moral“ freien Lauf.  Der Staat habe sich gefälligst aus dem Leben der Menschen herauszuhalten. Besonders vehement lehnt sie  den Wohlfahrtsstaat ab. Da ist wieder ihr Credo: Der Einzelne muss es alleine schaffen!
Damit werden wir uns heute abend auseinanderzusetzen haben.

Ihren ersten großen Roman „The Fountainhead“ schreibt sie während des zweiten Weltkrieges. Er wird von zwölf Verlegern abgelehnt, ehe er seiner Autorin 1943 zum großen Durchbruch verhilft. Bis heute wurden über sechs Millionen Exemplare verkauft, der Text in zwanzig Sprachen übersetzt.
Das Milieu der Architektur, in dem sich Unternehmergeist und eine künstlerische Vision miteinander verbinden, ist die ideale Trägerschicht für Rands Botschaft.
Zu Recherchezwecken arbeitete sie einige Monate unbezahlt in einem Architekturbüro und machte sich fleißig Notizen. Im Roman finden sich bei genauem Hinsehen einige reale Figuren aus der Ära des Baus der großen Wolkenkratzer mit ihrer modernistischen Architektur, die nur eine Richtung kannte: aufwärts und in schwindelnde Höhen. Der Held Howard Roark, den Sie heute Abend kennenlernen werden, ist Ende 20, die Handlung spielt Anfang der 30er Jahre in New York. Und Howard Roark ist freilich jemand der sich nicht anpassen will. Er sagt: „Ich werde nie für andere Leben, und ich werde nie von anderen verlangen, dass sie für mich leben!“

Rands nächster Roman „Atlas Shrugged“ treibt dieses Konzept noch weiter. Dort streiken ungewöhnlicherweise nicht die Arbeiter, sondern die Chefs großer Unternehmen. Es wird das Chaos durchgespielt, das auszubrechen droht, wenn die Menschen an der Spitze sich weigern, weiterhin die Richtung vorgeben. Es ist bis heute das einflussreichste Buch der Autorin und ihr letztes fiktionales Werk. Fortan wird sie nur noch in Pamphleten und Artikeln ihre besondere pro-kapitalistische Philosophie verbreiten. Ihrem „Objektivismus“ wird sie mithilfe getreuer Anhänger in Kalifornien ein Institut errichten. Ähnlich wie bei den Scientologen wird sich zeckenartig über verschiedene Stufen zum höchsten erreichbaren Rang emporgearbeitet.
Als Ayn Rand 1982 stirbt, hinterlässt sie Amerika eine illustre Schar von Bewunderern, etwa den Chef der US Notenbank Alan Greenspan und nicht  zuletzt den selbsternannten König aller Kapitalisten: Alan Greenspan.*

Der Kern des Objektivismus wird im heutigen Stück diskutiert. Er lautet im Grunde: Vernünftig ist, was mir nutzt. Er bietet eine perfekte Ersatzmoral für erfolgsorientierte Unternehmer, die sich weder von ihren Mitmenschen noch vom Staat bei der Durchsetzung ihrer Interessen behindern lassen möchten.
Spätestens jetzt fragen Sie sich vielleicht: was gucken wir uns da heute Abend eigentlich an?
Ayn Rand stellt ihrem Helden Howard Roark, dem genialen Einzelnen, einen schwachen Gegenspieler entgegen, den Büro-Architekten Peter Keating, der sich anpasst, der baut, was der Markt von ihm fordert. Wir haben in einer solchen Theaterfassung, befreit von den Kommentaren der Autorin, die Möglichkeit, diese Figuren und ihre Positionen gegeneinander antreten zu lassen und uns die Frage zu stellen: Ist es denn richtig, was Howard Roark da macht? Unser Regisseur Johann Simons hat diesen Stoff gewählt, um einen Kampf der Ideen vorzuführen. In den Zeiten des Neoliberalismus bietet er uns eine interessante Möglichkeit, uns auch die Gegenargumente vor Augen zu führen. Der belgische Dramaturg Koen Tachelet hat die Theaterfassung eingerichtet; er und der Regisseur haben schon zusammengearbeitet.
Es  ist mir wichtig, Ihnen mitzugeben, dass die beiden Ayn Rands Deutung unterlaufen und dass die Charaktere heute abend gewissermaßen für sich selbst sprechen werden. Die Diskussion ist offen und kann von Ihnen nach dem Ende der Vorstellung gern weitergeführt werden. (…)
Offen ist auch die Frage, ob es dem alten Freund des Helden, des Peter Keating (der nach der Devise verfährt: „Man muss bauen, was die Leute haben wollen und kann nicht immer sein Ding durchziehen.“) nicht vielleicht ebenfalls gelingt, „Werte zu schaffen“, eben nur andere, als Roark es kann.
Und ich denke, dass wir mit dem Schauspieler Jörg Pohl eine sehr starke Besetzung für diesen Keating gefunden haben, einen starken Gegenspieler für den sehr auf sich bezogenen Künstler. Einen Künstler, der sich nicht unbedingt dafür interessiert, dass in seinen Bauwerken schließlich Menschen wohnen werden.
Aber wie gesagt: über die Sympathieverteilungen lässt sich nach dem Theaterabend trefflich streiten.

In diesem Drama zweier Männer gibt es gleichwohl noch weitere Figuren, die – ungeachtet der weit zurückliegenden Zeit ihrer Erschaffung – lebendige, heutige Charaktere sind. Da ist zum Beispiel der Kritiker Toohey, ein Machtstratege. Da ist der schwerreiche Medienmogul Wyland, der seine Zeitungen dazu benutzt, die öffentliche Meinung zu manipulieren. Ein weiterer Grund, diesen Stoff zu wählen, ist die Journalistin Dominque Francon, eine überaus kämpferische und zur Provokation neigende Frauenfigur. Ayn Rand stellt sie zwischen drei sehr starke und machtbewusste Männer, und diskutiert an dieser Dreiecksbeziehung entlang offensiv aus, was persönliche Freiheit in romantischen Beziehungen bedeuten kann. Natürlich belässt es die Hollywoodautorin nicht bei Ideologien, sondern baut mehrere kontroverse Liebesgeschichten in ihren Plot ein.

Ich habe Ihnen ziemlich viel über die Philosophie erzählt, weil es mich ehrlich gesagt in den Proben sehr fasziniert hat, mich damit zu beschäftigen. Im Grunde ist das, was sie heute auf der Bühne sehen, aber noch relativ weit vom Objektivismus und den einschlägigen Pamphleten entfernt. Es geht um eine Gegenüberstellung von Individuum und Gesellschaft. Es ist bedauerlich, dass die begabte Hollywood-Schreiberein sich von der Fiktion ab- und der politischen Philosophie zugewandt hat. Sie ist eine spannende Erzählerin, die weiß, wie man einen Plot konstruiert und wie man Szenen mit kämpferischen Persönlichkeiten bestückt: wundervolle Figuren für unser Ensemble.
__________
* Hier begeht Susanne Meister den populären Denkfehler, einen Nichtleser wie Donald Trump (dessen Bewunderung allenfalls Autokraten gilt) zu einem Fan der Autorin hochzudekorieren. In diesen Tagen macht Trump mit Kevin Warsh einen persönlichen Günstling zum Chef der US-Notenbank, was weder Rand noch Alan Greenspan gefallen hätte. Es ist mal wieder alles nicht so einfach …

Der Beitrag Warnung vor dem Wasserspeier erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Selbst Ulrike Herrmann, Wirtschaftsredakteurin der als linkslastig wahrgenommenen „taz“, gesteht in einem Buchtitel: „Kein Kapitalismus ist auch keine Lösung“. Der entfesselte Raubtierkapitalismus der Jahrtausendwende ist es zwar auch nicht, aber in dieser Debatte fehlt es seit jeher an ausgewogenen Standpunkten. Wir erinnern uns: etwas Besseres als der a priori undemokratische Kommunismus (oder sich abgemildert gebärdende Varianten, die ebenso undemokratisch sind) sind in der Weltgeschichte als Alternativen zum Kapitalismus bisher nicht ausprobiert bzw. von einem Wahlvolk zugelassen worden, das überhaupt noch gefragt wurde. Insofern sehe ich der Lektüre dieses Essays mit großer persönlicher Neugierde entgegen.

Marshall Sahlins gehört neben Claude Lévi-Strauss und Marcel Mauss zu den maßgebenden Anthropologen des 20. Jahrhunderts. In seinem 1972 erschienenen Essay „Die ursprüngliche Wohlstandsgesellschaft“, der inzwischen auf Deutsch vorliegt*, unternimmt er eine grundlegende Revision des westlich-ethnozentrischen Blicks auf Jäger- und Sammlergesellschaften. Ausgangspunkt seiner Kritik ist die Beobachtung, dass diese Gesellschaften meist aus der Perspektive moderner Industrie- und Agrargesellschaften beurteilt wurden – häufig zu einem Zeitpunkt, als sie bereits durch Kolonialismus, Vertreibung und die Einengung auf marginale Lebensräume tiefgreifend verändert waren.
Sahlins argumentiert, dass Jager und Sammlergesellschaften keineswegs in permanenter Not lebten. Im Gegenteil: Sie verfügten über ausreichend Nahrung. Und da sie nicht an der Anhäufung von Gütern interessiert waren, also wenig materielle Bedürfnisse hatten, mussten sie nur wenige Stunden pro Woche arbeiten und es blieb ihnen viel Zeit für Muße.

Besonders provokant war Sahlins‘ Infragestellung der neolithischen Revolution, die in der Anthropologie lange als zivilisatorischer „großer Sprung nach vorn“ gefeiert wurde. Er zeigt, dass der Übergang zu Ackerbau und Sesshaftigkeit vielfach mit härterer Arbeit, geringerer Lebensqualität, Hungersnöten und dem Beginn struktureller Ungleichheit einherging.
Der Essay wurde weit über Fachkreise hinaus rezipiert und als fundamentale Kritik am ökonomischen Rationalismus und an der Selbstgewissheit westlicher Gesellschaften gelesen. Zugleich wurde er häufig missverstanden, insbesondere als sozialromantische Verklärung vormoderner Lebensweisen. Von paradiesisch kann bei starker sozialer Kontrolle, geringer Lebenserwartung und hoher Kindersterblichkeit in Jäger- und Sammlergesellschaften kaum die Rede sein. Marschall Sahlins ging es um die Frage, wie Wohlstand abseits kapitalistischer Maßstäbe verstanden werden kann.
___________
* Marshall Sahlins, „Die ursprüngliche Wohlstandsgesellschaft“, übersetzt von Heide Lotusch, Matthes & Seitz Berlin, 2024

Der Beitrag Wohlstand jenseits der kapitalistischen Logik erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

A) Das Leben des Brian / Monty Python‘s Life Of Brian
Britische Bibelfilmparodie von 1979

Als die Heiligen drei Könige dem Stern von Bethlehem folgen, irren sie sich zunächst in der Adresse und legen ihre Gaben um ein Haar an der Krippe des Erdenbengels Brian nieder. Dieses Missgeschick ist prophetisch. Im Laufe seines Lebens wird Brian immer wieder für den Messias gehalten – so sehr er sich auch dagegen wehrt – denn alle sehnen sich wie verrückt nach einem Erlöser. Als Brian am Kreuz hängt, widerfährt ihm durch einen singenden Leidensgenossen tatsächlich die Erleuchtung: „Always Look On The Bright Side Of Life“.

Nach dem Erfolg des ersten Kinofilms der englischen Komikertruppe Monty Python – „Die Ritter der Kokosnuss“ – führte ein Witz auf einer Pressekonferenz zu dieser Bibelkomödie, die von Kritikern, Fans und Beteiligten heute als deren beste Filmarbeit betrachtet wird. Naturgemäß waren die Widerstände gegen dieses Werk, das sich unbesehen sehr leicht als blasphemisch missverstehen lässt, ebenso groß. Das Wunder geschah: die enorme Werbung, die die katholische Kirche ihm mit ihrer Kampagne eintrug, hat es letztlich gar nicht gebraucht.

B) Der Omega-Mann / The Omega Man
Amerikanischer Science-Fiction-Film von 1971

Im Jahre 1977 hat ein bakteriologischer Krieg die Welt entvölkert. In Los Angeles kämpft der Wissenschaftler Neville, der in letzter Sekunde ein selbstentwickeltes Heilmittel an sich ausprobierte, gegen die wenigen Überlebenden, eine fanatische Sekte lichtscheuer Seuchenkrüppel. Diese Albinos wollen die letzten Spuren der Zivilisation beseitigen – und ihren letzten Repräsentanten Neville, ihren „Leibhaftigen“. Richard Mathesons dystopische Erzählung „I Am Legend“ wurde später mit Will Smith noch ein drittes Mal verfilmt.

Im Leben wandelte sich der Schauspieler Charlton Heston vom Unterstützer des schwarzen Bürgerrechtlers Martin Luther King zum waffenstarrenden Redneck, auf der Leinwand von der Verkörperung biblischer und historischer Heldenfiguren zu einem der ersten großen Hollywoodstars, die sich für Science-Fiction-Filme hergaben, beflügelt vom Erfolg seiner Hauptrolle in „Planet der Affen“. „Der Omega-Mann“ überbrückt diese Rollenfächer, umweht von den letzten Schwaden der Flower-Power-Ära.

Nächste Woche: Romanze in moll und Zeiten des Aufruhrs

Der Beitrag Kultfilm-Azubis: Heilsbringer mit Lackschäden erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Auch heute bezeichnet man bestimmte Menschen mit diesem Wort, aber die Bedeutung hat sich so stark gewandelt, dass man vielleicht an den alten Sinn des Wortes erinnern muss. Mitte der 1950er Jahre bezeichnete es einen weißen (meist männlichen) Menschen, der seine Gesten, seinen Lebensrhythmus und seine Ansichten an dem orientierte, war er aus dem Verhalten von Schwarzen (vor allem schwarzen Jazzmusikern wie Dizzie Gillespie oder Charlie Parker) als dessen Essenz herauszulesen meinte. Sprechweise, Wortneuschöpfungen, Barttracht, Spielarten der Promiskuität, all das versuchte er zu „imitieren“, auch wenn vieles davon seiner Fantasie entsprang. Die Hipster verfügten über einen eigenen Jargon, der Coolness und Durchrhythmisiertheit signalisieren sollte. Sie waren „hip“, das heißt eingeweiht in den Schwung des Moments, in das Einverständnis-ohne-echtes-Verstehen, in eine oberflächliche Übereinkunft mit anderen. An die Stelle von „to like“ trat das viel vagere Konzept von „to dig“. Ihr Gegenbild war der „square“, der brave, mit seiner Arbeit verschmolzene Bürger. Die Hipster pflegten eine bohemienartige, von Party zu Party torkelnde Existenz, reich an lebenskünstlerischer Improvisation und neuartiger Toleranz gegenüber allen Bevölkerungsgruppen, aber ebenso reich an Peinlichkeit, Mangel an politischer Einsicht und ganz dümmlichen Momenten von Blackface.
In seinem 1956 veröffentlichten Essay mit dem heute etwas misstönenden Titel „The White Negro“ analysiert Norman Mailer den Hipster sehr klug als Phänomen weißen Imitationswahns. Der Hipster sei, so Mailer, „a philosophical psychopath“. Ihm gehe es allein um die Erfüllung von Lustbedürfnissen, aber er kleide es in ein Gewand von Sozialrevolution und Aufklärung. Der Hipster macht sich nicht die Mühe, den Buddhismus zu studieren, sondern deutet einfach mit dem Zeigefinger auf eine Buddhastatue und sagt: „Yeah, I dig“ – und geht anschließend mit der jungen Buddhastatuenbesitzerin, die genausowenig vom Buddhismus versteht wie er, ins Bett, worauf beide am nächsten Morgen tatsächlich ein wenig vom Buddhismus verstanden zu haben glauben – und völlig verwirrt auseinandergehen. So ungefähr muss man sich, indem man für „Buddhismus“ einmal „Kommunismus“, „Jazz“ oder „Gleichberechtigung“ einsetzt, den Weltzugang der historischen Hipster vorstellen.

____________________
* Im Nachwort zum Mini-Hardcover der Kurzgeschichte „Sterblichkeit und Erbarmen in Wien“ von Thomas Pynchon, Jung und Jung 2022

Der Beitrag Hipster – Was ist das? Was war das? erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

* Im Vorwort zur Neuübersetzung des Romans „Stalker“, Heyne Verlag 2021, das vollständig hier zu finden ist: https://www.bic-media.com/mobile/mobileWidget-jqm1.4.html?bgcolor=E9E8E8&showExtraDownloadButton=yes&isbn=9783641260781&buttonOrder=ebook-book-audio-video&https=yes&socialSelfBackLink=yes&iconType=BICgrey&iconTypeSecondary=BICgrey&lang=de&fullscreen=yes&jump2=0&flipBook=no&openFSIPN=yes&resizable=yes&template=rhservice&buyUrl=https://www.penguinrandomhouse.de/watchlist/add/571617.rhd
** Siehe https://blog.montyarnold.com/2016/08/14/hosen-runter-mit-bertolt-brecht/

Der Beitrag Nichts als die Wahrheit: Der Kommunismus in der Science-Fiction erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Mit den Erzählungen des Briten John Ronald Reuel Tolkien, der am 3. Januar seinen 125. Geburtstag gefeiert hätte, wurde das Konzept der Fantasy endgültig definiert. Mit seiner Arbeit als der Königsklasse dieser Literaturgattung konnte sich nun auch die sogenannte Low Fantasy herauskristallisieren. Ihr Monarch sollte der Texaner Robert E. Howard werden.
Bereits 1932 erfand dieser Pulp-Schrifsteller „Conan The Barbarian“, der in den 80er Jahren mit zwei Kinofilmen und diversen Nachahmungen seinen größten Erfolg feierte.

Seine ersten Fantasy-Stories „Spear And Fang“, „The Lost Race“ und „The Hyena“ verkaufte Howard als Achtzehnjähriger an Farnon Wright, den Herausgeber eines Magazins mit dem eindeutigen Namen „Weird Tales“. Zu diesem Zeitpunkt war Howard noch nicht festgelegt, schrieb auch Western, Piratenabenteuer, Krimis, Romanzen und sogar Geschichten aus dem Sportlermilieu. Seine besten persönlichen Kontakte hatte der junge Autor zu Kollegen der fantastischen Literatur, die auch bei „Weird Tales“ erschienen: Clark Ashton Smith und Howard Philips Lovecraft. Zu zweiterem unterhielt er eine lange Brieffreundschaft, und die gegenseitige Wertschätzung ging so weit, dass man einander unveröffentlichte Manuskripte zum (Gegen)Lesen gab.
1928 ließ Howard in der Story „Red Shadows“ erstmals Solomon Kane auftreten, der ein populärer Serienheld werden sollte. Wichtiger noch war in der August-Ausgabe des folgenden Jahres „The Shadow Kingdom“ mit dem Protagonisten „Kull The Conquerer“, die als erste „echte“ Sword-And-Sorcery gilt.
Was bald darauf geschah, beschrieb der Autor seinem Freund Smith in einem Brief später so: „Monatelang zuvor war ich ohne Ideen, und es gelang mir nicht, etwas Verkaufbares zu verfassen. Da schien plötzlich Conan ohne besonderes Zutun meinerseits in meinem Geist zu wachsen, und augenblicklich floss mir ein Strom von Geschichten aus der Feder – oder besser: aus der Schreibmaschine. Es schien mir, als erfand ich das alles nicht, sondern berichtete von Ereignissen, die sich tatsächlich zugetragen hatten. Wochenlang tat ich nichts anderes, als die Abenteuer Conans niederzuschreiben. Seine Persönlichkeit ergriff völlig von meinen Gedanken Besitz und verdrängte alles Übrige. Als ich bewusst versuchte, etwas anderes zu schreiben, gelang es mir nicht.“
Conans Debüt „By This Axe I Rule“ ist nichts destoweniger noch die Umarbeitung einer abgelehnten „Kull“-Geschichte.

Conan, der cimmerianische Barbar lebt und kämpft im eiskalten Norden des hyborischen Kontinents um 10.000 v. Chr. (Atlantis war zu diesem Zeitpunkt bereits versunken).

Conans Welt bzw. der Weg hindurch: Seekarte in der stark verkleinerten Taschenbuch-Ausgabe der Conan-Comic-Version.

Nach langer Wanderschaft durch die mehr oder weniger zivilisierten südlichen Länder der damals bewohnten Welt erringt er die Königskrone und damit die Herrschaft über das stolze und mächtige Aquilonia. Doch auch das Herrscheramt ändert ihn nicht mehr – er bleibt, was er gewesen ist.
Seine Abenteuer führen ihn durch die Welt, wie sie einmal hätte existieren können – in jener grauen Vorzeit, in der die Kontinente noch zusammenhingen. Aesgaard und Vanaheim entsprechen etwa dem heutigen Skandinavien, Stygia erinnert an Ägypten. Das mythische Volk der Hyperboräer stand Pate, ebenso die Pikten, die Ureinwohner Schottlands. Die Frau, die Conan nach seiner Krönung erwählt, heißt Zenobia – wie die einstige Königin im syrischen Palmyra. Toth-Amon, der Name von Conans zähestem Gegenspieler, setzt sich aus denen zweier ägyptischen Gottheiten zusammen: Toth, dem Mondgott mit dem Ibiskopf, und Amun-Re („Götterkönig“), dem Hauptgott des frühägyptischen Reiches. Der rachsüchtige Crom, der Gebete gern unerhört lässt, könnte von Kromlech abgeleitet sein, einem druidischen Steinkreis.

Conan unterscheidet sich von seinen Vorreitern Solomon Kane und Kull durch das Fehlen jeglicher Selbstzweifel. Er ist ein Schlagetot (wie) aus dem Bilderbuch, ein Barbar durch und durch.
Sein Erfinder Howard war zutiefst sensibel und neigte zur Schwermut. Nach dem Fall seiner Mutter ins Koma nahm er sich 30jährig das Leben. Einige von Howards Kurzgeschichten berechtigen zu der Frage, was er uns im Falle seines Weiterlebens noch geschenkt hätte und ob ihn sein weiterer Schaffensweg wohl weg vom trivialen Pulp und hin zur anspruchsvollen Erzählung geführt hätte.
Jenen, die aus seiner literarischen Arbeit persönliche (etwa faschstische) politische Tendenzen herausgelesen haben wollten, antwortete er, dass er Kommunismus und Faschismus gleichermaßen „abgrundtief“ verachte. Das war ein beachtliches moralisches und Intellektuelles Statement, zu dem in den 30er Jahren (und wie wir uns erinnern noch lange danach) viele weitaus angesehenere Schriftsteller nicht in der Lage gewesen sind.

Der Beitrag „Conan der Barbar“ – Der politische Groschenroman der Stunde erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs dauerte es nicht lange, bis sich die Sieger dieser Auseinandersetzung untereinander nicht mehr leiden konnten. Die Unrichtigkeit des Satzes „Der Feind meines Feindes ist mein Freund“ führte schon nach zwei Jahren dazu, dass vom „Kalten Krieg“ gesprochen wurde, also einer Feindschaft zwischen Amerika und dem Ostblock.
Nichts fürchteten die Amerikaner so sehr wie eine kommunistische Unterwanderung ihrer gesellschaftlichen Ordnung. Viele Bürger hatten also Angst davor, dass sie eines Morgens aufwachen und von Nachbarn umzingelt sein würden, die die Idee von Eigeninitiative und Selbstbestimmung, von freier Marktwirtschaft und Popkultur ablehnen.
Zu dieser Angst bestand nicht der geringste Anlaß, aber zwischen den Kriegen (die keine „Kalten“ sind) gibt es immer Leute, die abwegige Ängste unterstützen und daraus ihren Nutzen ziehen.
In den 50er Jahren war das ein Senator namens Joseph McCarthy.
Er überzeugte seinen Präsidenten davon, dass es überall im Land (und besonders in der Filmindustrie) zahlreiche Leute gäbe, die die amerikanischen Grundwerte abschaffen wollten.
Diese Leute nannte er der Einfachheit halber „Kommunisten“, obwohl es nur wenige gab, die die Bedeutung dieses Ausdrucks vollständig begriffen. (Daran hat sich bis heute wenig geändert …)
Um diese Leute aufzuspüren, bloßzustellen und an der Zerstörung der USA zu hindern, gründete und leitete Senator McCarthy das „Komitee für unamerikanische Umtriebe“.
Hier konnte man nun jeden verpetzen, den man nicht mochte. Man mußte nur behaupten, er sei wahrscheinlich ein Kommunist.
Es reichte nun, etwas Kritisches zu den Verhältnissen zu sagen oder sich für eine politische Alternative zu interessieren, und schon konnte man angeschwärzt werden. Wer einen Witz über die Regierung machte, konnte vorgeladen werden und mußte dann seine Unschuld beweisen.

Ihr habt es schon erraten: genauso ging es auch im tatsächlichen Kommunismus zu, z.B. in der DDR, wo die Stasi ganz ähnlich funktionierte wie das Komitee von Herrn McCarthy.
Das Schreckensregiment von Joseph McCarthy dauerte nur wenige Jahre, aber es zerstörte viele Leben und trieb Menschen in den Ruin oder gar in den Selbstmord.
Der Kalte Krieg zwischen den USA und der Sowjetunion ging noch viele Jahre weiter und dauerte bis zum Zusammenbruch des Ostblocks Ende der 80er Jahre.

Heute wird häufig davon gesprochen, der Kalte Krieg wäre wieder da. Das ist nicht schlecht formuliert.

Der Beitrag Sollst Du petzen? Oder Wie man einem Kind die McCarthy-Ära erklären kann erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..