Rocky
Amerikanisches Sozialdrama von 1976

Rocky Balboa, armer Sohn italienischer Einwanderer, schlägt sich in Philadelphia als Schuldeneintreiber durch und betätigt sich als Boxer. Dass er sein Training ohne rechte Ambition betreibt, erregt den Unmut seines alten Trainers Mickey, der in ihm ein Talent erblickt. Auch Rockys Annäherungsversuche an die Zoohändlerin Adrian kommen nicht recht vom Fleck. Doch dann wählt ihn der Schwergewichtsweltmeister Apollo Creed als Gegner für einen Showkampf Kampf aus, und es wird alles anders …

Was diesen Film, der mehr ein Liebesfilm als ein Sportfilm ist, so besonders macht, ist, dass er auch den Aufstieg seines Autors und Hauptdarstellers Sylvester Stallone zum Hollywood-Star miterzählt. Das 900.000-Dollar-Projekt hat längst die Schallmauer von einer Milliarde Dollar Einnahmen durchbrochen, zog 10 Oscar-Nominierungen bei drei Auszeichnungen und 8 weitere Filme nach sich. Dass Stallone mit „Rambo“ noch einen weiteren Kult-Charakter erschuf, vermochte Rockys Beliebtheit nicht zu schmälern.   

Während Stallone seinen Rocky schon beim ersten Auftritt zum Star aufsteigen ließ, blieb ein anderer großer Underdog des Kinos bis zuletzt ein armes Kerlchen – wenn er es in 25 Jahren auf der Leinwand auch immerhin vom Landstreicher zum Stadtstreicher und schließlich sogar zum Friseur brachte. In unserem heutigen Geheimtipp ist in seinem Leben noch einmal alles beim Alten. 

Der Zirkus / The Circus
Amerikanische Stummfilmkomödie von 1927

Als der Landstreicher Charlie auf der Flucht vor der Polizei eine Zirkusvorstellung stört, rettet er so die bis dahin müde Show. Der Zirkusdirektor engagiert ihn, ohne ihm den wahren Wert seiner Leistung zu verraten und lässt ihn niedere Arbeiten verrichten. Charlie willigt ein, weil er sich insgeheim nach einer Gemeinschaft sehnt und auch, weil er sich in die Tochter des Direktors verliebt hat. Wie sich jedoch zeigt, sind beide Wünsche schwerer zu erfüllen als erhofft.

Dieser Film zeigt uns Chaplins unsterblichen Tramp ein letztes Mal in seiner Urform, ehe das Heraufdämmern des Tonfilms diese Figur verändern und schließlich verschwinden lassen sollte. Wie der unterschätzte Tonfilm „Monsieur Verdoux“ gilt auch „The Circus“ als Nebenwerk im Klassiker-Kanon des großen Selbstdarstellers und Filmemachers Charles Chaplin.

Nächste Woche: Ronald M. Hahn, Mitautor des Buches „Kultfilme“, der literarischen Vorlage unserer ersten Staffel und damit unseres Podcasts, hat in einem kurzen Schriftwechsel angedeutet, es gäbe da einen Film der letzten Jahre, der nach seiner Einschätzung ein Kultfilm gewesen wäre – wenn wir nicht längst in ganz anderen Zeiten leben würden: „Valerian – Die Stadt der tausend Planeten“. Grund genug, diesen Film in Augenschein zu nehmen. Ich spreche mit Volker Robrahn auch darüber, wie wichtig dieser Comic für das Blockbuster–Kino generell gewesen ist.

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betr.: 99. Jahrestag der Gründung der Filmproduktionsgesellschaft United Artists als Vertrieb für unabhängige Filmproduktionen durch Charles Chaplin und Kollegen

1901: Eine Gruppe alter Clowns spricht über das Aufkommen des Films und tröstet sich damit, dass es sich um eine vorübergehende Erscheinung handele.

(nach einem Szenario von Charles Chaplin)

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Heute ist es fast unausweichlich, dass ein Schauspieler, der hin und wieder singt und dabei Talent beweist, auch eine Platte macht. In den seligen Zeiten, als die unterschiedlichen Sparten unserer Popkultur noch nebeneinander herliefen, konnte das unter den Tisch fallen. Selbst Marlene Dietrich, die von Anfang an in ihren Filmen (wenn auch ein wenig schief) gesungen hatte, kam erst spät und aus finanzieller Not auf die Idee, auch noch Konzerte zu geben.
Der wundervollste Tonträger, den es niemals geben wird, ist unzweifelhaft das „Oliver Hardy Songbook“.
Der mollige Komiker, den wir uns kaum ohne seinen Partner Stan Laurel vorstellen können, war eine Art Universal-Entertainer. Zunächst hatte er in einem Kino die noch stummen Werbefilme live besungen – und dann im Hauptprogramm Dinge gesehen, von denen er glaubte, sie eigentlich auch zu können.
In den Jahren vor der Partnerschaft mit Laurel spielte er alles, was gerade gebraucht wurde, auch Frauen (nicht etwa Transvestiten) oder – seiner Körperfülle entsprechend – bedrohliche unrasierte Finsterlinge.
Nachdem er und sein Partner die Hürde zum Tonfilm quasi nebenbei genommen hatten, sang Hardy hin wieder und offenbarte einen hinreißenden weichen Bariton. Die Eleganz dieser Vorträge bildete einen Gegenpol zu den Handfestigkeiten, denen die Herren im weiteren Verlauf der Handlung regelmäßig ausgesetzt waren. Als Stan Laurel ihn einmal als Duettpartner unterstützt, ist es dieser, der aus der gefühlvollen Ballade einen Novelty-Act macht, während Hardy seine Andacht bewahrt.

Eine Überraschung erlebte ich, als ich den Kurzfilm „Towed In A Hole“ zu ersten Mal im Original sah. Zu Beginn werben Stan und Ollie für ihre frischen Fische. Stan bläst in eine Tröte und Ollie proklamiert seine Botschaft. Im Originalton singt er einen kleinen Reklameblues, der in der deutschen Fassung (mit der ich ansonsten überglücklich bin) leider wegfällt.

Dass niemand auf die Idee gekommen ist, mit Oliver Hardy ein Album zu produzieren – mit Songs aus seinen Filmen, mit Vaudeville-Schlagern oder Ähnlichem, ist tragisch. Dass wir nie „Oliver Hardy sings Hoagy Carmichael“ hören werden oder „Way Down in Dixie – Ollie’s Sweetest Songs from The South“, ist ein schreckliches Versäumnis.

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Heute vor 87 Jahren hatte „The Jazz Singer“ in New York Premiere, und die Stummfilmzeit war vorbei.

Wie konnte das passieren?
Die Warner Brothers steckten in finanziellen Schwierigkeiten und beschlossen, alles auf eine Karte zu setzen. Sie wollten einen Film produzieren, der über ein synchron mitlaufendes Tonsystem verfügte. Entsprechende Experimente wurden seit Jahren durchgeführt, aber Hollywood war an der Abschaffung des Stummfilms im Grunde nicht sonderlich interessiert. Das Publikum akzeptierte den Status quo, und Filme konnten für den Weltmarkt produziert werden, ohne sich um Sprachunterschiede kümmern zu müssen. Die Schauspieler waren damit natürlich auch einverstanden. Außerdem waren die Produktionsbedingen vergleichsweise einfach: die Kamera war beweglich, die Regieanweisungen konnten jederzeit dazwischengerufen werden – es war paradiesisch!
Insofern war das geplante Projekt der Brüder riskant – aber würde das Publikum darauf anspringen, könnte sich niemand mehr erlauben, ihm einen Stummfilm vorzusetzen. Das wäre die Rettung für die klammen Warners, denn ihr Studio allein wäre dann für diese technische Innovation gerüstet, ihre Kinos die einzigen, die solche Filme überhaupt aufführen könnten. Die Konkurrenz geriete ins Hintertreffen.

Diese Geschichte ist aus heutiger Sicht nicht sonderlich spannend, denn erstens wissen wir ja, wie sie ausging, und zweitens sollte man meinen, die Kinogänger hätten sich ohnehin nicht anders entscheiden können. Doch es wäre um ein Haar ins Auge gegangen.
„The Jazz Singer“ – die aus dem Leben gegriffene Geschichte eines jüdischen Kantors, der am Broadway Karriere macht – ist nämlich inhaltlich weitgehend ein Stummfilm wie gehabt: die Dialoge sind nur auf Zwischentiteln zu lesen, eine durchgehende instrumentale Musikspur untermalt das Geschehen. Lediglich die Musiknummern sind synchronisiert. Das Premierenpublikum soll darauf eher gelassen reagiert haben. Hauptdarsteller Al Jolson rettete die Situation. Zwischen zwei Gesangsnummern improvisierte er eine kurze Anmoderation, die heute Legende ist: „Wait a minute, you ain’t heard nothing yet …“. Hatte der Saal die Chorgesänge der jüdischen Gemeinde noch nicht als technische Innovation bewertet, auch nicht den Sologesang Jolsons, so war der kurze ungeplante Anblick eines sprechenden Menschen auf der Leinwand wirklich ein starkes Stück. Eine leichte Unruhe brach aus – endlich! Das war ein gutes Zeichen. Der Rest des Films soll blendend angekommen sein – und angeblich hatten nicht wenige den Wunsch, diesen 20sekündigen Beginn einer neuen Ära gleich noch mal zu erleben.

Nun hatten sie alle miteinander den Salat: die zuletzt sehr eleganten und ambitionierten stummen Filme wurden durch die Schwierigkeiten der hinzukommenden Tonaufnahmen behindert und künstlerisch zurückgeworfen. Viele Karrieren zerbrachen, denn das Volk mochte mitunter die Stimme eines Filmstars nicht oder konnte sich schlichtweg nicht daran gewöhnen ihn oder sie auch zu hören. Hinzu kam, dass viele der Schauspieler eher Pantomimen waren, einen ausländischen Akzent, einen Sprachfehler oder schlichtweg eine Fistelstimme hatten.
Es endete der Starruhm für melodramatische Göttinnen wie Gloria Swanson – die das nachher in dem Klassiker „Sunset Boulevard“ aufarbeiten konnte – für Komiker wie den poetisch-handfesten Buster Keaton – der immerhin seine späte Wiederentdeckung noch erleben durfte – für Regisseure wie den gigantomanischen Erich von Stroheim – der ins Schauspielerfach wechselte. Charlie Chaplin, der erste Weltstar des Kinos, brauchte über zehn Jahre, bis er es über sich brachte, einen richtigen Sprechfilm vorzulegen (- „He Talks!“ lautete der Werbeslogan). Und nur er hatte sich überhaupt erlauben können, nach 1928 noch zwei Stummfilme zu produzieren. Wirklich ohne die geringsten Probleme überstanden nur Laurel & Hardy den Umbruch.

Die Mühen dieser Übergangszeit wurden 1951 in dem Musical „Singin‘ In The Rain“ verarbeitet, das Kennern als die Spitzenleistung des Filmmusical-Genres gilt – und als eine der besten Komödien der 50er Jahre. Der Film ist historisch sauber, bis auf ein Detail: das nachträgliche Synchronisieren einer schrillstimmigen Diva war technisch noch nicht möglich.

Für die Zuschauer ist der 6. Oktober ein Feiertag. Nie wieder hat sich eine saturierte Unterhaltungsindustrie derartig überschlagen, um ihren Fans einen lange überfälligen Komfort zu verschaffen.

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