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B) Wie man Erfolg hat, ohne sich besonders anzustrengen / How To Succeed In Business Without Really Trying
Broadway-Musial-Verfilmung von 1968

J. Pierpont Finch folgt dem verlockenden Taschenbuch-Ratgeber „Wie man Erfolg hat, ohne sich besonders anzustrengen“ und steigt tatsächlich binnen Tagen vom Fensterputzer zum Aufsichtsratsvorsitzenden einer großen Firma auf, von der wir nie erfahren, womit sie sich eigentlich beschäftigt. Finch helfen seine Chuzpe, der Zufall und die Zuneigung der Sekretärin Rosemary, die er jedoch beinahe ignoriert. Am liebsten lässt er die Torheit seiner Konkurrenten für sich arbeiten, doch zur Not bringt er sie trickreich zu Fall.

Frank Loessers Bühnenmusical, das dem Film zugrundeliegt, basiert auf einem Roman von Sheperd Mead und erhielt 1962 den Pulitzerpreis. Es ist ein Segen, dass die Broadway-Besetzung sich ungewöhnlicherweise in der Verfilmung erhalten hat. Somit kommen wir auch in den Genuss der Allround-Performance von Robert Morse, dem verblüffendsten Musical-Filmhelden seit James Cagney in „Yankee Doodle Dandy“. Die Choreographie stammt von Bob Fosse.

Nächste Woche: auf mehrfachen Wunsch Eine Leiche zum Dessert sowie Blutsverwandte

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A) Color Of Night
US-Erotikthriller von 1994

Nach dem Selbstmord einer Patientin gibt der Psychotherapeut Bill Capa gibt seine New Yorker Praxis auf. Er besucht seinen Kollegen Bob Moore, einen alten Studienfreund, in Los Angeles und lernt dessen Gesprächskreis kennen. Moore fürchtet, dass einer aus dieser Runde ihm die anonymen Morddrohungen geschickt hat, die er seit einiger Zeit erhält.
Kurz darauf wird Moore bestialisch abgeschlachtet, und der Ermittler Lt. Martinez setzt alle Hoffnung auf Capa, ihm bei der Lösung des Falles zu helfen. Der zieht also in Moores Villa ein und übernimmt dessen Patienten. Bald trachtet man auch ihm nach dem Leben. Capas heiße Affäre mit der geheimnisvollen Rose ist als Ablenkung von der Mördersuche gedacht. Das erweist sich als gefährlicher Irrtum, es gibt da eine Verbindung …

Die Macher von „Color Of Night“ wollten ganz offensichtlich die unbescheidene Präambel von Michael Douglas in „Basic Instinct“ übertrumpfen, hier gäbe es den Fick des Jahrhunderts zu sehen, und einen noch verstörenderen Erotik-Thriller mit einem noch cooleren Macker abliefern. Das Ergebnis war so peinlich, dass es die Filmfans noch Jahre später beschäftigte. Es spricht für Bruce Willis, dass dieser Film seine Karriere nicht augenblicklich beendet hat. Der Staub hat sich längst gelegt, und wir blicken sachlich auf diesen Film zurück.

B) Das Doppelleben des Dr. Clitterhouse / The Amazing Dr. Clitterhouse
Amerikanische Kriminalkomödie von 1938

Der New Yorker Prominentenarzt Dr. Clitterhouse nutzt seine guten Kontakte zur High Society, um dort Juwelendiebstähle zu begehen. Dabei interessiert ihn weniger die Beute als die eigenen körperlichen Reaktionen auf seine Raubzüge, die er säuberlich dokumentiert. Er hofft, mittels seiner Studien eines Tages der Verbrechensbekämpfung zu nützen. Als der Doktor Kontakt zum besten Hehler der Stadt aufnimmt, um das lästige Diebesgut loszuwerden, steigt er zum kriminellen Mastermind auf, das für die Bande immer raffiniertere Raubzüge plant. Nebenbei führt ihm dieser Job eine Vielzahl von bereitwilligen Forschungsobjekten zu.
Nach seiner Rückkehr ins Privatleben wird Clitterhouse von einem Bandenmitglied erpresst, das seine wahre Identität herausgefunden hat. So kommt der wehrhafte Arzt in die Verlegenheit, die berauschende Wirkung des größten Kapitalverbrechens zu erforschen …

Humphrey Bogart ist hier noch ein kleiner Schurke, sein Gegenspieler der damals größere Star des klassischen Gangsterfilms: Edward G. Robinson. Diese Genreparodie entstand quasi am Originalschauplatz nach einem Drehbuch von John Huston: „Breaking Bad“ in Nadelstreifen.

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Für einen Großteil des deutschen Publikums war der Charakterschauspieler Karl Malden der Inbegriff des strengen aber gütigen Ermittlers, der einen jungen Kollegen großzieht. Er und Michael Douglas spielten in „Die Straßen von San Franzisko“ ausdrücklich zwei gute Cops. Maldens klassische deutsche Synchronstimme wird in der aktuellen Folge des Krimi-Podcasts „Kein Mucks“ von Bastian Pastewka angemessen ausgeleuchtet: der in Hörspiel und Synchron gleichermaßen unbezahlbare Friedrich W. Bauschulte.

Ich möchte Ihnen einen Vorschlag machen: hören Sie sich vor dem Genuss des Hörspiel-Krimis der Woche das Bauschulte-Malden-Kurzportrait doch einfach zweimal an! Und achten Sie beim zweiten Durchlauf auf die winzigen Reste des Soundtracks von „The Streets Of San Francisco“, die sich zwischen den O-Tönen mit Friedrich W. Bauschulte und Volker Brandt abgelagert haben.
Diese Zwischenspielchen, die in alten Serien die Szenen voneinander Trennen, nennt man „Tail“. In der Regel wird darin das Hauptthema in zwei Takten zitiert und mit einem offenen Ende versehen. In diesem Falle hören wir Variationen des reißerischen Vorspanns von Patrick Williams, der sich jedem auf ewig einprägte, der die Serie einmal gesehen hat.
Malden-Bauschulte-Williams – und alle gleichzeitig! Mehr Kopfkino geht nicht!

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Ab der Mitte gibt es ein wenig Horror und Science-Fiction: Jerry Goldsmiths Musik zur zweiten Hälfte von „Coma“.

Die am Boston Memorial tätige junge Ärztin Dr. Susan Wheeler (Geneviève Bujold) ist schockiert: eine kerngesunde Freundin ist während einer Abtreibung ins Koma gefallen. Susan beginnt misstrauisch zu werden, als sie bemerkt, dass sich solche Unfälle im Hause immer im OP Nr. 8 ereignen. Ihr Freund Mark, ein ehrgeiziger Kollege (Michael Douglas in einer tragenden Nebenrolle), beschwichtigt sie – ohne Erfolg. Irgendwann erregt sie durch ihre Schnüffeleien auch den Unmut des Klinikchefs. Doch Susan lässt nicht locker. Sie klettert auf ihrer Suche nach Anhaltspunkten durch Luftschächte und besucht schließlich das einsam gelegene Jefferson-Institut, in das die Komapatienten der Klinik üblicherweise gebracht werden. Längst fühlt sich ein Killer für Susan zuständig …

„Coma“ ist mit ungeheurer Sorgfalt und Inspiration umgesetzt. So durchzieht den Film ein fein gewebtes Hintergrundrauschen aus teils fachlichem, teils privatem Smalltalk in den Räumen und Fluren der Klinik. Das Gezänk des jungen Heldenpaares ist von Bergman’scher Beobachtungsgabe und emanzipatorisch aktuell.
Die erste Dreiviertelstunde über gibt es keine Filmmusik. Erst als sich die Heldin bedroht zu fühlen beginnt, geht Jerry Goldsmith leise an die Arbeit. Als sie kurz darauf zum ersten Mal das Institut besucht, in dem sie später einer Sauerei auf die Spur kommen wird, unterstreicht der Soundtrack den abscheulichen Anblick dieses als Festung angelegten Plattenbaus. Dass der Film uns offenherzig die Arbeit der Chirurgen zeigt und in den Szenen im Kühlraum einen gewissen Grusel verbreitet, macht ihn aber noch längst nicht zu einem Horrorfilm, wie das „TV Spielfilm Filmlexikon“ es einordnete.

Gibt es an einem solchen Kleinod des Genrekinos eigentlich etwas auszusetzen? Einer der Biographen von Michel Douglas verschnupfte sich darüber, dass dieser in seinem ersten Kinofilm nach „Die Straßen von San Francisco“ erst ab der Mitte des Films „dicht an die Sphäre des deus ex machina drängt“. Von den späteren Stars, die sich hier in Nebenrollen betätigen, hat es Michael Douglas jedenfalls am weitesten gebracht.

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Als Irrenhausgeschichte ist „Einer flog übers Kuckucksnest“ nicht unumstritten: es gab und gibt einige, die dem Film vorwerfen, er würde sich auf Kosten der armen Insassen allzu derbe amüsieren.* Andererseits wird dieser Vorwurf ebensooft nicht erhoben, was dem Film ermöglichte, zum Klassiker und zum Kultfilm zu werden. Größeren Ärger verursachte er hinter den Kulissen. Man könnte auch sagen, er verschob den Unmut des Jungschauspielers Michael Douglas darüber, immer nur als „der Sohn von Kirk Douglas“ angesehen zu werden auf Kirk Douglas selbst, der in der öffentlichen Wahrnehmung zunehmend zum „Vater von Michael Douglas“ wurde.

Zu dieser naturgemäßen Demütigung hat Kirk Douglas selbst ungewollt beigetragen. Zwar versuchte er seinen Sohn davon abzubringen, den selben Beruf zu ergreifen wie er (ein in Schauspielerfamilien häufig anzutreffendes Phänomen), doch mit einem seiner ambitioniertesten Projekte außerhalb Hollywoods legte er den Grundstein für dessen Aufstieg zum Star.
1962 begeisterte sich Kirk Douglas für den Roman „One Flew Over The Cuckoo’s Nest“ von Ken Kesey und erwarb die Rechte. Er schrieb eine Theateradaption und schaffte es sogar, sie an den Broadway zu bringen. Trotz des zugkräftigen Stars in der Hauptrolle war das Stück ein Wagnis und hatte es Nicht leicht. Kirk Douglas in seiner Autobiographie: “Das Publikum war hingerissen, die Kritiken vernichtend.“ Und zu diesen Kritikern zählten die größten ihrer Zunft: Walter Kerr von der „Herald Tribune“ („… von den Eingeweiden abwärts geschrieben … ein so groteskes Vorhaben für die Bühne, dass es kurz abgehandelt werden könnte, wäre da nicht die ungewöhnliche Geschmacklosigkeit, mit der es inszeniert wurde. Über Geschmacklosigkeit dieses Kalibers sollte gesprochen werden.“), Howard Taubmann von der „New York Times“ („Finden Sie die Einfälle, Kapriolen und Ticks der Patienten einer Nervenheilanstalt amüsant? Dann werden Sie sich … sicherlich gut amüsieren.“).
Als die erhofften Erlöse ausblieben, verzichtete Douglas auf einen Teil seiner Gage und verlangte das auch von den anderen Schauspielern. Aber die weigerten sich, und das Stück wurde abgesetzt. Nun versuchte Douglas, einen Produzenten für eine Verfilmung zu finden, und wieder half ihm sein großer Name nicht. Niemand wollte sich darauf einlassen, Geld in ein eingestampftes Theaterstück zu investieren.

Während er für seine erste große Rolle in der TV-Serie „Die Straßen von San Francisco“ vor der Kamera stand, begann sich nun Michael Douglas für den Stoff zu interessieren. Die Verfilmung des Romans „Einer flog über das Kuckucksnest“ schien ihm ein guter Weg, sich bei seinem Vater zu beweisen. Als dieser die Rechte zum Verkauf anbot, weil er den Traum einer eigenen Realisation aufgegeben hatte, überließ er sie Michael. Vater und Sohn trafen die Vereinbarung, dass Kirk Douglas die Hauptrolle spielen würde. Doch die Finanzierung zog sich hin. Als die Dreharbeiten nach fast sechs Jahren Vorbereitungszeit endlich beginnen konnten, war Kirk zu alt für die Rolle des Heißsporns, der sich mit der Leitung einer Klinik anlegt, in die er nach einem Vergewaltigungsprozess eingeliefert wird.
Regisseur Milos Forman sprach es schließlich aus: Kirk Douglas würde seine Traumrolle nicht bekommen, und der Wunsch des Sohnes, ihm genau diesen Traum zu erfüllen, ging nach hinten los. Schließlich war Michael auch noch der Überbringer dieser schlechten Nachricht, was ihrem angespannten Verhältnis den Rest gab.
Zuerst wurde der Part Gene Hackman angeboten, der sagte ab. Ebenso Marlon Brando. Hal Ashby brachte den Namen Jack Nicholson ins Spiel. Der gewann dann den Oscar als bester Hauptdarsteller, Michael Douglas den als Produzent des „Besten Films“. Die Oscarverleihung war die einzige in Jahrzehnten, der Kirk Douglas fernblieb. Obwohl er an den Profiten dieses Riesenerfolgs beteiligt war, schied er als doppelt Bestohlener aus diesem Abenteuer – jedenfalls sah er das so.
Das Zerwürfnis rostete nicht. Als Michael Douglas 2009 den AFI-Award für sein Lebenswerk erhielt, die höchste Auszeichnung, die Hollywood zu vergeben hat, war Vater Kirk dabei (- inzwischen 93 Jahre alt und von den Folgen eines Hubschrauberabsturzes und eines Schlaganfalls gezeichnet). In seiner Laudatio wärmte er den Zwist wieder auf: „Er sagte: Dad, der Regisseur denkt, du bist zu alt. Zu alt? Ich? Ich könnte den Part jetzt noch spielen! Und dann sagte ich: Wen stellt ihr euch denn für die Rolle vor? Und Michael sagte: Einen jungen Schauspieler. Jack Nicholson. Ich sagte: Was? Den Basketball-Freak?“

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* Bezeichnenderweise hatte er die umgekehrte Wirkung. Der Film trug zur Abschaffung der Lobotomie in der Psychiatrie bei.

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