Synchronfassung Archive - Monty Arnold blogt.

Summer Of Kult: Marlon Brando

montyarnold — Fri, 14 Aug 2026 11:11:28 +0000

In der ersten Staffel unseres Podcasts, in der wir die amtlichen 42 Kultfilme der Wuppertaler Liste durchgegangen sind, kam Marlon Brando nicht vor. Das ist ungerecht – andererseits erging es Charlie Chaplin, Marilyn Monroe, Laurel & Hardy, Gene Kelly und Fred Astaire, Jane Mansfield, Greta Garbo, Louis de Funès, Clint Eastwood, Steve McQueen und Jerry Lewis nicht anders. Seit wir mit „Pulp Fiction“ den letzten wirklichen Kultfilm der Zelluloid-Ära gewürdigt haben, sind Torben Sterner und ich dabei, diese Lücken langsam zuzuspachteln. Mit Marlon Brando haben wir in der 2. Staffel schon ein paar „Kultfilm-Azubis“ besprochen.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/summer-of-kult-marlon-brando

Marlon Brando ist der einzige männliche Kultstar, der es heute noch halbwegs mit der Popularität eines Humphrey Bogart aufnehmen kann, den wir vor zwei Wochen in unserer Sommerserie „Summer Of Kult“ gefeiert haben. Brando starb 2004 im Alter von 80 Jahren und ist uns eine Generation näher als Bogart. Das hat ihm den digitalen Sumpf des Vergessens nicht erspart, in den das algorithmisch konsumierende Publikum seine Popstars von gestern so gnadenlos versinken lässt. In der Fachliteratur ist die Welt noch in Ordnung. Dort steht Marlon Brando, zeitweise der bestbezahlte Filmstar der Welt, neben Namen wie Bogart oder Marilyn Monroe noch immer ganz oben im Regal. Er hat es zeitlebens verstanden, sich und seine Fans mit einem herben Duft von Haltung und Rebellentum einzustänkern – was unzweifelhaft die ambitionierteste und handwerklich sauberste schauspielerische Leistung seiner Karriere darstellt.

Fred Zinneman – Regisseur unseres Kultfilms „12 Uhr mittags“ – hat Marlon Brando 1950 seine erste Filmrolle gegeben. Doch seine Legende begann einige Jahre zuvor auf der Theaterbühne. Er durfte mit der erotischen Präsenz seiner Jugend einen zeitlosen Männertypus verkörpern und später auf der Leinwand in ewige Sicherheit bringen, den es im Kino so noch nicht gegeben hatte, den schwitzenden Rüpel mit Achillesverse: Stanley Kowalski in Tennessee Williams‘ und Elia Kazans Klassiker „Endstation Sehnsucht“, der uns in diesem Podcast noch beschäftigen wird.
Brando war ein Schlawiner, der wusste, dass die Welt verarscht werden will. Er beschwerte sich unentwegt über die Dämlichkeit des kommerziellen Kinos – und hat dessen Millionengagen allweil gern kassiert, um damit sein dekadentes Inselkönigdasein zu finanzieren. Zur Oscar-Verleihung erschien er nicht und ließ sich von einer – falschen – indigenen Mitbürgerin vertreten, um sich ein Ansehen zu geben. Dieses versilberte er wenige Jahre später mit einer besonders üppigen Gage für eine besonders kleine Rolle, für die er zu spät anreiste und vorher keinen Text lernen musste, was ihm immer sehr am Herzen lag. Der Film hieß „Apocalypse Now“, die Rolle „Colonel Kurtz“. Die Widersprüche der öffentlichen Brando-Figur sind zu keiner Zeit so kontrovers diskutiert worden wie anlässlich dieses Films. Und diese Debatte hat dem Erfolg nicht im Geringsten geschadet.
Wir betrachten außerdem den Skandalfilm „Der letzte Tango in Paris“ und gehen zum Schluss noch einmal zurück in die späten 60er Jahre und zu einem Juwel wie man es im linearen Fernsehen gern als „Spätfilm“ verabreicht hat. Brandos Darstellung des homosexuellen Südstaaten-Majors in „Spiegelbild im goldenen Auge“ ist unter Cineasten hoch angesehen, doch es war nicht die Zeit, in der man für solche Portraits einen Oscar erwarten konnte. Ausgerechnet diesen Film kennen die wenigsten Brando-Fans.
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Der letzte Tango in Paris
Französisch-Italienisches Drama von 1974

Nach dem Selbstmord seiner Frau trifft der verstörte amerikanische Hotelier Paul bei einer Wohnungsbesichtigung in Paris die 19jährige Jeanne. Der alternde Mann und das in den Tag hineinlebende Mädchen erliegen einer seltsamen Faszination füreinander und lieben sich in der leeren Wohnung. Sie treffen sich nun regelmäßig, um hemmungslos ihre sexuellen Fantasien auszuleben. Sie vereinbaren, sonst nicht nach dem Leben des anderen zu fragen. Das geht nur ein paar Tage lang gut …

Bernardo Bertoluccis Körper- und Seelen-Striptease ist der populärste aller Skandalfilme, ein „Casablanca“ des gehobenen Schweinkrams. Marlon Brandos Partnerin Maria Schneider hat später offenbart, sie sei tatsächlich vor der Kamera vergewaltigt worden, was Bertolucci erst 2013 öffentlich zugab – zwei Jahre nach dem Tod der Schauspielerin. In die Skandalgeschichte des Films ließ sich dieses Detail gut integrieren. Gato Barbieris Soundtrack wurde unabhängig von seiner Quelle zum Klassiker.

Apocalypse Now
Vietnam-Kriegsfilm von 1979

Captain Willard erhält von seiner Stabsstelle den Auftrag, in den Wirren des Vietnamkriegs nach Colonel Kurtz zu suchen, einem Elitekrieger, der eines Tages im Dschungel Kambodschas untertauchte und – offenbar verrückt geworden – ein Terrorregime errichtet hat. Für die US-Army ist er außerdem ein Sicherheitsrisiko. Willards Eintauchen in den Urwald wird zu einem Trip in die eigenen Abgründe und zur sprichwörtlichen Reise ins Herz der Finsternis.

Ungeachtet seines Ruhmes, seines Erfolges und dem Prädikat, der wichtigste aller Vietnam-Filme und ein Meisterwerk des Kinos zu sein, wird immer wieder punktuelle Kritik an „Apocalypse Now“ geübt, der sehr freien und doch treffenden Verfilmung einer Erzählung von Joseph Conrad. Auch sein Regisseur Francis Ford Coppola hat die Welt immer wieder irritiert: mit der immensen Kluft zwischen schimmernden Ruhmestaten – wie „Der Pate“ 1 und 2 – und Murks – wie „One From The Heart“, „Megalopolis“ oder „Der Pate III“.

Spiegelbild im goldenen Auge / Reflections In A Golden Eye
Amerikanisches Südstaaten-Drama von 1967

Major Penderton und Lt. Colonel Langdon leben mit ihren Ehefrauen auf einem Militärstützpunkt in Georgia am Rande großer Waldungen. Die kriegsfreie Zeit lässt Neurosen ins Kraut schießen, die allesamt sexueller Art sind. Der impotente Major (Marlon Brando) verzweifelt an seiner lebenslustig-gefühllosen Frau (Elizabeth Taylor), die sich mit Langdon vergnügt, während dessen Frau langsam durchdreht und der verschrobene Stallbursche Williams (Robert Forster in seinem ersten Filmauftritt) sie heimlich stalkt. Dass das nicht gut ausgeht, wird schon zu Beginn des Films verraten: „Dort im Süden steht ein Fort, in dem vor Jahren ein Mord geschah.“

John Hustons Verfilmung einer Erzählung von Carson McCullers zeigt uns eine Garnison in Friedenszeiten als Mikrokosmos verkorkster Beziehungen und Obsessionen. Die Rolle des verklemmt schwulen Major Penderton hätte für Montgomery Clift das Leinwand-Coming-Out werden sollen, doch Clift starb kurz vor Beginn der Dreharbeiten, und der von ihm beeinflusste Marlon Brando übernahm. Brandos Biograf Tony Thomas attestierte diesem „die komplizierteste, rundeste und intelligenteste schauspielerische Leistung“ seiner Karriere. Elizabeth Taylor glänzt einmal mehr als große Komödiantin in einem Drama.

Nächste Woche: zum Abschluss der Sommerpause stehen sich Monty Arnold und Torben Sterner unter dem Motto „Zwei Stühle, sechs Meinungen“ in drei Gesprächen vollends unversöhnlich gegenüber.

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Summer Of Kult: Endzeit und Apokalypse

montyarnold — Fri, 07 Aug 2026 14:19:29 +0000

Wer diesen Podcast ein bisschen kennt, der weiß, dass ich auf vielgeschmähte Dinge wie „Unterhaltung“ und „Eskapismus“ – was nichts anderes bedeutet als „Zerstreuung, Ablenkung“ – nichts kommen lasse. Ich halte so etwas für wichtig. Der Beruf des Entertainers ist ein edles Handwerk. Und außerdem halte ich es mit Hans Magnus Enzensberger: „Eskapismus? Was denn sonst bei dem Sauwetter?“
Damit könnte auch das Welt- und Gesellschaftsklima gemeint sein.

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Der Kalte Krieg brachte im Kino eine Strömung hervor, die unser heutiges Epochengefühl genau trifft. Sie schlängelte sich durch Gattungen wie Science-Fiction, Drama und Polit-Thriller, fühlte sich aber im Horror besonders wohl: der Endzeit-Film.
In seiner heutigen Form ausdefiniert hat ihn Alfred Hitchcock, eher nebenbei: im dritten Akt seines Klassikers „Die Vögel“.
Die Filme unseres heutigen Programms waren einmal pure Unterhaltung, und sie sind inzwischen allesamt – noch ’ne Schublade! – Zeitstücke. Da haben wir den Salat: die Grenzen zwischen Unterhaltung und dem realen Leben sind fließend. Das Leben imitiert die Kunst.
In der ersten Staffel „Alle 42 Kultfilme“ hatten Torben Sterner und ich nur einen solchen Titel zu behandeln, und der ist nicht nur ein Kultfilm, sondern – aller billigen Machart zum Trotz – außerdem ein Klassiker des Horrorfilms. Heute könnte man ihn sogar als Ursprung eines Franchise bezeichnen, aber das wäre nun wirklich zu grauenvoll!

Die Nacht der lebenden Toten / Night Of The Living Dead
Amerikanischer Horrorfilm von 1968

Beim Besuch auf einem ländlichen Friedhof wird ein junges Paar von einem benebelten Wüstling attackiert. Der Junge wird umgebracht, das Mädchen rettet sich in ein einsames Farmhaus. Dort trifft sie auf eine kleine Gruppe Gestrandeter, die sich verbarrikadieren, um nicht von einer Horde Untoter gefressen zu werden. Sie ahnen es nicht, doch sie befinden sich im Zentrum der ersten klassischen Zombie-Apokalypse des Kinos.

Mit Mini-Budget, Abfällen aus der Schlachterei und vielen Freunden und Bekannten revolutionierte George A. Romero den Horrorfilm, ein Genre, das von jeher dazu prädestiniert war, für kleines Geld ein großes Publikum zu finden. Das Wort Zombie war bisher auf Angehörige von Naturvölkern angewandt worden, die sich in einen rituellen Trance-Zustand begeben hatten. Romero hat sich an dem popkulturellen Trend, den er da ausgelöst hatte, später selbst beteiligt.

Zwischen zwei Welten / Between Two Worlds
Phantastisches US-Melodram von 1944

Eine bunt zusammengewürfelte Gruppe Londoner Flüchtlinge ist glücklich, dem deutschen Bombenhagel entkommen zu sein und sich auf einem Dampfer zu befinden, der sie nach Amerika bringen soll. Ihre Erleichterung ist so groß, dass ihnen ein paar Merkwürdigkeiten zunächst nicht auffallen. So ist das einzige Besatzungsmitglied ist ein älterer Steward, der ihren Fragen ausweicht und sie immer wieder ermuntert, es sich bequem zu machen. Einzig ein Paar junger Selbstmörder ahnt, was hier gespielt wird: die Reise führt nicht über den Atlantik, sondern über den Styx – geradewegs ins Totenreich …

„Zwischen zwei Welten“ ist wie der Kultfilm und Klassiker „Casablanca“ ein Liebesdrama der Warner Brothers aus der Kriegszeit, das von ihm zwei wichtige Nebendarsteller übernimmt. Das zentrale Liebespaar – Paul Henried und Eleanor Parker – ist etwas blass, umgibt sich jedoch mit einem wahrhaft malerischen Ensemble. „Outward Bound“, das zugrundeliegende Theaterstück von Sutton Vane, stammt von 1923 und profitiert davon, dass es in die Gegenwart der Filmadaption übertragen wird: den zweiten Weltkrieg.

Das letzte Ufer / On The Beach
Amerikanisches Endzeit-Drama von 1959

Im Jahre 1964 hat ein Nuklearkrieg die Welt entvölkert. Eine radioaktive Wolke bewegt sich unaufhaltsam auf den letzten noch unbehelligten Kontinent Australien zu, wo die Welt augenscheinlich noch in Ordnung ist. Die Menschen genießen das Leben, solange sie noch können, der Originaltitel „On The Beach“ verweist darauf. Unterdessen verteilt die Regierung vergifteten Tee an das Volk, um ihm zu gegebener Zeit ein würdevolles Ende zu ermöglichen. Parallel dazu bricht ein amerikanisches U-Boot auf, um einem mysteriösen Funksignal nachzugehen. Gibt es etwa doch noch menschliches Leben da draußen?

Als erste große Kinoproduktion macht dieser Schwarzweißfilm die drohende (hier bereits vorweggenommene) Nuklearkatastrophe zu seinem Plot. Der couragierte Filmemacher Stanley Kramer leitet ein eindrucksvolles Ensemble.

Nächste Woche: Kultstar Marlon Brando

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Kultfilm Azubis: Aus dem Grünen ins Graue

montyarnold — Thu, 07 May 2026 22:00:17 +0000

Aus grauer Städte Mauern ziehn wir durch Wald und Feld … nein, wir machen es im heutigen Podcast umgekehrt und begleiten zwei Sonderlinge – einen alten und einen jungen – aus der Natur in die Menschensiedlung. Beide werden mit ihrem Kulturschock nicht alleingelassen:

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A) Willkommen, Mr. Chance / Being There
Amerikanische Mediensatire von 1979

Der Analphabet Chance hat sein Leben komplett im Gewächshaus verbracht und kennt die Welt nur aus dem Fernsehen. Als sein Dienstherr stirbt, steht der lebensuntüchtige Gärtner plötzlich auf der Straße und droht, in kürzester Zeit im Großstadt-Dschungel unter die Räder zu kommen. Das geschieht tatsächlich, doch es sind die Räder einer Millionärsgattin, die ihn mit nach Hause nimmt, um ihn wieder gesund zu pflegen. Ein erstaunlicher Aufstieg beginnt, an dessen Ende Mr. Chance sogar übers Wasser gehen wird …

Unter den Fans des britischen Charakterkomikers Peter Sellers hält sich hartnäckig das Gerücht, dies sei sein letzter Film gewesen, krönender und würdiger Abschluss eines früh abreißenden genialen Lebenswerkes. Dass in Wahrheit die biedere Trash-Klamotte „Das boshafte Spiel des Dr. Fu Man Chu“ noch folgte, wird der Ambivalenz des Sellers’schen Schaffens, in der der Kalauer allweil seinen festen Platz hatte, ebenso gerecht. Die leise, fast zärtliche Bosheit von Hal Ashbys Parabel auf den Wunsch der westlichen Zivilisation, sich für dumm verkaufen zu lassen, nimmt sich in unseren Tagen wie ein utopisches Märchen aus.

B) Der Wolfsjunge / L’enfant sauvage
Französisches Drama von 1970

Eine südfranzösische Bäuerin sieht sich 1798 beim Pilzesuchen plötzlich einem nackten, langhaarigen Jungen gegenüber, der bei ihrem Anblick panisch auf allen Vieren flieht. Als Dr. Itard in der Zeitung von dem viehischen Findling erfährt, erwacht sein wissenschaftliches Interesse. Mit Fürsorge und Geduld glaubt er, den Knaben zivilisieren zu können. Der erhält den Namen Victor – und wehrt sich gegen die Optimierungsversuche …

All seiner unbestreitbaren Beiträge zum Klassiker-Kanon zum Trotz, kann man Francois Truffaut auf einem anderen Gebiet für noch verdienstvoller halten: dem Filmjournalismus und seiner Arbeit als Filmhistoriker. Dieses Nebenwerk des früh verstorbenen Regisseurs und Nouvelle-Vague-Mitbegründers ist auch deshalb bemerkenswert, weil es sich innerhalb und außerhalb seines Schaffens kaum einsortieren lässt. Es zeigt Truffaut auch in einer der Hauptrollen – eine späte Entscheidung des Regisseurs, nachdem er die Mitarbeit am Drehbuch schon beendet hatte.

Nächste Woche: Ein Mann wie Sprengstoff und Michael Clayton

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Kultfilm Azubis: Allein unter Mackern

montyarnold — Fri, 03 Apr 2026 09:39:24 +0000

Um Heldinnen, die sich allein unter Mackern herumzuschlagen haben, geht es in der heutigen Folge unseres Podcasts. Dass Frauen es viel schwerer haben als Männer in vergleichbarer Lage, wissen wir nicht erst, seit jemand auf die Idee kam, den Gender-Pay-Gab auszurechnen. Doch die Geschichten, die dieses Ungleichgewicht verhandeln, rühren und erreichen uns umso mehr, je unterhaltsamer sie sind. Und das kann auf ganz unterschiedliche Art gelingen. Hier kommt zunächst die klassische Methode:

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A) La Strada – Das Lied der Straße
Italienisches Drama von 1954

Die Jahre im Schaustellerbetrieb haben den fahrenden Entfesselungskünstler Zampano (Anthony Quinn) zu einem jähzornigen Rohling erkalten Lassen. Wie einen Hund kauft er von einer Familie das Dorfmädchen Gelsomina (Giulietta Masina) und richtet es zu seiner Assistentin ab. Ihre Hoffnung, bei ihm Geborgenheit zu finden erfüllt sich nicht. Als letzte einer langen Serie von Demütigungen wird sie schließlich von ihm verstoßen. Zampanos Reue kommt spät …

Federico Fellinis Kino feiert die Fantasie, den Traum und die Sinnlichkeit – und das Publikum ihn dafür. In den Jahren fortwährender Erfolge blieb dieser frühe Titel immer präsent. Bereits hier hören wir die Musik von Nino Rota, der gemeinsam mit Fellini fortan ein legendäres Team bildete. „La Strada“ bekam den Oscar als bester ausländischer Film, ist einer der wichtigsten europäischen Klassiker überhaupt und begründete das Imperium des Filmrechtehändlers Leo Kirch. Der „große Zampano“ ging in den Sprachgebrauch der Wirtschaftswunderjahre über.

B) Coma
US-Krankenhausthriller von 1978

Die am Boston Memorial tätige junge Ärztin Dr. Susan Wheeler ist schockiert: eine kerngesunde Freundin ist während einer Abtreibung ins Koma gefallen. Susan wird misstrauisch, als sie bemerkt, dass sich solche Unfälle immer im OP Nr. 8 ereignen. Ihr Freund und ehrgeiziger Kollege Mark beschwichtigt sie, doch sie schnüffelt weiter und erregt sogar den Unmut des Klinikchefs. Als sich Susan schließlich in das einsam gelegene Jefferson-Institut einschleicht, in das die Komapatienten der Klinik üblicherweise gebracht werden, wird ein Killer auf sie angesetzt …

„Coma“ ist ein liebevoller, inspirierter Film. Ihn durchzieht ein fein gewebtes Hintergrundrauschen aus teils fachlichem, teils privatem Smalltalk in den Räumen und Fluren der Klinik. Die Streitereien des jungen Heldenpaares – Geneviève Bujold und Michael Douglas in seiner ersten Kinorolle nach „Die Straßen von San Francisco“ – ist von Bergman’scher Beobachtungsgabeund emanzipatorisch aktuell. Regisseur Michael Crichton ist der Erfinder zahlloser großer Filmstoffe wie „Futureworld“, „Westworld“, „Jurassic Park“ und „Andromeda – Tödlicher Staub aus dem All“.

Nächste Woche: die Kultfigur Louis de Funès und seine Filme Onkel Paul die große Pflaume und Oscar hat die Hosen voll. Zu Gast: Gerry Streberg

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Kultfilm Azubis: Das Grauen weit draußen

montyarnold — Thu, 12 Mar 2026 22:25:44 +0000

In der letzten Folge dieses Podcasts behauptete ich, von „The 5,000 Fingers Of Dr. T“ gäbe es keine deutsche Fassung. Ronny hat eine Synchronfassung im Netz gefunden, die der Sender RTL 1989 in Auftrag gegeben und ein einziges Mal gesendet hat. Man kann den Film exklusive der Songs also doch auf deutsch anschauen oder seine Kinder damit erschrecken.
Weiterhin ist die Umfrage, die wir hier zu diesem Podcast veranstaltet haben, inzwischen abgeschlossen. Lob und Tadel sowie Antworten auf einige Fragen werden wir hier demnächst vorstellen.
Um gruselige Ereignisse weit draußen vor den Toren der Stadt geht es heute. Und der erste Film wirkt so ähnlich wie die berühmte Limonade aus Österreich: er verleiht Flügel!

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/die-voegel-spiegelbild-im-goldenen-auge

A) Die Vögel / The Birds
Amerikanischer Öko-Thriller von 1963

Die extravagante, vermögende Melanie Daniels fährt nach Bodega Bay, um dem Juristen Mitch Brenner, den sie in San Francisco flüchtig kennengelernt hat, einen Streich zu spielen. Familie Brenner nimmt sie sehr freundlich auf und lädt sie ein, noch einen Tag zu bleiben, um an einer Geburtstagsfeier teilzunehmen. Indessen mehren sich unerklärliche Attacken von Vögeln und Vogelschwärmen, die immer aggressiver und koordinierter werden. Schließlich kommt es zu einem gefiederten Sturmangriff auf das Küstenstädtchen und auf das Haus der Brenners …

Daphne DuMauriers Kurzgeschichte „The Birds“ brachte die Angst der Briten vor der Tollwut und die Erinnerung an den Blitzkrieg der Nazis zum Ausdruck. Hitchcock machte daraus den ersten modernen Öko-Thriller, begründete den Viecher-Horror im Kino und definierte den Endzeitfilm wie wir ihn heute kennen. Viele ordnen das Werk als einen der wichtigsten Horrorfilme ein. Zuallererst ist der Film aber nur eines: großes Entertainment.

Unser heutiger Geheimtipp ist nur wenige Jahre später von einem anderen Hollywood-Altmeister inszeniert worden, doch darin machen sich die Menschen selbst das Leben schwer. Frei nach der alten Devise von Sarte: die Hölle, das sind die anderen.

B) Spiegelbild im goldenen Auge / Reflections In A Golden Eye
Amerikanisches Südstaaten-Drama von 1967

Major Penderton und Lt. Colonel Langdon leben mit ihren Ehefrauen auf einem Militärstützpunkt in Georgia am Rande großer Waldungen. Die kriegsfreie Zeit lässt Neurosen ins Kraut schießen, die allesamt sexueller Art sind. Der impotente Major (Marlon Brando) verzweifelt an seiner lebenslustig-gefühllosen Frau (Elizabeth Taylor), die sich mit Langdon vergnügt, während dessen Frau langsam durchdreht und der verschrobene Stallbursche Williams (Robert Forster in seinem ersten Filmauftritt) sie heimlich stalkt. Dass das nicht gut ausgeht, wird schon zu Beginn des Films verraten: „Dort im Süden steht ein Fort, in dem vor Jahren ein Mord geschah.“

John Hustons Verfilmung einer Erzählung von Carson McCullers zeigt uns eine Garnison in Friedenszeiten als Mikrokosmos verkorkster Beziehungen und Obsessionen. Die Rolle des verklemmt schwulen Major Penderton hätte für Montgomery Clift das Leinwand-Coming-Out werden sollen, doch Clift starb kurz vor Beginn der Dreharbeiten, und der von ihm beeinflusste Marlon Brando übernahm. Brandos Biograf Tony Thomas attestierte diesem „die komplizierteste, rundeste und intelligenteste schauspielerische Leistung“ seiner Karriere. Elizabeth Taylor glänzt einmal mehr als große Komödiantin in einem Drama.

Nächste Woche: Sein oder Nichtsein und King Of Comedy

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Der Astronaut – Die Filmkritik

montyarnold — Wed, 11 Mar 2026 20:59:18 +0000

Ein Kollege von mir hat für den neuen Film mit Ryan Gosling die quirlige Einordnung gefunden: „eine Mischung aus ‚E. T.‘ und ‚Interstellar‘“. Das trifft es recht gut. Ich hätte vielleicht gesagt „eine Mischung aus ‚Lautlos im Weltraum‘, ‚Armageddon‘ und ‚Robinson Crusoe‘ mit Elementen aus dem Intro von ‚Planet der Affen‘“.
Ist da eigentlich auch irgendwas Neues drin? Mal kucken!

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/der-astronaut-aktuelle-filmkritik

Der Astronaut
Science-Fiction-Film von Phil Lord und Chris Miller

Ryland Grace (Ryan Gosling) erwacht in einem Raumschiff aus dem Transportkoma, Lichtjahre von der Erde entfernt. Nur langsam kehrt die Erinnerung zurück: seine Mission gilt der Bekämpfung der Astrophagen, einer mysteriösen Substanz, die Sonnen auslöscht und auch die unsere bedroht. Es geht um die Rettung der Welt – und des gesamten Weltalls drumherum. Grace, der eigentlich Mittelschullehrer und verfemter Molekularbiologe ist, wurde von einer ESA-Verantwortlichen (Sandra Hüller) zu dieser Rettungsaktion angehalten, nachdem die dafür vorgesehenen Astronauten bei einer Explosion umkamen und er der Nächstkompetenteste war. Seine beiden Begleiter im Raumschiff sind tot.
Unverhofft leistet Grace ein Außerirdischer Beistand, den er seinerseits bei der Rettung seiner Welt unterstützen kann …

Beginnen wir mit dem Autor der zugrundeliegenden Romanvorlage „Project Hail Mary“: Andrew Weir. Von ihm stammt auch der Roman „Der Marsianer“, den Ridley Scott vor gut zehn Jahren mit Matt Damon in der Hauptrolle verfilmte. Auch hier muss der Held fernab der Erde alleine die Stellung halten. Nach fünf Jahren darf er wieder nach Hause. Was diesen Film für mich persönlich beschädigte, war zweierlei: die Flapsigkeit, mit der man meinte, die dramatische Situation auflockern zu müssen, und die völlige Unterlassung, den Lauf der Zeit sichtbar zu machen. Die Leute, die auf der Erde jahrelang auf Matt Damon alias Mark Watney warten und seine Rettung organisieren, scheinen nicht einmal die Kleidung zu wechseln. Beides zusammen vermittelte mir das Gefühl, der Held habe nur ein verlängertes Wochenende auf dem Mars verbracht.
Ich erwähne das, weil der neue Andrew-Weir-Film von Phil Lord und Chris Miller es ähnlich anstellt.
In „Der Astronaut“ sorgen ein weitläufiges, dunkles, ungemütliches Set und grüblerische Videobotschaften für die nötige Weltuntergangsstimmung. Doch die so erzeugte Atmosphäre wird durch regelmäßige lustig gemeinte Einlagen wieder abgewürgt. Wohlgemerkt: nicht aufgelockert, sondern ruiniert.
Das gefühlt letzte Drittel des Films ist der Freundschaft des Astronauten Grace mit dem freundlichen, gesichtslosen Alien gewidmet, die sich zu einer rührseligen Buddy-Beziehung auswächst. Unendlich viel Zeit wird mit der Erklärung verplempert, wie die beiden lernen, zu kommunizieren. All diese Langatmigkeit vermittelt uns aber wiederum kein Gefühl dafür, wie viel Zeit tatsächlich vergeht. Wie schon der „Marsianer“ altert auch der „Astronaut“ nicht, was zu diesem Versäumnis beiträgt.
Ich bin sicher, die Amazon-Presseabteilung hat sich schon eine Reihe fusselbärtiger wissenschaftlicher Ausreden für derartige Einwände beiseitegelegt, aber was nützen mir die, wenn ich das Ergebnis im Kinosessel einfach nicht einleuchtend finde?

Und dann ist da noch Ryan Gosling. Er sitzt den Film ebenso mimikfrei aus wie er das fast immer tut. Als Lehrer ist er wahnsinnig knuffig. Den überforderten Auswechselspieler, der die komplizierte Raumschifftechnik in dieser überfrachteten Deko – siehe oben – allein in den Griff bekommt, nachdem die dafür zuständigen Fachleute umgekommen sind, glaube ich ihm noch weniger. Wie sehr die Macher des Films sich über die darstellerischen Grenzen ihres kostspieligen Stars im Klaren sind, lässt sich an Kleinigkeiten ablesen. Goslings Marotte, sich die Brille schepp unters Kinn zu hängen, ist ein krampfhafter Versuch, ihm irgendein persönliches Profil anzupimpen.
Sandra Hüller als großmütterlich-gestrenge Leiterin der Operation, die von der Erde aus die Daumen drückt, macht ihre Sache nicht schlecht. Doch die Marketing-Lorbeeren, die sie seit einigen Jahren wie eine Bugwelle vor sich herschiebt, lassen ihr Portrait etwas blass erscheinen. Vermutlich wird ihre Leistung, wenn man den Film in ein paar Jahren wiedersieht, ohne all den Bohei von „unserer Frau in Hollywood“ im Hinterkopf, mehr Freude machen. Unverändert bleiben wird aber auch dann der merkwürdige Eindruck, den ihre eigene Stimme in der deutschen Fassung macht. Zwischen den geölten Routinestimmen des übrigen Ensembles merkt man ihr den fehlenden Synchronalltag deutlich an – obwohl es längst nicht ihr erster derartiger Einsatz ist. Die Nachteile der heute üblichen Vorgehensweise, alle Stimmen getrennt aufzunehmen, wirken besonders verheerend in der Szene, als Hüller und Gosling sich auf dem Flugzeugträger vertraulich im Freien unterhalten. Sie stammeln völlig aneinander vorbei und tun das so gedämpft, dass sie einander an einem solchen Ort unmöglich akustisch verstehen könnten. Um nicht missverstanden zu werden: das ist keine besonders schlechte Synchronleistung, es ist einfach das, was wir üblicherweise in solchen Blockbuster-Produktionen erwarten dürfen.
Macht der Film auch etwas richtig? Die Rückblenden, die die allmähliche Verstrickung des leidenschaftlichen Lehrers Ryland Grace in das Unternehmen beschreiben, sind recht fesselnd erzählt, ebenso seine Vertraulichkeiten mit dem Gorilla, der ihn bewachen soll, und schließlich der Grund, warum er nach anfänglichem Zaudern doch ins All fliegt – den ich hier nicht spoilern will.

Lohnt das alles den langen Kinobesuch?
Manche Filme sind dazu da, leidenschaftslos gemocht und im Halbschlaf abgefeiert zu werden. Sowas muss es auch geben. Also wollen wir uns mit den Details trösten, mit denen man sich diese zweieinhalb Stunden schönreden kann. Es ist doch ganz süß, wie Gosling sich und sein Alien mit Rocky und Adrian vergleicht, dem Helden- und Liebespaar aus Stallones großem Boxerfilm, nicht wahr? Und es könnte doch spannend sein, sich später erklären zu lassen, warum der Held nicht altert, obwohl auch bei ihm im Raumschiff Jahre vergehen. Und außerdem ist Ryan Gosling doch als Ken so toll gewesen in diesem „Barbie“-Film … und in „La La Land“ …
Schon okay.

Aber eines lässt sich nicht krummbiegen: Die Rasse, die gerade ihren Planeten im Rekordtempo unbewohnbar macht – der Mensch persönlich -, wird in dieser Schmonzette doch allen Ernstes zu jener Gattung hochdekoriert, die nicht nur die Erde rettet, sondern gleich die gesamte Milchstraße. Das ist von einer Verlogenheit, die mir die eigene Brille von der Nase unters Kinn haut.

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Kultfilm Azubis: Strange New Worlds

montyarnold — Fri, 06 Mar 2026 08:54:44 +0000

Ronald M. Hahn, Mitautor des Buches „Kultfilme“, der literarischen Vorlage unserer ersten Staffel und damit dieses Podcasts, hat in einem kurzen Schriftwechsel angedeutet, es gäbe da einen recht neuen Film, der nach seiner Einschätzung das Zeug zum Kultfilm alter Definition gehabt hätte, wäre er nicht so spät herausgekommen – und gefloppt: „Valerian – Die Stadt der tausend Planeten“. Das ist für mich Grund genug, ihn heute in Augenschein zu nehmen. Ich tue das besonders gern, weil seine Vorlage, ein jugendfreier Comic für Erwachsene, für das Blockbuster–Kino sehr wichtig gewesen ist. Darüber spreche mit einem Fachmann für solche Synergien, der in diesem Podcast kein Unbekannter ist und mit dem ich schon einmal über „Valerian“ nachdachte, als wir bei Hella von Sinnen im Comic-Talk zusammensaßen: Volker Robrahn. Danach beschäftigt uns ein noch durchgeknallterer Film, der seine Ursprünge in der Welt des Kinderbuchs hat.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/valerian-die-stadt-der-tausend-planeten-the-5-000-fingers-of-dr-t

Valerian – Die Stadt der tausend Planeten / Valerian and the City of a Thousand Planets
Französisches Science-Fiction-Abenteuer von 2017

Im 28. Jahrhundert hat der junge Major Valerian Visionen vom Planeten Mül und erhält Signale von dort, obwohl diese paradiesische Welt längst untergegangen ist. Bald darauf werden er und seine Partnerin Laureline beauftragt, das letzte Exemplar einer Lebensform dieser Welt herbeizuschaffen, ein wundertätiges kleines Wesen. Es spielt auch in der diplomatischen Mission eine Rolle, auf die sie anschließend geschickt werden. Doch unmittelbar, bevor einen Fünf-Sterne-General eskortieren können, wird er entführt. Bei dem Versuch, ihn zu befreien, kommen Valerian und Laureline einer Verschwörung auf die Spur und werden in die angebliche Todeszone von Alpha verschlagen. Die entpuppt sich als geheime Schutzzone der Pearls, der Überlebenden von Mül.

Erst ein halbes Jahrhundert nach der Comic-Reihe „Valerian und Veronique“ kam Luc Bessons Verfilmung auf die Leinwand. Zu diesem Zeitpunkt hatten die berauschenden Bilder, Welten und Charaktere von Pierre Christin und Jean-Claude Mézières längst andere Filmemacher groß und reich gemacht. Als „teuerster europäischer Film aller Zeiten“ musste „Valerian“ beinahe zwangsläufig floppen. Zu einer Serie kam es nicht.

The 5,000 Fingers Of Dr. T
Amerikanisches Filmmusical von 1953, keine deutsche Fassung

Der kleine Bart wird von seiner ansonsten recht netten, alleinerziehenden Mutter zum Klavierunterricht gezwungen. So liefert sie ihn dem sadistischen Musikerzieher Dr. Terwilliker aus, der zwei Dinge aus tiefster Seele hasst: kleine Jungs und jedes andere Musikinstrument außer dem Klavier. Er bewirtschaftet ein Spukschloss, wo er eine gewaltige Tastatur aufgebaut hat. Hierhin entführt er Bart, um ihn mit 499 anderen armen Buben sein 5000-Finger-Konzert aufzuführen. Barts letzte Hoffnung ruht auf dem netten Schlossermeister Mr. Zabladowski, doch der will eigentlich nur seine Klempner-Arbeit machen …

Trotz eines berechtigten Musik-Oscars und seines berühmten Produzenten Stanley Kramer ist dieses amüsante Grusical nicht einmal Fachleuten mehr ein Begriff – immerhin einigen Künstlern. Jim Henson hat aus der Szene im Non-Piano-Players-Dungeon viel für seine „Muppet Show“ herausgeholt, der Stil von Terry Gilliam ist erkennbar inspiriert von diesem Original-Filmprojekt des in den USA bedeutenden Kinderbuch-Anarchisten Theodore Geisel alias Dr. Seuss. „Die Simpsons“ ehrten Dr. T., indem sie einen ihrer Bösewichte nach ihm benannten: Bob Terwilliker alias Tingeltangel-Bob. Der Soundtrack und die bemerkenswerten Songs stammen von der Kabarett-Legende Friedrich Hollaender, der bald darauf aus seinem Exil in die deutsche Heimat zurückkehrte.

Nächste Woche: Die Vögel und Spiegelbild im goldenen Auge

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Kultfilm-Azubis: Heilsbringer mit Lackschäden

montyarnold — Thu, 12 Feb 2026 23:30:58 +0000

Zwei Geschichten um Männer, die wider Willen in die Verlegenheit kommen, den Erlöser der Menschheit zu spielen, beschäftigen uns im heutigen Podcast. Wir reisen einmal zurück in die Zeit des Neuen Testaments und einmal – je nach Anschauung – in die gruselige Zukunft, die uns unmittelbar bevorsteht, oder in eine Dystopie von gestern:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/das-leben-des-brian-the-omega-man

A) Das Leben des Brian / Monty Python‘s Life Of Brian
Britische Bibelfilmparodie von 1979

Als die Heiligen drei Könige dem Stern von Bethlehem folgen, irren sie sich zunächst in der Adresse und legen ihre Gaben um ein Haar an der Krippe des Erdenbengels Brian nieder. Dieses Missgeschick ist prophetisch. Im Laufe seines Lebens wird Brian immer wieder für den Messias gehalten – so sehr er sich auch dagegen wehrt – denn alle sehnen sich wie verrückt nach einem Erlöser. Als Brian am Kreuz hängt, widerfährt ihm durch einen singenden Leidensgenossen tatsächlich die Erleuchtung: „Always Look On The Bright Side Of Life“.

Nach dem Erfolg des ersten Kinofilms der englischen Komikertruppe Monty Python – „Die Ritter der Kokosnuss“ – führte ein Witz auf einer Pressekonferenz zu dieser Bibelkomödie, die von Kritikern, Fans und Beteiligten heute als deren beste Filmarbeit betrachtet wird. Naturgemäß waren die Widerstände gegen dieses Werk, das sich unbesehen sehr leicht als blasphemisch missverstehen lässt, ebenso groß. Das Wunder geschah: die enorme Werbung, die die katholische Kirche ihm mit ihrer Kampagne eintrug, hat es letztlich gar nicht gebraucht.

B) Der Omega-Mann / The Omega Man
Amerikanischer Science-Fiction-Film von 1971

Im Jahre 1977 hat ein bakteriologischer Krieg die Welt entvölkert. In Los Angeles kämpft der Wissenschaftler Neville, der in letzter Sekunde ein selbstentwickeltes Heilmittel an sich ausprobierte, gegen die wenigen Überlebenden, eine fanatische Sekte lichtscheuer Seuchenkrüppel. Diese Albinos wollen die letzten Spuren der Zivilisation beseitigen – und ihren letzten Repräsentanten Neville, ihren „Leibhaftigen“. Richard Mathesons dystopische Erzählung „I Am Legend“ wurde später mit Will Smith noch ein drittes Mal verfilmt.

Im Leben wandelte sich der Schauspieler Charlton Heston vom Unterstützer des schwarzen Bürgerrechtlers Martin Luther King zum waffenstarrenden Redneck, auf der Leinwand von der Verkörperung biblischer und historischer Heldenfiguren zu einem der ersten großen Hollywoodstars, die sich für Science-Fiction-Filme hergaben, beflügelt vom Erfolg seiner Hauptrolle in „Planet der Affen“. „Der Omega-Mann“ überbrückt diese Rollenfächer, umweht von den letzten Schwaden der Flower-Power-Ära.

Nächste Woche: Romanze in moll und Zeiten des Aufruhrs

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Kultfilm Azubis: Die Leute vom Rummel

montyarnold — Fri, 30 Jan 2026 14:45:50 +0000

Die Welt des Rummels und der Schaustellerei beschäftigt uns in der heutigen Podcast-Folge, und hinter dem Vorhang warten tiefe Einblicke in die menschliche Seele und die Gesetze der Komik:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/freaks-funny-bones

A) Freaks
Amerikanisches Schauerdrama von 1932

Die Trapez-Artistin Cleopatra ist der Star eines Wanderzirkus. Fast noch größeres Publikumsinteresse erregen jedoch die „Freaks“ in der „Side-Show“: siamesische Zwillinge, kleinwüchsige oder von Geburt an entstellte Menschen. Einer aus ihrer Mitte, Hans, verliebt sich in die bildschöne Kollegin – und wird zu seiner Überraschung erhört. Doch Cleopatra heiratet ihn nur, um ihn umzubringen und seine Erbschaft einzusacken. Als man ihr auf die Schliche kommt, ist die Rache der Außenseiter grauenvoll.

Tod Browning, wichtiger Regisseur des Stummfilm-Horrors, brach mit den Gesetzen dieses Genres, in das der Film noch immer gern und falsch einsortiert wird. Vor der Kamera agieren reale Vertreter der damals noch existierenden anrüchigen Kuriositätenshows, während sich die thematisch verwandte 4. Staffel der Serie „American Horror Story“ mit Maskierungen behelfen musste.
MGM haderte mit der Vermarktung des humanen, aber bizarren Dramas. 30 Minuten wurden herausgeschnitten und weggeschmissen. Erst spät kam die Anerkennung für Brownings Film-Torso, noch später die deutsche Synchronfassung. Ausgerechnet der Krawallsender RTL gab sie 1992 in Auftrag – und begnügte sich mit einem lausigen Ergebnis.

B) Funny Bones – Tödliche Scherze
Britisch-amerikanische Komödie von 1995

Der junge Stand-Up-Comedian Tommy Fawkes scheitert in Las Vegas – auch weil ihm sein berühmter, wohlmeinender Vater George (Jerry Lewis in einer ernsten Rolle) die Schau stiehlt. George reist unter falschem Namen nach Blackpool, wo er die ersten sechs Jahre seines Lebens verbracht hat, und gibt sich als Konzertveranstalter aus. Er will die Varieté-Acts in dem heruntergekommenen Seebad studieren. Das Beste sieht er rein zufällig bei einem Theaterbesuch: den brillanten aber augenscheinlich minderbemittelten Komiker Jack Parker. Bald erfährt Tommy, dass ihn mit diesem ein übles Familiengeheimnis verbindet …

Regisseur Peter Chelsom hatte mit seinem ersten Film „Hear My Song“ großen Erfolg. „Funny Bones“ war diesem zu nah und ging auch deswegen unter, obwohl er seinem prätentiösen, unbehauenen Vorgänger in jeder Hinsicht überlegen und so etwas wie dessen wirklich geglückter zweiter Anlauf ist. Beide Filme sind heute vergessen, doch immerhin der Titel des zweiten hat sich fachlich eingebürgert. Der Begriff „Funny Bones“ bezeichnet das genuin komische Talent, das nicht auf gutes Material angewiesen ist.

Nächte Woche: die Kultfigur Hayao Miyazaki und seine Filme „Nausicaä aus dem Tal der Winde“ und „Das wandelnde Schloss“

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Kultfilm Azubis: Heute ist gestern

montyarnold — Fri, 23 Jan 2026 10:15:35 +0000

Heimlich, still und leise haben wir die Schallmauer zu unserer 100. Folge durchbrochen. Allen, die uns zuhören: vielen Dank! Wer Lust hat, eine kleine Umfrage zu unserem Podcast mitzumachen, findet diese in der Beschreibung.
Im heutigen Podcast geht es zweimal um Science-Fiction, und das ist ja bekanntlich ein Genre, das vor allem von der Gegenwart, von der Realität handelt:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/zurueck-in-die-zukunft-star-trek-vi-das-unentdeckte-land

A) Zurück in die Zukunft / Back To The Future
Amerikanische Sci-Fi-Komödie von 1985

Der kauzige Erfinder Doc Brown hat einen DeLorean-Wagen zur Zeitmaschine umgebaut. Als er diese seinem Freund, dem Vorstadt-Teenager Marty McFly, auf dem nächtlichen Rathausmarkt vorführt, wird er von den Terroristen erschossen, denen er den nötigen Treibstoff – das Plutonium – geklaut hat. Marty flieht mit dem Wagen und landet in der einprogrammierten Zeit: im 30 Jahre zurückliegenden 1955. Um seine Rückreise zu organisieren, sucht Marty den jungen Doc Brown im Ort auf. Der erklärt ihm, nur ein Blitzschlag böte genug Energie für dieses Unternehmen. Doch Marty hat noch ganz andere Sorgen: seine Mutter – ein süßer Teenager – verliebt sich in ihn und droht seinen späteren Vater zu verschmähen. Das würde Martys Existenz nachträglich auslöschen …
Mühelos trägt uns diese federleichte Klamotte über alle Paradoxien des Zeitreise-Sujets hinweg, was nicht zuletzt an den sympathischen Hauptfiguren liegt, die fortan an ihren Darstellern klebten: der ewige Teenager Michael J. Fox und der liebenswerteste Irre, der sich denken lässt: Christopher Lloyd. Eigentlich eine Teenie-Komödie, absorbierte „Back To The Future“ alle Zielgruppen in Reichweite und überzeugte auch folgende Generationen. Die Gewitternacht an der Rathaus-Uhr wurde zu einer der ikonischen Filmszenen schlechthin. Auch die beiden Fortsetzungen sind sehenswert.

B) Star Trek VI: Das unentdeckte Land / Star Trek VI: The Undiscovered Country
Amerikanischer Science-Fiction Film von 1992

Die Explosion des Mondes Praxis vernichtet die Energieversorgung der Klingonen. Anstatt seine alten Erzfeinde ihrem kläglichen Ende zu überlassen, muss ausgerechnet der pensionsreife Captain Kirk mit seiner Enterprise der klingonischen Delegation unter Kanzler Gorkon und General Chang das diplomatische Geleit geben. Als Gorkon nach einem gemeinsamen Bankett an Bord der Enterprise von Attentätern getötet wird, werden Kirk und Bordarzt Dr. McCoy in einem Schauprozess zu lebenslanger Lagerhaft auf einem vereisten Straf-Asteroiden verurteilt. Mr. Spock muss nun seine Freunde befreien und die wirklichen Mörder finden. Die Zeit ist knapp, denn die die Verschwörer planen bereits das nächste Attentat …

Die geraden Nummern der Enterprise-Filme mit Captain Kirk & Co sind dufte, die ungeraden sind Gurken, lautet eine alte Weisheit der frühen Nerd-Kultur. In dieser kurzen Glanzliste wird „Star Trek VI“ zuletzt genannt, obwohl die humorvolle, aber niemals alberne Zeichnung der beliebten Charaktere, die Selbstironie der Inszenierung und die Balance, die diese mit den dramatischen Elementen hält, niemals sonst so gut gelungen sind. Die erste Generation des Star-Trek-Universums nimmt mit diesem Film ihren Abschied – spätere Gastauftritte nicht ausgeschlossen.

Nächste Woche: Freaks und Funny Bones

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