Der kauzige Erfinder Doc Brown hat einen DeLorean-Wagen zur Zeitmaschine umgebaut. Als er diese seinem Freund, dem Vorstadt-Teenager Marty McFly, auf dem nächtlichen Rathausmarkt vorführt, wird er von den Terroristen erschossen, denen er den nötigen Treibstoff – das Plutonium – geklaut hat. Marty flieht mit dem Wagen und landet in der einprogrammierten Zeit: im 30 Jahre zurückliegenden 1955. Um seine Rückreise zu organisieren, sucht Marty den jungen Doc Brown im Ort auf. Der erklärt ihm, nur ein Blitzschlag böte genug Energie für dieses Unternehmen. Doch Marty hat noch ganz andere Sorgen: seine Mutter – ein süßer Teenager – verliebt sich in ihn und droht seinen späteren Vater zu verschmähen. Das würde Martys Existenz nachträglich auslöschen …
Mühelos trägt uns diese federleichte Klamotte über alle Paradoxien des Zeitreise-Sujets hinweg, was nicht zuletzt an den sympathischen Hauptfiguren liegt, die fortan an ihren Darstellern klebten: der ewige Teenager Michael J. Fox und der liebenswerteste Irre, der sich denken lässt: Christopher Lloyd. Eigentlich eine Teenie-Komödie, absorbierte „Back To The Future“ alle Zielgruppen in Reichweite und überzeugte auch folgende Generationen. Die Gewitternacht an der Rathaus-Uhr wurde zu einer der ikonischen Filmszenen schlechthin. Auch die beiden Fortsetzungen sind sehenswert.

B) Star Trek VI: Das unentdeckte Land / Star Trek VI: The Undiscovered Country
Amerikanischer Science-Fiction Film von 1992

Die Explosion des Mondes Praxis vernichtet die Energieversorgung der Klingonen. Anstatt seine alten Erzfeinde ihrem kläglichen Ende zu überlassen, muss ausgerechnet der pensionsreife Captain Kirk mit seiner Enterprise der klingonischen Delegation unter Kanzler Gorkon und General Chang das diplomatische Geleit geben. Als Gorkon nach einem gemeinsamen Bankett an Bord der Enterprise von Attentätern getötet wird, werden Kirk und Bordarzt Dr. McCoy in einem Schauprozess zu lebenslanger Lagerhaft auf einem vereisten Straf-Asteroiden verurteilt. Mr. Spock muss nun seine Freunde befreien und die wirklichen Mörder finden. Die Zeit ist knapp, denn die die Verschwörer planen bereits das nächste Attentat …

Die geraden Nummern der Enterprise-Filme mit Captain Kirk & Co sind dufte, die ungeraden sind Gurken, lautet eine alte Weisheit der frühen Nerd-Kultur. In dieser kurzen Glanzliste wird „Star Trek VI“ zuletzt genannt, obwohl die humorvolle, aber niemals alberne Zeichnung der beliebten Charaktere, die Selbstironie der Inszenierung und die Balance, die diese mit den dramatischen Elementen hält, niemals sonst so gut gelungen sind. Die erste Generation des Star-Trek-Universums nimmt mit diesem Film ihren Abschied – spätere Gastauftritte nicht ausgeschlossen. 

Nächste Woche: Freaks und Funny Bones

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A) Blue Velvet – Verbotene Blicke
Amerikanischer Thriller von 1986

Unter der kitschig-heimeligen Oberfläche der Kleinstadt Lumberton tut sich ein Abgrund auf. Der Collegestudent Jeffrey wird durch einige Zufälle dazu verleitet, ihn aufzuspüren und in ihn hinabzusteigen. Da sind zum einen seine brave Zuneigung zur Polizistentochter Sandi und die Ermittlungsdetails, die sie zuhause aufgeschnappt hat; da ist seine Faszination für die Barsängerin Dorothy, die sich regelmäßig vom Sadisten Frank misshandeln lässt; und da ist der seltsame Gegenstand, der alles ins Rollen bringt: ein abgeschnittenes Ohr, das Jeffrey zufällig findet …

Der Kult um den Regie-Surrealisten David Lynch ruht bis heute auf zwei Säulen: seine als bahnbrechend empfundene TV-Serie „Twin Peaks“ und der perverse Mystery-Thriller „Blue Velvet“. Beider Ereignisse sehen wir durch die staunenden Augen des Schauspielers Kyle MacLachlan, dessen zierlich-rosige Zurückhaltung alles Übrige nur umso alptraumhafter wirken lässt. Von einer nachvollziehbaren Handlung, wie sie in diesem Frühwerk noch anzutreffen ist, hat sich der Regisseur später zunehmend verabschiedet.

B) Chaché
Französisch-österreichisches Drama von 2005

Der Pariser Fernsehmoderator Georges Laurent und seine Frau Anne bekommen anonym Videocassetten zugeschickt, auf denen ihr Wohnhaus von gegenüber gefilmt wurde, stundenlange, ereignislose, unbewegte Aufnahmen. Einer Lieferung ist die Zeichnung eines Gesichtes beigelegt, das aus dem Mund blutet. Als auf einem weiteren Video der Gutshof zu sehen ist, auf dem Georges seine Kindheit verbracht hat, erinnert er sich an Majid, den er als algerisches Flüchtlingskind kennenlernte. Dass dieser heute durchaus ein Rachemotiv hätte, will Georges sich nicht eingestehen, weshalb er Anne nichts von seinem Verdacht erzählt. Sie erfährt doch davon – durch ein weiteres Video. Dann verschwindet Pierrot, der 12jährige Sohn der Laurents …

Der österreichische Regisseur Michael Haneke brachte es mit verrätselten Filmen zwischen viel Berufserfahrung und dem Studium der Filmgeschichte einerseits und der Missachtung fast sämtlicher Hollywood-Sehgewohnheiten andererseits zu einer bemerkenswerten Karriere. Mit seinen preisgekrönten Alterswerken „Das weiße Band“ und „Liebe“ schaffte er es in der Publikumsgunst sogar bis an den äußersten Rand des Mainstreams.

Nächste Woche: Zurück in die Zukunft und Star Trek VI: Das unentdeckte Land

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Kassation siehe https://blog.montyarnold.com/2015/01/29/ignoranz-und-hoehere-gewalt-oder-der-mythos-vom-archivbrand/

Klamotte
siehe https://blog.montyarnold.com/2021/04/09/17854/ und https://blog.montyarnold.com/2021/04/12/17873/

Kommerz
siehe https://blog.montyarnold.com/2021/04/27/was-ist-kommerz/

Kollektive Zuschauererwartung
siehe https://blog.montyarnold.com/2021/06/11/die-kollektive-zuschauererwartung/

Kolumne
siehe https://blog.montyarnold.com/2026/02/07/29676/

Kopfkino
siehe https://blog.montyarnold.com/2024/04/13/25099/

Korean New Wave
Bis 1979war Südkorea eine Diktatur. Danach ließ eine strikte Quotierung der ausländischen Filme ein junges Kino erblühen, das 1999 mit „Shiri“ durch die Decke ging. Koreanische Filme sind extrem geschliffen und sehr erfolgreich – sein Gangsterkino ist wohl das Beste der Welt. Leute wie Park Chan-wook drehten auch in Hollywood.

Krimi
siehe https://blog.montyarnold.com/2023/04/16/22698/

Kult / Kultfilm
siehe https://blog.montyarnold.com/2014/09/21/was-ist-kult/

Lachkonserve
siehe https://blog.montyarnold.com/2025/11/11/29047/

Laff-Box
siehe https://blog.montyarnold.com/2025/11/11/29047/

Laserdisc
hieß die Vorläuferin der DVD, eine Glasscheibe in LP-Größe, die ab den 80er Jahren knapp 20 Jahre lang versuchte, sich als technisch bessere Alternative zur Kauf-Videocassette zu etablieren. Das Bild kann mit heutigen Datenträgern nicht mithalten, doch der Sound ist noch immer überwältigend, und die großen Cover machten ordentlich was her. Eine Laserdisc fasste pro Stück zwei Stunden Film (die besseren Player wendeten selbst), verfügte – je nach Aufmachung – über Sprungmarken, wählbare Tonspuren (Kommentare oder alternative Sprachfassungen) und Bonus-Material, das dann bei späteren Neu-Editionen der Filme übernommen wurde – etwa im Falle von „Seven“ auf die DVD-Ausgabe und bei „The Private Life Of Sherlock Holmes“ auf die bluray. Bis zuletzt war das deutsche LD-Angebot mickrig, unattraktiv und krude ausgewählt – und folglich eine Scheibe einfach zu teuer für den gewöhnlichen Endverbraucher (etwa 90 Mark). Außerdem wurde der Verbraucher von absurden Mitbewerbern wie der kurzlebigen CD-i verwirrt, die eine schlechtere Bildqualität hatte als eine Videocassette, aber Käufer von der besseren Alternative abzog.
Bis zuletzt wussten die meisten Fachverkäufer in Hifi-Abteilungen und Elektromärkten nichts mit dem Begriff „Laserdisc“ anzufangen („Sie meinen CD, gell?“).
Fans gab es dennoch. Die im NTSC-Format bespielten Titel aus Japan und den USA (dafür brauchte man ein anderes Gerät, als man es für die deutschen und englischen PAL-Scheiben benutzte) wurden zu Sammlerstücken der SF- und Splattergemeinde: weil diese Technik so ungebräuchlich war, erschienen hier Uncut-Versionen von Filmen, die sonst praktisch immer zensiert waren.
George Lucas war ein Fan dieser Technik. Ihr Untergang war längst besiegelt, da verfügte er noch, dass der hysterisch erwartete „Star Wars – Episode 1“ (2012) zuerst auf Laserdisc veröffentlicht wurde und für einige Monate nur in dieser Form fürs Heimkino erhältlich war. Es war ein letzter Gruß an ein wundervolles Medium.

Lifeness
siehe https://blog.montyarnold.com/2023/05/07/was-ist-lifeness/

Limited Animation
siehe https://blog.montyarnold.com/2022/01/26/limited-animation-fruehe-groesse-und-spaete-wirkung/

Magischer Realismus
siehe https://blog.montyarnold.com/2024/03/16/24899/.

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Kürzlich bezeichnete eine befreundete Komponistenwitwe ihren Mann als “Nerd“, und spontan hatte ich das Gefühl einer semantischen Unwucht. Nein, dachte ich laut nach, der Begriff passt nicht. Ein 1999 verstorbener Mensch kann doch kein Nerd sein, denn diesen Ausdruck gab es damals noch gar nicht. Doch, kann er wohl, denn ich bin ja als Schulkind auch ständig gemobbt worden, obwohl es das Wort noch nicht gab. Und Amerika existierte bereits lange, bevor Kolumbus es entdeckt hat.
Ich glaube, ich neige dazu, Musiker generell nicht zu den Nerds zu rechnen, weil sie sich – wenn es keine Jazzer oder andere Instinktbegabungen sind – naturgemäß nerdig verhalten müssen, um ihre Kunst zu beherrschen. So sind viele Musiker pingelig und pflegen die eine oder andere Sammlung (Noten, Aufnahmen, Biographien …).

Sind denn alle Sammler automatisch Nerds?
Nein, es gibt solche und solche. Und tatsächlich ist der Sammler-Nerd eine moderne Variante des Jägers und Sammlers, die es so ganz früher – als der Begriff noch nicht existierte – ebenfalls noch nicht geben konnte.
Ich bin ein Sammler, mein Kollege Rollo die (der sich auch als Sammler betrachtet) ist eher ein Nerd.
Wir beide sammeln Comics – das heißt: ich trage einzelne Comics heftchenweise zusammen; er kauft sich alle paar Jahre Editionen, komplette Sammelboxen. So ist in regelmäßigen Abständen bei ihm eine „Lucky Luke“-Gesamtausgabe fällig. Jede dieser „Sammlungen“ kommt fertig und lückenlos ins Haus und ist nach kurzer Zeit wieder unvollständig. Dann wird sie durch die neue Gesamtausgabe ersetzt, und die alte wird im Internet weiterverhökert. Möglicherweise hat er die letzte Version noch gar nicht ausgepackt, denn wir sind ja heute keine Jungs mehr, die überhaupt Zeit zum Lesen haben. Das trifft sich gut, denn Originalverpacktes erleichtert den Weiterverkauf. Das gilt nicht nur für Comics. Ebenso hält es Rollo auch mit seinen „James Bond“-Boxen, den „ultimativen“ „Star Wars“-Schubern und mit allerlei anderen Sachen.
Das hat für mich nichts mit Sammeln zu tun, weil zwei Dinge wegfallen (oder doch sehr vernachlässigt werden), die für mich in diesem Zusammenhang wichtig sind: das Zusammentragen und die tatsächliche Nutzung. Außerdem fehlt mir hier der philosophische Aspekt des Sammelns: die Bewahrung von etwas, das sonst unterginge.

Ein Fall aus meinem Freundeskreis hat sich sicher hundertfach abgespielt. In den 80er Jahren kamen in den USA die ersten VHS-Komplettausgaben von „Star Trek“ heraus, das wir als „Raumschiff Enterprise“ im Fernsehen verfolgt hatten. Nicht am Stück, da ja das ZDF erst nur eine Auswahl gezeigt hat, die SAT.1 später komplettierte. Ohne die Nazi-Folge natürlich, die lief gar nicht bei uns. Und es fehlten hie und da ein paar Szenen. Da war die englischsprachige Edition aus Übersee (79 Folgen auf 41 Cassetten inclusive des ersten Pilotfilms) doch eine dufte Anschaffung. Ein paar Jahre später kam die deutsche VHS-Mammut-Edition (mit eigens synchronisierter Nazi-Folge). Mein Freund hatte die US-Kiste noch gar nicht ausgepackt, als die deutsche bei ihm ankam. Und ebenso jungfräulich war diese, als dann die DVD-Variante kam (erst auf englisch, dann zweisprachig, wie sich das gehört) und jetzt ist ja sicher schon eine Blu-ray im Orbit. Ich weiß nicht, ob er sich die auch bestellt hat, oder ob er inzwischen ahnt, dass er sich diese in der Tat köstlichen Filmchen nie wieder mit feuchtem Kinderauge anschauen wird. (Inzwischen gibt es ja sogar alle Folgen mit überarbeiteten Effekten, also Stoff für weitere Definitiv-Ausgaben …)
Natürlich habe auch ich eine Star-Trek-Sammlung. Die Videos habe ich ausgemistet, und der Rest verteilt sich auf deutsche, englische und amerikanische Laserdisc und diverse DVDs. Eine Blu-ray ist auch dabei, aber das alles ergänzt sich gut.
Ich bin gewiss ein Nerd – aber nicht, wenn es um Comics und Filme geht. Da bin ich ein vernünftiger Spießer. Ich konsumiere diese Sachen tatsächlich – obwohl das den Wiederverkaufspreis herabsetzt.
Und ich sammle selbst. Das ist ja der Witz an der Sache.

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Auf einer Bootsfahrt gerät Robert Scott Carey in eine radioaktive Nebelbank. Sechs Monate später hat er den Vorfall fast vergessen, da beginnt er langsam zu schrumpfen! Die Ärzte sind machtlos. Frustriert vom fortschreitenden Missverhältnis zu seiner Frau Louise, sucht er Trost bei einer Liliputanerin. Doch er verkleinert sich weiter und kehrt nach Hause zurück. Als Carey nur noch daumengroß ist, bezieht er ein Puppenhaus. Schließlich flieht er vor der noch immer im Haushalt lebenden Katze in den Keller und wird von Louise für tot gehalten. Dort unten muss er gegen eine Spinne kämpfen – und sich insgesamt neu erfinden.
In dieser zunehmend grotesken Umgebung gewinnt er neues Selbstvertrauen. Seine Furcht, er würde sich restlos auflösen, erfüllt sich jedenfalls nicht. Mit dem weihevollen Gefühl, eine neue Welt zu betreten, verabschiedet er sich in den Mikrokosmos.

Man ahnt es schon bei dieser kurzen Inhaltsangabe: in diesen Science-Fiction-Reißer – der dritte Akt ist wirklich schaurig – ist viel Subtext eingeflossen. Dafür sorgte Richard Matheson**, der die Verfilmungsrechte seines Buches nur unter der Bedingung hergab, auch das Drehbuch schreiben zu dürfen.
Noch ehe ich seine Erzählung in die Finger bekam, las ich in einem Artikel von Bodo Traber über die Szenen, die es aus verschiedenen Gründen nicht in die Verfilmung geschafft haben – teilweise war die Filmtechnik 1957 noch nicht weit genug, teilweise die sittliche Verfasstheit. Als ich die Beschreibung dieser Szenen las, kamen sie mir vertraut vor, fast so als hätte ich sie tatsächlich gesehen. Sicher sind es diese Zwischentöne – wie z. B. die Unzuverlässigkeit unserer vertrauten Umgebung, die Monstrosität, die darin lauern kann -, die mich den Film immer wieder anschauen ließen. (Auch „Edward mit den Scherenhänden“ hat ein wenig von dieser Qualität.)

„The Incredible Shrinking Man“ fällt im Werk von Jack Arnold etwas aus dem Rahmen. Die Handlung erstreckt sich über Jahre, und es gibt darin kein mutiertes Horrorwesen, das sich über eine Wüstenstraße näherschiebt – es ist die Normalität, die bedrohliche Formen annimmt. Das Fiasko bricht nicht über die Bevölkerung einer Stadt herein oder bedroht gar den gesamten Planeten. Es trifft einen einzelnen (vereinzelten) Menschen, dem auch das sonst gern zuhilfekommende Militär nicht helfen könnte. Seine liebende Frau sagt ihm einen der trostlosesten Sätze, die es gibt: „Liebling, du bildest dir das alles nur ein!“

Das offene Ende war seinerzeit zuviel für mein Teenagergemüt.*** Doch ich konnte es nicht vergessen und wollte den Film immer wieder sehen. Als der Held in der Schluss-Einstellung in die Weite des Sternenhimmels hinaufblickt, der ihm so fern ist wie noch nie, flüchtet er sich in einen philosophischen Epilog. Der charismatische Grant Williams, der in den vielen schwierigen Szenen ohne Spielpartner vollkommen überzeugt, ist in der Filmgeschichte gleichwohl ein „Shrinking Man“ geblieben. (Jack Arnold setzte ihn einmal effektvoll als missratenes Früchtchen in einem Western ein.) Ein bisschen tröstet Williams wohl auch sich selbst, wenn er mit den Worten schließt: „Im ewigen Kreislauf der Dinge gibt es kein Nichts!“
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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2015/10/14/miss-froy-und-das-paranoia-kino/
** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2018/05/20/die-wiedergefundene-textstelle-mathesons-boeser-knopf/ und https://blog.montyarnold.com/2014/11/20/bart-simpsons-siamesischer-zwilling/
*** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2014/10/07/drei-geschichten-ueber-den-cyberspace

Der Beitrag Die schönsten Filme, die ich kenne (69): „Die unglaubliche Geschichte des Mr. C“ erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Unschuldig von einem Polizisten über den Rummel gejagt, flieht der kleine Tramp in einen Zirkus und bringt die müde Vorstellung durcheinander. Da das Publikum sich bei dieser Gelegenheit erstmals richtig amüsiert hat, nimmt ihn der Zirkusdirektor unter Vertrag. Zunächst krankt das Projekt daran, dass Charlie nur versehentlich komisch sein kann, doch er kriegt den Bogen raus, und der Zirkus prosperiert. Nun kann er sich für die leidgeprüfte Stieftochter des Direktors starkmachen, in die er sich verliebt hat. Doch Charlies Hoffnung, sie würde aus Dankbarkeit seine Gefühle erwidern, erfüllt sich nicht. Das muss er erkennen, als ein attraktiver Seiltänzer zur Truppe stößt …

Die Laserdisc mit ihren Extra-Tonspuren und Bonus-Materialien war die Vorläuferin der DVD. Auf dem Cover dieser „Circus“-Prachtausgabe von 1993 sehen wir Chaplin mit Merna Kennedy und dem köstlichen Henry Bergman. (Fox Video)

Die Dreharbeiten des Films „The Circus“ wurden von diversen Heimsuchungen immer wieder unterbrochen. Einige hatten eher burlesken Charakter (eine Knabenschulklasse klaute die Zirkuswagen), andere nicht. Die schlimmste davon war Chaplins Scheidung von seiner zweiten Ehefrau. Dieses Ereignis ließ die Arbeit für 12 Monate ruhen und den Hauptdarsteller ergrauen, so dass er sich für die restlichen Szenen die Haare färben musste.
Chaplin floh in den üblichen Perfektionismus: 200 Takes gingen für die Löwenszene drauf, für den Hochseilakt brauchte er 700. Diese akrobatische Performance sieht nicht nur verblüffend echt aus, Chaplin hat zu diesem Zweck tatsächlich Seiltanzen gelernt. Den Unterricht erteilte ihm sein langjähriger Assistent und Stamm-Schauspieler Henry Bergman. Ein Biograf wunderte sich über ihn: „Es bleibt uns verborgen, wann dieser vielseitige Mensch sich diese Kunst angeeignet hatte, die man bei einem Mann seiner Leibesfülle nicht unbedingt vermutet.“ Bergman leitete außerdem ein Schauspieler-Restaurant in Hollywood, aber eines konnte bzw. wollte er nicht: den finsteren Zirkusdirektor spielen, wie eigentlich vorgesehen. Er empfand sich selbst dafür als „zu dick und zu ulkig“ und bekam die Rolle des alten Clowns.

Zu den großartigsten Momenten des Films gehört das Finale. Als der Zirkus weiterzieht, laden die dankbaren Frischvermählten Charlie ein, in ihrem Wagen mitzureisen. Er möchte nicht stören, also schickt ihn der Direktor in den letzten Wagen. Der Tross setzt sich in Bewegung, und als der besagte Zirkuswagen ihn passiert, springt Charlie – der langsam nebenhergelaufen ist – nicht auf. Er bleibt im nunmehr freigelegten Rund der Manege zurück und findet im Sägemehl den Papier-Rest aus einem der Reifen, durch den das Mädchen gesprungen ist. Er zerknüllt das Papier und geht seiner Wege.
Carol Reed hat dieses Prinzip einer stummen Konsequenz, die jeder Zuschauer für sich selbst erfährt, am Ende seines Dramas „Der dritte Mann“ ebenfalls zur Anwendung gebracht – mit dem gleichen grandiosen Effekt.

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Ein Überblick über das, was im fertigen Film fehlt: Auszug aus dem Bonusmaterial der Laserdisc „The Private Life Of Sherlock Holmes“ (Image Entertainment ID7413MG)

Billy Wilder hatte die Rechte schon Ende der 50er von den Doyle-Erben erworben und spielte zeitweilig mit dem Gedanken, ein Musical daraus zu machen. 1963 sagte er der Presse: „Die drei besten fiktiven Charaktere der Leinwand sind Robinson Crusoe, Tarzan und Sherlock Holmes, und bisher ist keiner von ihnen in einem anständigen Film aufgetreten!“ Er wollte diese Lücke zumindest zu einem Drittel schließen und den  Abgründen des letzteren Helden auf die Spur kommen, den Ursachen für dessen Verschrobenheit, Drogensucht und Misogynie. Zum damaligen Zeitpunkt wünschte er sich Peter O’Toole und Peter Sellers für die Hauptrollen. (Mit Sellers sollte er sich noch im selben Jahr im Rahmen eines anderen Projektes nachhaltig überwerfen.)
Jahre gingen ins Land, in denen u.a. „The Fortune Cookie“ entstand, bis Wilder und sein Partner I. A. L. Diamond ein Drehbuch erarbeitet hatten, mit dem er ans Werk gehen wollte.

„Das Privatleben des Sherlock Holmes“ ist einer von Billy Wilders wenigen Kostümfilmen.* Dr. Watson (Colin Blakely), sein eigentlicher Held, erzählt uns aus dem Off eine Geschichte, die er aus Gründen der Diskretion und Delikatesse dem Publikum einst lieber vorenthalten hat. Nach einer kurzen Episode mit einer russischen Ballerina, die Holmes (Robert Stephens) zum Vater ihres Kindes machen möchte, wird eine vor dem Ertrinken gerettete Frau (Geneviève Page) bei ihm abgeliefert, die ihr Gedächtnis verloren hat. Um ihr Geheimnis zu lüften, reisen Holmes und Watson nach Schottland, wo sie zunächst glauben, mit dem Ungeheuer von Loch Ness Bekanntschaft zu machen. Das Monster entpuppt sich als getarnte Geheimwaffe der britischen Marine, an deren Entwicklung Holmes‘ Bruder Mycroft (Christopher Lee) beteiligt ist, – und die junge Frau als feindliche Agentin, der es einige Zeit gelungen ist, den Meisterdetektiv hinters Licht zu führen.
Zwei Vorzüge krönen dieses leise Drama: der lebensfrohe und an seinem grüblerischen Freund mitunter verzweifelnde Watson-Darsteller Colin Blakely (der in der Synchronfassung von Harald Juhnke feinfühlig nachempfunden wird und dem ein Großteil der humorvollen Momente des Films zufällt) und die Filmmusik von Miklós Rózsa, die auf dessen Violinkonzert basiert.

Der Film war eine auf dreieinhalb Stunden angelegte Roadshow-Produktion**, musste aber auf Drängen des Verleihs auf zwei Stunden gekürzt werden. Die Komplettfassung mit dem Aufkleber „Director’s Cut“ werden wir in diesem Falle nicht erleben. Aus Gram über den Ärger mit dem Film (der ihm sehr viel bedeutete und den er mehrfach als „seinen Liebsten“ bezeichnete) und seinen Misserfolg ließ der Regisseur das Material umkommen. Als Image Entertainment im Jahre 1994 ein Laserdisc-Doppelalbum mit einer rekonstruierten Fassung von „The Private Life Of Sherlock Holmes“ herausbrachte, waren von den fehlenden Passagen nur Fragmente aufzutreiben: vom ersten der vier Kapitel „The Curious Case Of The Upside Down Room“ existierte nur noch die Tonspur, vom dritten Kapitel „The Dreadful Business Of The Naked Honeymooners“ der tonspurlose Filmstreifen, der für diese Veröffentlichung untertitelt wurde. Es ist umso erstaunlicher, dass selbst der gekürzte Sherlock Holmes ein echter Billy Wilder ist: ein makellos konstruiertes Drehbuch.

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* In der Fernsehzeitung steht üblicherweise „Engl. Krimikomödie“, was falsche Erwartungen weckt. „The Private Life Of Sherlock Holmes“ ist leises Drama mit einer unerfüllten Liebesgeschichte und kleinen Grusel-Effekten, in dessen Dialogen immer wieder der Wilder-typische Humor aufblitzt. Er ist auch keineswegs eine Holmes-Parodie, wie man mitunter liest. Die Unmöglichkeit, ihn einem Genre zuzuordnen, hat es dem Film nicht leichter gemacht.
** Im heutigen Zeitalter des „Blockbuster“-Kinos sind große Budgets und Überlängen der Normalfall. In den 60er Jahren waren immerhin die Hälfte der Oscar-Gewinner für den „Besten Film“ Großproduktionen. In dieser Liste fanden sich auch einige stargespickte Komödien, die die kommerziellen Erwartungen erfüllten: „It’s A Mad, Mad, Mad, Mad World“, „The Great Race“ und „Those Magnificent Men In Their Flying Machines“. Ende der 60er führten kostspielige Musical-Flops wie „Star!“, „Paint Your Wagon“ und „Hello, Dolly!“ zum Ende der Roadshow-Ära. Das war der Zeitpunkt, zu dem Wilder mit seinem aufwändigen Holmes aus dem Atelier kam.

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Die Geschichte der Minidisc dauerte nur knapp zehn Jahre. Wäre diese Technik früher eingeführt worden, hätte sich meine Generation nicht mit Compact-Cassetten herumärgern müssen: bedienungsfeindlichen, Bandsalat-anfälligen und sich irgendwann intern auflösenden Plastikschachteln, die überdies eine räudige Tonqualität hatten. (Ich habe sie gehaßt, aber wir hatten ja nichts anderes …)

Auch die Geschichte des Home-Videos hat ein tragisches Kapitel. Den Multimedia-Tonträger, der der DVD vorangegangen war, hat der größte Teil der Bevölkerung völlig verpaßt: die gläserne Laserdisc (bildschön und zerbrechlich). Sie war mit ihrer Langspielplattengröße von 30 cm etwas unhandlich, aber ihre Bild- und Tonqualität übertraf bei Weitem alles, was damals für den Privathaushalt zugänglich war.
In der TV-Serie „Die Sopranos“ wird die Behauptung aufgestellt, die Laserdisc hätte das bessere Bild, dafür aber einen etwas schlechteren Ton zu bieten als die DVD – diesen Ganoven ist nicht über den Weg zu trauen, es war genau umgekehrt. Die „LD“ war in Japan und den USA für einige Zeit wirklich auf dem besten Wege beim Verbraucher Karriere zu machen, denn das internationale Angebot an Filmklassikern wie auch an Neuerscheinungen war beachtlich. Der deutsche Markt verschlief diese Entwicklung – unsere Scheiben waren zu teuer (um die 85 Mark), und das Angebot war viel zu klein und beliebig ausgesucht. Die Genres, die am ehesten von den technischen Vorzügen hätten profitieren können, wurden fast nicht bedient: Konzertfilme bzw. Musicals und Action- / Science-Fiction-Filme mit ihren Sound-Effekten und ihrer futuristischen Ausrichtung. Im Übrigen hätte eine beherzte Herausgabe solcher Sujets wie „Star Wars“ und „Star Trek“ viele zu Fans dieser Technik gemacht. Stattdessen wurden ärgerliche Alternativen auf dem Markt ausprobiert, wie zum Beispiel die chancenlose CD-i. Diese hatte zwar die handliche Größe einer CD, bot aber eine Qualität die schlechter (!) war als die einer VHS-Videocassette.
Die Laserdisc hatte nur in Karaoke-Bars Konjunktur (vom User unbemerkt) sowie bei den Liebhabern und Sammlern ungeschnittener Erotik-, Splatter- und Actionware in der Originalfassung, die man aber aufgrund ihres NTSC-Formates auf deutschen Geräten nicht abspielen konnte.
George Lucas war Laserdisc-Fan. Kurz nach der Uraufführung der heißerwarteten „Star Wars – Episode 1“ konnte man das Werk nur auf Laserdisc erwerben, früher als irgendwie und irgendwo sonst. Dies war ein nostalgischer Akt, ein letzter Gruß: Zu diesem Zeitpunkt hatte die große Scheibe aber längst keine Chance mehr.

Besonders betrüblich ist das schlechte Timing bei einer Maschine, die vor etwa 30 Jahren angekündigt wurde: den Plattenspieler mit Laser-Nadel. Auch im gerade beginnenden CD-Zeitalter wäre dieses verschleiß- und knisterfreie Gerät der Stephanshausener Firma WBS eine hochwillkommene Anschaffung gewesen, zumal ja die Platte aus Vinyl nicht völlig totzukriegen war, wie wir heute wissen. Der Apparat sollte im Januar 1987 auf den Markt gebracht werden, aber es kam niemals dazu.

Der Beitrag Auf dem Edelschrottplatz der Geschichte erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..