Das modische Adjektiv „umstritten“ trifft auf den Film „Marnie“ in besonderer Weise zu, wenn es auch kein handfester Streit war, der um ihn getobt hätte. Die widersprüchlichen Bewertungen verteilen sich über 50 Jahre. Als spitzfindiges Melodram, das auf eine Reihe unvorstellbarer Triumphe bzw. Klassiker des Regisseurs Alfred Hitchcock folgte  – „Vertigo“, „North By Northwest“, „Psycho“ und „The Birds“ – wurde er zunächst sehr ungnädig aufgenommen. Er wurde in technischer Hinsicht als schlampig beschimpft, als unbeholfenes Tapsen in Freud’schen Revieren und als in der Titelrolle fehlbesetzt.

Nur Pferden gibt man den Gnadenschuss: ‚Tippi‘ Hedren nach dem Ritt durch eine vieldiskutierte Rückprojektion. 

Das Finale – eine als Schlüsselszene angelegte Rückblende voll Blut und Donnergrollen – kommt in der Tat nicht ganz zur Höhe der früheren Szenen hinauf. Das hängt aber auch damit zusammen, dass es bereits zuvor Situationen gibt, die das problematische Verhältnis zwischen Mutter und Tochter sehr drastisch und ganz ohne Effekte schildern, so z.B. die Zuneigung, die Marnies Mutter lieber dem Töchterchen anderer Leute entgegenbringt.
Noch 1979 erblickten die Biographen Robert A. Harris und Michael S. Lasky in „Marnie“ „den schaurigen Tiefpunkt des Hitchcock’schen Œuvres“.
Danach tat sich langsam der zeitliche Abstand auf, der eine gelassenere Neubewertung möglich macht.
Die gemalten Hintergründe und verwaschenen Rückprojektionen wurden nun als Beiträge zu einer unwirklichen Atmosphäre gelesen, und man begann Aspekte zu schätzen, die Mitte der 60er ziemlich unspektakulär gewirkt haben dürften: die famosen Dialoge (besonders im ersten Akt), die fehlende political correctness in der Darstellung des Geschlechterkampfes, die bestrickende Musik von Bernard Herrmann, die Technicolor-Farben …

Wer nun der nun der literarischen Vorlage lauscht, wird einige Abweichungen feststellen. Eine davon ist auf den ersten Blick etwas verdächtig. Im Buch von Winston Graham ist der ungeliebte Verehrer ein älterer Herr, im Film hingegen der sexiest men alive seiner Zeit Sean Connery, der überdies um diese Zeit im dritten James-Bond-Abenteuer „Goldfinger“ den internationalen Durchbruch schaffte.
Selbstverständlich ist es trotzdem möglich, dass eine Frau nicht mit ihm schlafen möchte und sich von seiner besitzergreifenden Brautwerbung bedrängt und abgestoßen fühlt. (Die homosexuelle Drehbuchautorin Jay Presson Allen wurde später für einen Dokumentarfilm gefragt, ob es ihr gar nichts ausgemacht habe, dies aus einer so männlichen Perspektive zu erzählen und meinte nur achselzuckend, darüber habe sie gar nicht weiter nachgedacht.)
Davon erzählt der Film ohne falsche Romantik.
Und davon erzählt das verblüffende Erlebnis eines Textes, vom man beinahe gedacht hätte, er könnte unmöglich von einem Mann vorgetragen werden.

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Wenn früher der runde Geburtstag eines wichtigen Synchronsprechers in der Presse gewürdigt wurde, fehlte nie der Hinweis, der Kollege betrachte sich ja in erster Linie als Schauspieler. Auch die wirklich großartigen Vertreter fühlten sich notorisch unterschätzt und für das Falsche gelobt, wenn die Sprache auf ihre Leistungen am Mikrofon kam.
Heinz Drache übte diese Tätigkeit nur in ausgewählten Fällen aus, und er war ein ganz besonders guter Synchronschauspieler. Das ist schon daran zu erkennen, dass wir ihm in „Marnie“ unvertrauterweise sogar Sean Connery abgenommen haben. Er sprach für Trevor Howard im Klassiker „Der dritte Mann“ und war – wenn auch nur im Fernsehen – die unübertroffene Traumbesetzung für Charlton Heston, der ungeachtet seines Ruhmes keine feste deutsche Stimme hatte (und häufig eine völlig unpassende). Okay: man konnte ihn auch fehlbesetzen – z.B. als Gene Kelly in „Wer den Wind sät“, den arte morgen abend ausstrahlt.

https://www.arte.tv/de/videos/086680-010-A/wer-den-wind-saet-von-stanley-kramer-ein-film-eine-minute/

Naturgemäß müssen Heinz Draches konservierte schauspielerische Leistungen in „Opas Kino“ – auf der Bühne habe ich ihn nie gesehen – gegen so viel Hollywood-Glamour etwas abrutschen. In jenen bleiernen bleiernen Jahren ermittelte er in Francis-Durbridge- und Edgar-Wallace-Krimis, später in den nicht weniger beknackten Sfb-Tatorten.
Es waren aber nicht nur die Verhältnisse, die Heinz Drache ausbremsten, er war schon auch selber schuld.
Seine freiwillige Gesichtslähmung („Understatement“ nannte man das in der Fernsehzeitung) sollten wir ihm angesichts des gleichzeitigen Erfolges von Lino Ventura und Charles Bronson nicht verübeln. Und dass Heinz Drache immer nur das selbe (sich selbst?) spielte? Das haben viele andere Publikumslieblinge auch getan. Doch während sich über Archetypen wie den ewigen Draufgänger Jean-Paul Belmondo oder das autoritäre Dauer-Ekel Louis de Funès viel erzählen lässt, gab es für das Konzept Heinz Drache keinen vergleichbaren Bedarf. Nur wenige Filme handeln von einem altbackenen, unsagbar eitlen Bühnenschauspieler, der statt „Schwein“ vermutlich „Scha-wein“ sagt, sobald sich seine Stimme hebt. (Seiner Synchronarbeit lauschend – ohne in selbst zu erblicken – käme ich nie auf einen solchen Gedanken!) Sowohl seinen Kommissarfiguren als auch Drache selbst hätte ich jederzeit zugetraut, seitenweise aus dem „Wallenstein“ zu zitieren – oder auf Zuruf auch aus jedem anderen Reclam-Heft. Aber wäre so jemand in der Lage, einen Kriminalfall lösen? Vor allem im Alter war er derartig übermanikürt und herrenausgestattet, dass die Krimi-Spannung nur aus einer einzigen bangen Ahnung bestehen konnte: hoffentlich taucht jetzt kein Gangster mit schmuddeligen Fingern auf, der seinen frisch gebügelten Trenchcoat antatscht.
Dieses Schicksal ist Heinz Drache stets erspart geblieben, soweit ich mich erinnere.

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Mit dem Soundtrack für den nächsten Film „Vertigo“ – der gegenwärtig „Citizen Kane“ (einen weiteren Film mit der Musik von Bernard Herrmann) als offiziellen „besten Film aller Zeiten“ abgelöst hat – gab es Probleme. Wegen eines Musikerstreiks konnte er nicht wie üblich in den USA eingespielt werden. Man wich nach London aus, doch auch dort wurden die Aufnahmen aus Solidarität mit den Kollegen aus den USA abgebrochen und schließlich in Wien beendet – erst in stereo, dann in mono. Bernard Herrmann war damit schon deshalb unzufrieden, weil er den Score nicht selbst dirigieren konnte. Das übernahm Muir Mathieson.

Es folgte „North By Northwest“ – jener heitere Thriller, der als Vorlage der bald darauf beginnenden Ära des britischen Agentenkrimis dienen sollte und bei dem es Herrmann noch einmal gelang, die Forderung nach einem poppigen Titelsong abzuschmettern* -, „Psycho“ – der erste moderne Horrorfilm -, und das Thriller-Melodram „Marnie“, das erst Jahre nach seiner enttäuschenden Erstauswertung als Geniestreich anerkannt werden sollte. Davor liegt noch „The Birds“, ein Film ohne Filmmusik im eigentlichen Sinne. Herrmann oblag es, die mit einem Trautonium erzeugten Klang-Effekte des Berliner Elektronik-Pioniers Oskar Sala mit musikdramaturgischem Geschick in den Film einzuarbeiten.

Eröffnungsseite der Partitur von „Vertigo“

Im Jahre 1966 setzte sich für Hitchcock die Reihe kommerzieller Fehlschläge fort, die mit „Marnie“ begonnen hatte, und diesmal ließen die verantwortlichen von Universal Pictures nicht mit sich reden. Sie verlangten einen „großen Pop-Song“, dessen Chart-Erfolg dem Film helfen sollte.
Widerwillig ließ sich der Regisseur darauf ein, Herrmann einen „altmodischen“ sinfonischen Score schreiben zu lassen. Als ihm die unheilschwangere Musik vorgeführt wurde, brach er beim zweiten Titel ab und bezahlte Herrmann aus eigener Tasche aus, um den Auftrag anderweitig zu vergeben.
Die Demütigung überstand die Partnerschaft der beiden nicht.

Der überaus fähige John Addison sollte bei „Torn Curtain“ an Herrmanns Stelle treten. Er lieferte den gewünschten Song – und „Green Years“ ist heute nur beinharten Hitchcock-Fans ein Begriff. Jahre später ersetzte John Addison  Bernard Herrmann erneut und schrieb die Musik für „The Seven-Per-Cent-Solution“. Diesmal war es der Todesfall des Kollegen, der zu der Umbuchung führte.
In die Jahre mit Hitchcock fällt auch Bernard Herrmanns Arbeit für ein legendäres TV-Programm: „The Twilight Zone“.

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* Eine nähere Betrachtung dieser Arbeit findet sich unter https://blog.montyarnold.com/2021/08/06/bernard-herrmann-north-by-northwest/

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Herrmanns Oper „Wuthering Heights“ findet eine klangpoetische Entsprechung ebenso für die entfesselten Naturgewalten wie für den Aufruhr in den Herzen seiner Helden. Stilistisch steht das Werk in der Nachfolge von Debussys symbolischen Drama „Pelleas et Melisande“ und geht seinerseits den Opern von Benjamin Britten und Gian Carlo Menotti voraus. Anklänge an Herrmanns eigene Filmmusik „Jane Eyre“ und „The Ghost And Mrs. Muir“ sind herauszuhören, und der heutige Musikfreund vernimmt bereits eine Andeutung von „Marnie“ und „Vertigo“.

„Wuthering Heights“ geriet zu einem künstlerischen Erfolg, wenn die Verbreitung des Werks dem Komponisten auch in den verbleibenden Lebensjahren manche Frustration bereitete. Der 1950 fertiggestellte Vierakter wurde erst 1982 – sieben Jahre nach Herrmanns Tod – von der Portland Opera (Oregon) erstmals aufgeführt. Die zeitgenössische Opernbühne war mit trendigeren Produktionen beschäftigt: den Werken von Boulez, Cage und Stockhausen. Bernard Herrmann selbst finanzierte später im englischen Exil eine Studio-Einspielung, die er als LP-Box ausfertigte, um damit hausieren zu können, ehe die Oper 1972 vom „Unicorn“-Label veröffentlicht wurde. 20 Jahre später erschien diese Aufnahme auch auf CD.
War Herrmanns Arbeit der damaligen Opernwelt zu „klassisch“, so ging er im Film keinem stilistischen Experiment aus dem Weg und wurde dort zu einem wirklichen Erneuerer des Orchestersounds.

Mit „On Dangerous Ground“ kehrte er 1951 auf die Leinwand zurück, einem späten Beitrag zum Film Noir. Acht Hörner begleiten eine Verfolgungsjagd mit einem boshaften Jagdmotiv, der Track heißt folgerichtig „Death Hunt“.
Im Anschluss schuf Herrmann einen Soundtrack von immensem Unterhaltungswerk für einen Klassiker des Science-Fiction-Genres: „The Day The Earth Stood Still“, ein von Robert Wise formulierter Friedens-Appell, der im Eröffnungslied der „Rocky Horror Picture Show“ beschworen wird.
Klaatu, ein außerirdischer Diplomat, wird in Begleitung seines gewaltigen Roboters Gort zu Erde geschickt, um die Machthaber zur Aufgabe ihrer atomaren Bewaffnung zu bewegen. Sein Vorschlag einer „interstellaren Föderation“ (12 Jahre vor dem ersten „Raumschiff Enterprise“-Pilotfilm) wird zurückgewiesen und Klaatu niedergeschossen. Das setzt den Androiden Gort in Tätigkeit, und die Welt wird – wie im Titel angekündigt – angehalten. Eine beherzte Erdenfrau muss die Sache geradebiegen – mit Hilfe eines Codeworts für Gort, das ihr der Fremde mitgab und das sie selbst nicht versteht.
Bernard Herrmann begleitet dieses Geschehen mit Piano, Harfe, Schlagwerk und düsteren Blechbläsern, denen E-Gitarre, elektrische Violine und Theremin zu Hilfe kommen, das unverzichtbare Musikinstrument für jede unheimliche Begegnung der Dritten Art. Unmittelbar nach der Ouvertüre erklingt das „Radar“-Motiv, in dem Herrmann der „Minimal Music“ frönt, die später Steve Reich und Philip Glass für sich reklamieren sollten.

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Alfred Hitchcocks quasi restlose Anerkennung als Klassiker und ihre Erhebung in den Sprachgebrauch fiel mit dem Moment zusammen, da die Medienbevölkerung jederzeitigen Zugang zu einem Großteil der Filmkunst per tragbarem Gerät errang – auch zu der von Hitchcock. Leider entsagte das Publikum zur selben Zeit dem Konsum „alter Filme“ und der Lektüre von Botschaften, die 160 Zeichen übersteigen. Kaum ein Filmfreund unter 30 hat überhaupt einen Hitchcock-Film vollständig angesehen – diese Statistik mag nicht repräsentativ sein, aber es ist sehr eindrucksvoll, sie immer wieder persönlich zu erheben und zu aktualisieren.
Macht diese bedrückende Ausgangssituation nicht auch die Frage nach den Fehlschlägen des Meisters Hitchcock überflüssig? Keineswegs.
Als sein schlechtester Film gelten allgemein das Frühwerk „Riff-Piraten“ und „Der zerrissene Vorhang“, einer seiner letzten. „Marnie“ war lange Zeit umstritten, ehe er allgemein den Ruhmestaten zugeordnet wurde, auch „Vertigo“ wird höher und höher geschätzt, je länger er zurückliegt.
Doch gibt es hier eine allgemeine Tendenz?
In Frank Noacks brillantem, backsteindickem Buch über den NS-Regiestar Veit Harlan (ein ungemein fairer, gut recherchierter und gleichsam hochspannender Feuilleton-Abenteuerschinken) fand ich auf Seite 383f folgende grundsätzliche Überlegung zu diesem Thema:

Das große Spätwerk, mit dem Dichter, Maler und Komponisten ihre Laufbahn beenden, ist scheidenden Filmregisseuren in der Regel nicht vergönnt. Statt sich zu steigern, verfallen sie in Routine und Resignation. Dass sich Cecil B. DeMille („Die zehn Gebote“, 1956), Douglas Sirk („Solange es Menschen gibt“, 1959) und Pier Paolo Pasolini („Die 120 Tage von Sodom“, 1975) auf grandiose Weise vom Kino verabschiedet haben, muss als Ausnahme angesehen werden, die traurigen, bestenfalls noch akzeptablen Abschlussarbeiten von Charles Chaplin, Federico Fellini, Abel Gance, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Victor Sjoström, Fritz Lang, G. W. Pabst, Jean Renoir oder Vittorio de Sica stehen für die Regel.**

Zunächst einmal finde ich es unfair Hitchcocks „Familiengrab“ und Chaplins „Die Gräfin von Hong Kong“ in einem Atemzug als „traurig“ und „bestenfalls noch akzeptabel“ abzuqualifizieren: zweiterer ist ein allgemein anerkannter künstlerischer Fehlschlag. Ersterem wird vor allem der Vorwurf gemacht, dass er nicht „Psycho“ ist. Weiterhin sehe ich bei Hitchcock das generelle Nachlassen der Schöpferkraft nur insofern, als sich mit dem Erreichen seines 70. Lebensjahres sein Arbeitstempo verlangsamt hat – was man ihm nicht verübeln sollte, zumal er es in seiner Karriere dennoch im Schnitt auf einen Kinofilm pro Jahr gebracht hat. Sein drittletzter Film wird (nicht zu unrecht) allgemein geschmäht, aber von mir geliebt, der folgende „Frenzy“ wird als Glanzleistung betrachtet – auch von mir, wobei mir eine bestimmte Szene seinen nochmaligen Genuss verleidet.***

Weiterhin halte ich es  für delikat, einen Film besonders zu loben (ihn also über die anderen zu stellen) und ihn eigentlich gar nicht zu mögen. Das ist in diesem Falle eine Unterstellung, aber sie wird von vielen Gesprächen genährt, die ich über die Jahre mit „Fans“ von Pasolinis „Die 120 von Sodom“**** geführt habe. Er wird nicht nur von Frank Noack sondern auch vom hochverehrten Michael Haneke als Meilenstein eingeordnet, der ihn sogar schonmal als „Lieblingsfilm“ bezeichnete, allerdings auch zugab, ihn sich kein weiteres Mal mehr anschauen zu wollen: Filmbegeisterung als lupenreine Kopfsache, als pures kulturpolitisches Statement nach dem Motto „Sollen sich doch die anderen damit rumquälen!“. Na, besten Dank! Kunst muss nicht gefallen wollen, aber sie sollte es dürfen! Und ein Film ist nicht zwangläufig wertvoll, bloß weil er von der Zensur getroffen wird; diese Leute greifen schonmal daneben – in beide Richtungen.

Ungetrübtes Entzücken über „Familiengrab“ morgen an dieser Stelle …
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* Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2018/08/01/wie-es-euch-gefaellt/
** Wenn ich dieser Darstellung auch hinsichtlich Hitchcocks und Pasolinis ausdrücklich wiederspreche, so findet sich doch ein weiteres Beispiel dafür unter https://blog.montyarnold.com/2018/06/27/10723/
*** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2016/08/21/raserei/
**** Zugegeben: ich halte es für ausgeschlossen, diesen – abgesehen von seinem betont perversen Inhalt – schlampig gefertigten und quasipolitisch verbrämten Film wirklich zu mögen, wenn man nicht gewisse besondere Vorlieben hat. Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2014/11/02/dudu/

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Seit meinem 16. Lebensjahr sammle ich alles, was ich über Hitchcock in die Finger kriege. In Regalfläche gemessen, zu der drei überfüllte Aktenordner mit Artikeln und Bildchen aus der Fernsehzeitung gehören, ist er der Größte im Schrank (in der Filmsammlung sieht es ähnlich aus), und das entspricht meiner persönlichen Einordnung seiner Arbeit. Die Sammlung wird bis heute gepflegt, aber eigentlich rechnete ich nach der Biographie von Donald Spoto, die ich mit 19 las, nicht mehr mit Überraschungen. Hie und da kam noch ein Zitat, eine hübsche Anekdote ans Licht – damit hatte es sich.

In diesem Regalmeter wird allerlei über den Meister erzählt. Jetzt gibt es Neuigkeiten. Gewissermaßen …

Nein, hatte es nicht. Mit dem Fortschreiten der Hörbuch- und Veranstaltungsreihe „Hitch und ich“ von Jens Warczeck kommt eine ganz neue Dimension dazu. Bei der Herstellung von 53 Filmen hat Hitchcock in ebensovielen Jahren 42 literarische Vorlagen verarbeitet, seine Fernseh-Arbeit nicht mitgerechnet. Das späte aber  systematische Kennenlernen dieser Erzählungen hielt für mich einiges Erstaunliche und das eine oder andere Déjà-vu bereit. Zu den Déjà-vus gehört die Erinnerung daran, dass es neben den ganz zuoberst liegenden englischen Kriminal-Erzählern Agatha Christie, Dorothy L. Sayers und Gilbert K. Chesterton noch ein paar ebenso vergnügliche, entlegenere Namen gibt. An Francis Iles („Verdacht“) und Ethel Lina White („Eine Dame verschwindet“) wäre ich sicher noch ein paarmal vorbeigelaufen, und Jack Trevor Story („Immer Ärger mit Harry“) wäre mir ohne die von Jens Wawrczeck bestellte deutsche Übersetzung gänzlich entgangen. Das Buch ist so flott und pointiert, dass Hitchcock außer dem Schauplatz fast nichts änderte und sogar die Dialoge praktisch übernehmen konnte.

Die bisher größte Überraschung dieser Hörbuch-Edition besteht in der Tiefe eines Abgrunds, den ich längst durchmessen zu haben glaubte. „Fenster zum Hof“ von Cornell Whoolrich ist weitaus düsterer, dabei aber auch weniger elegant als der Film. Bei „Verdacht“ hingegen ist es lustvoll sich vorzustellen, wie schamlos und boshaft der Film ausgesehen aussähe, wäre er nicht unter den Restriktionen der frühen 40er Jahre zustandegekommen – und wäre es nicht undenkbar gewesen, das Cary Grant einen Mörder spielt. Schon zehn Jahre später, Hitchcock war inzwischen sein eigener Produzent, wäre es ein anderer Film geworden, doch es ist fraglich, ob er bis zur Garstigkeit seiner Vorlage hinabgestiegen wäre.
Das Kennenlernen dieser Urtexte – bald wird ein Dutzend voll sein – beschert all denen, die schon so ziemlich alles Einschlägige gelesen haben, einen frischen Blick auf den umsichtigsten und vielseitigsten Entertainer, den das Kino hervorgebracht hat.

P.S.:
In diesem Zusammenhang fiel mir ein Buch wieder ein, das ich vor Jahren aus Respekt vor einer langen Bahnfahrt gekauft habe: „Meisterhaft mörderisch“. Auf den ersten Blick wirkte es wie eine der Krimi-Sammlungen, für die Hitchcock nur seinen Namen hergab, doch es enthält tatsächlich 20 Geschichten, die er für seine TV-Serie „Alfred Hitchcock Presents“ ausgewählt hatte (eine Serie, deren würdige Präsentation hierzulande noch aussteht). Auch hier finden sich ein paar Hörbuch-würdige Preziosen.
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* Erschienen bei Edition Audoba

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Paulpeter Tagebitter und sein junger Freund Strapoteuf haben in „Watership Up“ schon viel von der Welt, hauptsächlich aber vom Meer gesehen. In ihrem persönlichen Spin-Off begleiten wir sie nun an Land, aber auch über und unter der Erde.

1. Ozymandias
https://blog.montyarnold.com/2015/08/04/ozymandias/

2. Der tragbare Ausweg

https://blog.montyarnold.com/2015/08/16/die-big-raushole/

3. Die Liegenbleiber
https://blog.montyarnold.com/2015/08/24/fix-und-unfertig/

4. Abenteuer bei Christie’s

https://blog.montyarnold.com/2015/09/01/abenteuer-bei-christies/

5. Kreisverkehr
https://blog.montyarnold.com/2015/08/28/kreisverkehr/

6. Zum Südpol
https://blog.montyarnold.com/2015/09/04/zum-suedpol/

7. Deichkind
https://blog.montyarnold.com/2015/09/07/deichkind/

8. Haftverschärfung

https://blog.montyarnold.com/2015/09/16/das-kellerprogramm/

9. Murks im Orientexpress
https://blog.montyarnold.com/2015/09/23/murks-im-orient-express/

10. Ein fleckenloses Fleckchen Erde
https://blog.montyarnold.com/2015/11/02/ein-fleckenloses-fleckchen-erde/

11. Schreckensbilder
https://blog.montyarnold.com/2015/11/15/schreckensbilder/

12. Milz der Finsternis

https://blog.montyarnold.com/2015/11/24/die-milz-der-finsternis/
https://blog.montyarnold.com/2015/11/25/die-milz-der-finsternis-2/

13. Kulturwüste
https://blog.montyarnold.com/2016/12/31/kulturwueste-1/
https://blog.montyarnold.com/2016/12/27/kulturwueste/

14. Milieutourismus
https://blog.montyarnold.com/2017/08/24/glamour-die-rueckseite-2/
https://blog.montyarnold.com/2017/09/03/milieutourismus-3/

15. Gangsterballade
https://blog.montyarnold.com/2019/03/04/12745/
https://blog.montyarnold.com/2019/03/07/12776/

16. Die Aufrechten

https://blog.montyarnold.com/2019/03/17/die-pauschal-invasoren/

Die beiden Helden haben auch einen Gastauftritt im vierten Kapitel von „Gottes Brot und Teufels Aufstrich“.

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