Es fällt schwer, sich den kultivierten Christopher Lee in der Rolle dieses rätselhaften Unholdes vorzustellen. Er sollte jene Rolle ursprünglich spielen, die dann aufgrund von Terminschwierigkeiten an ihre Idealbesetzung ging: Max von Sydow. In dessen unbehauenem, weitgehend reglosen Gesicht spiegeln sich die enormen körperlichen Strapazen und die Konzentration, die ihm seine Mission abverlangt. In dem bärbeißigen Trevor Howard, mit dem sich Salem unvorsichtigerweise auf ein Psycho-Duell einlässt, findet er einen würdigen Gegenspieler.

„Der unheimliche Besucher“ ist ein Psychothriller im Look eines Horrorfilms. Diese Wirkung verdankt er vor allem der archaischen Erscheinung von Sydows und der märchenhaften Rückständigkeit der Verhältnisse – selbst ein so nostalgisches Fahrzeug wie ein VW Käfer erscheint als futuristischer Fremdkörper.
Der Komponist Henry Mancini, zu dieser Zeit bereits ein Klassiker des Easy Listening, wurde gewissermaßen gegen seinen Typ gebucht. Eigentlich ein Spezialist für humorvollen Swing („The Pink Panther“) und  romantische Chorgesänge („Moon River“), liefert er uns einen Score, der ebenso mitleidlos und zerklüftet ist wie die felsige Landschaft des Films, durchzuckt von jenen Dissonanzen, die er bei „Wait Until Dark“ schätzen gelernt hatte.

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Zu den größten internationalen Kino-Schlagern des 20. Jahrhunderts – Das 21. wird in diesem Zusammenhang keine Rolle mehr spielen, woll’n wir wetten? – gehört „The Pink Panther Theme“ von Henry Mancini.
Mancinis Kompositionen sind nicht zu zählen, und es sind einige Ohrwürmer darunter – „Moon River“, der Elefantenbaby-Marsch aus „Hatari!“ oder „Die Dornenvögel“, um nur drei weitere zu nennen. „Der rosarote Panther“ hat von allen die bewegteste Geschichte. Sie sei hier kurz wiedergegeben.

Autogrammstunde in Hollywood

Im Jahre 1961 begann Mancinis Karriere mit einem doppelten Paukenschlag. Er hatte bisher für einige Mutations-Horrorfilme des Paranoia-Kinos* Szenemusik komponiert und den Orson-Welles-Film „Touch Of Evil“ betreut, da heimste er auf einen Streich zwei Oscars ein: „Bester Soundtrack“ für „Breakfast At Tiffany’s“ und „Bester Song“ für „Moon River“ aus ebendiesem Film. Es war eine Filmmusik, die sich erstmals deutlich vom Tschaikowski-Idiom absetzte, ohne vollständig in den Jazz oder Rock’n’Roll abzutauchen. Sie balancierte genau dazwischen und hatte schon etwas von jenem lebensfrohen, federleichten Swing, der kurz darauf von jungen britischen Musikern in der Popmusik etabliert werden sollte.
In einer Szene des Films schleichen Audrey Hepburn und ihr Verehrer durch einen Laden, um etwas zu stehlen. Sie tragen Tiermasken. Darunter stampft eine nicht ganz ernstgemeinte Jazzmucke. Hier – so sollten später einige Filmhistoriker feststellen – kündigt sich der rosarote Panther schon machtvoll an.

1964 produzierten die Mirisch-Brüder eine Art Caper-Movie, gewissermaßen die abendfüllende Version des Ladendiebstahls aus „Breakfast At Tiffany’s“. Der Schurke war ein schnieker Gentleman-Ganove mit kleinem Bärtchen, der (selbstverständlich!) von David Niven gespielt wurde. Ihm war das Eröffnungsmotiv gewidmet – aber das merkte niemand mehr, als der Film herauskam. Die Filmemacher um den Regisseur Blake Edwards waren auf die Idee gekommen, dem titelgebenden „rosaroten Panther“, einem geheimnisvoll schimmernden indischen Diamanten, eine Trickfigur zu widmen. Dieser Vorspann war nach Meinung einiger Kritiker „witziger als der eigentliche Film“**. In jedem Falle war mitverantwortlich für die Fortsetzung der Filmreihe, als deren Held sich der schusselige Ermittler Clouseau emanzipieren sollte. „The Pink Panther Theme“ wurde seine Erkennungsmelodie, und Zeichentrickvorspänne kamen allgemein groß in Mode.

Noch vor Inspektor Closeau machte das Panthertier Solo-Karriere – zunächst in dem oscargekrönten Kurzfilm „The Pink Phink“ (auch 1964), bald darauf in einer TV-Reihe, in der unzählige solcher Panther-Cartoons mit Mancinis Saxophonthema (eigentlich Vorfilme fürs Kino) zu 25minütern zusammgefügt wurden. Ab 1973 lief diese Serie unter dem Titel „Der rosarote Panther – Zu Gast bei Paulchens Trickverwandten“ im ZDF-Vorabendprgramm. Der Synchron-Autor, -Sprecher und Regisseur Eberhard Storeck textete dazu eine Abspannmusik, die mit der berühmt gewordenen Frage begann: „Wer hat an der Uhr gedreht?“ und mit dem legendären Versprechen endete „Heute ist nicht alle Tage, ich komm wieder – keine Frage!“ Storeck dichtete auch eine Erzählerspur über alle Cartoons, von denen einige (nicht nur mich) geradezu an Wilhelm Busch erinnerten.

Auch ohne Film wirkliche Poesie: Beginn eines gereimten Panther-Abenteuers von Eberhard Storeck.

Seither heißt der Panther – wenn auch nur in Deutschland, Österreich und der Schweiz – Paulchen und das „Pink Panther Theme“ die Paulchen-Panther-Melodie. Es wird gelegentlich mit der Serien-Erkennungsmelodie von Fred Strittmatter verwechselt, der Instrumentalversion von „Wer hat an der Uhr gedreht?“

In den 70er Jahren nahm die Clouseau-Filmreihe Fahrt auf, und das „Pink Panther Thema“ lag unter immer neuen Trickfilm-Kinovorspännen – zuletzt mit Steve Martin als Clouseau. Es stieg als letzter Tune ins klassische Jazz-Repertoire auf und erlebte Dutzende Cover-Versionen. Der Autor Heinz Strunk machte es quasi zur Titelmusik seines Bucherfolges „Fleisch ist mein Gemüse“: die lausige Tanzkapelle, in der er seine picklige Landjugend zubrachte, spielt diese Nummer als Auftrittsmusik. Jetzt ist es amtlich: Mancinis Klassiker ist endgültig im Trash angekommen.

Im November 2011 wird der NSU öffentlich bekannt, der bis dato mindestens zehn Menschen ermordet und in selbstgebastelten Videoclips verhöhnt hat. Diese Videoclips basieren auf den Paulchen-Panther-Filmen und verwenden Bild- und Tonmaterial daraus mit rassistischen Verfremdungen.
Das ist ein herber Schlag sowohl für die schicke Raubkatze als auch für den Musiktitel. Das könnte sein Ende sein – möglicherweise.
Es könnte aber auch sein, dass Paulchen-Panther und seine Erkennungsmelodie auch diese Schändung überleben und weiterswingen. Oder -grooven.

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* siehe dazu den Blog vom 14. Oktober 2015
** Friz Freleng und David H. DePatie waren seine Schöpfer

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Holly Golightly, die gitarrespielend auf der Feuertreppe sitzt, hat Truman Capote uns genau beschrieben: wie sie „mit der heiseren, gebrochenen Stimme eines heranwachsenden Jungen“ sang, dass sie alle Musical-Hits kannte – Cole Porter, Kurt Weill und besonders gern die Songs aus „Oklahoma!“, „die in jenem Sommer neu und überall zu hören waren“. Manchmal verblüffte sie den Ich-Erzähler mit „rauh-zärtlichen, umherirrenden Melodien, die nach Südstaaten-Nadelwäldern oder der Prärie schmeckten“ und bei denen er sich fragte, wo sie die gelernt haben mochte.
Die Antwort erhielt die Welt erst wenige Jahre später, als Audrey Hepburn in der berühmten Verfilmung von „Frühstück bei Tiffany“ zur Gitarre griff und „Moon River“ sang: die Musik ist von Henry Mancini, der Text von Johnny Mercer.

Mercer ist selbst ein Mann aus dem Süden, der Wiege des Jazz, der Heimat von Tom Sawyer und Huckleberry Finn, Truman Capote und Tennessee Williams, Ray Charles und Louis Armstrong.*

Wie schön dieser Süden ist – dem Vernehmen nach ist, denn ich bin noch nicht dortgewesen -, merkt man daran, dass auch das langsam erwachende Bewußtsein für seine blutige Vergangenheit seinen Zauber nicht zerstört hat.
Es mußte jemand wie Quentin Tarantino kommen, um einem bestens unterhaltenen, großen Publikum zu zeigen, wie gruselig es zugegangen sein mag im grand old south.
Und dennoch haben die meisten von uns noch immer – bewußt oder unbewußt – eine persönliche Südstaaten-Hitparade.

Zu meiner gehört „Zip-A-Dee-Doo-Dah“ aus dem Disney-Film „Song Of The South“. Es gab eine Zeit, da wurde diese Kombination aus Real- und Zeichentrickfilm sogar im deutschen Fernsehen gezeigt. Im Moment ist das Werk unter Verschluß, weil der gemütliche schwarze Kinderfreund Uncle Remus mit seiner Latzhose und seiner Baßstimme eine zu biedere, harmlose Figur sei, eine Art „Onkel Tom“. (Meine Güte, haben die Leute denn sonst keine Sorgen?)
Besonders liebe ich „Shine On Harvest Moon“, ein Folklorestück, das Oliver Hardy in einem Film gesungen hat und das ich später in der Serie „Roots“ wiederhörte. Ach, dieser Oliver Hardy – der auf den ersten Blick (!) weniger effektvolle Teil des Duos Laurel & Hardy, der so wunderschön sang und der tragischerweise nie in ein Plattenstudio bestellt wurde.

Oliver Hardy kommt aus Georgia. „Georgia On My Mind“ kennen wir von so ziemlich jedem bedeutenden Interpreten des frühen Pop-Zeitalters, aber die Version von Ray Charles ist irgendwie die beste. (Zugegeben: bei ihm würde sich auch „Auf der Reeperbahn nachts um halb eins“ wie ein Südstaaten-Blues anhören …)
Zunächst hat Ray Charles seinen Signature-Song „Georgia On My Mind“ nur privat vorgetragen – im Tourbus zum Beispiel. Und das wohl ziemlich oft.
Irgendwann reichte es dem Chauffeur, und er beschwerte sich: „Mr. Charles! Wenn Ihnen dieses Lied so viel bedeutet, dann nehmen Sie es doch bitte in Ihr Bühnen-Repertoire auf! Ich habe davon jedenfalls genug!“
Der Mann hatte recht! So ist viel besser für alle Beteiligten.

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* Siehe auch https://www.220.ro/desene-animate/Cow-Chicken-4x13a-The-Cow-Chicken-Blues/0NLEZ5NSiU/

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