Misery, my sweetest friend – oh, weep no more!
Percy Shelley – „Death“

… twice would be vicious or just repetitious. (…) I never do anything twice!
Stephen Sondheim – „The Seven-Per-Cent Solution“

Ein großes Faszinosum der Marvel Comics aus dem Silver Age* hat sich erst nach dessen Ende erweisen können: die Befristung, die Endlichkeit.
Ironischerweise ist das in jenem Zeitraum geschaffene Repertoire ziemlich genau das, was der Williams Verlag von 1974 bis ’78 auf Deutsch veröffentlichen konnte, ehe er das Programm wieder einstellen musste. (Es bildet außerdem die literarische Vorlage für das „Marvel Cinematic Universe“.) Aus heutiger Sicht könnte man sagen: so abrupt und schmerzhaft dieses Ende für die Leser dieser Generation einst war, es kam erzählerisch zu einem guten Zeitpunkt. Es hatte ohnehin eine Zäsur stattgefunden.

Im frühen Bronze Age zog sich Stan Lee aus dem Autorensessel zurück, was von der Leserschaft auch deshalb kaum bemerkt wurde, weil er mit Roy Thomas einen überaus fähigen Nachfolger aufgebaut hatte. Thomas verhinderte, dass es zu einem qualitativen Bruch gekommen wäre.
Doch da die Marvel-Helden im Gegensatz zu herkömmlichen Comic-Heroen auch alterten, Kinder bekamen, starben …, konnte es nicht ewig so weitergehen. Das Überleben der Zeitachse war die Schattenseite des bahnbrechenden Konzeptes. Der Hulk musste irgendwann (recht früh, wenn man es genau betrachtet) die Wüste verlassen, die ihn hervorgebracht hatte, und in die Stadt gehen; Peter Parker musste irgendwann sein Teenagerdasein hinter sich lassen und „erwachsen werden“; und Captain Marvel ging erst im All verloren und dann in einer unbequemen Kette von Relaunches – nicht einmal sein Krebstod konnte ihn davor bewahren.

Der „Silver Surfer“ verkörpert dieses Paradox mustergültig. Er ist eine ganz besonders charismatische und spitzfindige Heldenfigur aus dem „Haus der Ideen“ – und folglich hatte er zunächst wenig kommerziellen Erfolg. Seine eigene Heftreihe, nachdem er bei den „Fantastic Four“ auf einem Höhepunkt der Dramaturgie eingeführt worden war, brachte es gerade mal auf 18 Ausgaben. Diese passten genau in den Prachtband „Silver Surfer Omnibus“, den Panini im letzten Jahr vorgelegt hat.
Dass es nun mit der „Classic Collection“ trotzdem eine natürliche Fortsetzung gibt, ist eine gute Nachricht – denn schließlich möchte man nach dieser Lektüre nicht wahrhaben, dass die Saga tatsächlich zuende sein könnte. Aber wer, wenn nicht wir Marvel-Leser, könnte besser begreifen, dass darin wiederum eine Ironie liegt? Und was sich daraus machen lässt. Um weiterleben zu können, musste der Surfer seinen Markenkern opfern: den Status des „gefallenen Engels“, des Verbannten.

Bill Slaviscek erklärt es im Nachwort zum besprochenen Band: „Gleich in der ersten Ausgabe befreien Steve [Englehart] und Marshall [Rogers] den Silberstürmer aus seiner Gefangenschaft. ‚Wir werden einen Silver Surfer zeigen, der sein volles Potenzial entfalten kann‘, sagte Steve. ‚Ich habe beim Schreiben festgestellt, dass die Figur ohne die Fesseln ganz anders wird als das, was wir bisher gesehen haben. Es ist wie bei einem riesigen Gorilla im Zoo, der kaum etwas mit seinem Gegenstück in der Wildnis zu tun hat.‘“
_______________________
* Siehe https://blog.montyarnold.com/2021/01/11/the-silver-age-of-comics/

Der Beitrag Wildnis Weltall erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Die Kinds halten ihre Superhelden-Identität geheim, gehen damit aber so locker um wie es ihrem kindlichen Gemüt und der Länge ihrer zwölfminütigen Missionen entspricht. Es fragt auch nie jemand danach. Das Wechseln der Kleidung geschieht stets im Off und dauert nur Sekunden.
Ihr nach dem letzten Schrei der Raumfahrt- und Überwachungstechnik funktionierendes HQ „Netzquartier“ ist taghell und ungeheuer geräumig – obwohl es unter der Erde liegt, nämlich unter dem Vorgarten des Parker-Grundstücks, aus dem es sogar teilweise auftaucht, wenn die Helden mit Ghost-Spiders Flugmaschine zu einem Einsatz aufbrechen.
Auf freischwebenden Plattformen können die Kids ihre Hobbies pflegen, relaxen und trainieren. Den Fuhrpark bilden Spideys stylischer Netz-Flitzer, ein maßstabgerechtes Cabrio mit eingebauten Gimmicks, Ghost-Spiders Ghost-Copter und Spins dreirädriger Techno-Racer. Doch das ist eher Staffage. Meistens werden die Netzte geschwungen, um sich fortzubewegen.
Wie diese prachtvolle Anlage entstanden ist, wird nicht verraten. Aber Peter ist (in Anlehnung an die klassische Comicserie) technisch wie auch biochemisch so begabt, dass wir ihm insgeheim unterstellen, die Sache irgendwie selbst hinbekommen zu haben.
Die entscheidende Inspiration hierfür war unzweifelhaft die großartige Cartoon-Comedy „Dexter‘s Laboratory”, in der das selbstverständliche Vorhandensein eines geheimen Super-Labors unter der elterlichen Wohnung noch ironisch gemeint war. „Dexter’s Laboratory“ von Genndy Tartakovsky lief Mitte bis Ende der 90er Jahre und war als zärtliche Parodie auf die längst noch nicht auskommerzialisierten Marvel Comics angelegt (besonders auf Jack Kirby, den Meister im Ersinnen glaubhafter Labore und Gerätelandschaften).

Spideys Helfer sind eher musisch als naturwissenschaftlich begabt. Gwen spielt Schlagzeug (mit einer unsichtbaren Band), Miles malt. Alle Drei haben tolle Moves drauf. Peter ist außerdem Jo-Jo-Virtuose und unterrichtet die anderen.

Zu den Teenagern, die der Truppe gelegentlich zu Hilfe eilen, gehören der Black Panther (trotz seiner Jugend bereits König von Wakanda), Ms. Marvel (die die Dehnbarkeit des Reed Richards von den „Fantastic Four“ übernommen hat) und der unglaubliche Hulk, der sich allerdings niemals „zurückverwandelt“. Im Kern ist er einfach ein guter Junge, der lernen muss, sein Temperament zu zügeln und seine enormen Kräfte behutsam einzusetzen.

Die Unverbesserlichen

Im Mittelpunkt jeder Geschichte steht eine moralische Botschaft wie etwa die, dass man nichts stehlen oder kaputtmachen soll, und natürlich Spider-Mans alte Apotheose, dass aus großen Fähigkeiten auch große Verantwortung erwächst.
Vor allem geht es um guten Mannschaftsgeist. Hin und wieder verfehlen auch die Helden ihr Ideal: sie geraten auf den Ego-Trip und versuchen, den aktuellen Fall allein zu lösen. Rechtzeitig kommen sie zur Besinnung und funktionieren wieder als Team, gegen das das Unrecht keine Chance hat. Solche Läuterung ist den Schurken natürlich nicht vergönnt. Die Lektionen, die ihnen Folge für Folge auf die harte Tour erteilt werden, haben sie bis zu ihrem nächsten Auftritt wieder vergessen. Das gehört bei ihnen zum Service. Meistens werden ihre Aktivitäten rechtzeitig verhindert, und selbst wenn ein Komplott tatsächlich Gestalt annimmt, wird niemand ernsthaft verletzt – auch die Schurken nicht. Selbst grobe Sachbeschädigung ist eher die Ausnahme. Dabei kommt den Helden zugute, dass diese Stadt (gemessen an der Zahl der Gebäude) recht luftig und dünn besiedelt ist.

Die Weisheit der Alten

Die Marvel-Kinofilme funktionierten erst, als sie lernten, ihre literarische Vorlage zu achten. Erst dann war der Erfolg des „Marvel Cinematic Universe“ möglich. (Wer’s nicht glaubt, sehe sich mal die „Spider-Man“-Serie von 1977 an oder den ersten „Hulk“ von 2003.)
„Spidey und seine Super-Freunde“ mussten sich deutlicher von den Comics emanzipieren, dennoch beruhen die Gesetze ihrer Alltags-Phantastik darauf. Dass die Netze, in die die Schurken im Finale gerne eingewickelt („gethwipped“) werden, sich nach einer Weile von selbst auflösen, ist einer dieser unausgesprochenen Fakten. Die Entstehung der Netze entspricht wieder der Idee aus den Comics: sie werden aus selbstgebastelten Düsen gespritzt. In den Spider-Man-Filmen unserer Tage kamen sie aus dem Handgelenk des mutierten Studenten Peter Parker.
Die gesellschaftlichen Verwerfungen, die bei Stan Lee und Roy Thomas thematisiert wurden, als das in Comicheftchen noch zutiefst unüblich war, sind bei Spidey bereits gelöst. Der Zwist zwischen Mensch und Tier, Geschlechtern, Generationen, Ethnien und sozialen Schichten ist beigelegt.
Und alle sind versorgt. Jegliche Energie wird als gewonnen vorausgesetzt. _____________________
* Zum Thema „Mystische Schauplätze“ siehe auch https://blog.montyarnold.com/2016/12/03/tatorte-game-of-thrones-und-die-serioese-polizeiarbeit/

Der Beitrag Wie viel Spider-Man ist in Spidey? erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Autor Chris Claremont ließ die Truppe mit Hilfe des Zeichners John Byrne für Jahre zur beliebtesten Marvel Heftreihe werden. Die Stories „Dark Phoenix Saga“ und „Days Of Future Past“ gelten als Meisterwerke dieser Phase. Jim Lees „X-Men #1 (Vol. 2)“ wurde 1992 mit über fünf Millionen Heften zum meistverkauften Comic aller Zeiten.
Dieser Erfolg trug maßgeblich dazu bei, dass man nach den missglückten Adaptionsversuchen in den 70er und frühen 90er Jahren mit „Spider-Man“ und „The Fantastic Four“ die „X-Men“ als Realfilm ins Kino brachte. Das war im Jahre 2000 und startete die heutige Flut von Marvel-Verfilmungen. Der Australier Hugh Jackman wurde mit der Verkörperung des Wolverine innerhalb und außerhalb des Marvel-Kosmos zum Weltstar.

Die Comics erregten im Jahre 2012 noch einmal ein gewisses Aufsehen, als in „Astonishing X-Men“ #51 ein homosexuelles Paar aus dem Umfeld des Mutanten Northstar in New York heiratete, obwohl die gleichgeschlechtliche Ehe noch längst nicht in allen Bundestaaten möglich war.

Der Beitrag Die Marvels wie sie wirklich waren: X-Men / Das X-Team (3) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Beitrag Zeitalter der Comic-Kunst (5): The Bronze Age erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Zumindest bei den Zweitstorys, zum Teil auch der Hauptgeschichten in den farbigen Hit Comics mussten eigene Farbfilme hergestellt werden, die oft genug im Widerspruch zum Text standen und dadurch eine unfreiwillige Komik erzeugten (Beispiel: Lady Dorma soll sich durch eine Pille in eine Luftatmerin verwandeln, ihr Teint ist aber durchweg rosafarben, wogegen im Text darauf angespielt wird, dass sie nun nicht mehr bläulich sei. In einem anderen Heft wurde für ein Panel Namors Widersacher in die Hosen des Atlantäers gesteckt, wodurch er sich an zwei Orten zugleich befindet. Auch die sonst grünen, weil radioaktiv geschaffenen Gegner des Hulk, wie Abomination oder The Leader, sind oftmals schweinchenrosa gefärbt). Ist Ihnen bekannt, wo diese Einfärbung stattfand, schließlich erschienen die Hefte in mehreren Ländern gleichzeitig?

Ich kann mich an die Einzelheiten nicht mehr erinnern. Da haben sie als Marvel-Analysten vermutlich mehr Ahnung. Meines Erachtens wurden alle europäischen Gemeinschaftsproduktionen bei Intergrafica in Mailand gedruckt. Da konnte es schon zu Farbabweichungen kommen, zumal die Farb-Lithos aus den USA oft fehlten.

Etwa zur selben Zeit wurden manche der Hulk-Abenteuer auf zwölf statt zehn Seiten ummontiert, einmal auch auf neun Seiten zusammengepresst. Wer war für diese Eingriffe verantwortlich?

Ich nehme an, die Amerikaner haben den  Europäern die Filme geschickt – und wir mussten nehmen, was kommt – bei dem Chaos im Marvel-Archiv… Koordinieren konnten wir damals nicht.

Wie haben sie die Zeit in den USA genau verbracht? Wie und wo haben sie gewohnt, wie sah ihr Alltag aus? Im Interview mit Martin Hilland („Die Sprechblase“ Nr. 174/175) sprachen sie auch von Connecticut, obwohl sie ja vermutlich die meiste Zeit in New York waren. Es muss ein sehr arbeitsreiches, aber auch sehr interessantes Jahr gewesen sein. Können sie uns ihre persönlichen Erinnerungen und Gefühle dieser Zeit schildern?

Wir hatten sofort das Glück, eine Einzimmerwohnung in dem einzigen Apartmenthaus in der 14th Street West zu bekommen, das einen Pförtner hatte. Ein Hüne von einem Schwarzen, an dem keiner unangemeldet vorbeikam. Eingerichtet hatten wir uns von einem Warehouse der Salvation Army, hauptsächlich mit Antiquitäten u.a. einem Riesenschreibtisch mit Lederbesatz. Besuch hatten wir immer, denn den Flug konnten Freunde und Verwandte bezahlen – die Unterkunft gab’s dann in dem für Europäer teuren New York bei uns umsonst. So habe ich das Empire State Building bestimmt sieben Mal besucht – natürlich an Wochenenden! In der Freiheitsstatue war ich nur ein Mal – danach habe ich gestreikt … An den Wochentagen war ich meist bei Transworld oder Marvel, um die deutsche Produktion zu ermöglichen. Stan Lee oder Roy Thomas fiel ich bestimmt auf den Wecker ob der vielen Fragen bezüglich fehlender Seiten (manche mussten auch nachgezeichnet werden). Ohne Langmut und Charme wäre da nichts gelaufen. Germany interessierte dort wenig. Nachts schrieb ich dann die Kolumnen oder andere Texte plus Übersetzungen. Einmal in der Woche oder wann immer Klaus Recht etwas benötigte – klingelte der Lufthansa-Kurier um 5.30 Uhr morgens, um meinen Luftfrachtbrief entgegenzunehmen (damals der schnellste Weg). Connecticut? Ja, da war die Chemiegraphie-Anstalt von Bill Server, in dem die Farblithos hergestellt wurden (auch die von Marvel). Bill war ein toller Typ, damals so um die 70, der aussah wie Maurice Chevalier mit seinem Strohhut! Es war ihm aber doch peinlich, mich, manchmal auch meine Frau Ursula, in seiner Stretch-Limousine mit Chauffeur abzuholen, denn unsere Privatadresse gehörte damals nicht gerade zur besseren Gegend… Meistens lud er uns zum Lunch in seinen Club ein, um Produktionen abzusprechen. Dort durfte er einige Dewars Whiskeys zu sich nehmen, was ihm seine Frau wegen seiner Herzprobleme strikt verboten hatte. Ich musste ihm dann stets versprechen, nicht zu petzen. Wir wohnten also in der Greenwich Village, für uns die Wohngegend – mit vielen Künstlern, tollen Kneipen und Jazzlokalen. Und es war nicht weit nach Chinatown. Ich war hin und weg von den Gerüchen und den exotischen Zutaten. Das war der Beginn meiner Liebe zum Kochen. Fortan gab’s nur chinesisches Essen bei uns.

Kurioserweise verwendete Williams die Hit Comics-Farben in der Schlussphase erneut, wodurch der Leser zum Teil sowohl Originalfarben als auch Dinge wie einen himmelbau-rosarot gefärbten Spider-Man zu Gesicht bekam. In den Jahren zuvor wurden stets neue Farben mit feinerem Raster angelegt. Wieviel haben sie davon mitbekommen?

Während meiner Zeit in New York habe ich die Schwarz-Weiß-Filme aus unüberschaubaren Stapeln der verschiedensten Comics herausgesucht – die Farblithos fehlten völlig. Aus diesem Grunde mussten wir diese dann vor Ort neu einfärben lassen. Da sich die Amerikaner aus Europa zurückzogen, übernahm Klaus Recht den Verlag. Dadurch entfiel auch die Produktion der Farbfilme. Ergo musste er auf altes Material zurückgreifen.

Der Beitrag Die Marvels wie sie wirklich waren: Remo (3) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Dr. Strange – Die Welt des Dr. Seltsam
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ (Fortsetzung vom 1.1.0.2019)

Dr. Strange von Steve Ditko (Strange Tales # 119)

Im Oktober 1975 begann die wohl die kreativste Phase des Williams-Verlags. Gleich vier Serien wurden neu gestartet, darunter „Der Eiserne“ (Iron Man), „Dr. Strange“, „Planet der Affen“ und DCs „Die Grüne Laterne“. Die Redaktion machte sich die Mühe und verfasste für jede der Erstausgaben ein eigenes einleitendes Vorwort, in dem erklärt wurde, wie die Serien entstanden und aus welchen US-Heften die Vorlagen stammten. Für „Planet der Affen“ und „Die Grüne Laterne“ richtete man separate serienbezogene Leserbriefseiten ein. Alles in allem ein mutiger Schritt und ein enormer Aufwand, der letztlich leider nicht belohnt wurde, da mit Ausnahme des Affen-Magazins alle Reihen schon nach einem Jahr eingestellt wurden. Im Folgemonat ereilte „Planet der Affen“ dasselbe Schicksal.

„Doktor Strange der Magier“ begann mit der Nacherzählung der Origin-Story aus US-„Doctor Strange“ # 169. Seine bisherigen Abenteuer waren ab # 110 in „Strange Tales“ gelaufen und mit der # 169 hatte er Serientitel und Nummerierung übernommen. Die erste „neue“ Episode zeichnete der frisch von der Kunstschule gekommene Branchenneuling Tom Palmer. Tom war sich zu diesem Zeitpunkt nicht schlüssig, ob er lieber zeichnen oder inken wollte. In den Credits wurde an seiner Stelle der durch „Sub-Mariner“ und andere Arbeiten für Marvel bekannte Dan Adkins, von dem die Tuschezeichnungen zu „Doctor Strange“ # 169 stammten, verewigt. Zur Freude aller Fans entschied sich Tom fürs Inken. Seine besten Arbeiten entstanden zusammen mit Gene Colan, wo er die düstere Stimmung für „Daredevil“, „Dracula“ und „Dr. Strange“ perfekt umsetzen konnte.

Williams hatte versprochen, als Zweitstorys die alten „Dr. Strange“-Kurzgeschichten des Teams Stan Lee/Steve Ditko aus „Strange Tales“ (# 110, 111, 114ff) zu veröffentlichen, womit im deutschen „Dr. Strange“ Nr. 4 begonnen wurde. Die ersten drei Storys hatten einen Umfang von gerade einmal fünf Seiten und angeblich war der Doktor auch nicht als Serie geplant gewesen, sondern sollte einfach eine Geschichte unter vielen sein. Bei Williams erschien in Nr. 7 Lee und Ditkos achtseitige Version der Herkunft des Magiers, an der sich Roy Thomas und Tom Palmer orientiert hatten. Ursprünglich sollte der Meister des Okkulten „Mr. Strange“ heißen, da dies aber zu banal und zu sehr nach Reed Richards klang, entschied Stan Lee sich dafür, den Namen eines kurze Zeit vorher in „Tales Of Suspense“ # 41 erschienenen Bösewichts „auszuleihen“. Weil diesmal nicht Stan Lee sondern Steve Ditko der geistige Vater des Helden war, erhielt er ihm zu Ehren den Vornamen „Stephen“. In kürzester Zeit hatte Dr. Strange die Menschliche Fackel, deren Solo-Abenteuer ebenfalls in „Strange Tales“ erschienen, auf Platz 2 der Rangliste verdrängt. Somit stand einer Titelübernahme nichts mehr im Weg. Einige Fans nahmen damals an, Stan und Steve hätten unter starkem Drogeneinfluss gestanden, denn wie sonst hätten die beiden solch mystische Welten und unbekannte Dimensionen erschaffen können?!

Dr. Strange # 179 in der Williams-Version mit Cover von Barry Windsor-Smith.

Stille …

Nach der Williams-Zeit bekam man Dr. Strange, zumindest in Deutschland, lange nicht zu Gesicht. Erst als der Condor-Verlag 1983 mit der Reihe der „Defenders“ in den Hulk-Taschenbüchern (ab Nr. 9) startete, war auch Dr. Strange als Mitglied dieses Superhelden-Teams wieder mit von der Partie. Eine Episode aus „Dr. Strange Sorcerer Supreme“ # 28 „verirrte“ sich Anfang der 90er Jahre in eine Ausgabe von „Ghost Rider“, als der Bastei Verlag über die Marvel-Lizenzen verfügte („Ghost Rider“ Nr. 13 – „Tanz der Dämonen“). Eines der Highlights jedoch war das Crossover aus ASM Annual # 2, veröffentlicht 1999 innerhalb der Panini-Reihe „Spider-Man komplett“. Leider vertauschte der Verlag die letzten beiden Seiten, und ältere Leser kannten die Story schon aus Williams‘ Dr. Strange Nr. 11 (Doctor Strange # 179, einem US-Reprint), dessen Vorlage eben aus diesem Annual stammte: „The Wondrous World Of Dr. Strange!“ ein Lee/Ditko-Klassiker, der seinesgleichen sucht. Im Zuge der „Marvel Knights“ erschien Dr. Strange im Jahr 2000 für kurze Zeit wieder in Deutschland. Einmal als „Marvel Jubiläum Comic“ mit Reprints der ersten vier Storys aus „Strange Tales“ # 110-115 und schließlich als „Dr. Strange (Vol. II)“ # 1 veröffentlicht unter dem deutschen Titel „Flüchtige Gaben“ (Marvel Deutschland/Panini).

Hier folgt die Checkliste mit den klassischen deutschen Dr. Strange-Ausgaben 1975 – 1995 als PDF.

Dr._Strange_Checkliste

Der Beitrag Dr. Strange / Doktor Strange – Der Magier (2) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Die X-Men
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ (Fortsetzung vom 17.9.2019)

„Ein X für ein U“ – Von X-Männern zu X-Menschen

Von Marvel USA abgelehntes Cover für „X-Men“ # 56, gezeichnet von Neal Adams. Die Verlagsleitung war der Meinung, der Schriftzug wäre zu sehr verfremdet.

Die deutsche Chronologie der X-Men verlief mehr als unglücklich, wenn auch nicht ganz so extrem wie bei den FV, Sub-Mariner oder Iron Man. Angefangen mit der 19. US-Ausgabe in Hit Comics Nr. 24 – immerhin eine in sich abgeschlossene Episode um Calvin Rankin alias Mimic, der die Stärken und Kräfte derjenigen annimmt, die sich in seiner Nähe aufhalten – hatten die „X-Männer“, wie sie damals genannt wurden (an Marvel Girl oder die Frauenquote hatte man Mitte der 60er Jahre wohl noch nicht gedacht), einen guten Start. Die angekündigte Fortsetzung erfolgte allerdings erst im letzten X-Men-Heft des bsv, diesmal als „X-Menschen“, in Hit Comics Nr. 220. Im Gegensatz zu den „Tales To Astonish“-Geschichten mit dem Hulk und dem Sub-Mariner gab es bei den X-Men keine Wiederholungen, und ähnlich wie bei Spider-Man und den FV, wurden im Nachhinein zuvor ausgelassene Originalhefte abgedruckt. Ob nun Zufall oder Absicht, jedenfalls reichte man die US # 17 und 18 als Hit Comics Nr. 218 und 219 nach, während die in schwarzweiß erschienene # 19 (Hit Comics Nr. 24) übersprungen wurde und schließlich X-Men # 20 folgte.

Die Übersetzung von Hit Comics Nr. 24 jedenfalls war recht gut und sogar „Nuff said!“ wurde einigermaßen korrekt mit „Das sagt genug!“ eingedeutscht. In Hit Comics Nr. 7 lautete dieselbe Phrase noch „…und das sagte Nuff!“ (wie inzwischen hinlänglich bekannt). Dem Aussehen nach wurden die Deutschen Texte vermutlich direkt per mechanischer Schreibmaschine in die Vorlagen „gesetzt“. Zumindest scheinen die Buchstaben Marke „Courier“ zu sein. Der bsv ließ eine Lücke von sechs Originalfolgen, um mit X-Men # 31 bzw. Hit Comics Nr. 31 fortzufahren. Die X-Männer stürzten sich in den Kampf gegen El Tigre, der sich – nachdem er ein antikes Maya-Amulett gestohlen und zusammengesetzt hatte, in den Gott Kukulcan verwandelte. Dies erfuhr der Leser aus einem ausführlichen Einleitungstext von Roy Thomas. Somit war auch der Wiedereinstieg direkt in der Mitte des Zweiteilers kein allzu großes Problem. Im Anschluss daran folgte ein nahtloser Übergang zu „X-Men“ # 27 in Hit Comics Nr. 39 mit jeder Menge bekannter Gaststars: Mimic, Puppet Master (mit einem Hinweis auf die FV), Quicksilver und Wanda die „Rote Hexe“ und nicht zu vergessen, der obligatorische Spider-Man-Cameo (kurzer Gastauftritt). Die kontinuierliche Fortsetzung hielt sich bis zum Ende der schwarzweißen Hit-Comics mit Nr. 146 (X-Men # 50) mit nur einer ausgelassenen Episode zwischen Hit Comics Nr. 95 und 103 (US # 40). Die während dieser Zeit erschienenen fünfseitigen Zweitstorys brachte der Condor Verlag zum Teil erneut (X-Men # 47 – 48 in Spinne Nr. 34- 35) und setzte mit der Erstveröffentlichung von „X-Men“ # 53 sogar noch eins drauf.

Eine wirklich große Lücke klaffte zwischen den s/w und den farbigen Hit-Comics der X-Men. Nach der # 50 folgten # 58 und 59, um danach mit X-Men # 17, 18 und 20 abzuschließen. War die Chronologie der bisherigen Ausgaben nahezu beispielhaft, zog der bsv hier noch einmal alle Register. Es ist anzunehmen, dass bei einer Fortführung der 52-seitigen Hit Comics die letzten Ausgaben mit den älteren Folgen als Zweitstorys erschienen wären, ähnlich wie bei der Spinne und den FV. Immerhin konnten die Lücken zwischen den Williams-Veröffentlichungen der X-Men in „Hulk“ Nr. 1 – 32 und den originalchronologisch daran anschließenden bsv-Ausgaben, ebenso wie die zuvor auf Deutsch fehlenden X-Men # 21-25 durch Marvel Deutschlands bzw. Paninis Reihe „Marvel Klassik“ geschlossen werden.

Die Ausgaben der nach „Giant-Size X-Men“ # 1 in „Uncanny X-Men“ (offiziell erst mit dem 114. Cover bzw. 141. Impressum) umbenannten Helden packte Panini in die aufwändige Schuber-Reihe „X-Men Archiv“. Diese umfasst die Ausgaben # 94-167 in Heftform in fünf Einzelschubern. Hauptverantwortliche Schöpfer der Originalhefte waren Chris Claremont, Dave Cockrum und John Byrne. Ein Genuss vor allem für die Fans, die sich jahrelang mit demselben Stoff im Condor Taschenbuchformat begnügen mussten.

X-Men – Verlorene Jahre

Zwei fein ausgewählte Stories wurden im bsv-Look (incl. schräger Titelübersetzung) für besondere Anlässe neu aufgelegt: Die Begegnung mit dem Frankenstein-Monster zur „Comic Action 2008“ und das Team-Up mit der Spinne  als „Messe-Exklusivtitel“ im Oktober 2015. Das Monster entpuppt sich als Androide und hat nichts mit der betreffenden Marvel-Serie zu tun – „The Frankenstein Monster“ erschien erst knapp fünf  Jahre später.

In „Comic Book Marketplace“ #64 vom November 1998 verfasste Rich Donnely nicht nur einen Bericht über die Zeit zwischen März 1970 und August 1975 (X-Men # 66 – 94), sondern erstellte auch eine genaue Zeitlinie mit Auflistung der diversen US-Hefte in chronologischer Reihenfolge. Dabei kommt er immerhin auf zweiundzwanzig Episoden und Gastauftritte mit X-Men-Charakteren innerhalb, sowie zehn zusätzliche Soloauftritte außerhalb der Continuity.

Über ein Jahr ehe Beast seine eigene Heftreihe (Amazing Adventures # 1 – 17) bekam, jagte Iceman unserem allseits beliebten Wandkrabbler hinterher (ASM # 92 bzw. Spinne Williams Nr. 93). Die Story funktioniert nach dem üblichen Superhelden-Raster. Ein Missverständnis führt zum Kampf der beiden gegeneinander. Im Selbstgespräch merkt Iceman an, dass bei den X-Men schon zu lange nichts los ist. Dies erinnert an die frühen Kämpfe und Team-Ups zwischen Spider-Man und der Menschlichen Fackel.

Von März 1972 bis März 1973 sollte Hank McCoy alias Beast seine Solo-Abenteuer in „Amazing Adventures“ erleben. Im Zuge der Comic Code-Lockerung Anfang der Siebziger Jahre und der damit aufkeimenden Welle von Monster-, Vampir- und Werwolfcharakteren, ließ man Beasts Alter Ego gentechnische Selbstexperimente vollführen. Diese machten den Mutanten zu einem „richtigen“ Biest, zuerst mit grauem und später blauem Fell. Mehr Informationen liefern die Anmerkungen zur „X-MEN – The Lost Years“-Timeline, die hier als PDF folgt.

Nuff009_X-Men_Lost Years_Checklist

Der Beitrag Die Marvels wie sie wirklich waren: X-Men / Das X-Team (2) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Die X-Men
von  Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/ 

Aus heutiger Sicht kam mit den X-Men alles so richtig in Fahrt – jedenfalls der Erfolg im Kino, der inzwischen auf Umwegen zum Marvel Cinematic Universe geführt hat. Bereits in gedruckter Form waren „die seltsamsten Superhelden der Welt“ zeitweise die erfolgreichste Serie des Verlags. Doch das gelang erst nach Startschwierigkeiten und einer Generalüberholung.

X-Men – X-traordinäre Mutanten mit x-tremen X-tras

Das Original-Coverartwork zu „X-Men“ # 1 brachte Williams zur Fortsetzung in „Hulk“ Nr. 2. Man beachte die Preisangabe von 1,20 DM mitten im Heft, die sonst weggelassen wurde (vgl. Hulk Nr. 2, Seite 25).

Nachdem Stan Lee seine bisherigen Superhelden fast ausnahmslos irgendwelchen Strahlen ausgesetzt hatte, um ihnen Superkräfte zu verschaffen, überlegte er, wie er eine übermenschliche Heldentruppe auf andere Art zusammenstellen konnte. Seine Lösung war simpel, die neuen Helden waren schon so auf die Welt gekommen: Mutanten! In einem Interview („Stan Lee’s Mutants, Monsters & Marvels“, 2002) meinte der Autor: „Wir hatten die unterschiedlichsten Arten von Strahlung: die Fantastischen Vier wurden kosmischen Strahlen ausgesetzt, Spider-Man biss eine radioaktive Spinne und der Hulk entstand, als Dr. Bruce Banner eine Ladung Gammastrahlen abbekam. Der Witz an der Sache ist, dass ich nicht den blassesten Schimmer von Wissenschaft hatte, geschweige denn von den Auswirkungen irgendwelcher Strahlung. Ich schätze, ich bin der größte Blender aller Zeiten!“.

Eigentlich sollte das Team „The Mutants“ heißen, was von Verlagsseite jedoch mit der Begründung abgelehnt wurde, dass niemand wisse, was ein Mutant sei und was man sich darunter vorzustellen hatte. Aus diesem Grund änderte Stan Lee den Namen in X-Men, nach ihrem Lehrmeister Professor Xavier. Aber auch wegen ihrer zusätzlichen Eigenschaften, den sogenannten X-tras. Zusammen mit seinem Starzeichner Jack Kirby machte Lee sich daran, die FV neu zu erfinden, ohne sich zu wiederholen. Am auffälligsten ist dies bei den Charakteren Fackel und Iceman, die gegensätzlicher nicht sein konnten. Beast war aufgrund seiner Stärke am ehesten mit dem Ding zu vergleichen und die telekinetischen Fähigkeit von Marvel Girl ähneln denen der Unsichtbaren. Auch die Führungsqualitäten von Prof. Xavier und Reed Richards sind analog zueinander, selbst wenn deren Kräfte vollkommen differieren. Angels Vorbild hingegen, war ein Marvel-Charakter aus dem Golden Age, welcher bereits 1939 in „Marvel Comics  # 1“ auftauchte. Cyclops vervollständigte die Gruppe und war der einzige vollkommen neu erfundene X-Man.

Ebenfalls neu: Die X-Men waren Teenager, geführt von ihrem Lehrer, der eine Schule für Menschen mit außergewöhnlichen Begabungen leitete. Gemeinsam kämpften sie, um die Welt vor anderen bösen Mutanten wie dem üblen Magneto zu schützen. Ständig erfüllt von der Angst, geoutet und entdeckt zu werden, da die Menschen alles ihnen Unbekannte zunächst einmal fürchten. Die fünf Schüler, Scott „Cyclops“ Summers, Jean „Marvel Girl“ Grey, Hank „Beast“ McCoy, Warren „Angel“ Worthington III und Bobby „Iceman“ Drake wurden von Professor X telepatisch instruiert. Dies zeigt sich bereits auf der Eröffnungsseite von X-Men # 1 vom September 1963 bei der berühmten Trainingsraumszene. Jean Grey alias Marvel Girl stößt erst einige Seiten später dazu. Aufgrund einer weltweiten Bedrohung kommt es unweigerlich zum Kampf gegen den gefährlichsten Gegner der X-Men: Magneto! Dieser will mit Hilfe seiner Magnetkraft und dem Einsatz der Bruderschaft der „Evil Mutants“ (bösen Mutanten), die Weltherrschaft an sich reißen. Den X-Men gelingt es, diese Pläne zu vereiteln, um am Schluss der Story (zunächst) als Helden dazustehen.

Im Verlauf der Serie nimmt das tragische Moment – die Angst entdeckt und verfolgt zu werden – zu und die Qualität von Story und Zeichnungen durch den Wegfall von Lee und Kirby, die sich aufgrund allgemeiner Arbeitsüberlastung ihren anderen Projekten widmen, ab. Nach elf Ausgaben gestaltete Jack Kirby nur noch Titelbilder und Layouts. Mit einer Übergangsnummer von Alex Toth zeichneten nacheinander Werner Roth unter dem Pseudonym Jay Gavin und später Don Heck hauptverantwortlich für die X-Men. Ab # 20 stammten die Texte von Roy Thomas, bereits zwei Ausgaben zuvor hatte Jack Kirby die Reihe komplett abgegeben. Obwohl ab „X-Men“ # 56 Innovation und Dynamik unter Neal Adams‘ Federführung Einzug hielten, blieben die Verkaufszahlen ernüchternd, so dass Marvel mit # 67 auf zweimonatliches Erscheinen umstellte und gleichzeitig mit Reprints der Ausgaben # 12-45 startete. Ein Erfolg stellte sich erst mit einem Team neuer und internationaler Mutanten, sowie neuen Autoren und Zeichnern ab „Giant Size X-Men“ # 1 ein. Ungebremst brachten es die X-Men in den Folgejahren zum Marktführer unter den amerikanischen Comic-Serien und schließlich zu erfolgreichen Kinofilmen in denen Prof. Xavier von Sir Patrick Stewart und James MacAvoy sowie Magneto von Sir Ian McKellen verkörpert werden sollten.

Der Beitrag Die Marvels wie sie wirklich waren: X-Men / Das X-Team (1) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der ruchlose Clifton Graves hat die Explosion überlebt! Er öffnet das Hemd und präsentiert seinen wieder zusammengenähten Oberkörper. Jetzt will er Rache nehmen am Vampirgrafen Dracula, der ihn so herzlos verstieß, doch daraus wird natürlich nichts …
Die Ereignisse um den Bösewicht Dr. Sun habe ich geliebt! Es ist Marvels schönste Reminiszenz an die frühen Horrorfilme der Universal mit ihren Science-Fiction-Elementen. Bei Dr. Sun (ein wahrhaft widerwärtiger Mad Scientist in Gestalt eines sprechenden Hirns, das in einer Nährlösung schwimmt) haben wir es außerdem mit einem „geheimnisvollen Chinesen“ zu tun, einem wichtigen Topos der klassischen Kriminalliteratur.
Und natürlich liebte ich den charismatischen Vampirjäger Blade, der es viel später zu einer Filmkarriere bringen sollte!
Doch insgesamt wurde Marvels „Dracula“-Serie von mir einst ebenso und aus den gleichen Gründen unterschätzt wie „Die ruhmreichen Rächer“: erst bei der durchgehenden Lektüre entfaltet sich eine erzählerische Pracht, die über die Summe einzelner Heftlektüren noch weit hinausgeht.

Als diese Komplettlesung bei „Dracula“ hierzulande erstmals möglich war, war ich längst ein reifer Nostalgiker.
Beim Wieder- und Weiterlesen beglückte mich weiterhin der einzigartige Umstand, dass die ganze Saga von einem einzigen Künstler gezeichnet worden war: Gene Colan, der sich auf flatternde Capes und wallende Nebel so besonders gut verstand und der London so mustergültig einfing wie es John Romita mit New York getan hatte.
Colan war bei meinen Lieblingsserien „Captain Marvel“* und „Sub-Mariner“** immer wieder im Einsatz gewesen, bei denen die Zeichner häufiger wechselten. Nirgends war das stilistische Chaos so verschlingend wie bei „The Frankenstein Monster“***, meinem bevorzugten (Marvel-)Gruselstoff.
Die Autoren von „Dracula“ wechselten zunächst, bis sich Marv Wolfman (!) nach einem Dutzend Heften durchsetzte, ein alter Weggefährte des Autors und Redakteurs Roy Thomas  aus Fanzine-Zeiten. Auch der Inker Tom Palmer hatte sich unterdessen herauskristallisiert.
All dies verleiht der „Gruft von Graf Dracula“ die stilistische Ge- und Entschlossenheit einer Graphic Novel und bewahrt doch die Vorzüge einer Comic-Heftserie. Das ist eigentlich ein Unding und damit genau das Richtige für jeden, der den Alltag wirklich hinter sich lassen und im Morgengrauen erleichtert zurückzukehren möchte.

Dem Umstand, dass „Dracula“ zugleich Held und Schurke ist, begegnet das Konzept, indem es die Vampirjäger in den Vordergrund rückt, die sich nach und nach um den Dracula-Nachkommen Frank Drake geschart haben. Sie und ihre internen Konflikte versehen die Geschichte mit jener epischen Struktur (bzw. Seifenopern-Konsistenz), die wir nach dem Genuss von „Breaking Bad“ und „Mad Men“ gewissermaßen voraussetzen.

Bei seiner Williams-Erstveröffentlichung 1974 waren die Horrorserien „Die Gruft von Graf Dracula“ und „Das Monster von Frankenstein“ das frischeste Material im deutschen Marvel-Programm – im Gegensatz zu den Superhelden-Stories, die noch aus dem Silver Age stammten.
Marvel-USA war bereits ins Bronze Age eingetreten, und das bedeutete u. a. einen Rückgriff auf gut abgehangene Gruselstoffe. Warren Publishing machte gute Umsätze mit anthologischen Gruselmagazinen wie „Creepy“ und „Eerie“. Mittels ihres Vertriebssystems ignorierten sie sogar den Comic Code und erdreisteten sich besonders drastischer Darstellungen.

Auch bei Marvel gab es (und hier sogar in Farbe) Horror-Charaktere: „Ghost Rider“, „Man-Thing“, „Son Of Satan“ oder den Vampir Morbius, mit dem sich „Spider-Man“ herzumzuschlagen hatte. Mit „Tomb Of Dracula“ widmete Marvel diesem Trend eine eigene Serie.
Darüber weiß mein Gastautor Daniel Wamsler in den nächsten Folgen ausführlicher zu berichten.

________________
* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/01/01/captain-marvel-die-deutsche-chronologie/  und https://blog.montyarnold.com/2019/02/15/das-grosse-captain-marvel-schmaehbuch/
** Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2016/10/01/aquarius-prinz-namor-der-held-von-atlantis-die-deutsche-chronologie-von-marvels-sub-mariner/
*** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/02/01/marvels-monster-von-frankenstein/

Der Beitrag Die Marvels wie sie wirklich waren: Die Gruft von Graf Dracula (1) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Die ruhmreichen Rächer (The Avengers) 
von Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/

Die Rächer in Deutschland

Um es gleich vorweg zu nehmen, fast kein deutscher Verlag hielt sich konsequent an die Namen der einzelnen Mitglieder. Hawkeye mit dem deutlich sichtbaren „H“ auf seiner Kopfbedeckung wurde nacheinander eingedeutscht mit Adlerauge, Falkenauge (Williams änderte dafür das H in ein F) und Hannibal (Condor macht’s möglich). Bei Captain America wurde der Kontinent mal mit k und mal mit c geschrieben, Iron Man hieß Eisenmann oder der Eiserne, Giant-Man wurde mit der Gigant und Goliath betitelt, obwohl der richtige Goliath erst ab „Avengers“ # 28 auftauchte. Bei den letztgenannten Beispielen gab es die Namenswechsel vor allem in der Williams-Anfangsphase teilweise innerhalb ein und desselben Hefts. Und Wanda war entweder die Scharlachhexe, was leider mehr nach einer schlimmen Krankheit als nach einer Superheldin klingt, oder die Rote Hexe.

1967 bis 1972

Nach der „Spinne“ und den „Fantastischen Vier“ erhielten „Die Rächer“ ihre eigenen Hefte innerhalb der Hit Comics des bsv. Dass der Verlag nicht mit Veröffentlichung der Erstausgabe der „Avengers“ begann, muss vermutlich nicht näher erläutert werden. Das erste deutsche Abenteuer der entsprach „Avengers“ # 27 (Hit Comics Nr. 23). Zu diesem Zeitpunkt bestand das Team aus Captain America, Hawkeye, Quicksilver und Scarlet Witch. Giant-Man und Wasp tauchten in diesem Heft nicht auf, da sie sich auf einem Forschungsschiff befanden. Der Einstieg beim bsv geschah kurz nach der Entführung der Wespe  durch Meeresbösewicht Attuma. Durch diese Aktion sah sich der Rest der Truppe gezwungen, in die Unterwasserwelt einzutauchen. Wandas und Pietros Kurzauftritt aus Thor # 134 („… possibly the briefest, most unnecessary guest appearance you’ve ever seen!“) brachte der bsv erst in Hit Comics Nr. 38, was der Chronologie auch nicht gerade förderlich war. Captain America dagegen tauchte bereits als Zweitstoryheld in Hit Comics Nr. 14 auf, allerdings hießen die Avengers dort noch „Bestrafer“, kurz darauf „Strafer“ (Hit Comics Nr. 16) und schließlich korrekt „Rächer“ (Hit Comics Nr. 18). Die weiteren Eigennamen in Hit Comics Nr. 23 waren jedoch auch nicht von schlechten Eltern. Aus dem Sub-Mariner wurde der „Unterwasserherrscher“ und aus Hawkeye „Adlerauge“. Der zunächst namenlose Käfer (The Beetle) wurde zusammen mit dem „Giganten“ (Giant-Man) für die Fortsetzung angekündigt, was dem Original entspricht. Insgesamt kann sich die Übersetzung von „Tödliche Fluten“ („Four Against The Floodtide!“) wirklich sehen und lesen lassen. Denn schließlich ist Adlerauge eine treffende Bezeichnung für einen scharfsichtigen Bogenschützen, selbst wenn es sich um den falschen Vogel handelte und das „H“ auf seiner Kappe auch nicht wirklich passte. Jedenfalls wurde nicht Wort für Wort, sondern weitestgehend sinngemäß eingedeutscht. Wenn man mal von „Weib“ als Bezeichnung für Wanda und den bereits aufgeführten Eigennamen absieht, bleibt kaum Raum für Kritik. In den Credits tauchte Artie Simek als Zeichner (anstatt Letterer) auf und Inker Frankie Ray (Frank Giacoia) schrieb man den „Entwurf“ zu. Bleibt nur noch zu erwähnen, dass sich die Rächer untereinander siezten.

Etwas zwiespältig ist das nächste Rächer-Heft. Dort gibt es auf der einen Seite Sätze, die man nicht besser ins Deutsche hätte transponieren können (z.B. „Katze im Mauseloch“, S. 11), auf der anderen Seite aber auch den Schlachtruf der Rächer („Avengers assemble!“) als „Rächer auf großer Fahrt!“ (S.6, Aua!). Wandas „Hex Power“ wird zur „Zauberwaffe“, Adlerauge meint, dass er im letzten Heft „aufbrechen wollte nach Attuma!“ und auch „Käpten Amerika“ dürfte nicht als gängige Schreibweise durchgehen. Größere Probleme macht die Chronologie. Kraftmann, Schwertmann und die Schwarze Witwe werden angekündigt, erscheinen jedoch nicht. In der nächsten deutschen Ausgabe erfolgt der Querverweis auf „die Schlange“ und Bill Foster, die der bsv-Leser bis dato ebenfalls nie zu Gesicht bekam. Genauso mysteriös bleibt die Erwähnung von Adlerauges Freundin Natascha (Hit Comics Nr. 38). Hit Comics Nr. 46 und 54 nennen Stan Lee als Autor, die Storys stammen jedoch von Roy Thomas, dem man im zweitgenannten Heft den Posten des Zeichners gab. Hawkeye heißt ab diesem Zeitpunkt Falkenauge und die Rächer duzen sich. Natascha taucht erstmals persönlich auf, dafür wird Henry Pyms Vergangenheit als Ant-Man verschwiegen.

Damit sind die gröbsten Kinderkrankheiten beseitigt und die Rächer erscheinen chronologisch bis Hit Comics Nr. 118 (Avengers # 51/52). Anschließend hinterlässt der bsv diverse mehr oder weniger große Lücken, so dass eine sinnvolle Verfolgung der Ereignisse kaum möglich ist. Mit Hit Comics – „Die Rächer“ Nr. 215 (Avengers # 90) erscheint das letzte Heft der bsv-Reihe. Insgesamt wurden zwischen o.g. Ausgaben achtundzwanzig Hefte und die ersten beiden Annuals ausgelassen. Das größte Missgeschick bleibt jedoch unbestritten die Einführung von Yellowjacket (Avengers # 59) in Hit Comics Nr. 151. Ausgerechnet bei diesem Titelbild vertauschten die bsv-Mitarbeiter die Farbfilme. Allerdings geschah dies wohl schon bei der Vorproduktion, da das Hit Comics-Logo korrekt gelb hinterlegt ist. Laut schreit Hank Pym auf Seite 1 den Titel: „Ich bin… der Gelbe!“ heraus – aus seinem rosafarbenen Kostüm! Yellow und Magenta waren vertauscht worden …

1974 bis 1978

Erst der Williams Verlag verhalf den Rächern zu ihrem Status. Zwar gab es auch hier in der Frühphase Differenzen bei der Übersetzung, diese betrafen jedoch meist die separat vom Inhalt übersetzten Titelbilder. Z.B. der Eiserne vs. Eisenmann und Gigant vs. Goliath (wie er ab „Avengers“ # 28 mit neuem Dress ja tatsächlich hieß). Die Reihe lief so erfolgreich, dass die Rächer ab Nr. 25 (Januar 1976) auf vierzehntägige Erscheinungsweise umgestellt wurden. Wieso und weshalb Williams das „vierzehntäglich“ nannte, bleibt offen. Mit einer einzigen Ausnahme (Avengers # 6) zog der Verlag die Veröffentlichung von stolzen einhundert Heften durch. Kürzungen gab es so gut wie keine, lediglich die erste Seite aus „Avengers“ # 83 und das vierunddreißigseitige „Avengers“ # 93 wollten nicht so recht hineinpassen. Die frühe Williams-Lücke schloss Condor bereits ein Jahr nach der Einstellung bei Williams mit Rächer Taschenbuch Nr. 1 und den vollständigen Abdruck des (Avengers # 93-97) präsentierte Panini 2002 in „Marvel Exklusiv“ Nr. 40. Ansonsten lieferte Williams eine vorbildliche Edition, die keine Wünsche offen lässt.

Perfekte (untere Zeile links) und weniger perfekte Übersetzung (oben) in ein und demselben Heft: aus Hit Comics Nr. 30 bzw. „Avengers“ # 28, Seite 6 und 11. Die wortwörtlich am Original klebende Williams-Version im letzten Bild wirkt etwas umständlich (Rächer Nr. 27).

1979 bis heute (2006)

Kaum ein Jahr nach Williams startet Condor gleich mit zwei deutschen Erstveröffentlichungen (auch wenn es damals vielleicht nicht viele bemerkt haben) in „Rächer“ Taschenbuch Nr. 1. Chronologisch bringt der Verlag „Avengers“ # 1 – 6 und damit die einzige Nummer, die Williams ausließ. Dazu folgt die Entstehungsgeschichte von Thor (Journey Into Mystery # 83) im Original-Seitenlayout, sowie JiM # 85 und „Hulk“ # 6. Also gleich drei Storys, die Condors Vorgänger so nicht brachte. Eine beachtliche Leistung, wenn man vom verkleinerten Format absieht. Für das Titelbild muss Jack Kirbys „Avengers“ # 4 herhalten, ebenfalls ein guter und verkaufsfördernder Zug. Den direkten Anschluss liefert „Rächer“ Taschenbuch Nr. 2 mit „Avengers“ # 7 – 10, JiM # 86, sowie „Avengers“ # 11, 17 und 12. Noch genialer fällt das dritte Taschenbuch aus, „Avengers“ # 102 – 108 mit der Fortsetzung von Williams. Weitere wichtige Rächer-Klassiker aus dem Hause Condor sind „Marvel Comic Sonderheft“ 9 (Avengers Annual # 1 von 1967, nach Williams-Rächer 44) und „Rächer“ Taschenbuch Nr. 6 mit „Avengers Annual“ # 2 (1968, nach Williams-Rächer 57). „Avengers“ # 109 und 110 folgen in Spinne Nr. 9 und 10 und „Rächer“ Taschenbuch Nr. 7. Condor veröffentlicht insgesamt siebenundvierzig „Rächer“ Taschenbücher. Darin erschienen die US-Nummern 203 bis 351 nahezu lückenlos und im Wechsel mit der überformatigen Serie „Marvel Comic Stars“ in der halbwegs korrekten Reihenfolge. Lediglich „Avengers“ # 209, 250 und 348 wurden übersprungen. Den Fünfteiler „Bloodties“ (Avengers # 368/369), der querbeet durch mehrere US-Marvel-Reihen lief, brachte Condor in „Captain America“-Taschenbuch Nr. 26. Panini lässt die Rächer 1998 mit der Onslaught-Phase (Avengers # 401-402) und dem eigentlichen Schluss der Reihe in „X-Men“ Nr. 22-23 vom Stapel, bevor die „Wiedergeburt der Helden“ beginnt. Die Veröffentlichung klassischen Materials hält sich in Grenzen. Im Frühjahr 1999 erscheint das Hardcover „Marvel Klassik“ Bd. 5 mit „Avengers“ # 1-10. Ende desselben Jahres folgt der Nachdruck der Erstausgabe als Einzelheft im elften Jubiläumspack (sinnigerweise vergisst man die Tüpfelchen im Titel, wodurch aus den Avengers „Rächer“ werden). Erst drei Jahre später folgt mit „Marvel Exklusiv“ Nr. 40 der nächste klassische Rächer-Band.

AVENGERS ASSEMBLE! Letzte Seite aus Hit Comics – Die Rächer Nr. 213 (Avengers # 71). Für die deutsche Version wurde die Sprechblase verkleinert und das “Fin”-Täfelchen am unteren Rand entfernt. Zeichner: Sal Buscema & Sam Grainger.

Der Beitrag Die Marvels wie sie wirklich waren: The Avengers / Die ruhmreichen Rächer (1) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..