The 5,000 Fingers Of Dr. T
Amerikanisches Filmmusical von 1953, keine deutsche Fassung

Der kleine Bart wird von seiner ansonsten recht netten, alleinerziehenden Mutter zum Klavierunterricht gezwungen. So liefert sie ihn dem sadistischen Musikerzieher Dr. Terwilliker aus, der zwei Dinge aus tiefster Seele hasst: kleine Jungs und jedes andere Musikinstrument außer dem Klavier. Er bewirtschaftet ein Spukschloss, wo er eine gewaltige Tastatur aufgebaut hat. Hierhin entführt er Bart, um ihn mit 499 anderen armen Buben sein 5000-Finger-Konzert aufzuführen. Barts letzte Hoffnung ruht auf dem netten Schlossermeister Mr. Zabladowski, doch der will eigentlich nur seine Klempner-Arbeit machen …

Trotz eines berechtigten Musik-Oscars und seines berühmten Produzenten Stanley Kramer ist dieses amüsante Grusical nicht einmal Fachleuten mehr ein Begriff – immerhin einigen Künstlern. Jim Henson hat aus der Szene im Non-Piano-Players-Dungeon viel für seine „Muppet Show“ herausgeholt, der Stil von Terry Gilliam ist erkennbar inspiriert von diesem Original-Filmprojekt des in den USA bedeutenden Kinderbuch-Anarchisten Theodore Geisel alias Dr. Seuss. „Die Simpsons“ ehrten Dr. T., indem sie einen ihrer Bösewichte nach ihm benannten: Bob Terwilliker alias Tingeltangel-Bob. Der Soundtrack und die bemerkenswerten Songs stammen von der Kabarett-Legende Friedrich Hollaender, der bald darauf aus seinem Exil in die deutsche Heimat zurückkehrte.

Nächste Woche: Die Vögel und Spiegelbild im goldenen Auge

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Wie ich im Vorbeiwischen lese, hat irgendjemand die unretuschierten ersten drei Filme der „Star Wars“-Reihe geleakt – also gegen den Willen des Weltraumschlumpfs George Lucas ins Netz gestellt.
Sowas. Bei mir stehen die als Laserdisc seit Jahren im Regal. Wenn ich gewusst hätte, dass ich George Lucas damit ärgern kann, hätte ich das vor Jahren schon selber gemacht.
Und jetzt kommt’s: Die Fans finden scheußlich, was sie da sehen. „Krieg der Sterne“ ist – so wie er damals präsentiert wurde – nämlich Mist.
Endlich hat es der Rest der Welt auch kapiert. Das berührt mich tief! Aber lässt es mich hoffen, dass die Menschheit noch zu retten sein könnte?
Leider nein. Der angerichtete Verblödungsschaden ist nicht mehr zu reparieren.

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Die 12 Campbell’schen Stufen der Heldenreise

1. Station: Die gewohnte Welt

Die Geschichte beginnt normalerweise in der vertrauten Umgebung des Helden, die entweder feindselig-bedrückend oder schlicht langweilig ist. (So wie die Wüstenfarm auf dem Planeten Tatooine bei „Star Wars“). Der Held ist so unscheinbar wie unzufrieden und ahnt nichts von seiner Vorbestimmung (genau wie Balthasar Bux in Michael Endes „unendlicher Geschichte“).

2. Station: Der Ruf des Abenteuers

Der „Herold“, eine der archetypischen Figuren der Heldenreise, tritt auf: ein Bote des Abenteuers (bei Harry Potter ist es der Halbriese Hagrid, der bei der Pflegefamilie hereinplatzt und dem Waisenjungen etwas Überraschendes mitzuteilen hat). Er gibt dem Helden einen Anlass, seine Lebensführung in Frage zu stellen.

3. Station: Die Weigerung

Um es ein wenig spannend zu machen, weist der Held zunächst den Ruf des Herolds zurück. Doch ihn befällt eine Zug-Unruhe.

4. Station: Begegnung mit dem Mentor

Ein bärtiger, alter, weiser (weißer) Mann tritt auf und bekräftigt die Botschaft des Herolds mit väterlichen Gesten der Mahnung und Aufmunterung. Er ist ein Haudegen im Ruhestand, der dem zukünftigen Helden mit seinem Rat zur Seite stehen wird (wie Mr. Miyagi in „Karate Kid“).

5. Station: Das Überschreiten der ersten Schwelle

Noch ist der Held nicht überzeugt, sich aufzumachen. Doch ein tragisches Ereignis – Massaker, Tötung der Familie, Verwüstung des Dorfes … – gibt ihm den entscheidenden Antrieb. Der Verursacher dieser Katastrophe kann bereits der Bösewicht sein, zu den nun zu Felde gezogen wird, um Rache zu üben und weitere Untaten zu verhindern.

6. Station: Bewährungsproben, Verbündete und Feinde

Zu Beginn des Zweiten Akts beginnt die eigentliche Reise / Queste / Aventure. Der Held wird von der rauen Welt da draußen eingeschüchtert. Die unverzichtbaren Archetypen treten auf: die komischen Nebenrollen, die vom wenig amüsanten Naturell des notorisch grundanständigen Helden ablenken, indem sie unentwegt irgendwelche lustigen Sachen raushauen. (Nur „Schnuffi der Staubsauger“ schafft es ohne quasselnde Sidekicks. Es sei denn, wir rechnen seinen Freund, den kleinen Schraubenschlüssel, in diese Kategorie. Aber ist ja immer dabei und meistens still und gut verstaut.) Häufig wird auch ein Hilfs-Bösewicht eingeführt, mit dem wir uns herumschlagen können, ohne den geheimnisvollen Endboss zu frühzeitig preiszugeben.

7. Station: Das Vordringen zur tiefsten Höhle

Der Held hat sich zum ersten Mal bewährt. Jetzt soll es in die Höhle des Löwen und dem Bösen an den Kragen gehen. (Zum Beispiel zum Todesstern. Hin und wieder wird auch der irrwitzige Gebäudekomplex des stinkend reichen, aber genialen Bond-Bösewichts genannt. Doch das trifft es nicht. James Bond ist auf keiner Helden-, sondern auf einer Dienstreise. Er wird sich nicht entwickeln und weder eine Läuterung noch die Initiation erfahren, auf die der werdende junge Held hinarbeitet.) Nur mit Hilfe seiner Verbündeten kann der Held die unzähligen Gefahren in dieser „tiefsten Höhle“ überwinden: Feinde. Fallen. Rätsel. Action. Explosionen. Feuergefechte.

8. Station: Die entscheidende Prüfung

Es wird richtig bedrohlich und lebensgefährlich, geht aber notwendigerweise gut aus. Eventuell kommt ein Teammitglied der Guten zu Schaden und erinnert uns an den Ernst der Lage.

9. Station: Die Belohnung oder: Das Ergreifen des Schwerts

Der Held erringt einen symbolträchtigen / zauberwirksamen Gegenstand bzw. nach sagenhaftem Vorbild die Waffe, die er auf dem Titelblatt schon in der Hand hält: ein mächtiges Schwert. Noch kommt es nicht zum entscheidenden Kampf, doch das nötige Wissen um die Schwachstelle des Gegners – oder um die eigene Bestimmung – wird erworben.

10. Station: Der Rückzug

Der Held kann nach einer ersten Niederlage aus dem Reich seines Feindes entkommen. Er hat dazugelernt, ist an seinen Aufgaben gewachsen. Sein altes Ich ist gestorben. Nichts wird mehr sein wie zuvor. Er ist gerüstet für den Showdown.

11. Station: Die Auferstehung

Der Held greift wieder an. Der zuvor als ungemein mächtig geschilderte Bösewicht (zum Beispiel Skeletor in der angenehm ironischen Saga um die „Masters Of The Universe“) macht gegen seinen nunmehr zum Messias herangeschwollenen Herausforderer keinen Stich mehr und geht kläglich unter.

12. Station: Die Rückkehr mit dem Elixier

Die triumphale Rückkehr in die Heimat wird begleitet von Jubel und Partystimmung.

Das Muster der Heldenreise wird nirgends so streng und offensichtlich eingehalten wie in Animationsfilmen. Hier wird die anfängliche Loslösung aus dem zuvor geführten Leben als Verlust definiert, den es wieder herzustellen gilt: die Rückkehr nach Hause, die Wiedervereinigung mit der Familie.

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Der Produzent und „Star Wars“-Verursacher George Lucas kommt als Regisseur nur auf ein halbes Dutzend Einträge. Das verblüfft auf den ersten Blick, aber schließlich hat er seine wahre Bestimmung ja in der Erneuerung der Art und Weise gefunden, in der heute überhaupt Hollywood-Kino gemacht und rezipiert wird.
Sein zweiter Film als Regisseur (und der erste, der großen Erfolg hatte) wurde von Francis Ford Coppola produziert: „American Graffiti“. Der hat dieser nostalgischen Schilderung einer kalifornischen Sommernacht anno 1962, an deren Ende für eine Gruppe von Schulabgängern der Ernst des Lebens beginnen soll, ein aus heutiger Sicht echtes Highlight hinzugefügt: den noch unbekannten Harrison Ford, den er in seinen eigenen Regiearbeiten gern in Minirollen einsetzte.
„American Graffiti“ war früher zweierlei: ein Kultfilm und ein moderner Klassiker. Abgesehen von den drei genannten Personalien – und noch einigen weiteren, die gleich folgen – hat er dem heutigen Betrachter nichts mehr zu erzählen.

Zwar lobte die Kritik in seherischer Weise die junge Darstellerriege – so etwa Hans Günther Pflaum: „Ich kenne aus diesem Jahrzehnt bis heute keinen Film, der bis in die kleinste Nebenrolle so genial besetzt worden wäre wie dieser – und das mit gänzlich unbekannten und unverbrauchten Gesichtern.“ -, doch keiner davon kommt gegen die Logikfehler des kleinteiligen Drehbuchs sowie gegen die völlige Abwesenheit von Schauspielführung an. Der Luke–Skywalker-Darsteller Mark Hamill hat in Interviews oft und gern erzählt, wie wenig ihn George Lucas in „Krieg der Sterne“ (1977) angeleitet und dass dieser sich ausschließlich für Tricktechnik und Bildgestaltung interessiert habe. Diese Nachlässigkeit ist in „American Graffiti“ bereits voll ausgebildet und beispielhaft zu besichtigen.
Das Drehbuch – Gloria Katz und Willard Huyck werden als Lucas‘ Mit-Autoren genannt – steckt voller verreckender Pointenversuche (der Auftritt des quasselnden Gebrauchtwagenhändlers, Milners Handschuhfach voller Strafzettel, das Mädchen, das lieber wie Sandra Dee aussehen will und nicht wie Connie Stevens, das gesamte linkische Getue des Brillenträgers Terry …). Die Umsetzung ist voller Anschlussfehler, deren deutlichste (der mehrfache Wechsel von Tageslicht zu nächtlicher Dunkelheit) an die Versäumnisse von Ed Wood erinnern, den offiziell schlechtesten Filmregisseur aller Zeiten. In der deutschen Synchronfassung – die sich offenbar bemüht, dem handwerklichen Niveau des Materials zu entsprechen – wird eine „Jugendsprache“ markiert, die peinlicher und papierener ist als alles, was ich in diesem Zusammenhang je auf der Leinwand gehört habe. (Immer wieder heißt es: „Das ist echt schau!“ – „schau“ ist hier ein Adjektiv.) Bei Sprachwitzen bündeln sich diese beiden Aspekte, und es wird besonders unangenehm.
Hin und wieder ertappt man sich dabei, dass man den ungenutzten Regiestuhl gerne ehrenamtlich besetzen würde. Die Szene vor dem Schnapsladen z.B. hat so viel komisches Potenzial, dass man sich nur fragt, wieso sie sich so vollständig im Leerlauf befindet.

Die vielgerühmte Besetzung ist nicht ganz so reich an späteren Stars wie gern gesagt wird, aber einige Namen sind aus heutiger Sicht durchaus klangvoll. Ron Howard (hier noch Ronnie) hat sich bald erfolgreich aufs Regiefach verlegt, hatte zuvor aber noch einen sehr hübschen Auftritt im John–Wayne-Spätwerk „The Shootist“. Richard Dreyfuss führt das Ensemble offiziell als Hauptdarsteller an, ist mit Mitte 20 für seine Rolle aber zu alt und agiert insgesamt sehr lahm und passiv. Harrison Ford schließlich hat nicht viel zu tun und erledigt das Wenige ohne jeden Aufwand: er verliert ein Autorennen à la „Denn sie wissen nicht, was sie tun“ und darf vorher noch „Some Enchanted Evening“ singen, einen Song von Rodgers & Hammerstein, der das verachtenswerte Gegenteil des Rock‘ n‘ Roll symbolisieren soll.

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John Williams hat mit „Family Plot“ einen meiner Lieblings-Soundtracks komponiert. Und doch macht mich die Art der Anerkennung traurig, die er heute genießt.
Williams wird nicht etwa für seine Qualitäten als Komponist oder Dirigent verehrt. Unabhängig davon fußt sein Ruhm vor allem auf zwei Dingen: auf seiner physischen Langlebigkeit (der eine Fortsetzung bei bester Gesundheit beschieden sein möge!) und auf seiner langjährigen Geschäftsfreundschaft mit George Lucas (nebst Nachfolgern) und Steven Spielberg, den beiden kommerziell erfolgreichsten Filmemachern der Jahrtausendwende. Dass er das spätromantische Idiom seiner frühen Jahre bis heute passabel heraufbeschwört, gibt seinen Fans das gute Gefühl, kulturell auf der richtigen Seite zu stehen. John Williams ist ihr „klassisches“ Feigenblatt. Er ist der eine Musikus, von dem sie solcherlei zur Abwechslung ganz gerne geboten bekommen – wenn auch als Kolportage.

Einschlägiger Vinyl-Sampler aus Frankreich – mit reichlich Williams der besten Periode.

Seit „Superman“ (1978) – ein Jahr nach dem ersten „Krieg der Sterne“ – beschränkt sich Williams zunehmend auf das Komponieren kurzer jubilierender Klettermotive, die er von unnötig dick besetzten Streicher- und Holzbläsergruppen weitgehend unisono spielen lässt. Miklós Rózsa – der auf dem Gebiet der Filmmusik einst ähnlich bedeutend war, der aber heute niemanden mehr interessiert, weil er schon zulange unter der Erde liegt – hat ein entsprechendes Aufgebot einmal mit dem Hinweis ausgeschlagen, dass 40 Geigen exakt genauso klingen wie 80, wenn sie alle dasselbe spielen.

Als John Williams seine ersten Filmpartituren schrieb, waren Rósza und all die anderen großen Spätromantiker noch im Dienst. Daneben gab es Modernisierer wie Henry Mancini oder Lalo Schifrin. Es waren sinfonische Jazzer wie Elmer Bernstein und Alex North am Werk. Und es gab den restlos unvergleichlichen Bernard Herrmann, der heute selbst von denen Ton für Ton zitiert wird, die seine Musik nur aus den vorangegangenen Ton-für-Ton-Zitaten kennen.

In den frühen und mittleren 70er Jahren wurde John Williams zu einem der Gediegensten, die der Arbeit der Altmeister einen frischeren Sound entgegensetzten. Auf dem Gebiet des actionreichen „Blockbuster“-Kinos, das in jenen Jahren erstmals so bezeichnet wurde – wenn auch nicht so leichtfertig wie heute -, waren die damals unerhört beliebten Katstrophenfilme seine Spezialität, deren Musik stets der Urmutter des modernen Disaster-Movie-Soundtracks folgte: „Airport“ (1969), mit dem der sterbende Alfred Newman noch einen neuen Weg aufgezeigt hatte. Williams‘ Filmmusik-Alben „Poseidon Adventure“ (mit dem hochdekorierten Titelsong „The Morning After“ von Al Kasha und Joel Hirschhorn), „Towering Inferno“ und „Earthquake“ haben heute Sammlerwert. Sogar eine CD-Box, die diese Titel vereint, kostet ein kleines Vermögen. Aber auch seine übrigen Soundtracks aus dieser Zeit sind elegant und mitreißend, und sie alle verfügen über etwas, was seine heutigen Bombasterien vermissen lassen: signifikante Themen und fantasievolle Arrangements, die auch bei kleinerer Besetzung funktionieren.

Der Williams-Sound der 70er ist gemeinsam mit den Filmen aus dem Blickfeld gerutscht – abgesehen natürlich von „Jaws“, der Begleitmusik zum Grundstein der Spielberg-Verehrung – und zumindest für den Komponisten ist das auch gut so. Im Vergleich würden die Nachlässigkeiten seines Spätwerks offensichtlich.
Doch noch etwas kommt John Williams zugute.
Ein altes Sprichwort sagt: dass der Fuchs als klug gilt, liegt daran, dass man ihm die Schlichtheit der Hühner als persönliches Verdienst anrechnet.
John Williams profitiert immens davon, dass der prominenteste lebende Filmkomponist neben ihm Hans Zimmer heißt.

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