Wenn Stephen-King-Verfilmungen aufgezählt werden, wird diese hier oft vergessen – und das liegt nicht an ihrer mangelnden Beliebtheit. Dieser klassische Jugend- und Sommerfilm, der eine ganze Reihe späterer Stars in frühen Auftritten zeigt, ist die populärste Nicht-Horrorstory nach einer Vorlage des großen Kult-Autors.

B) Das Waisenhaus / El Orfanato
Spanisches Horrordrama von 2007

Laura kehrt mit ihrem Mann zurück in das ehemalige Waisenhaus, in dem sie aufwuchs und das sie wiedereröffnen möchte. Auch der zehnjährige Simón fühlt sich an der Küste wohl. Der Junge weiß weder, dass er adoptiert ist noch von seiner HIV-Infektion. In einer der Grotten in der Umgebung, die Mutter und Sohn auf einem Spaziergang erkunden, freundet sich der Junge offensichtlich mit dem Geist von Tomás an, der früher unter den Waisenkindern des Hauses ein entstellter Außenseiter war. Auch mit den übrigen Bewohnern von einst scheint er in einen regen Austausch zu treten, der Laura zunehmend unheimlich ist.
Eines Tages ist Simón plötzlich unauffindbar. Noch Monate später ist Laura sich sicher, dass er noch am Leben ist. Und dass bei dieser Katastrophe die Toten ihre Finger im Spiel haben. … Auf zahlreichen Festivals mit Preisen überhäuft, erreichte „Das Waisenhaus“ in seiner spanischen Heimat bereits am Startwochenende über eine Million Zuschauer und war dort der kommerziell erfolgreichste Film des Jahres 2007. Im Portfolio seines Produzenten Guillermo del Toro war er kurz danach so abwesend wie der kleine Simón. Regisseur Juan Antonio Bayona durfte danach in Hollywood Kommerzgeschütze wie „Jurassic World“ und „Herr der Ringe“ bedienen.

Nächste Woche: Manche mögen’s heiß und Das Privatleben des Sherlock Holmes

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Spontan halte ich Bette Davis und Barbara Stanwyck für die besten Filmschauspielerinnen, deren Arbeit ich ansichtig werden durfte – wobei Bette Davis noch etwas vielseitiger ist und natürlich mehr campy. Im nächsten Moment bin ich immer etwas beschämt, dass mir erst dann Kathy Bates einfällt, deren Karriere knapp 60 Jahre später (so richtig) in Fahrt kam.
Kathy Bates bringt (ähnlich wie Davis und Stanwyck) den besonderen Vorzug mit, außerordentlich schreckenerregend sein zu können. Und noch während ich mich vor ihr fürchte, fühle ich das Vorurteil aufsteigen, sie müsse privat ziemlich knuffig sein. Ihre Monstrosität ist deshalb so bezwingend, weil sie gespielt ist, weil sie auf Handwerk und darstellerischer Intelligenz beruht. (Mit einem selbsternannten monstre sacré konnte ich noch nie etwas anfangen.)

Unmittelbar nachdem sie 1991 als sadistisch-derangierte Krankenschwester in „Misery“ einen Oscar bekommen hatte, durfte sich Kathy Bates in den unterschiedlichsten Stoffen bewähren. Vier Jahre später bekam sie abermals in der Verfilmung eines Werks von Stephen King die Hauptrolle: „Dolores“. Es war ein fabelhafter Film – ein Mutter-Tochter-Drama, in dem Bates in Christopher Plummer einen würdigen Gegenspieler hatte -, doch das Publikum erwartete von der Kombination Bates-King wohl eher einen Gruselschocker. Dass diese Dolores keine Mörderin ist, sondern dessen nur verdächtigt wird, dürfte zu den enttäuschenden Einspielergebnissen beigetragen haben.

Obwohl Jugend und Schönheit für ihre Leinwandwirkung nie von Bedeutung waren, hat Kathy Bates (wie jede Schauspielerin in Hollywood außer Judi Dench) damit zu kämpfen, dass es ab einem gewissen Alter kaum noch dankbare Rollen gibt. Unterdessen – damit wollen wir uns trösten – durften wir sie in der Serie „Six Feet Under“ (komödiantisch mit Tiefgang) erleben, in der Tragödie „Revolutionary Road“ (komische Nebenrolle), in dem verblüffenden Klassiker-Remake „Diabolique“ (finstere Ermittlerin im Parka) und in der Tragikomödie „About Schmidt“ (Slapstick) – um nur meine subjektiven Lieblinge zu nennen.
Verehrte Mrs. Bates: Live long and prosper! Und kommen Sie bald wieder!

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Horrorfilme

Fürchterlich gerne hätte ich ausführlich von „Rosemaries Baby“ geschwärmt, dieser Film ist nicht nur unerhört fesch mit seinem Sixties-Look und seinen Technicolor-Farben, er liefert auch die Erklärung dafür, warum sich unsere Welt in einem so chaotischen Zustand befindet. Aber das tut ein Kabarett-Programm von Volker Pispers auch (obwohl es mich im Gegensatz zum wahrhaft beglückenden Entsetzen, das Polanski mit seinem Film verbreitet, einfach nur runterzieht).
„Frankenstein“ mit dem ultimativen Filmmonster Boris Karloff und „Freaks“ von Tod Browning, beide etwa gleich lang und gleich alt, haben das Kunststück fertiggebracht, 85 Jahre lang wirkungsvoll zu bleiben. Die „Freaks“ sind leibhaftige Ausgestoßene der Gesellschaft, wie sie bis ins frühe 20. Jahrhundert in fahrenden Monstrositätenkabinetten, sogenannten Side-Shows, dem Publikum ausgesetzt wurden. Eine durchaus begrüßenswerte gesellschaftliche Entwicklung hat die Herstellung weiterer Filme dieser Art unmöglich gemacht, ein weniger erfreuliches Wuchern politischer Korrektheit tat ein Übriges. Aber auch anständige Menschen dürfen sich „Freaks“ getrost ansehen: die Außenseiter vom Rummel sind die Guten, die normalen Menschen sind die Untiere. Im Serienfernsehen hat sich zuletzt die „American Horror-Story“ des Themas angenommen, doch diese Serie ist ein getrickstes Fantasieprodukt, während dem alten Film der Thrill eines dokumentarischen Aspektes anhaftet.
Der erste und bis heute beliebteste moderne Horrorfilm ist unbedingt einer meiner Lieblinge, und ich sehe ihn mir seit 35 Jahren immer wieder an: „Psycho“ (über den sicher noch mehr geschrieben wurde als über „Citizen Kane“). Auch „Das Schweigen der Lämmer“ ist immer noch großartig – beide beziehen sich übrigens auf den gleichen kannibalischen nekrophilen Transvestiten (er zog sich die Gesichter seiner Opfer an) Ed Gein aus Wisonsin, der auch „The Texas Chainsaw Massacre“ inspiriert hat (welchen ich erwähne, doch keineswegs in diese Liste mit aufnehmen möchte!).
Was ist mit „Misery“? Auch der ist tatsächlich so gut, wie alle sagen.
Das trifft nicht ganz auf die hinreißenden Hammer-Gruselfilme zu. Ich liebe Christopher Lee als den einzig wahren „Dracula“, zähle aber keinen seiner Filme zu meinen Favoriten – obwohl der erste seiner Dracula-Auftritte mich in Kindertagen lange beschäftigte und ich Lee in der Parodie „Die Herren Dracula“ nicht nur zum Totlachen sondern einfach zum Anbeißen fand.

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Für mich war der Klavier-Entertainer Liberace stets weniger ein Star oder etwa ein Musiker als vielmehr ein Horrorwesen – eher ein Kollege von Godzilla oder dem Ungeheuer aus der Schwarzen Lagune als von Frank Sinatra. In einer Zeit, in der es keine sichtbaren homosexuellen Vorbilder gab, war er die einzige offensichtliche Tunte. Mit seinem selbstverliebt grinsenden Pfannkuchengesicht unter der klebrig glitzernden Betonfrisur war er die Inkarnation jener bürgerlichen Vorurteile, vor denen man sich gerade als Coming-Out-Anwärter in der Provinz fürchtete. Seine Outfits boten einen Anblick, der sogar mir unangenehm auffiel – der ich mich für Bekleidungsfragen überhaupt nicht interessierte.
Und dann diese Musik!
Alles, was Pop und Klassik zu bieten hatten, vaporisierte Liberace zu einer Unzahl klimpernder Tonkrümelchen – selbst vor dem „Warschauer Konzert“, das ich tragischerweise sofort wiedererkannte, machte er nicht Halt.
Kurzum: mich entsetzte genau das, was ihn für ein gewaltiges Publikum, das vorwiegend aus älteren Damen bestand, so unwiderstehlich machte. Die hätten ihm auch seine Homosexualität mehrheitlich sicher nachgesehen. Doch Liberace ging damit recht verklemmt um, während Zeitgenossen wie Noël Coward ihre Veranlagung längst elegant in einem ironischen Dandy-Konzept auflösten.

1955 ereignete sich einer von Liberaces wenigen Filmauftritten. Wer hätte ihm abnehmen sollen, dass er mehr von seiner Partnerin wollte als ihren Hut?

Spaß gemacht hat Liberace natürlich auch mir. Mit Schmuck behangen wie ein New Yorker Weihnachtsbaum, pflegte er vor seine Fans hinzutreten, ihnen die teuersten Stücke vor die Nase zu halten und auszurufen: „Seht euch das an, meine Schätzchen! Das habt alles ihr bezahlt!“
Auf die unvermeidliche Journalistenfrage, ob ihm die eigene Seichtigkeit nicht selbst unerträglich sei, antwortete er: „Natürlich. Es ist schrecklich! Ich weine den ganzen Weg zur Bank!“
Vermutlich hat Liberace sogar seine trefflichste filmische Würdigung mit einem hübschen Kommentar bedacht. In der preisgekrönten Stephen King-Verfilmung „Misery“ foltert die irre Krankenschwester Kathy Bates einen Schriftsteller, den sie hoch verehrt und den sie dank eines Autounfalls  nun wie ein Haustier in verschneiter Einöde gefangenhalten kann. Sie bricht ihm z.B. die Füße, damit er nicht wegläuft, sie zwingt ihn, ein fertiges Manuskript zu verbrennen, das ihr nicht zusagt, und – Das ist das Schlimmste! – sie spielt ihm ihre Liberace-Platten vor.

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Charles Dickens, als Autor des dutzendfach verfilmten Klassikers „A Christmas Carol“ auch einer unserer größten TV-Festtagsprogramm-Schreiber, war ein umjubelter Live-Act. Seine in Fortsetzungen verabreichten Lesungen waren gut besuchte Events, Dickens ein viktorianischer Vorläufer des Solo-Entertainers. Außerdem gilt er als Erfinder des Cliffhangers, obwohl der allererste Fall der Dramaturgie des Triebaufschubs bei seinem Kollegen Thomas Hardy gefunden wurde. Ein Kapitel des Fortsetzungsromans „A Pair Of Blue Eyes“ endete damit, dass der Protagonist mit letzter Kraft an der buchstäblichen Klippe hing.
Wie sich das Verhältnis der Massenmedien zu ihrem Publikum gewandelt hat (keineswegs nur zum Schlechten), lässt sich an den Veränderungen ablesen, die dieser Erzähltrick seither durchlaufen hat.

Bereits in den frühen Tagen des Hörspiels, in den 20er Jahren, wurde im Rundfunk mit der schier ausweglosen Gefahrensituation gearbeitet, die eine Serienepisode beendet und das Publikum zum Genuß der Fortsetzung zwingt. Aber auch ich als Babyboomer hatte noch Gelegenheit, die Urform, die Steinzeit-Version des Cliff-Hangers persönlich mitzuerleben.
1978 startete im ZDF die Serie „Western von gestern“. Hier wurden B-Western der frühen Tonfilmzeit für’s Vorabendprogramm zubereitet, d.h. sie wurden auf 25 Minuten pro Folge gekürzt, unsagbar schlampig eingedeutscht und nachvertont, aber in ihrer ursprünglichen Struktur belassen. Das Material war in den 30er und 40er Jahren als Mehrteiler im Kino-Vorprogramm gelaufen und handelte von z.B. Zorro, dem lustigen Senioren-Cowboy Fuzzy oder einem blutjungen, unfassbar gut aussehenden John Wayne. Am Ende jeder Folge geschah etwas für den Helden unweigerlich Tödliches. Ich erinnere mich an meinen ersten „Western von gestern“, in dem John Carroll in eine Mine hineinläuft, die sofort danach gesprengt wird. In der zweiten Folge setzte die Handlung etwas früher ein, und vor der Explosion sehen wir, wie sich Carroll wieder in Sicherheit bringt.
Dieser wenig respektvolle Umgang mit dem Zuschauer erfuhr 55 Jahre später eine prominente Kommentierung in der Stephen-King-Verfilmung „Misery“. Kathy Bates bekommt als sadistische Krankenschwester einen ihrer wenigen vollauf berechtigten Wutausbrüche, als sie sich daran erinnert, wie sie in ihrer Kindheit im Vorstadt-Kino saß und sich von dieser Masche verarscht fühlte. (Ich wusste, wovon sie sprach: bei mir war’s das ZDF!)

Der Cliff-Hanger wird erwachsen

Als in den 80ern die große Zeit der Seifenopern à la „Dallas“ und „Denver“ im deutschen Fernsehen anbrach, war die letzte Folge vor der Sommerpause mitunter ein Ereignis, das es sogar in die Nachrichten schaffte („Wer schoß auf J. R. Ewing?“). Es wurde nicht mehr so dreist gemogelt wie in den 30er Jahren, und die Spannung war auch für die Seriendarsteller groß. Wenn am Ende einer Staffel ein Blutbad angerichtet wurde oder ein Flugzeug abstürzte, bangten die geldgierigen Stars um ihr Überleben in der Serie.

Blenden wir weitere 30 Jahre in die Zukunft. Ich sehe das 3. Staffelfinale der Serie „Breaking Bad“. Das Drama läuft darauf hinaus, ob ein bestimmter Seriencharakter erschossen wird oder nicht. Er ist hochgefährlich für das zentrale Schurken-Helden-Duo, aber so kauzig und sympathisch, dass man im Fernsehsessel schlimme Ängste um ihn aussteht. Unmittelbar vor dem Ende der Sendung blicken wir gemeinsam mit diesem Mann in den Lauf einer Schusswaffe, und: — sie wird abgeschossen.
Was in früherer Zeit ein grausames Rätsel gewesen wäre (Wer stirbt oder stirbt nicht? Wer hat geschossen?), wird uns hier schon vor der Sommerpause verraten, und dennoch ist die Spannung unerträglich.

Die Geschichte braucht keine Tricksereien mehr. Die Handlung ist so fesselnd, dass weder Heimlichtuereien noch glatte Lügen notwendig sind, um das Publikum bei der Stange zu halten. Ich denke, Charles Dickens hätte wieder eingeschaltet.

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