Der Beitrag Mantovani Forever erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Name Percy Faith klingt heute weniger vertraut als die anderer Bandleader bzw. Orchesterleiter, die ihr Publikum mit den Ende des 20. Jahrhunderts recht populären instrumentalen Cover-Versionen großer Chart-und Kinohits erfreuten. Doch wer die betreffenden Scheiben noch mal auflegt, stellt fest, dass Faiths Arrangements zumeist wagemutiger und einfallsreicher waren als die von Frank Chacksfield, Mantovani oder Ray Conniff. Allenfalls Henry Mancini – der solche Tonträger ausspuckte wie eine Kette von Würstchen und der außerdem und zuallererst ein fleißiger Filmmusik-Komponist war – war ähnlich kreativ.
Hin und wieder verstand Faith einen Song besser als der Originalinterpret – mir unvergesslich: seine definitive Umsetzung von „Enter The Dragon“, einem Bruce-Lee-Titelthema von Lalo Schifrin. Oder er ließ ein Nebenwerk zum Showstopper aufblühen. Der Titelsong für das  Marlon-Brando-Vehikel „Sayonara“ war eine Komposition der Musical-Legende Irving Berlin, die dem Komponisten Franz Waxman aufgenötigt worden war, da man ihm nicht zutraute einen Film-„Hit“ für die Single-Charts zu komponieren (- eine Frechheit, denn Waxman hatte sein Talent als Songschreiber schon in seinem Berliner Vorleben unter Beweis gestellt). Faith fischte das „Katsumi Love Theme“ aus Waxmans sinfonischem Soundtrack und widmete ihm eine Neuinterpretation, die vielleicht sogar das Liebespaar auf der Leinwand in Stimmung gebracht hätte.

Percy Faith hat auch selbst Filmmusik geschrieben. Neben dem naturgemäß vielgespielten Vorspannmotiv für die Westernserie „Die Leute von der Shiloh Ranch“ waren das zumeist Incidentals für Musical-Songscores wie „Love Me Or Leave Me“. Als richtiggehender Soundtrack-Komponist konnte er sich bei „The Oscar“ präsentieren, wo er die klassischen Disziplinen – Song / dramatisches Underscoring / Easy Listening Source – souverän meisterte. Doch ganz offensichtlich gab er lieber fremden Ideen den entscheidenden Schliff. Seine Version von Max Steiners „Theme from A Summer Place“ wurde ganz unabhängig vom Film zu einem weltweiten Ohrwurm und allein in der Bundesrepublik für ein knappes Dutzend Rundfunk- und TV-Sendungen als Titelmusik ausgewählt.

Der Beitrag Percy Faith – Der schimmernde Zweite erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Warnhinweis: Allen Musical-Fans, die älter als 35 sind oder aus den USA stammen, wird dieser Text inhaltlich nichts Neues berichten. Er entstand aus gegebenem Anlass.

Der Dean Martin-Biograph Nick Tosches nannte vor knapp 25 Jahren den Orchesterleiter Mantovani als exemplarisches Beispiel für den seichten Kitsch, unter dem die Kultur des Abendlandes in der amerikanischen Popkultur begraben wurde. Mantovanis allergrößter Hit, die Instrumentalschnulze „Charmaine“**, würde von einem jugendlichen Zuhörer des mp3-Zeitalters vermutlich für ein Stück klassischer Musik gehalten – was die Einordnung von Mr. Tosches gewissermaßen unterstreicht.
Aus meinen Gesprächen mit hiesigen Musical-Darstellern und meinen Studenten weiß ich, dass vielen von ihnen nicht bewusst ist, dass sie sich mit ihrer Kunst im Bereich des Camp befinden, einer Sparte unserer Unterhaltungsindustrie, die einem Großteil der Bevölkerung ein wenig unheimlich ist und die vom Rest genau dafür geliebt wird*** – im Gegensatz zu amerikanischen Kollegen, die sich über dieses Phänomen im Klaren sind. Der Hinweis, dass das Musical von außen betrachtet einen schwulen Touch hat (ähnlich wie das der Hochkultur zugehörige Ballett), wird von einigen von ihnen sogar als Angriff empfunden.

Seit den Ursprüngen des Genres im frühen 20. Jahrhundert gilt: Ein Musical muss einen schwulen Blickwinkel zumindest zulassen, will es gelingen und ein großes Publikum begeistern. (Von einem angestrebten Klassiker-Status will ich gar nicht erst anfangen, aber die Versuchung ist groß!)  Schließlich ist der Großteil seines Publikums weiblich oder schwul. – Das mag man beklagen, aber so sieht es aus! Autoren wie Cole Porter, Lorenz Hart, Leonard Bernstein oder Stephen Sondheim brachten das naturgemäß mit, aber auch die heterosexuellen Produzenten und Geldgeber des Genres dürften um dieses besondere Stimulans gewusst haben. Selbst in einem Unternehmen, das den Namen seines überaus konservativen Urvaters trägt, entstand eine Unzahl musikalischer Buddy-Movies, die heute vielfach auf die Bühne gefunden haben oder das alsbald tun werden: eine Grille, die einem hölzernen Bengele beisteht; ein großer, dicker Bär, der einen ahnungslosen indischen Teenager vor mehreren männlichen Nebenbuhlern beschützt, die diesen (zum Teil buchstäblich) vernaschen möchten; ein fliegender Junge, der es vollbracht hat, nicht mehr zu altern … Bezeichnenderweise war „Sleeping Beauty“, in dem dieser Twist weitgehend fehlt, in der Erstauswertung einer der wenigen Trickfilm-Flops von Walt Disney (trotz Breitwand und Stereoton). Der heiterste Abend, der sich zurzeit in einem  deutschen Musical-Theater erleben lässt, handelt von einem offensichtlich schwulen Dschinni, der dem appetitlichen Helden seine Zauberkunst zu Füßen legt. Die augenblicklich erfolgreichste Produktion der Branche wiederum hat eine intrigante Tunte zum Schurken, die auf den schrillen Kaiser Caligula aus Henry Kosters „The Robe“ verweist (- wenn dieser Bursche im Laufe der Zeit auch etwas ruhiger geworden ist). Dass die großen Broadway-Diven sämtlich auch (oder vor allem) Schwulen-Ikonen gewesen sind, ist eine Gesetzmäßigkeit, die sich von Ethel Merman über Bette Midler und Bernadette Peters bis hin zu Kristin Chenoweth beobachten lässt. Judy Garland wäre ohne ihre homosexuellen Fans (nicht zu reden von ihrem homosexuellen Regisseur und Ehemann Vincente Minnelli) schlichtweg nicht vorstellbar. Im Musical sind es mehrheitlich weibliche Stars, die Geschichte gemacht haben – im Unterschied zu Film, Fernsehen und Theater.
Selbstverständlich ist es jedem Betrachter freigestellt, diesen Aspekt zu übersehen, zu vernachlässigen oder gar zu negieren. In den wenigsten Shows tritt dieses Sujet als Thema des Abends in Erscheinung – in der harmlosen Verkleidungsklamotte „La Cage Aux Folles“ etwa oder in der „Rocky Horror Show“, wo die Furcht des Spießbürgers vor der Entfesselung der eigenen (Bi-)Sexualität als Unbehagen gegenüber Außerirdischen verkleidet wird. In „Hairspray“ hat sich das homosexuelle Moment der Filmvorlage von John Waters fast vollständig aufgelöst – obwohl die Adaption in den Händen von Harvey Fierstein lag, der den tragenden Part der Edna Turnblad in der Urbesetzung noch selbst gespielt hat.

Als DarstellerIn der Branche sollte man diesen Mechanismus (an)erkennen – unabhängig davon, ob man ihn persönlich teilt. Von Karl Kraus wissen wir, dass der Wurm dem Fisch zu schmecken hat und nicht dem Angler.
– Zumal schwul nicht die einzige Bedeutung des Wortes gay ist.

______________________
* Song aus dem Musical „The Producers“
** Dieser Titel wird in dem Film „Einer flog übers Kuckucksnest“ in der Klapsmühle gespielt, um die Insassen einzulullen, siehe dazu auch den vorgestrigen Blog https://blog.montyarnold.com/2016/11/13/lufthoheit-ueber-dem-kuckucksnest/
*** Sie dazu auch https://blog.montyarnold.com/2014/10/04/eskapismus-fuer-geniesser-was-ist-camp/

Der Beitrag „Keep It Gay, Keep It Gay, Keep It Gay!“* erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Wie ich höre, sind Spotify und Simfy wegen durchlässiger Filter in die Kritik geraten – im Stream befinden sich allerhand braune Bröckchen, wie „Computer BILD“ berichtet. Das kann nun wirklich niemanden überraschen, ist es doch gerade mal die jüngste Horrormeldung aus dem Cyberspace, jener finsteren Dimension voller dräuender Gefahren und tödlicher Geheimnisse. Selbst wer sich dem legalen musikalischen Download-Angebot aussetzt, watet unversehens knietief durch ein amoralisches Schattenreich. Da ist zunächst einmal die Mogelpackerei: „Alexander’s Ragtime Band“ ist kein Ragtime, „Waltzing Matilda“ kein Walzer, die „Dreigroschenoper“ keine Oper und Ron Goodwins „London Serenade“ keine Serenade. In Herb Alperts „Work Song“ singt überhaupt keiner, und in Schostakowitschs „Jazz Suite“ wird nicht ein einziger Takt gespielt, der irgendwas mit Jazz zu tun hätte. – Und dann wird auch noch ständig geklaut, aber das gehört im Internet ja wohl zum guten Ton. Und selbst unter den Künstlern, die die zu plündernden Schätze geschaffen haben, ist kaum ein creator ex nihilo. 

Die dreistesten Plagiate der Oper und Operette haben sich ja mittlerweile herumgesprochen – so läßt Paul Abraham das „Bachstelzenlied“ aus Gilbert & Sullivans „Mikado“ als „Good Night!“ in „Viktoria und ihr Husar“ wieder aufleben, macht Werner Richard Heymann aus Johann Strauß‘ Intermezzo aus „1001 Nacht“ „Du bist das süßeste Mädel der Welt“ und legt Emmerich Kálmán die ersten zehn Töne von Verdis „Aida“ in einem Refrain der „Csardasfürstin“ wieder auf: „Das ist die Liebe, die dumme Liebe“. Aber auch in der populären Musik der 20. Jahrhundertmitte gibt es schamlose Beispiele wuchernder Kleptomanie. So kehrte der Hans-Albers-Schlager „Goodbye Johnny“ wenig später als Hymne der Ostzone wieder. Auch an George Harrison wollen wir uns erinnern, dessen Song „My Sweet Lord“ gegen den Vorwurf verteidigt werden mußte, einem Lied namens „He’s So Fine“ zu ähnlich zu sein. Ärgerlicherweise war das Lied von George Harrison aber viel hübscher. Um den „Nature Boy“, einen frühen Hit für Nat ‚King‘ Cole, gab es einen jahrelangen Rechtsstreit, dessen Sieger heute in den Credits steht: Eden Ahbez. Somit bleibt auch der Verdacht an ihm kleben, die prägnante Tonfolge zu Beginn bei Antonín Dvořák gefunden zu haben, und zwar in der „Dumka“, im zweiten Satz von dessen „Quintett für Klavier für Violinen, Viola und Violoncello A-Dur, op 81“, Andante con moto.
Mantovanis „Piccolo Bolero“, der im Hintergrund des Loriot-Sketches „Das schiefe Bild“ zu hören ist, klingt wie eine knapp an der GEMA vorbeigeklaute Version von Ravels großem „Bolero“. Der Titel klingt wie eine vorauseilende Entschuldigung, die offenbar angenommen wurde.
Ähnlich anarchisch geht es im Musical zu. Stephen Sondheim klaute für sein Musical „Sweeney Todd“ und dessen Song „The Worst Pies In London“ ausgerechnet eine längere Tonfolge aus „Tomorrow“, dem großen Hit des Erfolgsmusicals „Annie“ – das der insgesamt weniger produktive Charles Strouse wenige Jahre zuvor komponiert hatte. Irving Berlin gefiel sein eigener Hit „White Christmas“ so gut, dass er die ersten Töne des Refrains auch als Titelzeile für „It Only Happens When I Dance With You“ recycelte.
Und Hollywood? Ein Abgrund! Sogar Charlie Chaplin geriet auf seine alten Tage noch (einmal) auf die schiefe Bahn: sein letztes Filmthema „This Is My Song“ ist eben nicht seiner sondern beim knapp 30 Jahre älteren Max-Steiner-Motiv „It Can’t Be Wrong“ abgeschrieben, das im Bette-Davis-Film „Now, Voyager“ zu hören war. Chaplin sagte immer, er habe es seinem lange gehegten Opernprojekt entrissen und diesen Traum damit auch ad acta gelegt.
Die festliche Vorspann-Musik zu Hitchcocks „Frenzy“ (wiederum Ron Goodwin) klingt schon etwas nach „Morgen kommt der Weihnachtsmann“. Aber jetzt halten’ sich fest! Die ersten drei Refraintöne der Jahrhundert-Kinoschlager „Moon River“ (Henry Mancini, 1961) und „Goldfinger“ (John Barry, 1964) sind identisch! Hätten Sie’s gemerkt?
Kommen wir zum Deutschen Fernsehen. Die ersten Töne des Verses von „My Rifle, My Pony And Me“ – das Lied, das Dean Martin und Ricky Nelson in einer Kampfpause in „Rio Bravo“ singen – waren ab 1983 das Jingle der neu designten ARD.
Es gab auch einen inoffiziellen Text dafür:

Doch das alles ist eine Wissenschaft für sich. Das allseits beliebte Marilyn-Monroe-Video „Diamonds Are A Girl’s Best Friend“ aus Jule Stynes „Gentlemen Prefer Blondes“ kehrte in „I Love Melvin“ kurz darauf als „A Lady Loves“ wieder … das heißt, das war eigentlich kein musikalisches Plagiat. Es war eher ein inszenatorischer Nachbau … mit deutlichen Anleihen bei „The Great Lady Has An Interview“ aus „Ziegfeld Follies“ … einer Nummer, die wiederum bei Kurt Weill geklaut ist, bei der Eröffnungsnummer von „Lady In The Dark“ – Puh, so ein Cyberkrimineller muß aber wirklich den Überblick behalten, sonst geht auf einmal alles drunter und drüber … und am Ende komponiert er aus Versehen noch selber was. Das wäre dann aber wirklich ein Verstoß gegen die guten Sitten des Internet-Zeitalters.

Der Beitrag Sei schlauer als der Klauer erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..