„Schwermetall“ war Anfang der 80er Jahre in der BRD die natürliche Fortsetzung von „Fix und Foxi“ – während in Frankreich die von Knirpsen zu Halbstarken gereiften Comicleser von „Pilote“ zu „Métal Hurlant“ wechseln konnten. Hier wie dort waren es vor allem frankobelgische Künstler, die uns präsentiert wurden.* Sie bespielten die Genres Krimi, Fantasy und Science-Fiction, und es wimmelte von barbusigen Damen; „Schwermetall“ bot Comics für Erwachsene.

Von „Schwermetall“ strahlten die prachtvollsten Titelseiten im gesamten deutschen Blätterwald herab. Was den Autor dazu bewogen hat, ausgerechnet dieses Motiv (Caza weit unterhalb seiner Möglichkeiten) als Cover für sein fabelhaftes Buch auszuwählen, gehört zu den ungelösten Rätseln der darin beschworenen fremden Welten.

Achim Schnurrer, langjähriger Chefredakteur des Magazins und Gründer des Erlanger „Comic Salons“, hat soeben den ersten von zwei Bänden vorgelegt, die die Geschichte der Publikation erzählen, zunächst die Jahre 1980 bis ‘88.
Das Buch behandelt im Vorspiel die amerikanische Underground-Szene und schildert in ungewohnten Bildern auch ein Stück bundesrepublikanischer Geschichte. Dabei bringt es eine Reihe von Kunststücken fertig. Biografische und drucktechnische Erläuterungen werden fließend in die Schilderung eingebunden, deren Gerüst die Dokumentation der ersten 99 Ausgaben mit Titelseite und Inhaltsverzeichnis bilden. So gut wie nie verfällt der Autor dabei in altlinkes Gejammer – und die Versuchung wäre groß angesichts des gesellschaftspolitischen Hintergrunds.

Es gibt ganz wenig zu meckern. Die Titel und Schöpfer der erfreulich zahlreichen Ausschnitte aus den Comic-Serien muss der Leser selbst erraten (ein paar winzige Ziffern hätten Abhilfe geschaffen), und ausgerechnet der hochspannende Ricardo Rinaldi wird mit dem Verweis auf eine längst vergriffene Publikation des Autors abgefrühstückt. (Rinaldi war ein Kauka-Mitarbeiter – der beste, der jemals „Lupo“ gezeichnet hat, und der Schöpfer der Serie „Die Pichelsteiner“ – und versah die Bonbonpapierchen des Süßwarenherstellers Storck mit hinreißenden Comic-Abenteuern um den dusseligen Bären Schleck, bevor er für „Schwermetall“ einige Titelseiten zeichnete.)
Die meisten übrigen Kritikpunkte sind nicht des Chronisten Schuld, sondern spiegeln den Lauf der Welt.
Mit dem Abgang des Gründungs-Chefredakteurs Raymond Martin und als Folge seiner Verfehlungen, kommen dem Magazin die Künstler der Gründungszeit* abhanden. „Schwermetall“ wird ab 1985 zu einem wichtigen Schaufenster der deutschen Comic-Szene, was ja eine wirklich feine Sache ist. Leider ist das Magazin von diesem Zeitpunkt an wirklich „achtziger“ – auch, was das ausländische Material betrifft.
U.a. kam mir mein seinerzeitiger Eindruck, der im Buch mehrfach seliggesprochene Hamburger Zeichner Chris Scheuer sei eher ein sensationeller Werbegrafiker als ein passabler Geschichtenerzähler, machtvoll wieder zu Bewusstsein.
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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2018/07/14/ein-laechelnder-spuk-aus-der-vergangenheit/

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Im aktuellen Comic-Angebot kam es dieser Tage zu einem Wiedersehen, mit dem ich überhaupt nicht gerechnet hatte. Nachdem ich im ersten Band eines Buches über das deutsche „Schwermetall“ (dazu bald mehr an dieser Stelle) soeben daran erinnert worden war, was mir der Comic-Künstler Richard Corben im Realschulalter bedeutet hat, fiel mir nun ein aktuelles Buch von ihm in die Hände, das seine zuletzt entstandenen Arbeiten für US-Horrormagazine im Sammelband „Schatten auf dem Grab“ vereint. Manche Künstler werden im Alter reifer und verfeinern ihren Stil, andere überleben ihre Kreativität. Corben ist exakt in der gleichen Hochform wie vor 35 Jahren.

Über einen Mitschüler kam ich erstmals mit „Schwermetall“ in Berührung, diesem „Comic-Magazin für Erwachsene“, bei dem ich ganz selbstverständlich davon ausging, es mit einer Übertragung aus dem Amerikanischen zu tun haben. Dass dessen Vorläufer „Heavy Metal“ seinerseits einen französischen namens „Métal Hurlant“ hatte, wusste ich noch nicht, dass außer Corben fast alle hier repräsentierten Künstler Franzosen waren, fiel mir zunächst nicht auf.
Diese französischen Künstler – vor allem Moebius*, Caza** und Druillet –  haben sich mir augenblicklich und nachhaltig eingeprägt. Aber Corben war völlig anders. In seiner Neuordnung der menschlichen Anatomie, der dynamischen Plastizität seiner Zeichnungen erinnerte er mich sogleich Jack Kirby***, doch – apropos „für Erwachsene“ – kam hier noch das sexuelle Element hinzu. Seinen Kollegen hatte er außerdem etwas voraus, was auf Anhieb banal erscheint, aber ich bitte darum, es eine Weile wertfrei wirken zu lassen: Corben war der einzige, der sich nicht scheute, in aller Beiläufigkeit auch das männliche Geschlechtsteil mit abzubilden. In erotischen Darstellungen (Filmen, Comics, purem Schweinkram …) wird seit jeher auf dieses für jeden heterosexuellen Geschlechtsverkehr unerlässliche Organ (un)möglichst verzichtet, und immens sind allweil die Verrenkungen der Pose und des Bildausschnitts, um es nicht zeigen zu müssen. (Ralf König etablierte sich in den 80er Jahren als große Ausnahme.) „Den“ – Corbens bis heute wichtigster Serienheld – trug zwar ein Cape, war aber ansonsten nackt, wie es seiner archaischen Welt der „Sword and Sorcery“ zutiefst entsprach.
Natürlich war der unbekümmerte Umgang mit dem Dödel nicht Richard Corbens einziges Alleinstellungsmerkmal. Seine vierfarbigen Zeichnungen wirken heute so, als hätte jemand die 3D-Animation auf dem Papier vorweggenommen. Aber auch in Schwarzweiß – mit festem Strich und wahlweise Rastern, Schraffuren oder harten Kontrasten – rücken seine Zeichnungen in einer geradezu übergriffigen Weise an den Leser heran.

„Schatten aus dem Grab“ ist in Schwarzweiß gehalten. Im Anhang des Buches sehen wir ein wenig bunt. (Aus dem besprochenen Band, dort in deutscher Übersetzung)

Nun erfahre ich also, dass es dem Meister – dessen Arbeiten ich seither nur im Antiquariat angetroffen habe – nach so langer Zeit noch immer prächtig geht. Die vorliegende Sammlung kurzer Gruselstories folgt der von Edgar Allan Poe aufgestellten Regel, eine Geschichte sollte nach Möglichkeit kurz genug sein, um sie in einem Zug konsumieren zu können, weil eine Unterbrechung die Atmosphäre ruinieren würde.
Noch nie hat sich das oft strapazierte Motiv des rachsüchtigen Kadavers in solcher Vielfalt vor mir ausgebreitet. Corbens erzählerische und gestalterische Variationen des Vergeltungsthemas sind so unverschämt und unerwartet, dass man das Gefühl einer Genreparodie (im schönsten Sinne!) nicht loswird. Seine Kombination aus hartem Strich und verbeultem Fotorealismus setzen sich über die Gesetzmäßigkeiten grafischen Darstellung schier hinweg. Es ist ein himmlisches Vergnügen.

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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2016/12/22/die-schoensten-comics-die-ich-kenne-9-the-long-tomorrow/
** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/04/28/die-schoensten-comics-die-ich-kenne-13-der-floetenspieler/
*** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/01/14/der-raum-ausstatter/

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Caza veröffentlichte seine Arbeiten ab 1976 in „Métal Hurlant“, einer Zeitschrift, die der Leserschaft „Comics für Erwachsene“ versprach.
Der Einfluss des Großmeisters und Magazin-Mitbegründers Moebius auf seinen Zeichenstil ist so immens, das man seine Arbeit auf dem ersten Blick glatt für Moebius halten könnte. Doch gleich auf den zweiten zeigt sich, wie kreativ Caza auf dessen Vorbild aufbaut – viel kreativer als etwa Philippe Druillet. En detail macht er eigentlich alles anders. Leider steht die allzu knallige Colorierung seinen Sujets manchmal im Wege (so auch hier. Viele Jahre lang besaß ich den „Flötenspieler“ nur als Fotokopie in Schwarzweiß. Als ich mir das Heft endlich besorgte, taten mir die grün lachenden Himmel fast in den Augen weh.)

Das bei „Métal Hurlant“ quasi zum Service gehörende sexuelle Element tritt bei Cazas vier- bis zehnseitigen fantastischen Beiträgen (er gestaltete auch einige Cover und veröffentlichte Alben) in den Hintergrund. Bei allem finsteren Existenzialismus sind sie gewissermaßen jugendfrei. Das ist angesichts dessen, was sie über das Leben zu erzählen haben, nicht unpraktisch.

In „Der Flötenspieler“ wirft Caza einen besonders unversöhnlichen Blick auf den Homo Sapiens. Diese Geschichte liegt im Trend ihrer Entstehungszeit, da Öko-Themen sich einen festen Platz in der Popkultur eroberten. Doch sie macht es sich nicht so leicht wie die meisten Kunstwerke mit edler Botschaft. Gewiss, auch hier sind die „Menschs“ die größten Feinde ihres Planeten; sie haben ihn befallen wie eine Läuseplage. Doch Caza zeigt sie nicht beim Verschmutzen der Umwelt, beim Quälen oder Töten von Tieren und beim Abholzen von Wäldern. Die unbehagliche Präsenz dieser puddingfeisten Geschöpfe wird uns als ein Endstadium präsentiert. Ihr Gegenspieler, der Rattenfänger der alten Sage, ist der einzige, den wir einen kleinen Baum fällen sehen. Das einzig halbwegs Einnehmende an dieser bitteren, ausgemergelten Gestalt ist ihr Hass auf die Erdverwüster – und dass sie als Letzte zu Musik imstande ist, auch wenn sie diese als Waffe einsetzt.

“Der Flötenspieler“ ist, wie bei Caza üblich, eigentlich kein Comic, sondern eine Bildergeschichte mit Begleittext (wie auch der Klassiker „Prinz Eisenherz“). Der Text transportiert die vollständige Geschichte. Allein die Pointe – das Opfer, das der zunächst scheiternde Titelheld zu erbringen hat – ist so schauerlich, dass dem Meister die Worte fehlen und er sie uns nur auf der Bild-Ebene erzählt.

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Popkultur erzeugt wieder Popkultur. Jean Giraud ist einerseits von der Nouvelle Vague und dem Italowestern beeinflusst und seinerseits die wichtigste Inspirationsquelle für den Science-Fiction-Film seit 1973*. An einigen von ihnen hat er aktiv als Designer mitgearbeitet – an „Tron“ etwa oder „Alien“ -, doch auch die anderen tragen seine Handschrift.
Unter dem Namen Moebius (zu Ehren des deutschen Physikers aus dem 19. Jahrhundert) schrieb und gestaltete Giraud für das Magazin „Métal hurlant“ eine Vielzahl phantastischer Abenteuer, die mit Vorliebe auf ungastlichen, sandigen Planeten spielen. Seit er als Teenager zum ersten Mal Mexiko bereist und verschiedene Drogen ausprobiert hatte, fühlte er sich in der Wüstenei gewissermaßen zuhause – und seine Helden auch.

Viermal Moebius. Zweimal als Kunststudent, Anfang der 50er Jahre. Und einmal als gespaltene Künstlerpersönlichkeiten Gir und Moebius.

„The Long Tomorrow“ ist so eine Geschichte aus der Zukunft und gleichzeitig eine 16seitige Persiflage auf den Film Noir. Da sie durchaus einen gewissen Sub-Klassikerstatus hat, gehört sie auf den ersten Blick nicht in diese Reihe**. Sie steht jedoch im Schatten epischerer Moebius-Geschichten wie „Die hermetische Garage“, „Der Incal“ oder jener um den Flugsaurierreiter „Arzak“ (auch „Harzak“ oder „Arzach“). Selbst Moebius’ umstrittener Ausflug zu Marvel (siehe weiter unten)*** wird im aktuellen Trend weitaus häufiger erwähnt.
Erinnern wir uns also an den einzigen dokumentierten Fall des Privatdetektivs Pete Club. Er ist ein Stadtmensch, doch sein viriler kahler Schädel ist wie gegerbt von den Sandstürmen einer unerbittlichen Moebius-Landschaft. (Der Großstadt-Bulle ist bekanntlich ein Mutant des Westernhelden.)

Der Ich-Erzähler wird aus seinem versifften Wohnbüro in ein edles Viertel gerufen. Die Kundin Dolly Van Der Katterbar residiert in einem schicken Appartement in der 12. Zone – eine atemberaubende junge Schönheit, die den Ermittler sogleich mit einem anzüglichen Kompliment einzuwickeln versucht. Club erhält den „kinderleichten“ Auftrag, einen Koffer aus einem Schließfach zu holen und herzubringen. Das Schließfach liegt in der berüchtigten 199. Zone, die aussieht wie die Frankfurter Bahnhofsgegend. Als Club den Koffer abliefern will, betritt er einen Tatort: Miss Van Der Katterbar ist in der Positur eines Fesselspielchens in ihrem Schlafzimmer grausig abgeschlachtet worden. Die ermittelnden Beamten sind allesamt Droiden, wie wir sie aus „Star Wars“ kennen (summende Mischungen aus Humanoiden und Haushaltsgeräten). Einer der Leutnants, ein gewisser Fy, berichtet Club etwas, das die Presse noch nicht wissen darf: ein arkturischer Spion ist in der Stadt, dem es offenbar gelungen ist, das Gehirn des Majors zu stehlen. Der hatte mit der Ermordeten ein Techtelmechtel. Das Hirn muss dringend wiederbeschafft werden, ehe der Feind daran herumfummeln kann.
Pete Club wird auf der Heimfahrt von aus einen fahrenden Wagen von einen Gunman (einem gewerkschaftlich organisierten, uniformierten Auftragskiller) von der Fahrbahn geballert. Club nimmt zu Fuß die Verfolgung dieses Burschen auf, dessen Fahrzeug ebenfalls zu Bruch gegangen ist. Die Hetzjagd führt die beiden an die mondartige Planetenoberfläche – denn alles, was wir an städtischer Enge gesehen haben, hat sich in einer künstlichen Schluchtensiedlung abgespielt. Club stellt den Gunman, und als ihm dieser nichts verraten kann, schickt er ihn ins Düsenfeuer einer startenden Rakete.
Zu Hause öffnet er endlich den Koffer – und findet darin das Gehirn. Wenig später besucht ihn die quicklebendige (etwas verjüngt wirkende) Miss Van Der Katterbar. Ihre Leiche sei nur ein Androiden-Doppel gewesen, und er müsse ihr nun „helfen“.
Während die beiden miteinander schlafen, erhält der Detektiv einen Anruf von Fy: das Mädchen ist der arkturische Spion.
Schlagartig nimmt das Wesen seine natürliche Gestalt an: eine zuckende Qualle, wie aus den Eingeweiden verschiedener Säugetiere zusammengenäht. Während der angewiderte Club versucht, sie sich vom Leib zu reißen, bringt sie ihn mit einem ihrer Tentakel noch zum Höhepunkt.
Obwohl sie das übliche Versprechen, ihn nun für immer zu lieben, noch mit einem hochinteressanten Zusatz versieht („Ich kann jede Form annehmen, die du dir wünschst … sogar deine eigene …“), wird sie von Club exekutiert.
Das gestohlene Hirn wird zurückgepflanzt, die Ordnung ist wieder hergestellt.

Die schmuddeligen, vertikalen Straßenschluchten von “The Long Tomorrow“ haben Ridley Scott zu „Blade Runner“ inspiriert. Der Comic ist von jener „transgressiven Sexualität“, die Moebius so am Herzen lag, ein typischer „Comic für Erwachsene“ – und Moebius ist einer der Vorreiter und Heroen dieser Strömung. Sein Abstecher in die amerikanische Comic-Kultur – er zeichnete 1988 für Marvel den „Silver Surfer“ – wurde ihm gerade deshalb intern verübelt. Philippe Druillet, mit dem er einst „Métal hurlant“ gegründet hatte, meinte nur verächtlich: „Superhelden haben fette Muskeln, aber leider – tut mir leid – keinen Schwanz! Und die Frauen keine Genitalien. Da ist nie etwas da unten. Deswegen hasse ich die Superhelden!“
Insofern ist Pete Club ein echter Europäer.

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* Das Erscheinungsjahr von „La Déviation“, dem ersten Giraud-Comic im Moebius-Stil, der gleichwohl noch mit seiner alten Signatur „Gir“ versehen ist.
** … ähnlich dem „Vogelmenschen“ von Will Eisner, von dem unter https://blog.montyarnold.com/2015/01/03/der-raecher-von-central-city/ schon die Rede war.
*** Mehr dazu unter https://blog.montyarnold.com/2016/12/11/gerechtigkeit-fuer-norrin-radd-2/

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51 ist ein gefährliches Alter für Männer, die nicht ausreichend auf sich achten. Die Schauspieler James Gandolfini und Dirk Bach verließen uns kurz hintereinander zur allgemeinen Überraschung und Bestürzung. Stieg Larsson – bald darauf ein international gefeierter Autor – starb, weil sein Herz den eiligen Fußweg durchs Treppenhaus nicht mitmachte, als der Fahrstuhl an an einem heißen Tag streikte. Der „Tatort“-Ermittler Eberhard Feik überlebte ein Belastungs-EKG nicht – und so war es auch bei René Goscinny, der den meisten nur als Texter der Asterix-Comics geläufig ist. Heute liegt das letztgenannte traurige Ereignis genau 37 Jahre zurück.
Erst kürzlich hat sich auch Albert Uderzo aus der (zuletzt sehr vereinzelten) aktiven Arbeit an „Asterix“ zurückgezogen – 35 Jahre zu spät, wie selbst seine größten Bewunderer hinter schlampig vorgehaltener Hand zugeben. Nach dem Ableben ihres Texters und Szenaristen (gewissermaßen der Bildregisseur einer Geschichte) ist jener niveauvolle Witz aus der Serie verschwunden, dem sie ihren legendären Status verdankt. Was soll’s – auch die übrig gebliebene Selbstparodie hat sehr gutes Geld eingespielt.

Doch René Goscinny gestaltete den französischen Comic nicht nur Künstler. Das von ihm mitbegründete und zeitweilig geleitete Comic-Magazin „Pilote“ war eine der Säulen des franco-belgischen Comic-Standortes, der für europäische Leser nach dem Krieg der wichtigste und attraktivste war. (Später drängten sich die USA etwa auf Parallelhöhe hinauf, mittlerweile dürfte Japan den Spitzenplatz innehaben.)
Von Leserbefragungen, wie sie in den übrigen Magazinen üblich waren, hielt er nichts: „Der Chefredakteur muss den Lesern vorangehen!“
Im „Pilote“ begannen die Karrieren von Tardi, Claire Bretécher und Bilal – sie und einige andere lehnten sich später gegen Goscinny auf, dessen Spektrum ihnen zu eng erschien. Vereinfacht gesagt, war es ein Streit um die Definition der Zielgruppe und einer zwischen zwei Generationen. Immerhin gab es bald darauf noch ein weiteres gut gemachtes Magazin, das sich nun um die Abteilung „Comics für Erwachsene“ kümmerte: „Métal hurlant“. Dessen Gründungsmitglieder und wichtigste Künstler wären aber ohne die frühe Förderung René Goscinnys nicht denkbar gewesen.

In den letzten Jahren hat „Der kleine Nick“ Kinokarriere gemacht, eine Prosa-Reihe Goscinnys, die der Cartoonist Sempé illustriert hat. Die in der US-Pionierzeit spielenden Abenteuer des Indianers Umpah-Pah und seines weißen Freundes „Doppelskalp“ (Zeichnungen von Uderzo) sind heute nur noch nostalgischen Comic-Fans geläufig. Seit langer Zeit ein richtiges Medienereignis ist hingegen der Westernheld „Lucky Luke“. In dieses Projekt des Zeichners Morris stieg der Texter 1955 ein – die beiden kannten sich aus der Zeit, die Goscinny in New York zugebracht hatte. „Lucky Luke“ war der Grund für ihn, sich allein auf das Schreiben zu verlegen. „Er ging immer nur den leichten Weg“, sagte Morris rückblickend über den Zeichner Goscinny. „An die schwierigen Sachen wagte er sich nicht heran.“

Goscinnys Vater (unten rechts), ein aschkenasischer Jude aus Polen, war 1927 (das Familienfoto stammt vom 12. Februar dieses Jahres)  mit Frau, Tochter und einjährigem Söhnchen René aus Paris nach Argentinien gegangen, um dort für die Jewish Colonization Association zu arbeiten, die landwirtschaftliche Kolonien in Palästina und Südamerika gründete, um osteuropäischen Juden eine neue Heimat zu schaffen. In Goscinnys Werk spielt das Judentum vordergründig nie eine Rolle. 

Und dann ist da noch „Isnogud – der bitterböse Großwesir“, eine Geschichte, die auf eine Episode des „kleinen Nick“ zurückgeht. „Isnogud“ steht hinter hinter diesem, hinter „Lucky Luke“ und dem alles überstrahlenden „Asterix“ rettungslos im Schatten. Während die Abenteuer um die beiden wehrhaften Gallier auch von Pädagogen gelobt (und angeblich sogar gelesen) werden, da sie historisch so sauber recherchiert und mit lateinischen Zitaten garniert sind, und der historisch wesentlich freiere „Lucky Luke“ immer noch stilecht bleibt und z.B. mit sensationellen Gaststar-Auftritten der Zeitgeschichte aufwartet, ist „Isnogud“ der reine Blödsinn, der bare Unfug. Der von Tabary gezeichnete alte Orient ist nur ein Vorwand, um uns unsere realen Torheiten vor Augen zu halten: die der Gegenwart, die des Abendlandes, die der kapitalistischen Medien- und Konsumgesellschaft.

Nie habe ich beim (immer Wieder-)Lesen eines Comics so oft und ausdauernd gelacht wie bei den prinzipiell vergeblichen Versuchen des „zweiten Mannes im Staat“, den schlichten aber gutmütigen Beherrscher der Gläubigen Harun-al-Pussah um die Ecke zu bringen, um selbst „Kalif anstelle des Kalifen“ zu werden. Wer die Zeichentrick-Abenteuer um „Karl, den Coyoten“ aus dem Ensemble um das pubertierende Kaninchen Bugs Bunny gesehen hat, kennt das Prinzip: man lacht nicht so sehr aus Überraschung sondern über das vorhersehbar Unausweichliche. Dieses immer wieder frisch neu zu konzipieren, ist die große Kunst. Goscinny tut das scheinbar Kinderleichte: er reiht Kalauer an Kalauer, aber man lacht nie unter Niveau. Hin und wieder erklingen Sätze, die auch ohne den haarsträubenden Zusammenhang ihre Botschaft behalten: „Besonders die Kinder der Wüstennomaden freuen sich auf den Strandurlaub. Endlich können sie den ganzen Tag zelten und im Sand spielen.“ oder „Ich habe die Nase voll von diesem Doppelgänger, der niemandem ähnlich sieht!“

Nicht mehr lange, und die gleichen schlichten Gemüter mit dem goldenen Herzen, die schon den „Negerkönig“ aus den Kinderbüchern der Astrid Lindgren radiert haben, werden auch „Isnogud“ aus unseren Büchereien / Bibliotheken / Kinderzimmern entfernen, denn neuerdings darf auch hierzulande über nichts mehr gelacht werden, was jene unkomisch finden könnten, die bei uns zu Gast sind.
Man sollte sich dieses Lesevergnügen also gönnen, solange es noch geht! Am besten mit den frühen Bänden – denn auch „Isnogud“ wurde nach dem Tod des Texters vom Zeichner allein fortgesetzt.

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