Über die Gründe, die bis heute verhindern, dass der Komponist Kurt Weill in seiner Heimat angemessen gewürdigt wird, wurde an dieser Stelle schon nachgedacht. Dass es auch in den USA, wo man seine Leistungen als Erfinder großer Melodien stets zu würdigen wusste, nur drei seiner Songs ins „Great American Songbook“ geschafft haben („Speak Low“, „September Song“ und der noch aus deutschen Tagen stammende „Mack The Knife“), könnte an der Komplexität und Spitzfindigkeit des Materials liegen. Im Gegensatz zu den Songs etwa von Cole Porter sind Weills Lieder nicht unverwüstlich. Werden sie nachlässig oder uninspiriert vorgetragen, verpufft ihre Magie. Um nur eines von vielen Beispielen zu nennen: selbst eine so gewiefte Künstlerin wie Caterina Valente versagt auf ihrem Weill-Album, weil sie mit der Musik dieses Künstlers im Grunde nichts anzufangen weiß.

Ich weiß das auch aus eigener Erfahrung. Als großer Verehrer des amerikanischen Repertoires von Kurt Weill war sogar ich auf eine solche Fügung angewiesen. Der Titelsong seiner letzten Show „Lost In The Stars“ leuchtete mir lange Zeit überhaupt nicht ein. Er klingt auf dem Cast-Album von 1950 arg pathetisch, beinah wie aus dem Gesangbuch – was durch seinen liturgisch angehauchten Text noch unterstützt wird. (Ähnlich verhielt es sich übrigens auch mit der Urfassung von Richard Rodgers‘ „You’ll Never Walk Alone“ aus „Carousel“ von 1945, den 20 Jahre später die Mersey Beat-Version zu einem Welthit machte.)
„Lost In The Stars“ wurde erst Anfang der 90er Jahre für meine Ohren freigeschaltet. Und zwar durch Elvis Costello, der ihn mit dem „Brodsky Quartet“, einem britischen Streichquartett, zusammen im Konzertfilm „September Songs“ vortrug. Ich war geradezu schockiert von diesem Erlebnis – und höre Weills Genie jetzt auch aus dieser Nummer immer heraus, interpretenunabhängig.

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Rita Hayworth galt im frühen Tonfilm als die schönste Frau Hollywoods und hat oft auf der Leinwand gesungen – erstaunlich oft, wenn man bedenkt, dass sie jedesmal stimmlich gedoubelt wurde. Legendär wurde ihr Song „Put The Blame On Mame“ aus dem Kriminaldrama „Gilda“.
In „Miss Sadie Thompson“ konnte das Publikum Rita Hayworth sogar in 3-D erleben – das war um 1953 (als der Film entstand) einer der Versuche Hollywoods, dem Siegeszug des Fernsehens technische Gimmicks entgegenzusetzen.

Das Cover der EP vermittelt die erotisch aufgeladene Atmosphäre der Südsee – gebremst von  der Züchtigkeit des US-Kinos der 50er.

„Blue Pacific Blues“ – auch bekannt als „Miss Sadie Thompson’s Song“ – erklingt in einer regnerischen Tropennacht. Die tizianblonde Sadie Thompson denkt an den Mann, den sie einfach nicht vergessen kann. Es ist drückend schwül und sie hat den Blues. Sie liegt wacht, raucht und wünscht sich, dass es Morgen werde, auf dass ihre Angst sich verflüchtigen möge. – Wir hören diesmal die Stimme von Jo Ann Greer.

„Blue Pacific Blues“ von Lester Lee und Ned Washington erhielt eine Oscarnominierung und wurde oftmals gecovert, hierzulande von Caterina Valente.

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Kein eigenes Cover, nur die Polydor-Diensthülle – dennoch ein Hit für Cole Porter und Caterina Valente.

Hierzulande ist „I Love Paris“ einer der bekanntesten Titel von Cole Porter  – in der deutschen Version von Caterina Valente „Ganz Paris träumt von der Liebe“. Der Song entstammt seinem Spätwerk „Can-Can“, in dem sich Porter 1953 noch einmal an jenen Ort  zurückerinnert, in dem er so glücklich gewesen war. In seinen letzten Musicals – Porters Leben war zunehmend beschwerlich – kehrte er immer wieder dorthin zurück. Sein letzter Theatererfolg ist „Silk Stockings“, eine Adaption des Filmklassikers „Ninotschka“ von Ernst Lubitsch. Zum ersten und bis heute letzten Mal in der Geschichte des Broadway sollte eine Deutsche die Urbesetzung einer Titelrolle in einem Hit-Musical spielen: Hildegard Knef (die auf den Reklametafeln allerdings Hildegarde Neff hieß). Die bald darauf folgende Verfilmung durch MGM fiel bereits in die Zeit, da Musicals aus der Mode kamen. Porters letzte Arbeit war wiederum eine Geschichte aus Paris: das MGM-Musical „Les Girls“ mit Gene Kelly, eine letzte Kraftanstrengung des Studios, das im folgenden Jahr 1958 die Konsequenzen zog und sich aus der Produktion von Musicals zurückzog.
Das geschah allerdings mit einem vielfach oscargekrönten Rausch in Breitwand und Technocolor: „“Gigi“. In dieser Colette-Verfilmung lebt die Pariser Belle Époque noch einmal auf, und das leibhaftige Denkmal Maurice Chevalier spielt eine tragende Rolle.

Noch wenige Jahre zuvor waren die Musicals von MGM Produkte gewesen, die ihre beträchtlichen Herstellungskosten mühelos wieder einspielten.
1951 kam Vincente Minnellis berühmter Musicalfilm „Ein Amerikaner in Paris“ heraus. Eine Bearbeitung von George Gershwins programmatischem Orchesterwerk „An American In Paris“ liegt dem großen Ballett-Finale des Films zugrunde. Irving Berlin besuchte die Dreharbeiten. Die Mitteilung, Gene Kelly wollte die letzten 15 Minuten des Films mit einem Ballett, einer gigantischen Traumsequenz mit stilisierten Toulouse-Lautrec-Dekorationen, beschließen, machte ihn ratlos. „Weiß Mr. Kelly eigentlich, was er tut?“ soll er gefragt haben.
Auch die Songs des Films stammen von Gershwin – heute hieße ein solches Projekt Jukebox-Musical. Als sich der Protagonist des Films (Gene Kelly), ein amerikanischer Maler, in Paris verliebt – in das selbe Mädchen wie sein französischer Freund (Georges Guetary), was aber beide noch nicht wissen – singen (und tanzen) sie „’s Wonderful“, das ursprünglich in das Broadway-Musical „Funny Face“ von 1927 gehört.
„Funny Face“ ist auch der Titel eines weiteren zusammengefügten Gershwin-Filmmusicals, in dem der fast 60jährige Fred Astaire elegant wie eh und je mit der jungen Audrey Hepburn tanzt.

Was hier „Langspielplatte“ genannt wird (siehe Rückseite, Abb. unten) hatte die Größe einer Single und beinhaltete vier Songs.

Wie schon „Gigi“ gelangte auch das Pariser Märchen „Victor/Victoria“ (1982) von der Leinwand auf die Bühne. Aus der Blake Edwards-Komödie um eine Sopranistin, die erst Karriere macht, nachdem sie sich als Transvestit ausgibt, wurde 1997 ein letzter Broadway-Erfolg für Julie Andrews, die schon im Film die Hauptrolle gespielt hatte.

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