Monty Arnold, Volker Robrahn und Ronny Fanta besprechen, wie sie den Film erlebt haben:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/the-odyssee

The Odyssee
von Christopher Nolan

Mit Homers „Odyssee“ beginnt die Literaturgeschichte, und auch sonst zeigte sich Regisseur Christopher Nolan von der eigenen Courage angemessen eingeschüchtert: „Wer sich an die ‚Odyssee‘ wagt, übernimmt die Hoffnungen und Träume der Menschen auf epische Filme überall auf der Welt. Das Publikum erwartet von einem Film mit einer beliebten Geschichte und beliebten Figuren starke und aufrichtige Interpretationen.“ Nolan selbst ist mit den Ray-Harryhausen-Trickspektakeln aufgewachsen, vermisst jedoch bis heute eine ernsthafte Aufbereitung der Reise des Odysseus über das antike Mittelmeer, die ihn nach einem zehnjährigen Krieg weitere zehn Jahre von seiner treulich wartenden Gattin Penelope fernhielt: die Begegnungen mit Polyphem, den Lästrygonen, Circe und Athene, den Sirenen, Skylla und Charybdis und all den anderen Unbillen. Ralph Fiennes hat schon eine seriöse Interpretation vorgelegt, doch „The Return“ beschrieb eben nur die titelgebende Heimkehr – und somit gerade mal das Finale dessen, was uns Christopher Nolan mit Matt Damon, Ann Hathaway, Robert Pattinson und Tom Holland nun in knapp drei Stunden zu erzählen hat.

______
Abbildung: „Unterwegs mit Odysseus“ – https://www.amazon.de/Unterwegs-mit-Odysseus-komplette-Serie/dp/B00GIXI0PK

Der Beitrag The Odyssee – Die Filmkritik erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

In der dritten Staffel unseres Podcasts sprechen wir künftig in loser Folge über Künstlerpersönlichkeiten, Kunstfiguren oder Kulturphänomene, die die Bezeichnung KULTFIGUREN verdient haben.
Die 2. Staffel mit den KULTFILM AZUBIS geht indessen weiter.

Hayao Miyazaki und das Ghibli-Studio
Gast: Franzi Blass

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/hayao-miyazaki-und-das-ghibli-studio

Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki wird von gern wahlweise als Kurosawa des Trickfilms oder als japanischer Disney betrachtet. Für „Toy Story“-Erfinder John Lasseter ist er der größte lebende Zeichentrickkünstler überhaupt, für die „Zeit“ „nicht nur der Kaiser, sondern auch der Narr, der voller Schalk auf den Kaiser blickt“.
Miyazaki und sein Ghibli-Filmstudio verzaubern die Erwachsenen mit abgründigen, jugendlichen Helden – meistens Mädchen – und die Kinder damit, dass er sie als Publikum ernst nimmt. Beiden mutet er Botschaften wie diese zu: „Die Menschen sind hässlich, aber das Leben ist schön.“
Seine märchenhaften Filme bewahren und interpretieren die alte Kultur Japans, das sich einst im Rekordtempo industrialisierte und ebendiese Kultur abschaffte und zerstörte.
Miyazaki hält Computerspiele für ein frustförderndes Medium und erlaubt deshalb keine Games mit seinen Figuren. Er sagt: „Kinder sollten so viel freie Zeit wie möglich damit zubringen, ihre reale Umwelt zu erkunden. Sie sollten also auch nicht zu viel ins Kino gehen. Wenn sie sich einen oder zwei meiner Filme anschauen, reicht das schon.“

Diese beiden Filme werden näher in Augenschein genommen:

Nausicaä aus dem Tal der Winde/ Kaze no Tani no Naushika
Dystopischer Anime von 1984

Nach einem verheerenden Krieg breitet sich das „Meer der Fäulnis“ über die Welt aus, ein giftiger Pilzwald. Nur im Tal der Winde können Menschen noch ohne Schutzmaske existieren.  Prinzessin Nausicaä sieht ihre Heimat bedroht durch die Machtkämpfe kriegerischer Stämme, der Torumekia und der Pejite, die mit ihren fliegenden Kampfschiffen den Krieg auch in das grünte Tal tragen.  Sie hat das Geheimnis des Pilzwaldes ergründet und begibt sich auf eine wichtige Mission, um ihr Volk zu retten …

Dieser Film brachte den Erfolg, der die Gründung des Studios Ghibli ermöglichte.

Das wandelnde Schloss / Hauru no Ugoku Shiro
Anime von 2004

Sophie – ein Mauerblümchen, das mit Freizeit nichts anzufangen weiß – arbeitet als Hutmacherin im Geschäft ihres verstorbenen Vaters. Ihre flüchtige Begegnung mit dem Zauberer Hauro verändert ihr Leben auf vielfache Weise: sie verliebt sich in ihn und erregt damit die Eifersucht einer Hexe, die sie daraufhin mit einem Fluch belegt: Sophie steckt jetzt im Körper einer 90jährigen. Aus Scham über ihren Zustand flieht sie aus dem Ort und schlüpft im wandelnden Schloss des jungen Zauberers unter. Von ihm unerkannt verdingt sie sich dort als Putzfrau.
Als der Krieg ausbricht, gerät ihr Leben abermals aus den Fugen …

Nächste Woche: Das Leben des Brian und Der Omega Mann

Der Beitrag Kultfiguren: Hayao Miyazaki und das Ghibli-Studio erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Hexen-Lehrmädchen Kiki verlässt mit dreizehn Jahren ihre Familie, um in einer fremden Stadt ihre magischen Kräfte zu vervollkommnen, so wie es die Tradition vorsieht. Zusammen mit ihrem schwarzen Kater Jiji gelangt sie in eine Stadt am Meer, wo sie eine Bleibe und gute Freunde in einer Bäckerei findet. Und einen Job: einen Backwaren-Lieferservice, für den sie ihre Flugfähigkeit nutzen kann. Der linkische Tombo, der an der Entwicklung eines fliegenden Fahrrades arbeitet, macht keinen großen Eindruck auf sie. Sein Versuch, sie auf eine Party mitzunehmen, um sie mit Gleichaltrigen in Kontakt zu bringen, scheitert an einem schwierigen Auftrag bei Unwetter. Ausgerechnel, als Kikis Magie buchstäblich lebenswichtig ist, droht sie ihr verloren zu gehen. Das Mädchen erlebt die erste große Krise seiner Pubertät …

„Kikis kleiner Lieferservice“ ist verblüffend. Er bringt etwas fertig, was eigentlich nicht funktionieren kann: zärtlichen Slapstick. Ohne einen Schurken oder persönlichen Gegenspieler verschafft er seiner Heldin eine maximale Herausforderung. Ohne dass eine Apokalypse oder der Sieg einer finsteren Macht droht, kommt eine Spannung auf, die noch in der Bildfolge des Abspanns nachklingt. Das Finale mit dem trudelnden Zeppelin mag etwas reißerisch sein (er kommt in den zugrundeliegenden Kinderbüchern nicht vor), doch wirkliche Gefahr droht nur einer Person: Tombo, dessen Rettung der Heldin alles abverlangt. Letztlich ist dieses Husarenstück ohnehin vor allem wegen der Verbindung zwischen Kiki und Tombo interessant (zumindest werden wir eingeladen, es so zu sehen).

Zu Beginn müssen wir uns nur auf eine Besonderheit einlassen: Hexen sind nett haben einen guten Ruf – wenn sie überhaupt jemand zur Kenntnis nimmt. Der kleinen Kiki schlägt in der Fremde vor allem Hilfsbereitschaft entgegen, die Menschen sind freundlich, höchstens mal etwas muffelig. Wie Miyazaki es schafft, diesen kindgerechten Plot zu einer klugen, humorvollen Parabel zu machen, die ohne billigen pädagogischen Effekt auskommt, hat mehr Magie als der Auszubildenden des Hexenberufs selbst zu Gebote steht.
Die vorbehaltlose Art, mit der die Bürger der Hafenstadt Kikis seltsamem Berufsbild begegnen, erinnert an die tschechischen Märchenfilme und -serien, die ihre große Zeit in den 70er Jahren hatten. (Wir reduzieren dieses Repertoire heute auf „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“, den schönsten, wenn auch nicht besten Beitrag.) Auch zum Thema „Hexenmädchen findet sich selbst“ gibt es hier ein Programm: „Das Mädchen auf dem Besenstiel“ (1972), bei dem uns damals vorgeführt wurde, wie gefährlich es sein kann, übermenschliche Fähigkeiten zu besitzen bzw. zu erwerben (Strafe: 300 Jahre Nachsitzen). „Kikis kleiner Lieferservice“ ist frei davon, doch mit dem Grusel geht auch die Zauberei weitgehend flöten: sogar die Verwandlung ihrer finsteren Kammer in ein gemütliches Zuhause ist für Kiki Handarbeit (da hilft keine Hexerei). Kiki hat nicht einmal drei Haselnüsse zur Verfügung.

Der Beitrag Die schönsten Filme, die ich kenne (126): Kikis kleiner Lieferservice erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

In der aktuellen Folge unseres Podcasts sprechen wir über zwei Filme, in denen Halbwüchsige sich mit sehr mächtigen Androiden anfreunden.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/terminator-2-der-gigant-aus-dem-all

A) Terminator 2 – Tag der Abrechnung / Terminator 2 – Judgement Day
Amerikanischer Science-Fiction- und Actionfilm von 1991

Intelligente Maschinen haben sich mit der Menschheit einen Atomkrieg geliefert und die Macht übernommen. In rauchenden Ruinen leisten die Rebellen um John Connor letzten Widerstand. Um diesen charismatischen Anführer auszuschalten, wird der Flüssigkristall-Droide T-1000 – ein Gestaltwandler – aus dem Jahr 2029 in das Los Angeles unserer Gegenwart, die frühen 90er, gesandt. Er soll Connor schon im Kindesalter ausschalten. Das umgepolte Auslaufmodell T-800 wird hinterhergeschickt, um ihm beizustehen.
In den Kampf wird auch Johns Mutter Sarah verwickelt, die sich seit Teil 1 zu einer Elitekämpferin entwickelt hat, nun aber in der Klapsmühle sitzt weil sie zu eindringlich vor dem Krieg der Maschinen gewarnt hat … 

Terminator 2 bricht mit mehreren Naturgesetzen des kommerziellen Kinos: als einziger Actionfilm begeisterte er Mainstream und Kulturkritik gleichermaßen. Er bestand den Test Of Time besser als der Rest des Genres und ist einer der seltenen zweiten Teile, die noch besser sind als ihr Vorgänger. Der selbstironische Bodybuilder Arnold Schwarzenegger wurde damit zu einem der versiertesten Schauspieler des Unterhaltungskinos.

B) Der Gigant aus dem All / The Iron Giant
Amerikanischer Science-Fiction-Animationsfilm von 1999

1957 befinden sich die USA im Kalten Krieg. Dessen Nebenschauplatz ist der Wettlauf ins All, bei dem die Sowjets durch ihren Satelliten Sputnik gerade die Nase vorn haben.
Im neuenglischen Hafenstädtchen Rockwell wünscht sich der kleine Hogarth ein Haustier, was seine Mutter ihm ausschlägt. Dieser Wunsch erfüllt sich im Übermaß, als Hogarth einen 15 Meter hohen Kampf-Droiden aus dem Weltraum – er sieht wirklich zum Fürchten aus – dabei erwischt, wie er im Wald das örtliche Elektrizitätswerk anknabbert. Nachdem er den Riesen vor einem gewaltigen Stromschlag gerettet hat, will er ihn auch behalten. Nun muss er ihn nicht nur vor seiner Mutter und den anderen Erwachsenen verstecken, sondern auch vor einem Regierungsbeamten, der eine russische Geheimwaffe in der ländlichen Idylle vermutet. Der nette Schrotthändler und Schrott-Künstler Dean ist der einzige, den Hogarth ins Vertrauen zieht. Doch auch er kann den erbarmungslosen Lauf der Dinge nicht aufhalten …

Diese märchenhafte Parabel ist besinnlich, ohne uns belehren zu wollen, rührend, ohne gleich rührselig zu werden, und ein Grund, den Umstand zu bedauern, dass Animationsfilme nicht länger Zeichentrickfilme sind.

Der Beitrag Kultfilm Azubis (5): Junge und Apparat erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Cartoonist Tomas Bunk und der Cartoon-Charakter Spongebob Schwammkopf sind – unabhängig voneinander – die beiden treusten Statthalter der Kunst Basil Wolvertons auf Erden. Bunk hat von all den großen Underground-Zeichnern der USA gelernt, aber Wolvertons Spaghetti–And–Meatball-Stil hat seinen Strich besonders geprägt. Und Spongebob Schwammkopf, eine Schöpfung des Meeresbiologen Stephen Hillenburg, hält ihn gewissermaßen auf der großen Bühne der Popkultur lebendig. Nicht nur Spongebobs Gesicht, auch der ganze diese Serie auszeichnende physiognomische Deformationshumor trägt Wolvertons Handschrift und bildet gewissermaßen das Gegenstück zum physischen Deformationshumor von „Tom & Jerry“ & Co. Die Zeichentrickserie „The Simpsons“ hat alle einschlägigen Rekorde gebrochen, und auch „Spongebob SquarePants“ existiert inzwischen ein gutes Vierteljahrhundert.
So verschieden diese beiden Formate sind, so haben sie doch ein gemeinsames Thema: die menschliche Torheit und ihre schrecklichen Folgen.

Während „The Simpsons“ ein hochdifferenziertes Panaromabild der westlichen Zivilisation zeichnen und sich detailliert jeder Entgleisung, jeder Verkommenheit und jeder zeitgenössischen Verirrung darin widmen, ist der Humor von „Spongebob“ existenzialistisch geblieben und bricht seine Kritik auf das Wesentliche herunter. Die Simpsons arbeiten mit einem immer weiter ausdifferenzierten Universum, das von einem weiter und weiter anwachsenden Figurenensemble bevölkert wird. Das Spongebob-Ensemble kreist nach wie vor hauptsächlich um das zentrale Trio Spongebob, Thaddäus und Mr. Krabs – mit Patrick als nächstem Angehörigen. Der Seestern Patrick ist dramaturgisch bereits der erste „supporting character“, wie es die angelsächsische Sprachregelung so schön ausdrückt – wenn auch sein Status als Spongebobs bester Freund und häufiger Duo-Partner auf den ersten Blick einen anderen Eindruck vermittelt. In der Regel ziehen die beiden an einem Strang, und die Konfliktlinien verlaufen nicht in ihrer Mitte, sondern trennen sie von Thaddäus, Spongebobs dauergenervtem Nachbarn / Kollegen, und Mr. Krabs, seinem ausbeuterischen Vorgesetzten.
Die Satire der Simpsons ist filigran und muss sich immer weiter ausdifferenzieren, um ihre wachsende Masse an Anspielungen zu bewältigen, die zunehmend auf das eigene Werk bezugnehmen. Das macht sie ironischerweise zum Opfer eines Expansionsdrangs, einer Diktatur des Wachstums und damit dem Gegenstand ihrer Kritik ähnlich.
Spongebob hat das Kunststück fertiggebracht, mindestens etwas mehr als zehn Jahre lang wesentlich und ökonomisch zu bleiben (wenn auch hier freilich Schauplätze und Nebenfiguren hinzugekommen sind). Im Bewahren dieser Verdichtung (wie sie zu Beginn auch den Simpsons zueigen war) liegt eine besondere Leistung und ein Rekord, der von niemandem als solcher dokumentiert werden kann.
Das Konzept dahinter ist nicht die sophistizierte Sozialkritik – wie bei den Simpsons – es ist der reine Nonsens. Das ist eine großartige Sache und gehört zum Schwersten, was die Humorarbeit an Aufgaben bereithält.

Auch Tomas Bunk ist ein Meister des Nonsens.

Der Beitrag Sittengemälde im Vergleich erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Sehen wir uns ein anderes Beispiel an, das mit den Besonderheiten dieser kleinen Form umgeht.
1984 inszenierte Michael Schaack (der im Jahr darauf in Hamburg die „Trickompany“ gründen sollte) einen parodistischen Krimi, der eine ähnliche Länge aufweist, nach den Comics und Cartoons von Don Martin. Der Zeichentrickfilm entstand für die WDR-Kindersendung „Spaß am Dienstag“ und fehlt sowohl im IMDb-Verzeichnis von Michael Schaack als auch in dem von Don Martin. Er trägt den Titel „Don Martin Does It Again“.
Auch hier wird der Krimi als Genre persifliert (mit einem Schwerpunkt auf dem Film noir), auch hier geschieht dies mit den Mitteln und Absichten des Slapstick. Der Film hat eine Länge von 15 Minuten, von denen allerdings einige auf die vielen inhaltlich bezugslosen Gags entfallen, die als Werbeeinblendungen gestaltet sind.
Der harte Privatschnüffler Fester Bester (ein wiederkehrender Don-Martin-Charakter) bekommt Besuch von einer aufregenden Blondine, die ihn vorgeblich um die Aufklärung des Mordes an ihrem Gatten bittet. Wie sich herausstellt, benutzt sie den Detektiv nur, um zu einem Mittäter geführt zu werden, den sie ebenfalls beseitigen will. Es kommt zu einer irren Schießerei in einer Lagerhalle, in die außerdem ein Gorilla und mehrere Polizisten verwickelt sind und die Bester als einziger überlebt. Da er das niemandem schlüssig erklären kann, wird er eingebuchtet.

Wie gut ist dieser Film gelungen? Sein Look schafft einen recht beeindruckenden Spagat: er fängt einerseits den Stil von Don Martin ein und schafft gleichzeitig eine stilechte Noir-Atmosphäre mit ausgefeilten Hintergründen, wie sie in keinem Don Martin-Comic auch nur angestrebt werden.
Die Gags gefallen sich als besonders vertrottelte Kalauer (absichtlicher Trash), und auch die Besetzung aus beliebten Synchronsprechern agiert auffallend lustlos.
Als Einzelstück hat der Film einigen Charme und trägt den Cartoon-Fan gut durch seine kurze Lauflänge. Sollte er als Pilot für eine Serie gedacht gewesen sein – dafür spricht z.B. die Einbeziehung des gefeierten „MAD“-Künstlers Don Martin, der hier ins animierte Serienformat gefunden hätte, und die Tatsache, dass bei „Spaß am Dienstag“ mit Vorliebe Serien liefen, z.B. Schaacks „Der kleene Punker“ – sind die Macher nicht sehr planvoll vorgegangen. Die Handlung besteht ausschließlich aus Klischees, die schon vor 32 Jahren sattsam ausgemolken waren – erst 1981 war der Hollywoodfilm „Dead Men Don’t Wear Plaid“ herausgekommen. Auf diesem Gebiet ist nichts mehr übrig, und ein anderes wird nicht ansatzweise erschlossen. (Der vage Titel „Don Martin Does It Again“, der eher wie ein Arbeitstitel klingt, könnte ein Hinweis darauf sein, dass in der Folge an weitere Genreparodien gedacht wurde. In diesem Falle wäre die Reihe aber nach wenigen Folgen zuende gewesen.)

Ein Pilot sollte eine eigene (frische) Geschichte erzählen, auch wenn er sie in eine Persiflage einbettet, sonst geht ihm – wie im vorliegenden Falle – schon beim Debüt der Saft aus. Don Martin hat diese Regel in seinen Comics durchaus beherzigt. Sein Superhelden-Spoof „Käpt’n Hirni“ gönnt sich in jeder Episode ein spezielles Umfeld – das Theatermilieu etwa, die Welt der Geheimdienste oder schlicht eine für Don Martin typische Verlierer-Story. Das ist blanker Unsinn – und es funktioniert.

Dieser Text ist ein Auszug aus dem Essay „Humor Omnia Vincit“

Der Beitrag Die allerkleinste Form – Arbeit am Radiokrimi „Hummel, Hummel – Mord, Mord“ (4) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..