„L. A. Confidental“, die Verfilmung des gleichnamigen Romans von James Ellroy, kam 1998 heraus. Sie ist ein Geniestreich.
Die Handlung trägt sich in den frühen 50er Jahren zu. Regisseur Curtis Hanson erklärte zur Entstehung des Soundtracks, er habe Jerry Goldsmith auf die vielen Songs hingewiesen, die im Film gespielt werden, darunter auch einige Instrumentals von berühmten Unterhaltungsorchestern. Das Underscoring sollte diese „source music“ optimal einbinden. Deshalb habe sich der Komponist für eine Solotrompete entschieden wie sie auch in einigen der Musiktitel ertönt. Zu diesem Ansatz passt das ungewöhnliche Fehlen eines signifikanten Themas in Goldsmiths Partitur; in den Songs gibt es ja genug davon.
Es gibt aber noch eine andere Erklärung für die besondere sinfonische Cool-Jazz-Anmutung des Soundtracks von „L. A. Confidental“. Sujet, Schauplatz, Zeit der Handlung, Starbesetzung, Look und Atmosphäre erinnern nämlich an einen Filmklassiker, der knapp 25 Jahre zuvor entstanden war: „Chinatown“ von Roman Polanski. Auch hierfür hatte Goldsmith die Musik geschrieben. In diesem Fall war er mit einem einzigen Thema ausgekommen, und auch dieser „Main Title“ wurde von einer Solotrompete gespielt. Film und Filmmusik wurden zu Klassikern. Die beiden Soundtracks könnten A- und B-Seite des selben Albums sein (was sich bei Goldsmith nicht von selbst versteht).
Jack Nicholson, der Hauptdarsteller von „Chinatown“, hat sich jahrelang darum bemüht, eine Fortsetzung zu drehen. Nachdem Roman Polanski aus juristischen Gründen von einer Einreise in die USA absah, inszenierte Nicholson den Film schließlich selbst. „The Two Jakes“ erschien 1990, 16 Jahre nach Chinatown, und gilt als missglückt.
In gewisser Weise löst „L. A. Confidental“ diese alte, unerfüllt gebliebene Verheißung ein. Trotz der Abwesenheit solcher Stars wie Nicholson, Faye Dunaway und John Huston kommt auch hinsichtlich schauspielerischer Leistungen keine Trauer auf. Und das alles durchpulst die Musik von Jerry Goldsmith. Sie verbindet nicht nur die alten Songs zu einer Einheit, sie macht aus den beiden Filmen ein Double-Feature.

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B) Spiegelbild im goldenen Auge / Reflections In A Golden Eye
Amerikanisches Südstaaten-Drama von 1967

Major Penderton und Lt. Colonel Langdon leben mit ihren Ehefrauen auf einem Militärstützpunkt in Georgia am Rande großer Waldungen. Die kriegsfreie Zeit lässt Neurosen ins Kraut schießen, die allesamt sexueller Art sind. Der impotente Major (Marlon Brando) verzweifelt an seiner lebenslustig-gefühllosen Frau (Elizabeth Taylor), die sich mit Langdon vergnügt, während dessen Frau langsam durchdreht und der verschrobene Stallbursche Williams (Robert Forster in seinem ersten Filmauftritt) sie heimlich stalkt. Dass das nicht gut ausgeht, wird schon zu Beginn des Films verraten: „Dort im Süden steht ein Fort, in dem vor Jahren ein Mord geschah.“

John Hustons Verfilmung einer Erzählung von Carson McCullers zeigt uns eine Garnison in Friedenszeiten als Mikrokosmos verkorkster Beziehungen und Obsessionen. Die Rolle des verklemmt schwulen Major Penderton hätte für Montgomery Clift das Leinwand-Coming-Out werden sollen, doch Clift starb kurz vor Beginn der Dreharbeiten, und der von ihm beeinflusste Marlon Brando übernahm. Brandos Biograf Tony Thomas attestierte diesem „die komplizierteste, rundeste und intelligenteste schauspielerische Leistung“ seiner Karriere. Elizabeth Taylor glänzt einmal mehr als große Komödiantin in einem Drama.

Nächste Woche: Sein oder Nichtsein und King Of Comedy

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B) Die Falle
Deutsches Fernsehspiel nach einem Theaterstück von Robert Thomas von 1982

Grübelnd sitzt Daniel in einer Ferienhütte in den Bergen: mitten in den Flitterwochen hat er sich mit Elisabeth dermaßen zerstritten, dass sie fortlief und seither verschwunden ist, vielleicht auch verunglückt. Der Kommissar aus Chamonix versichert ihm, nach ihr zu suchen. Da klopft ein Pfarrer an und berichtet, Elisabeth sei wieder da und wolle sich aussöhnen. Er hat die Dame als Überraschung gleich mitgebracht. Daniel schwört, die Frau noch nie gesehen zu haben. Doch sie will nicht gehen. Und sie weiß einfach zu gut über alle Einzelheiten der kurzen Ehe bescheid, um sie dem Kommissar gegenüber als Betrügerin bloßzustellen. Ein Nervenkrieg nimmt seinen Lauf …

Das Stück von Robert Thomas wurde – so geht die Legende – erst vom Verlag abgelehnt, woraufhin er das Skript verärgert im Vorzimmer liegen ließ. Dort wurde es nachträglich entdeckt – und ein Erfolg. Alfred Hitchcock kaufte die Filmrechte, es kam leider nicht mehr dazu. Während „8 Frauen“, ein eher tutiges Werk des Autors, später Furore machte, ist „Die Falle“ gründlich vergessen und wird auf Krimi-Dinner-Abenden verheizt. Für Oswald Döpkes ZDF-Verfilmung mit den einstigen TV-Lieblingen Wolf Roth, Judy Winter und Hans Caninenberg können wir nur dankbar sein. Rolf Kühns Soundtrack verströmt edles Ennio-Morricone-Feeling.

In der nächsten Woche: Kevin – Allein zu Haus und Feivel der Mauswanderer

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Unser Bild von Kalifornien wurde von Film und Fernsehen geprägt. Diese Medien sind seither zu einem guten Teil untergegangen – so wie Kalifornien in den Feuern der letzten Wochen. Diedrich Diederichsen denkt in einem klugen Artikel in der „taz“ darüber nach und zeiht sich zu Beginn des „Trauerluxus“, als er sich dabei ertappt, ganz subjektiv betrübt zu sein über den Untergang der Schauplätze persönlicher Erinnerungen: „Skepsis, Darkness unter sehr hohen Palmen bei strahlender Sonne – das ist auch ein Klischee, das von Kenneth Angers Skandalchronik ‚Hollywood Babylon‘ bis zu James Ellroys Ober-Noir immer wieder bedient wurde. Es hat seinen Ursprung in dem Umstand, dass eine globale Kulturindustrie von L.A. aus agiert, die in ihren Produkten die Spezifik und Örtlichkeit ihres Produzierens ausblenden muss. Sie muss universell sein. Doch durchbricht sie diese Regel für ein bestimmtes, in ihr Portfolio fest eingebautes Genre, den stets tragischen oder tragikomischen Blick auf sich selbst: von Billy Wilders ‚Sunset Boulevard‘ (1950) bis David Lynchs ‚Mulholland Drive‘ (2001). Die Spätform davon kann man in jenem gepflegten TV-Museum der 10er Jahre besichtigen, das uns unter dem Namen ProSieben werktäglich von Malibu (‚Two And A Half Men‘, 2003-15) bis nach Pasadena (‚The Big Bang Theory‘, 2007-19) durch das ganze L.A.-County mitnimmt. Genauer und auf einem neueren Stand war zuletzt ‚Trans Parent‘ (2014-19). (…) Was es ökologisch wie ökonomisch bedeutet, eine Metropole auf Wüstensand zu bauen und dies gegen andere schon bestehende Lebensformen durchzusetzen, erklärt ‚Chinatown‘ (1974) von Roman Polanski. Warum das einst vielversprechende ÖPNV-System auf den Druck der Öl- und Autoindustrie schon in den 1930ern im Zuge der sogenannten General Motors Streetcar Conspiracy abgewrackt wurde, wissen wir aus ‚Falsches Spiel mit Roger Rabbit‘ (1988) von Robert Zemeckis. (…) Los Angeles ist der am weitesten entfernte Ort, an dem – so wird uns zumindest pausenlos vermittelt – noch Leute wie wir leben: ‚The Nearest Faraway Place‘, wie die ‚Beach Boys‘ es nannten.“

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Dario Argento wird nicht zur Hochkultur gerechnet und fällt geflissentlich unter den Tisch, wenn von „Meisterregisseuren“ wie Bertolucci, Bergman oder Scorsese die Rede ist. Das ist ein bisschen unfair, spielt aber in unseren Zeiten eh keine Rolle mehr. Mit dem Ansehen von Kompetenz, Expertise und Einordnung haben die sozialen Medien auch die Schubladen pulverisiert, in die man kulturelle Güter einsortieren kann. Das ist insgesamt bedauerlich, hat aber von Zeit zu Zeit auch mal sein Gutes, denn natürlich ist Dario Argento einer der bedeutenden Kinoregisseure des 20. Jahrhunderts, nur eben in der Nische des blutrünstigen italienischen Thriller- und Horrorkinos. (Der Großregisseur Quentin Tarantino würde diesen Namen sicher nicht übergehen.)

80jährig und älter aussehend hat sich Dario Argento vor einigen Jahren auf ein Projekt eingelassen, das auf mich wirkt als wollte er Buße tun für die vielen unschuldigen Menschen, die er – zumeist in der Blüte ihrer Jugend – vor der Kamera so grausam hat verrecken lassen. Es wäre eine spannende philosophische Frage, ob der Tod, den er in „Vortex“ von Gaspar Noé zu sterben hat, nicht grauenvoller ist als der seiner Figuren: alt werden bis am eigenen Leibe nichts mehr richtig funktioniert, aber noch lange genug leben, um die Frau, mit der man sein Leben verbracht hat, rapide in eine Demenz abgleiten zu sehen.

Das Traurige am Betrachten von „Vortex“ ist weniger sein tragischer Inhalt als die unbefriedigende Art, in der selbiger für uns aufbereitet wird. Und Argento spielt in dieser Fehlkonstruktion die entscheidende Rolle – unterstützt von zwei Kollegen, die ihre Arbeit wiederum ganz fabelhaft machen: Françoise Lebrun (im Film namenlos wie ihr Mann) und Alex Lutz als Stéphane, ihr missratener erwachsener Sohn. Die übrigen, sehr kleinen Rollen – und hier nimmt das Übel bereits seinen Lauf – sind außerordentlich nachlässig besetzt und angeleitet. Es ist wie so oft: Noé war zu faul, sich mit Dingen zu beschäftigen, die er unrichtigerweise für Kleinkram hielt. Er würde sich jederzeit auf die Wahrhaftigkeit herausreden, die von seinen Laiendarstellern ausginge (bla bla…).

Dass der Regisseur hier mit den Improvisationstechniken der Doku-Soap arbeitet, ist nicht verwerflich, nur fällt er damit seinem unerfahrenen Hauptdarsteller in den Rücken, der ein sehr schlechtes Französisch spricht und auf ein Textbuch angewiesen war. Argentos Wortfindungsschwierigkeiten sind komplett unglaubwürdig angesichts der 37 Jahre, die er als gebürtiger Italiener mit seiner Frau in Paris zusammengelebt, in denen er einen Sohn großgezogen und sich einen Namen als Fachautor und Intellektueller (!) gemacht haben soll. Die Überlegungen, die er anstellt, während er an seinem Buch arbeitet – eine philosophische Annäherung an die Traumqualität der Filmkunst an sich – lässt der herzlose Noé seinen greisen Gaststar stammelnd improvisieren. Die abendliche Szene, in der fachsimpelnde Kollegen zu Besuch kommen, versinkt in sinnlosem Gequatsche. Sogar die alltäglichen Versuche des alten Herrn, mit Frau und Sohn zu kommunizieren, machen den Eindruck, als hätte sich ein Autofahrer in eine Gegend verirrt, in der alle Menschen Klingonisch reden.
Noés hübsches Konzept – ein geteilter Bildschirm, der das durch die Krankheit und das Erreichen eines gewissen Alters unversehens getrennte Paar parallel begleitet und ihre Entzweiung sichtbar macht – wird von solchen Nachlässigkeiten immer wieder sabotiert.

Natürlich hat ein Film wie „Vortex“ in unserer überalterten Gesellschaft einiges zu erzählen. Doch um seinen Regisseur für Innovation und Inhaltlichen Wagemut zu loben, ist er einfach zu spät dran. Alles, was Noé hier verhandelt, haben wir in den vergangenen 65 Jahren in sehr unterschiedlichen Filmen schon viel besser gesehen: in Roman Polanskis „Ekel“, Alexander Paynes „About Schmidt“, Michael Hanekes „Liebe“, Bryan Forbes‘ „Flüsternde Wände“ und Dutzenden anderen; inzwischen ist noch Florian Zellers überaus beachtliches Demenzdrama „The Father“ hinzugekommen.
Außerdem gilt: Wer einige Konventionen des Film-Handwerks missachtet, der muss sich um die übrigen umso sorgfältiger kümmern. Daran kommt nicht mal ein Meister wie Michael Haneke vorbei.

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Sieht man einmal vom einschlägigen Filmschaffen gewisser Stummfilm-Stars ab, zählt „Who’s Minding The Store“ zu den absoluten Glanzleistungen im Reich der Klamotte, jenes ungeheuer schwierigen und weithin unterschätzten Sub-Genres der Filmkomödie. Es ist der beste Film, den der „totale Filmemacher“ Jerry Lewis seinem Lieblingsregisseur Frank Tashlin anvertraut hat. Hier kommt alles zusammen, was in variierender Menge und Proportion auch die sonstigen Filme von Lewis‘ früher Solo-Jahre kennzeichnet: eine Besetzung mit erstklassigen Schauspielern / Komödianten / Komikern (denen diesmal besonders viel Raum gegeben wird), eine Fülle für sich stehender Slapstick-Acts (die ungewöhnlich gut zu einem Ganzen zusammenfinden) und ein schmissiger Jazz-Soundtrack. Tashlin sorgt weiterhin für einen letztlich schlüssigen Plot – was viel wichtiger für die Wirkung der Gags ist als man meinen könnte – und bremst den Furor seines Helden immer im spätestmöglichen Augenblick, bevor er vollends über die Kante rutscht. Dem fügt er einen schwungvollen Deformations-Humor hinzu, den er sich in seinem Vorleben beim Trickfilm erworben hat – inklusive der Idee, dass Jerry Lewis eine Pantomime zu Leroy Andersons Instrumental-Evergreen „The Typewriter“ macht und damit einen weiteren in die Welt setzt. Ein kleiner Wehrmutstropfen ist, dass es hier einfach nichts für Lewis‘ wichtigste Partnerin Kathleen Freeman zu tun gibt. Als älter geschminkte Kundin mischt sie sich unter die Kleindarsteller.

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Zuletzt ist wegen des Falls Relotius viel über die Schwelle zwischen Journalismus und süffiger Fiktion nachgedacht worden. In der Tat ist es ein verblüffend breiter Streifen, der diese beiden Welten trennt: die literarische Gattung der Kolportage. Der Begriff geht auf die Kordel zurück, die in den frühen Tagen der Schundliteratur die Bauchläden mobiler Buchhändler waagerecht hielt. Er bezeichnet heute nicht etwa die Gattung des Groschenromans an sich*, sondern jene Fälle, die für sich in Anspruch nehmen, etwas von der Relevanz und Unbestreitbarkeit des gewählten historischen Hintergrundes müsse auf sie abfärben (zumal dann, wenn sie von einem seriösen Verlag herausgebracht werden). Ist das historische Ereignis gar geeignet, uns unangenehm zu berühren – das gilt zuallererst für Nationalsozialismus und Holocaust – könnte es dem Autor so passen, per se als moralische Instanz und als ein posthumer Augenzeuge begriffen zu werden. Soweit das Grundsätzliche.

Nicht nur historische Pornografie kann wehtun, auch ihr Erfolg bereitet mir nagendes Unbehagen. Ein populäres Beispiel aus der Welt des Kinos ist „Schindlers Liste“. Geschaffen von einem Regisseur, der sowohl wegen seines Status als erfolgreicher Hersteller von Feelgood-Movies für die ganze Familie (also für die Kleinen und ihre Begleitung) als auch wegen seines religiösen Backgrounds geschmacklich unverdächtig ist**, wurde dieser Film im Feuilleton sogleich vom Blockbuster in den Klassikerstatus durchgewunken. Eine künstlerische Gegendarstellung wäre etwa der ebenfalls gefeierte, aber kommerziell weniger ergiebige „Der Pianist“ vom ebenfalls jüdischen Regiestar Roman Polanski. Polanski hat den Holocaust tatsächlich überlebt und findet kitschfreiere, wahrlich verstörende Bilder, ihn nachzuerzählen.

Die korrekte Einordnung des Romans „Stella“ beschäftigt zur Zeit die deutsche Öffentlichkeit. Was kann der Autor dazu beitragen? In einem kuscheligen Interview mit Mona Ameziane und Publikumsbeteiligung sagt Takis Würger, nach dem Erfolg von „Der Club“ habe er eigentlich gar keinen weiteren Roman schreiben wollen, bis es ihn bei einem Theaterbesuch fasziniert habe, wie nahe im Musical „Cabaret“ Schönheit und Terror beieinanderlägen. Er tue immer nur, was er für richtig halte. Es mache ihn froh, einen Beitrag zur heutigen Erinnerungskultur geleistet zu haben. Es sei sehr schwierig, einen historischen Roman zu schreiben. Hanser sei „der große literarische Verlag Deutschlands“ … Er sagt noch weitere solcher Artigkeiten. Nach dem Zuspruch durch viele Buchhändler stehe nun aber fest: „Natürlich mache ich weiter!“

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* Zum Begriff „Pulp“ siehe https://blog.montyarnold.com/2014/09/29/ueberflieger-von-ganz-unten-was-ist-pulp/
** Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2017/12/03/filmszenen-zum-davonlaufen-1-einfuehrende-worte/

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Die Regel, dass das Internet nichts vergäße, wird in nächster Zeit auf eine Probe gestellt werden. Der Furor der Sexismusdebatte schlägt bereits erste Schneisen in die mediale Landschaft. Bisher hat es vor allem Kleinkram getroffen: im linearen Fernsehen wird die Serie „Derrick“ nach Aussage des ZDF künftig nicht mehr laufen, seit sich Horst Tappert posthum als SS-Mann entpuppt hat. (Die DVDs werden noch verkauft.) Auch die Shows mit dem BBC-Horrorclown Jimmy Savile (dessen systematisches Misshandeln von hauptsächlich minderjährigen Opfern beiderlei Geschlechts zu seinen Lebzeiten ohne juristische Folgen blieb) werden sicher nicht wieder im TV-Programm auftauchen* – allenfalls als sekundenlange Flashbacks in jener Enthüllungs-Doku, die bislang aussteht.
Seit Harvey Weinsteins Verfehlungen den Machtmissbrauch in der Medienbranche zu einem Schlagzeilen-Thema gemacht haben, sind nun aber zunehmend abendfüllende Kunstwerke von einigem Rang bedroht. Die „ZEIT“ fragt im aktuellen Aufmacher „Darf man diesen Film noch zeigen?“ (dazu ist ein Szenenfoto aus Woody Allens „Stadtneurotiker“ zu sehen) und weitet die Frage im Artikel dazu noch auf andere Künstler und Objekte aus. Es ist sogar Platz für eine kurze professionelle Ehrenrettung von Dieter Wedel, der für seine Vorwegnahme eines HBOhaften Erzählstils gewürdigt wird. – Nichts für ungut, aber da war Robert Stromberger nicht nur früher dran, er hatte auch den längeren erzählerischen Atem.

Vielleicht hilft uns die frische Erinnerung an die die jahrzehntelange moralische Debatte um das Werk Richard Wagners – der lange vor Auschwitz lebte, aber sehr germanozentrisch dichtete und komponierte und antisemitische Hetzschriften in die Welt setzte. Zuletzt schien es mir, als würde angesichts seiner Musik eine allgemeine Versöhnlichkeit überwiegen. Schließlich hat sogar der Holocaust-Überlebende und Klassik-Liebhaber Marcel Reich-Ranicki wiederholt dafür geworben, die Musik nicht mit der Persönlichkeit ihres Schöpfers zu verwechseln. Im aktuellen „Spiegel“ wirbt der Schauspieler Ulrich Tukur dafür, es auch mit Wedels Arbeit so zu halten.
Bei Wedels Mehrteilern hält sich meine persönliche Sorge in Grenzen, aber wenn es um die mögliche Ächtung des Werkes von Woody Allen oder Roman Polanski geht, laufe ich rasch zum DVD-Regal, um nachzählen, ob noch alles da ist.

Auch falls die MeToo-Debatte langfristig nicht zu einer Verbesserung der beklagten Verhältnisse führen sollte (denn erwachsene Männer wussten sich noch immer zu verschaffen, was sie haben wollen), steht fest: sie wird dem quasimoralisch entrüsteten Kleinbürger in seinem (jeweiligen) heiligen Amoklauf weiteren Auftrieb geben. Und das werden vor allem Nachbarn, Briefträger, Lehrerinnen … ausbaden müssen, keine tyrannischen Lustmolche aus der Medienbranche.
Vor einigen Tagen erzählte mir ein Freund von Eltern in seinem Umfeld, die sich einer Art Bürgerwehr angeschlossen hatten. Eine Lehrerin hatte einem beständig störenden Kind für fünf Minuten ein Pflaster auf den Mund geklebt und es damit wohl schwer verletzt und traumatisiert. Die Eltern geben sich nicht mit der erfolgten Strafversetzung dieser Lehrerin zufrieden, sie betreiben nun ihre restlose Vernichtung als Pädagogin – und als Individuum. Theaterfreunde kennen diese Situation aus dem amüsanten Theaterstück „Frau Müller muss weg“. Vielleicht ist das Stück ja gar nicht so amüsant, aber immerhin hat es ein Happy-End.

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* Zuletzt sah man einige Folgen von „Top Of The Pops“ (1976) mit Jimmy Savile in dessen Todesjahr 2011 auf EinsFestival. Da ahnte die Öffentlichkeit noch nichts von seinen Untaten.

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Horrorfilme

Fürchterlich gerne hätte ich ausführlich von „Rosemaries Baby“ geschwärmt, dieser Film ist nicht nur unerhört fesch mit seinem Sixties-Look und seinen Technicolor-Farben, er liefert auch die Erklärung dafür, warum sich unsere Welt in einem so chaotischen Zustand befindet. Aber das tut ein Kabarett-Programm von Volker Pispers auch (obwohl es mich im Gegensatz zum wahrhaft beglückenden Entsetzen, das Polanski mit seinem Film verbreitet, einfach nur runterzieht).
„Frankenstein“ mit dem ultimativen Filmmonster Boris Karloff und „Freaks“ von Tod Browning, beide etwa gleich lang und gleich alt, haben das Kunststück fertiggebracht, 85 Jahre lang wirkungsvoll zu bleiben. Die „Freaks“ sind leibhaftige Ausgestoßene der Gesellschaft, wie sie bis ins frühe 20. Jahrhundert in fahrenden Monstrositätenkabinetten, sogenannten Side-Shows, dem Publikum ausgesetzt wurden. Eine durchaus begrüßenswerte gesellschaftliche Entwicklung hat die Herstellung weiterer Filme dieser Art unmöglich gemacht, ein weniger erfreuliches Wuchern politischer Korrektheit tat ein Übriges. Aber auch anständige Menschen dürfen sich „Freaks“ getrost ansehen: die Außenseiter vom Rummel sind die Guten, die normalen Menschen sind die Untiere. Im Serienfernsehen hat sich zuletzt die „American Horror-Story“ des Themas angenommen, doch diese Serie ist ein getrickstes Fantasieprodukt, während dem alten Film der Thrill eines dokumentarischen Aspektes anhaftet.
Der erste und bis heute beliebteste moderne Horrorfilm ist unbedingt einer meiner Lieblinge, und ich sehe ihn mir seit 35 Jahren immer wieder an: „Psycho“ (über den sicher noch mehr geschrieben wurde als über „Citizen Kane“). Auch „Das Schweigen der Lämmer“ ist immer noch großartig – beide beziehen sich übrigens auf den gleichen kannibalischen nekrophilen Transvestiten (er zog sich die Gesichter seiner Opfer an) Ed Gein aus Wisonsin, der auch „The Texas Chainsaw Massacre“ inspiriert hat (welchen ich erwähne, doch keineswegs in diese Liste mit aufnehmen möchte!).
Was ist mit „Misery“? Auch der ist tatsächlich so gut, wie alle sagen.
Das trifft nicht ganz auf die hinreißenden Hammer-Gruselfilme zu. Ich liebe Christopher Lee als den einzig wahren „Dracula“, zähle aber keinen seiner Filme zu meinen Favoriten – obwohl der erste seiner Dracula-Auftritte mich in Kindertagen lange beschäftigte und ich Lee in der Parodie „Die Herren Dracula“ nicht nur zum Totlachen sondern einfach zum Anbeißen fand.

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