Der Filmkomponist Bill Conti muss als ein Kleinmeister seiner Zunft gelten, des amerikanischen Soundtracks in dessen letzter wahrhaft spätromantischer Phase kurz vor der Jahrtausendwende. Aber auf diesem Gebiet hängt der Hammer ja insgesamt sehr hoch. Außerdem hat Conti auf  seinen Einstand als eng budgetierter Lieferant für die „Rocky“-Filmmusik – sie wurde ebenso legendär wie der Film an sich – immer wieder wahrhaft große Soundtracks folgen lassen. Nur kamen die nicht immer in großen Filmen vor, zuweilen sogar in Fernsehserien, was damals eine Herabstufung bedeutete.
Wer nicht schon dahintergekommen ist, den mag es immer wieder angenehm überraschen, wenn ihm ein Conti-Soundtrack begegnet.
Zu den zwielichtigen Orten, an denen man sich von seiner Kunst aufschrecken lassen kann, gehört der Film „Masters Of The Universe“, der unter haarsträubend unprofessionellen Bedingungen entstand und der am Freitag im Podcast „Kultfilm Azubis“ verhandelt wird.
Der Soundtrack hat eine tadellose sinfonische Partitur, die einem parodistischen Ansatz nachgeht: das Idiom der sich selbst zu ernst nehmenden „Sword And Sorcery“ wird so hingebungsvoll und handwerklich sauber aufs Wesentliche heruntergebrochen, dass das Ergebnis es jederzeit mit den ernstgemeinten Hochleistungen der Sparte aufnehmen kann (etwa mit James Horners „Krull“ oder mit „Taran und der Zauberkessel“ von Elmer Bernstein). Das passt zu einem Film, der kinderleicht zu schmähen und zu verwerfen ist, der aber erheblichen Charme besitzt. Und außerdem etwas, was es auf dem Gebiet der Fantasy jenseits komischer Nebenrollen überhaupt nicht gibt: Humor.
Contis Musik für „Masters Of The Universe“ – der 1987 alle Gattungs-Klischees und aktuelle Trends in sich aufsog und auf einer ihrerseits kopierfreundlichen Serie von Jungs-Spielzeugfiguren basierte – ist hin und wieder dafür kritisiert worden, sein Thema erinnere an „Superman“/Fanfare und Marsch von John Williams. Das ist nicht unrichtig, geht aber von der falschen Seite an die Sache heran. Auch Williams wollte und verfertigte eine Pastiche zum Thema „Superheld“. Das tat Conti auch – in der unmittelbaren Nachbarschaft, bei den Pulp-Barbaren -, kam zu einem benachbarten Ergebnis, schrieb jedoch ein wirklich welthaltiges Stück großer Filmmusik. Williams gab sich bei „Superman“ mit einem Jingle zufrieden, das ohne seinen Kontext wie ein überproduzierter Klingelton in sich zusammenfällt. Das schien ihm angemessen, und es genügte ja auch.
Ich schätze Bill Conti dafür, dass er immer erst etwas später zufrieden war.

Alle die genannten Kollegen Contis waren übrigens Groß-Meister der sinfonischen Filmmusik – oder galten doch als solche.

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Rocky
Amerikanisches Sozialdrama von 1976

Rocky Balboa, armer Sohn italienischer Einwanderer, schlägt sich in Philadelphia als Schuldeneintreiber durch und betätigt sich als Boxer. Dass er sein Training ohne rechte Ambition betreibt, erregt den Unmut seines alten Trainers Mickey, der in ihm ein Talent erblickt. Auch Rockys Annäherungsversuche an die Zoohändlerin Adrian kommen nicht recht vom Fleck. Doch dann wählt ihn der Schwergewichtsweltmeister Apollo Creed als Gegner für einen Showkampf Kampf aus, und es wird alles anders …

Was diesen Film, der mehr ein Liebesfilm als ein Sportfilm ist, so besonders macht, ist, dass er auch den Aufstieg seines Autors und Hauptdarstellers Sylvester Stallone zum Hollywood-Star miterzählt. Das 900.000-Dollar-Projekt hat längst die Schallmauer von einer Milliarde Dollar Einnahmen durchbrochen, zog 10 Oscar-Nominierungen bei drei Auszeichnungen und 8 weitere Filme nach sich. Dass Stallone mit „Rambo“ noch einen weiteren Kult-Charakter erschuf, vermochte Rockys Beliebtheit nicht zu schmälern.   

Während Stallone seinen Rocky schon beim ersten Auftritt zum Star aufsteigen ließ, blieb ein anderer großer Underdog des Kinos bis zuletzt ein armes Kerlchen – wenn er es in 25 Jahren auf der Leinwand auch immerhin vom Landstreicher zum Stadtstreicher und schließlich sogar zum Friseur brachte. In unserem heutigen Geheimtipp ist in seinem Leben noch einmal alles beim Alten. 

Der Zirkus / The Circus
Amerikanische Stummfilmkomödie von 1927

Als der Landstreicher Charlie auf der Flucht vor der Polizei eine Zirkusvorstellung stört, rettet er so die bis dahin müde Show. Der Zirkusdirektor engagiert ihn, ohne ihm den wahren Wert seiner Leistung zu verraten und lässt ihn niedere Arbeiten verrichten. Charlie willigt ein, weil er sich insgeheim nach einer Gemeinschaft sehnt und auch, weil er sich in die Tochter des Direktors verliebt hat. Wie sich jedoch zeigt, sind beide Wünsche schwerer zu erfüllen als erhofft.

Dieser Film zeigt uns Chaplins unsterblichen Tramp ein letztes Mal in seiner Urform, ehe das Heraufdämmern des Tonfilms diese Figur verändern und schließlich verschwinden lassen sollte. Wie der unterschätzte Tonfilm „Monsieur Verdoux“ gilt auch „The Circus“ als Nebenwerk im Klassiker-Kanon des großen Selbstdarstellers und Filmemachers Charles Chaplin.

Nächste Woche: Ronald M. Hahn, Mitautor des Buches „Kultfilme“, der literarischen Vorlage unserer ersten Staffel und damit unseres Podcasts, hat in einem kurzen Schriftwechsel angedeutet, es gäbe da einen Film der letzten Jahre, der nach seiner Einschätzung ein Kultfilm gewesen wäre – wenn wir nicht längst in ganz anderen Zeiten leben würden: „Valerian – Die Stadt der tausend Planeten“. Grund genug, diesen Film in Augenschein zu nehmen. Ich spreche mit Volker Robrahn auch darüber, wie wichtig dieser Comic für das Blockbuster–Kino generell gewesen ist.

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A) Das Leben des Brian / Monty Python‘s Life Of Brian
Britische Bibelfilmparodie von 1979

Als die Heiligen drei Könige dem Stern von Bethlehem folgen, irren sie sich zunächst in der Adresse und legen ihre Gaben um ein Haar an der Krippe des Erdenbengels Brian nieder. Dieses Missgeschick ist prophetisch. Im Laufe seines Lebens wird Brian immer wieder für den Messias gehalten – so sehr er sich auch dagegen wehrt – denn alle sehnen sich wie verrückt nach einem Erlöser. Als Brian am Kreuz hängt, widerfährt ihm durch einen singenden Leidensgenossen tatsächlich die Erleuchtung: „Always Look On The Bright Side Of Life“.

Nach dem Erfolg des ersten Kinofilms der englischen Komikertruppe Monty Python – „Die Ritter der Kokosnuss“ – führte ein Witz auf einer Pressekonferenz zu dieser Bibelkomödie, die von Kritikern, Fans und Beteiligten heute als deren beste Filmarbeit betrachtet wird. Naturgemäß waren die Widerstände gegen dieses Werk, das sich unbesehen sehr leicht als blasphemisch missverstehen lässt, ebenso groß. Das Wunder geschah: die enorme Werbung, die die katholische Kirche ihm mit ihrer Kampagne eintrug, hat es letztlich gar nicht gebraucht.

B) Der Omega-Mann / The Omega Man
Amerikanischer Science-Fiction-Film von 1971

Im Jahre 1977 hat ein bakteriologischer Krieg die Welt entvölkert. In Los Angeles kämpft der Wissenschaftler Neville, der in letzter Sekunde ein selbstentwickeltes Heilmittel an sich ausprobierte, gegen die wenigen Überlebenden, eine fanatische Sekte lichtscheuer Seuchenkrüppel. Diese Albinos wollen die letzten Spuren der Zivilisation beseitigen – und ihren letzten Repräsentanten Neville, ihren „Leibhaftigen“. Richard Mathesons dystopische Erzählung „I Am Legend“ wurde später mit Will Smith noch ein drittes Mal verfilmt.

Im Leben wandelte sich der Schauspieler Charlton Heston vom Unterstützer des schwarzen Bürgerrechtlers Martin Luther King zum waffenstarrenden Redneck, auf der Leinwand von der Verkörperung biblischer und historischer Heldenfiguren zu einem der ersten großen Hollywoodstars, die sich für Science-Fiction-Filme hergaben, beflügelt vom Erfolg seiner Hauptrolle in „Planet der Affen“. „Der Omega-Mann“ überbrückt diese Rollenfächer, umweht von den letzten Schwaden der Flower-Power-Ära.

Nächste Woche: Romanze in moll und Zeiten des Aufruhrs

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In der dritten Staffel unseres Podcasts sprechen wir künftig in loser Folge über Künstlerpersönlichkeiten, Kunstfiguren oder Kulturphänomene, die die Bezeichnung KULTFIGUREN verdient haben.
Die 2. Staffel mit den KULTFILM AZUBIS geht indessen weiter.

Hayao Miyazaki und das Ghibli-Studio
Gast: Franzi Blass

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/hayao-miyazaki-und-das-ghibli-studio

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki wird von gern wahlweise als Kurosawa des Trickfilms oder als japanischer Disney betrachtet. Für „Toy Story“-Erfinder John Lasseter ist er der größte lebende Zeichentrickkünstler überhaupt, für die „Zeit“ „nicht nur der Kaiser, sondern auch der Narr, der voller Schalk auf den Kaiser blickt“.
Miyazaki und sein Ghibli-Filmstudio verzaubern die Erwachsenen mit abgründigen, jugendlichen Helden – meistens Mädchen – und die Kinder damit, dass er sie als Publikum ernst nimmt. Beiden mutet er Botschaften wie diese zu: „Die Menschen sind hässlich, aber das Leben ist schön.“
Seine märchenhaften Filme bewahren und interpretieren die alte Kultur Japans, das sich einst im Rekordtempo industrialisierte und ebendiese Kultur abschaffte und zerstörte.
Miyazaki hält Computerspiele für ein frustförderndes Medium und erlaubt deshalb keine Games mit seinen Figuren. Er sagt: „Kinder sollten so viel freie Zeit wie möglich damit zubringen, ihre reale Umwelt zu erkunden. Sie sollten also auch nicht zu viel ins Kino gehen. Wenn sie sich einen oder zwei meiner Filme anschauen, reicht das schon.“

Diese beiden Filme werden näher in Augenschein genommen:

Nausicaä aus dem Tal der Winde/ Kaze no Tani no Naushika
Dystopischer Anime von 1984

Nach einem verheerenden Krieg breitet sich das „Meer der Fäulnis“ über die Welt aus, ein giftiger Pilzwald. Nur im Tal der Winde können Menschen noch ohne Schutzmaske existieren.  Prinzessin Nausicaä sieht ihre Heimat bedroht durch die Machtkämpfe kriegerischer Stämme, der Torumekia und der Pejite, die mit ihren fliegenden Kampfschiffen den Krieg auch in das grünte Tal tragen.  Sie hat das Geheimnis des Pilzwaldes ergründet und begibt sich auf eine wichtige Mission, um ihr Volk zu retten …

Dieser Film brachte den Erfolg, der die Gründung des Studios Ghibli ermöglichte.

Das wandelnde Schloss / Hauru no Ugoku Shiro
Anime von 2004

Sophie – ein Mauerblümchen, das mit Freizeit nichts anzufangen weiß – arbeitet als Hutmacherin im Geschäft ihres verstorbenen Vaters. Ihre flüchtige Begegnung mit dem Zauberer Hauro verändert ihr Leben auf vielfache Weise: sie verliebt sich in ihn und erregt damit die Eifersucht einer Hexe, die sie daraufhin mit einem Fluch belegt: Sophie steckt jetzt im Körper einer 90jährigen. Aus Scham über ihren Zustand flieht sie aus dem Ort und schlüpft im wandelnden Schloss des jungen Zauberers unter. Von ihm unerkannt verdingt sie sich dort als Putzfrau.
Als der Krieg ausbricht, gerät ihr Leben abermals aus den Fugen …

Nächste Woche: Das Leben des Brian und Der Omega Mann

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Runde Geburtstage werden lieber gefeiert als runde Todestage. Doch Agatha Christie, die „Queen Of Crime“, steht über solchen Erwägungen. Ähnlich wie ihre Kollegin, die andere aktuelle Jubilarin Jane Austen, wird auch sie emsig immer wieder neu verfilmt, inzwischen erlauben ihre Erben sogar Nachdichtungen.*
Sowohl der wiedererwachte ARD-Krimi-Podcast „Kein Mucks“ aus auch der des SRF widmeten ihre aktuelle Folge am letzten Donnerstag der Erfinderin von Hercule Poirot und Miss Marple. In der kürzlich ins Netz gestellten Hörbuch-Reihe in der ARD Audiothek gibt es auch Erzählungen abseits dieser beiden Serien zu hören. Zwei davon liest erfreulicherweise der großartige Friedrich Schoenfelder, der bei dieser Aufgabe ebenso glänzt wie er es viele Jahre als Synchronschauspieler getan hat.

Ein besonderes Vergnügen vom 6. Januar ist noch auf der Homepage des Kultursenders Ö1 nachhörbar.** „Ausgewählt“ wirft unter dem Titel „Agatha Christie und die Musik“ einen Blick auf die Musik in einigen Verfilmungen der Christie-Krimis wie Nino Rotas Soundtrack zu „Tod auf dem Nil“ von 1977 oder das berühmte „Miss Marple-Thema“ von Ron Goodwin. Filmmusik ist hier ein guter Zugang, denn obwohl die britische Autorin Pianistin werden wollte und als junge Frau ein Musikstudium begann, spielt Musik in ihren Kriminalfällen kaum eine Rolle. Dass Agatha Christie Nino Rotas großartige Musik nicht mehr hören konnte, ist trotzdem bedauerlich.
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* https://oe1.orf.at/programm/20260108#819161/Agatha-Christie-und-die-Musik
** Siehe https://blog.montyarnold.com/2025/12/11/neue-faelle-fuer-miss-marple/

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A) Kevin – Allein zu Haus / Home Alone
US-Familienkomödie von 1990

Die Chicagoer Familie McAllister will zu Weihnachten mit angereister Verwandtschaft einen Trip nach Paris machen. Am Abend zuvor hat der achtjährige Kevin einen Streit mit seinem großen Bruder Buzz und übernachtet schmollend auf dem Dachboden. Am nächsten Morgen verlassen fast alle das Haus in heller Aufregung, weil sie verschlafen haben. Erst während des Fluges bemerkt Mutter Kate, dass Kevin gar nicht mitgekommen ist. Da das heimische Telefon gestört und die Nachbarschaft ebenfalls über die Feiertage ausgeflogen ist, macht sie sich verzweifelt auf den Heimweg, der Rest der Familie bleibt in Paris. Wüsste Kate, dass zwei Einbrecher den verwaisten Straßenzug für einen großen Beutezug ausbaldowert haben, wäre sie noch weitaus besorgter. Zu unrecht, denn Kevin weiß sich der Gangster zu erwehren.

Produzent John Hughes, dessen „Breakfast Club“ wir vor kurzem hier besprachen, und sein Regisseur Chris Columbus schufen einen Weihnachtsklassiker, der die unvermeidlichen Fortsetzungen nach sich zog und bis heute seine Fans hat. Noch nicht zehnjährig, war Hauptdarsteller Macaulay Culkin ein Weltstar. Als er die 14 erreichte, war er weg vom Fenster, und seine Kinderstar-Millionen hatten zum Auseinanderbrechen der Ehe seiner Eltern geführt.

 B) Feivel, der Mauswanderer / An American Tail
US-Zeichentrickmusical von 1986

Zum Weihnachtsfest 1885 wird ein weißrussisches Schtetl im Rahmen eines zaristischen Pogroms niedergebrannt. Auch die Mäuse des Ortes sind nun heimatlos. Familie Mauskewitz wandert in die Vereinigten Staaten aus, doch bei einem Unwetter während der Überfahrt wird der kleine Feivel von seiner Familie getrennt und erreicht nur mit Mühe das Festland. Auf der Suche nach seinen Angehörigen muss er erkennen, dass Vater ihm nicht die Wahrheit gesagt hat: es gibt durchaus Katzen in Amerika.

Der erste Film des ausgestiegenen Disney-Animationsdriektors Don Bluth, die finstere Parabel „Mrs. Brisby und das Geheimnis von NIMH“, war ein Achtungserfolg. Sein zweiter, die Geschichte von Feivels Weg nach Amerika, eroberte die Herzen des Publikums, erlebte drei Fortsetzungen und eine Serie. Was die simple, an „Oliver Twist“ angelehnte Geschichte bis heute zu einem Juwel macht, sind u.a. die Schönheit des Artworks, die atmosphärische Dichte und der sinfonische Song-Score von James Horner, der gut zehn Jahre später mit „Titanic“ zum Star seiner Zunft aufstieg.

Nächste Woche: Wall Street und Wie man Erfolg hat, ohne sind besonders anzustrengen

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B) Die Falle
Deutsches Fernsehspiel nach einem Theaterstück von Robert Thomas von 1982

Grübelnd sitzt Daniel in einer Ferienhütte in den Bergen: mitten in den Flitterwochen hat er sich mit Elisabeth dermaßen zerstritten, dass sie fortlief und seither verschwunden ist, vielleicht auch verunglückt. Der Kommissar aus Chamonix versichert ihm, nach ihr zu suchen. Da klopft ein Pfarrer an und berichtet, Elisabeth sei wieder da und wolle sich aussöhnen. Er hat die Dame als Überraschung gleich mitgebracht. Daniel schwört, die Frau noch nie gesehen zu haben. Doch sie will nicht gehen. Und sie weiß einfach zu gut über alle Einzelheiten der kurzen Ehe bescheid, um sie dem Kommissar gegenüber als Betrügerin bloßzustellen. Ein Nervenkrieg nimmt seinen Lauf …

Das Stück von Robert Thomas wurde – so geht die Legende – erst vom Verlag abgelehnt, woraufhin er das Skript verärgert im Vorzimmer liegen ließ. Dort wurde es nachträglich entdeckt – und ein Erfolg. Alfred Hitchcock kaufte die Filmrechte, es kam leider nicht mehr dazu. Während „8 Frauen“, ein eher tutiges Werk des Autors, später Furore machte, ist „Die Falle“ gründlich vergessen und wird auf Krimi-Dinner-Abenden verheizt. Für Oswald Döpkes ZDF-Verfilmung mit den einstigen TV-Lieblingen Wolf Roth, Judy Winter und Hans Caninenberg können wir nur dankbar sein. Rolf Kühns Soundtrack verströmt edles Ennio-Morricone-Feeling.

In der nächsten Woche: Kevin – Allein zu Haus und Feivel der Mauswanderer

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Normalerweise kommen Abschiede von Radiomoderatoren überraschend. Wir erfahren erst bei der Schlussmoderation, dass es keine weitere geben wird, hin und wieder wird es auch schon am Anfang der letzten Sendung verraten. Als ich selbst mal in die Lage geriet, mich aus einer Sendereihe zurückzuziehen, ermahnte mich mein Redakteur, es kurz und knapp zu halten.
Manfred Behrens, langjähriger Präsentator von „WDR 4 Soundtrack“ redet seit Monaten davon, dass er aufhören wird. Jetzt wird es endlich ernst. Die morgige Ausgabe ist die letzte, wenn er es sich nicht anders überlegt. Das Thema ist mit einem feucht-schmatzenden Augenzwinkern gewählt: „The Last Dance – Tanz im Film“.

Aus Liebe zur Filmmusik habe ich seit Jahren keine Folge versäumt – oder sagen wir: trotz dieser Liebe. Denn Herr Behrens kann Filmmusik offensichtlich nicht ausstehen. Er spielt Pop, Pop, Pop, hie und da mal Rock, einen Schlager oder eine schauerliche Wirtschaftswunder-Geschmacklosigkeit. Meistens – längst nicht immer! – findet er immerhin eine Begründung für die Musikauswahl, die irgendwie mit Kino zu tun hat. Das ist nicht so schwer, denn Popmusik ist in Filmen ja immer wieder anzutreffen. Es fiel jedoch auf, wie selten es in all den Jahren ein Orchester zu hören gab, das einen tatsächlichen Soundtrack spielte. Putzig auch die Musiklisten auf der WDR-Homepage. Zu solchen Titeln stand dann da etwa „Main Title – Filmorchester“ oder „Abspannmusik – Orch.“. Will eh kein Schwein wissen. Zuweilen gab es auch komplett soundtrackfreie Sendungen – etwa, wenn ein Musiker-Biopic den aktuellen Anlass hergab.

Mit dieser Fachwurstigkeit liegt der Moderator im Trend des linearen Angebotes. Die wenigen Filmmusik-Formate, die nicht ohnehin längst aus dem Schema verschwunden sind, werden allesamt von Kollegen und Kolleginnen moderiert, die gewiss Filmliebhaber sind – bzw. gern in Pressevorführungen gehen -, aber deswegen noch lange keine Filmmusik mögen.
Was mir am Donnerstagabend fehlen wird, ist Behrens‘ leutseliger Kneipen-Charme und sein Talent, knackige, sehr persönliche Inhaltsangaben zu formulieren. Er schaffte es stets, zu( eine)m Kern jedes Films durchzudringen und uns am Lautsprecher das Gefühl zu geben, es müsste lustig sein, mit ihm zusammen ins Kino zu gehen oder einen Videoabend zu verleben. In seinen Augen war auch nicht alles gleich gut. Es mag diese Qualität gewesen sein, die mich so treu hat dranbleiben lassen.
Und die mir fehlen wird.

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Das Wichtigste zuerst: die Deutschen, die Richard Chamberlain phasenweise sehr geliebt haben, sprechen ihn falsch aus (auch bei den Nachrufen wird das so bleiben): er heißt nicht Tschemberläin, sondern – umgekehrt wird ein Schuh draus – Tschäimberlin.
Weniger wichtig, aber interessanter ist: als jemand, der als ein typischer Vertreter seiner Schauspielergeneration hin und wieder zum Singen genötigt wurde, zählte er zu jenen, die das tatsächlich konnten. Nicht nur die Titelmelodie seiner Serie „Dr. Kildare“ (in den USA sehr erfolgreich, bei uns völlig unbekannt) hat er interpretiert: „Three Stars Will Shine Tonight“, hie und da wurde er auch anlässlich seiner Kino-Hauptrollen ans Mikrofon gebeten.
Als er 1984 seine bei uns beliebteste Rolle spielte – den Pater Ralph im TV-Vierteiler „Die Dornenvögel“ -, war das Genre des Filmsongs bereits versunken, und so blieb der Titelmusik von Henry Mancini eine Vokalfassung verwehrt.
Das Liebesdrama „Joy In The Morning“ haben wir nie in einer deutschen Version gesehen, und das ist mindestens hinsichtlich des Soundtracks ein Verlust. Er stammte von Bernard Herrmann, den Song steuerte das bewährte Team Fain & Webster bei.
Mit „Dr. Kulani – Arzt auf Hawaii“ und den Wiederholungen von „Shogun“ konnte Chamberlain seinen deutschen Serien-Ruhm im jungen Privatfernsehen noch etwas dehnen. Die LP, die ihm der verantwortliche Sender SAT.1 in diesem Zusammenhang widmete, vermochte ihn als Sänger leider nicht bei uns etablieren.

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