Tabak-Reklame von 1984

Wie man hin und wieder liest, kam Humphrey DeForest Bogart am 23. Januar 1899 zur Welt, ein Datum, dass von der Pressestelle seines Studios auf jenen Weihnachtsabend des selben Jahres umdatiert wurde, der heute in der Wikipedia steht. In der Nacht zum 31. Januar 1957 starb Bogart nach einem neunmonatigen Kampf gegen den Krebs. Zwei Jahre später drehte Jean-Luc Godard „Außer Atem“ – auch der inzwischen Kult und der erste von vielen Filmen, der Bogart als historische Figur zelebrieren.
Als Humphrey Bogart und Lauren Bacall heirateten, war er 45 und sie 18. Zur allgemeinen Überraschung war die Ehe glücklich und hielt.
Wenig erfolgreich war die erste Hälfte von Bogarts Karriere gewesen. Als Bühnen- und Filmschauspieler erntete er Verrisse und wurde von berühmteren Filmgangstern um die Ecke gebracht. Erste Aufmerksamkeit erregte er als Bösewicht in dem Stück „Der versteinerte Wald“, 1936 durfte er diese Rolle auch im Film spielen. Bevor er mit „Casablanca“ zum Mythos wurde, wurde er mit „Die Spur des Falken“ zum Star. Regie führte erstmalig John Huston, mit dem Humphrey Bogart befreundet blieb.

Neben den drei Kultfilmen der heutigen Präsentation gibt es noch einige andere, die beinahe ebenso kultig sind, vor allem „Der Schatz der Sierra Madre“ und „African Queen“ – beide von John Huston – und die Komödie „Wir sind keine Engel“ vom „Casablanca“-Regisseur Michael Curtiz. Der größte Kult aber umweht Humphrey Bogart selbst. Und am dichtesten wabert er, wenn Bogey denn unverstandenen Zyniker mit dem weichen Kern verkörpert. So auch im dritten und schrägsten Beitrag unseres Triptychons. Howard Hawks inszenierte „Tote schlafen fest“ und stellte ihm einmal mehr seine Entdeckung Lauren Bacall an die Seite. Wie wir wissen, ist sie dort geblieben. Bis zuletzt.

Wir wiederholen diese Gespräche aus der 1. Staffel:

Casablanca
US-Liebesdrama von 1943

Im Zweiten Weltkrieg ist Casablanca in Französisch-Marokko ein wichtiger Auswanderungshafen für europäische Flüchtlinge. Auf das heißersehnte Visum warten viele im „Café Americain“. Dessen Betreiber Rick Blaine ist zum Zyniker geworden, als ihn seine große Liebe Ilsa beim Einmarsch der Deutschen in Paris verlassen hat. Plötzlich steht ebendiese Ilsa bei ihm im Lokal und stellte eine haarsträubende Forderung: Rick soll Transitvisa beschaffen: für sie und ihren Geliebten Viktor. Wie ein jeder weiß, wird es zuletzt auf dem nebligen Flughafen zu einer weiteren Abschiedsszene kommen … und zum Beginn einer wunderbaren Freundschaft … 

„Casablanca“ war ein aktuelles Zeitstück, das sich nahtlos zum klassischen Hollywoodfilm an sich wandelte, zu einem Schlagwort, das jeder kennt und einordnen kann. Selbst wer den Film nicht gesehen hat, benutzt Redewendungen und Satzbausteine wie „die üblichen Verdächtigen“ oder „Spiel’s noch einmal, Sam“. Humphrey Bogart und Ingrid Bergman wurden zum Inbegriff des romantischen Leinwandpaares und verdrängten ein anderes, ähnlich glückloses Liebespaar auf den zweiten Platz: Rhett und Scarlett aus „Vom Winde verweht“.

Die Spur des Falken / The Maltese Falcon
Amerikanisches Kriminaldrama von 1941

Die zwielichtige Brigid O’Shaughnessy beauftragt Privatdetektiv Sam Spade, einen Mann zu überwachen. Spade übergibt die Aufgabe seinem Partner Archer. Als der kurz darauf umgebracht wird, ahnt Spade, dass die Dame ihn belügt. Ein schmieriger Typ namens Joel Cairo klopft bei ihm an und bittet ihn, den „Maltester Falken“ aufzuspüren, eine wertvolle Statuette aus dem 16. Jahrhundert. Auch der feiste Mr. Gutman ist mit seinen psychotischen Handlangern hinter dem Vogel her. Und: Mrs. O’Shaughnessy …

Der klassische Detektivroman „Der große Schlaf“ von Dashiell Hammett war schon zweimal Verfilmt worden, doch das waren noch klassische Gangsterfilme gewesen. Mit John Hustons Umsetzung begann die Ära des Film Noir, deren wichtigste Typen und Topoi wir hiermit schon beisammen haben. Der allerwichtigste: sein Held, der furchtlose Einzelgänger.

Tote schlafen fest / The Big Sleep
Amerikanisches Kriminaldrama von 1946

Der greise General Sternwood wird erpresst. Privatdetektiv Marlowe erhält von ihm den Auftrag, seine aufmüpfige Tochter Carmen im Auge zu behalten: eine spielsüchtige Nymphomanin. Wie sich zeigt, hat sie aus verschmähter Liebe den Sekretär ihres Vaters getötet. Marlowe kann den Verdacht auf eine Verbrecherbande lenken. Doch dann entdeckt er, dass Carmens Schwester, die launische Vivian, mit den Herren in dunkle Geschäfte verwickelt ist. Nun ist der ganze Trickreichtum des Schnüfflers gefragt, um die Gangster gegeneinander auszuspielen. Nicht zuletzt, weil er sich für Vivian zu interessieren beginnt …

Weder Romanautor Raymond Chandler noch Regisseur Howard Hawks haben die Handlung dieses Drehbuchs wirklich verstanden. Umso stimmiger geriet die Atmosphäre des Films, in der Humphrey Bogart auch den zweiten großen Hardboiled Detective der amerikanischen Kriminalliteratur verkörpert: Philip Marlowe. Das Ergebnis gilt als Hauptwerk des Film Noir, einer Strömung, die bei uns nicht ganz korrekt „Schwarze Serie“ genannt wurde.

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Nächste Woche: KULTFILM SOMMERFERIEN mit den Science-Fiction-Kultfilmen der ersten Staffel von „Metropolis“ bis „2001: Odyssee im Weltraum“

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Neil Simon war zeitweise der erfolgreichste Theaterautor des Broadway – und bleibt einer der witzigsten. Mit dieser Genreparodie fügte er seinen zahlreichen Filmadaptionen ein Originaldrehbuch hinzu, das er noch am Set verfeinern konnte. Die sowohl literarisch als auch filmisch wichtigsten fiktiven Krimihelden der Zeit – Hercule Poirot und Miss Marple, das elegante Ehepaar Charles aus der „Thin Man“-Serie, Charlie Chan sowie ein Hybrid aus den Hard-boiled-Detectives Sam Spade und Philip Marlowe – werden von einem ebenso schillernden Filmstar-Ensemble verkörpert und von den Giganten ihres Mediums synchronisiert. Dass die große Myrna Loy vor diesem Spaß zurückschreckte, weil ihr das Drehbuch zu gewagt war, erweist sich im Rückblick als prophetischer Akt der traurigen Sorte.

B) Blutsverwandte / Les Liens de Sang
Französisch-Kanadischer Thriller von 1977

Die 17jährige Muriel Stark wird nachts in einem Hauseingang erstochen, wo sie nach einer Party vor einem Wolkenbruch Schutz gesucht hatte. Die Augenzeugin, ihre 15jährige Cousine Patricia Lowery, kommt völlig verstört und mit Schnittwunden auf die Polizeiwache und meldet den Vorfall. Nach ein paar Tagen widerruft sie ihre Aussage und nennt ihren 19jährigen Bruder Andrew als den Mörder. Als Detective Carella an Muriels Tagebuch gelangt, lernt er nicht nur das Opfer besser kennen, sondern auch ihren Cousin und eifersüchtigen Liebhaber Andrew. Carella taucht in das Leben der drei Teenager ein …

Unter den Titel „Blood Relatives“ war dieser Film so etwas wie ein Ausflug des französischen Starregisseurs Claude Chabrol in den Hollywood-Mainstream, die Figuren sind erheblich freundlicher gezeichnet seinen französischen Filmen. Das aus Ed McBains Kriminalromanen berühmte „87. Revier“ wird nach Montréal verlegt, sein Held Steve Carella vom kanadischen Weltstar Donald Sutherland verkörpert.

Nächste Woche: Blue Velvet und Caché

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Die Jazzwelle im Kino nach „The Man With The Golden Arm“ (1955) hatte Nelson nach Hollywood gebracht, wo er als einer der ersten Afroamerikaner in der Filmmusik Fuß fasste. Zum Glück komponierte er nicht nur für den Film und für die Popmusik, sondern auch für das Fernsehen. Allein sein Titelthema für die Krimiserie „Ironside“ brachte ihm 50.000 Dollar pro Jahr an Tantiemen ein.
Noch populärer hätte eine Melodie werden können (und nach meiner Meinung auch werden müssen), die Nelson für den noch weitaus beliebteren „Columbo“ komponierte, die aber leider erst im Laufe der 2. Staffel erklang und unterging.
Kurioserweise hat nämlich ausgerechnet der Welterfolg „Columbo“ keine Titelmusik – bzw. gleich zwei inoffizielle, nämlich das Kinderlied „This Old Man“, das Peter Falk irgendwann in seiner Rolle zu pfeifen begann und dann immer wieder vor sich hinpfiff bis es schließlich in die Filmmusik Eingang fand, und das „NBC Mystery Movie Theme“ von Henry Mancini – das allerdings auch diverse andere Serien auf diesem Programmplatz einläutete.
Nelsons kleines Thema funktioniert nicht nur prächtig im Underscoring von „The Greenhouse Jungle“, es liegt auch unter den Schlusstiteln und passt ideal zur Serie und zu ihrem Helden. Im Laufe der Staffel wurde es noch wiederverwendet, zum Beispiel in „Requiem For A Falling Star“, so dass sich für kurze Zeit fast das Gefühl einstellte, Columbo hätte endlich ein eigenes Thema.

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Ein Musical braucht in erster Linie gute Songs. Die Traumbesetzung, die feschen Klamotten, der Budenzauber und das herrliche Buch fallen bei diesen Burschen unter die Ganovenehre: das Cast-Recording von „Robin And The Seven Hoods“.

Für mich als jungen Soundtracksammler bedeutete das neue Irritationen. Die Verfilmung des Musicals „Mame“ etwa kannte ich aus dem Fernsehen, aber der Soundtrack dazu ist überaus rar. Lange Zeit musste ich mich mit dem Broadway-Album „Mame“ begnügen, das in der Hauptrolle sogar wesentlich besser besetzt, aber eben ganz anders ist. Ein Song, der mir besonders wichtig war – die Comedy-Nummer „The Man In The Moon“ mit Beatrice Arthur – hat die gleiche Interpretin, aber an das Originalarrangement habe ich mich nie gewöhnen können.

Ein kurioses Beispiel ist das Rat-Pack-Musical „Robin And The Seven Hoods“, das Frank Sinatra 1963 bei seinen Hausmusikern Sammy Cahn und James Van Heusen bestellt und mit seinen Kumpels aus der Showbranche besetzt hat (unter Hinzuziehung des jungen Peter Falk in einer Ganovenrolle). Jeder Song ist ein Hit, und das Setting – knuffige Prohibitionsgangster in Chicago, die den „Robin Hood“-Mythos nachspielen – ist einfach unwiderstehlich. Die LP musste ich in Japan bestellen (das bedeutet: sehr teuer, aber klanglich einfach unerreicht). Nun war ich auf den Inhalt gespannt.
Einzig „Bang Bang“ – das große Solo von Sammy Davis jr. – klingt genau so wie im Film, alle übrigen Songs weisen eher nach New York als nach Chicago. Der schmissige Vorspann – eine Instrumentalversion des zentralen Sinatra-Songs „My Kind Of Town“ – fehlt, so dass ich gleich zu Beginn des Hörvergnügens wusste, was die Stunde geschlagen hat. Stattdessen eröffnet eine aufwändige Broadway-Ouvertüre das Album, in der sämtliche Themen angespielt werden. Verständlicherweise begegnete ich dieser meisterlichen Arbeit mit Undankbarkeit. Inzwischen weiß ich sie zu schätzen. Und mehr noch: ich begreife die prophetische Wahrheit, die der Arrangeur Nelson Riddle hier angelegt hat.
„Robin And The Seven Hoods“ hätte auf die Bühne gehört. Selbst heute, da uns die Urbesetzung nicht mehr zur Verfügung steht, wäre diese drollige Klamotte (drollig aber cool!) ein himmlisches Vergnügen in unserem Musicalbetrieb, der beharrlich an den Bedürfnissen des breiten Publikums vorbeiproduziert und nur eine Nische bespaßt, von der er letztlich nicht leben kann.

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Gegenwärtig wird mehr synchronisiert als je zuvor und so viel wie seit dem Siegeszug des Privatfernsehens vor gut 30 Jahren nicht mehr. Parallel dazu mehrt sich in privater Runde der Slogan „Ich kucke sowieso alles im Original!“ – was freilich in erster Linie daran liegt, dass wir erst heute fast bei jedem ausländischen Film- und TV-Ereignis eine Wahlmöglichkeit haben. Dieser Satz wird selten sehr leidenschaftlich vorgetragen. Vielfach ist er eine Sottise, ein allzeit griffbereites Wischiwaschi-Statement, das in unserer notorisch gesinnungslosen Zeit einen Hauch von nebensächlichem Individualismus vortäuschen hilft. Besonders strapaziert wird er von jüngeren Menschen, die die deutsche Synchronisation (wenn überhaupt) nur aus ein paar zufällig erspähten Beispielen kennen, die nicht repräsentativ sein müssen. Schon gar nicht ein künstlerisches Handwerk betreffend, das seit mehr als 70 Jahren intensiv betrieben wird und zu einigen grandiosen Leistungen und sogar Neuerfindungen geführt hat.

Die Grundsatzdiskussion, ob es überhaupt vertretbar sei, Schauspieler zu synchronisieren, erlebe ich immer wieder, aber ich führe sie nicht mehr. Ich entwinde mich dieser von vorneherein sinnlosen Debatte jeweils so rasch es geht. Natürlich bringt die heutige Massenproduktion deutscher Tonspuren auch neue Tiefpunkte mit sich, aber auf der anderen Seite gibt es leuchtende Gegenbeispiele, zumindest für mich.
Einem meiner Lieblingsschauspieler mag ich im Original einfach nicht gern zuhören: Peter Falk. Ich habe es über die Jahre immer wieder versucht und bin sicher, ich wäre niemals in den ungetrübten und derart erschöpflichen Genuss seines komödiantischen Genies gekommen, hätten ihn nicht Glücksfälle wie Harald Juhnke und Horst Sachtleben (der beste der fünf „Columbo“-Synchronsprecher) stimmlich vertreten. Selbst Falks schlimmste Fehlbesetzung – der sonst große Uwe Friedrichsen – lässt mich der Geschichte besser folgen als das Original.

Ein anderer unbezahlbarer Komödiant, der seiner deutschen Stimme ebensoviel verdankt wie ich als Zuseher, ist Robert Morley. In der ersten Hälfte der 60er Jahre hat er in seiner englischen Heimat wie auch in Hollywood eine solche Unzahl von Filmen gedreht, dass er in meiner Fernsehkindheit allgegenwärtig war. Fast immer hat ihn der melodisch-kullernde Sound von Erich Fiedler begleitet. Robert Morley hat in Wirklichkeit eine angenehme und überaus sympathische Stimme, aber wenn ich sie höre, verspüre ich unweigerlich den Verdacht, einer Fälschung aufzusitzen.

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Die Filmgeschichte hat Ray Milland insgesamt fair behandelt. Zwar wurde er viel zu selten mit Rollen bedacht, die seine besonderen Talente  in vollem Umfang einforderten, aber es gab sie zuweilen, und er spielte auch die übrigen sehr anständig. Außerdem bekam  er einen Oscar – für die Darstellung eines Alkoholikers in „Das verlorene Wochenende“ – spielte in einem unverwüstlichen Hitchcock-Klassiker die männliche Hauptrolle – „Bei Anruf Mord“ – und sogar eine Alterskarriere war ihm vergönnt – wenn auch zumeist im Trash und beim Fernsehen.

Der gebürtige Waliser Reginald Alfred Truscott-Jones war kein gelernter Schauspieler. Er kam in Ausübung eines Befehls zur Schauspielerei, als das britische Kriegsministerium ihn als 19jährigen Soldaten der Königlichen Kavallerie zum Drehort von „Die Nacht nach dem Verrat“ schickte. Er hatte für einen deutschen Stuntman einzuspringen, der von einem Bus angefahren worden war. Ein Jahr später geschah das Klischeehafte: ein Star erkrankte, und unter seinem neuem Namen konnte Milland eine Hauptrolle spielen. 1933 gab er sein Debüt in Hollywood und bekannte später, „dort ein Star gewesen zu sein, bevor ich überhaupt begriffen hatte, was Schauspielerei eigentlich ist.“ Seine Autobiographie hieß dementsprechend „Glotzäugig in Babylon“.

Bis zu besagter Oscarverleihung hatte niemand Ray Milland in Verdacht, ein Charakterschauspieler zu sein – gutaussehende 1,88große Männer gab es in Hollywood in rauen Mengen. Und als amüsanter Liebhaber / Cowboy / Flieger / Ehemann war Cary Grant einfach witziger und eleganter. Erst das zunehmende Alter – Jahre nach dem preisgekrönten Trinkerdrama – schaltete Ray Millands besondere Qualitäten frei, gab ihm jene kultivierte Morastigkeit, die ihm sogar in harmlosen Rollen eine besondere Aura verlieh. (Auch Cary Grant gewann mit zunehmendem Alter, blieb aber schön und in seiner Wirkung unverändert.) In den 60er Jahren drohte Ray Milland (trotz fabelhafter Auftritte wie in „Lebendig begraben“ und „Der Mann mit den Röntgenaugen“)  in Vergessenheit zu geraten, als ihn die Vaterrolle in „Love Story“ wieder ins Geschäft brachte. Fortan drehte er unermüdlich, und auch die mieseren, kleineren Filme wählte er mit feinem Gespür für Unterhaltsamkeit, etwa „Kampfstern Galactica“ oder „Die Frösche“ (ein Beitrag zum Viecher-Horror im Kielwasser von Hitchcocks „Vögeln“).

Es ist unmöglich, diesen Verbrecher nicht zu lieben. Ray Milland 1972 im Fernsehen und verewigt auf Laserdisc. (CIC Video 1997 / Cinema International B. V.)

Sein Privatleben behielt Ray Milland für sich. Die Öffentlichkeit erfuhr von ihm weder etwas über den Selbstmord seines einzigen Sohnes Daniel noch über seine Krebsdiagnose. Nach fünf Tagen im Memorial Hospital in Torrence / Kalifornien schlief er friedlich ein. Seine Asche wurde über dem Pazifik verstreut.

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Der Rezitator, Burg- und Hollywoodschauspieler Oskar Werner hatte seine Filmkarriere bereits beendet, als ihn sich Peter Falk als Gast für seine Serie „Columbo“ wünschte. Falk, der zu dieser Zeit bestbezahlte TV-Darsteller der Welt, bekam ihn jedoch nicht aus Qualitätsgründen, sondern weil eine langjährige Wiener Freundin ein gutes Wort einlegte: Susanne Wildl, die Wirtin des berühmten „Café Korb“. (Der Falk-Biograf Uwe Killing hat das Geheimnis dieser Verbindung in seinem Buch* gelüftet.) Als der berühmte Gast aus Wien wegen eines Streits mit dem Produzenten nach zwei Wochen alles hinschmeißen wollte, fiel Peter Falk persönlich vor ihm auf die Knie, um ihn zum Weitermachen zu bewegen.Werner spielt den Erfinder Harold van Wyck, der eine reiche Frau geheiratet und sich so zum Chef eines Elektronik-Konzerns gemacht hat. Seine Schwiegermutter kann ihn nicht ausstehen und schaltet einen Privatdetektiv ein, um Belege für seine Seitensprünge zu sammeln. Sie droht ihm, diese ihrer Tochter zu übergeben, wenn er nicht abdankt. Van Wyck ermordet die alte Dame (was er ohnehin bereits vorhatte) und verschafft sich mittels Manipulation der Überwachungsanlage seines Hauses ein Alibi. Columbo schmeichelt dem Hausherrn mit seiner Bewunderung für die vielen technischen Spielereien, mit denen das Gebäude ausgestattet ist. Genau diese Gimmicks nutzt er dann freilich, um den Übeltäter auszuschmieren.

„Playback“ wurde Anfang der 90er Jahre neu synchronisiert, da die ARD die Folge seinerzeit auf 60 Minuten gekürzt hatte. Weder Peter Falks klassische deutsche Stimme Klaus Schwarzkopf noch der früh verstorbene Werner standen noch zur Verfügung. Während für Falk mit Horst Sachtleben ein wahrlich beglückender Ersatz gefunden worden war, musste man bei seinem Kollegen einen unschönen Effekt befürchten, wie er sich zuletzt bei „Jules et Jim“ ereignet hatte: dass Oskar Werner sich hier ausnahmsweise nicht selbst synchronisiert, steht einem Genuss der deutschen Fassung dieses Klassikers bis heute sehr im Wege. Irgendjemand kam auf die famose Idee, den Schauspieler und TV-Moderator Ernst Stankovski („Erkennen Sie die Melodie?“) dafür zu verpflichten, der „mit flauem Gefühl in der Magengrube“ seine Pflicht tat. Seine Sorge war unbegründet!

Der meisterliche Columbo-Krimi „Playback“ ist nicht unbeliebt, gehört aber zu den unbesungenen Episoden (während andererseits unerklärlicherweise die zähe Folge mit dem griesgrämigen Johnny Cash bei jeder Gelegenheit gepriesen und zu einem Highlight der Serie erklärt wird). Dabei konzentriert sich das Drehbuch besonders auf die Stärken des Formats: Dialoge zwischen guten Schauspielern. Die zurückhaltende Herzlichkeit, mit der sich der Inspektor der gelähmten Frau des Verdächtigen nähert (einer Schönheit, die von Falks befreundeter Kollegin Gena Rowlands gespielt wird), leuchtet einige seltener bespielte Winkel der Columbo-Figur aus. Mit dem Bösewicht kann er sich umso pointiertere Duelle liefern. In der Verachtung durch seine Hauptverdächtigen durchaus geschult, trifft ihn in der Werner-Villa eine geradezu darwinistische Herabsetzung, die jedem Wiener Kaffeehauskellner alle Ehre gemacht hätte. („Es wäre doch bequemer für Sie, wenn Sie gleich in eines unserer Gästezimmer einziehen, Inspektor!“) Die Überführung des Täters und dessen Ärger über die eigene Nachlässigkeit (ein besonders dummes Versäumnis, weit unter seiner Würde) wird in ihrer Vergnüglichkeit nur von Ray Milland übertroffen. In „The Greenhose Jungle“ bringt er Columbos Assistent mit einem eisigen Blick zum Schweigen, als ihm dieser seine Rechte vorlesen möchte.

Nachtrag: am 13.8.2018 erreichte mich dieser hilfreiche Hinweis:
„Lieber Freund! Sie irren sich. Nicht Ernst Stankovski hat Oskar Werner in „Playback“ synchronisiert, sondern Miguel Herz-Kestranek. Mit flauem Magen. Mit freundlichen Grüßen Christoph Schuh“
Ich bedanke mich herzlich. Ich hatte die Information der damals sehr gründlichen TV-Zeitschrift „Gong“ entnommen und meinte, Herrn Stankovski auch wiederzuerkennen.
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* „Peter Falk oder Die Kunst, Columbo zu sein“, Osburg Verlag

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