A) Thelma & Louise
Amerikanisches Road-Movie-Drama von 1991

Hausfrau Thelma und Kellnerin Louise wollen ein Wochenende ohne Männer verbringen. Als eine der beiden von einem Macho belästigt wird und die andere ihn erschießt, fliehen sie in ihrem Ford-Thunderbird-Cabrio vor dem FBI – und sind überrascht, was mit ihnen geschieht. Thelma erweist sich als Früchtchen mit einem Talent zur Anarchie. Die beiden Frauen lassen sich die Selbstachtung nicht rauben – weder von der Polizei noch von irgendeinem Kerl. Je schneller ihr Wagen Fahrt aufnimmt, desto klarer wird: sie werden den Rückwärtsgang nicht einlegen.

Ridley Scotts feministischer Western räumte gehörig mit Hollywoods gängigen Macho-Stereotypen auf. Erstmals saßen zwei Frauen am Steuer und bestimmten, wohin die Reise geht. Und während die Heldinnen ihren zivilen Ungehorsam mit dem Leben bezahlen – Hollywood bleibt Hollywood -, zieht Brad Pitt sich in einer Nebenrolle aus und wird für Jahrzehnte zum „sexiest man alive“ und einem Idol für alle Geschlechter*innen.

B) Der Agentenschreck / Artists And Models
Amerikanisches Filmmusical von 1955

Rick und Eugene, zwei Freunde seit Jugendtagen, sind ins New Yorker Künstlerviertel Greenwich Village gezogen, um ihr Glück zu machen: Rick als Maler, Eugene als Kinderbuchautor. Durch Eugenes Ungeschicklichkeit verlieren die beiden immer wieder die Jobs, die Rick an Land zieht. Eugene ist vernarrt in die Superhelden-Comics um die „Vampir-Lady“, deren Zeichnerin Abigail nebst Modell zufällig im selben Haus wohnt. Als Abigail den Job verliert, weil ihr Verleger mehr Blut in den Comics sehen will, kann Rick ihren Job ergattern. Für die Künstlerin selbst interessiert er sich aber auch. Seine Ideen klaut Rick von den irren Alpträumen seines nerdigen Mitbewohners. Das geht so lange gut, bis Eugene eine geheime Raketenformel träumt, die Rick ahnungslos in seinen Comics veröffentlicht. Die Geheimdienste beginnen ihnen nachzustellen – die inländischen und die feindlichen.

Der vom Trickfilm kommende Regisseur Frank Tashlin trifft hier erstmals mit Jerry Lewis zusammen. Inhaltlich nimmt er ein aktuelles Phänomen auf die Schippe: die eben in den USA einsetzende Comic-Zensur, die so lange Bestand haben sollte, bis sich Stan Lee in seinen Marvel-Comics erfolgreich dagegen auflehnte. Auch Shirley MacLaine und Dean Martin – später häufig gemeinsam vor der Kamera – begegnen einander zum ersten Mal. Die Partnerschaft von Martin & Lewis hingegen hatte bereits begonnen, sich aufzulösen, was bei diesem künstlerischen Höhepunkt ihrer gemeinsamen Filmarbeit zu keiner Zeit sichtbar ist. 

Nächste Woche: „Der eiskalte Engel“ und „Der Detektiv“ (1968)

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Steve Ditko – Der Mann im Hintergrund (Fortsetzung vom 15.1.2020)
von  Daniel Wamsler
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Ditko und Charlton

Nach der Trennung von Marvel Comics (bzw. von Stan Lee) arbeitete Steve Ditko hauptsächlich wieder für den US-Verlag Charlton. Hier hatte er kaum Einflussnahme von Seiten der Redakteure zu befürchten. Denn eigentlich war Charlton eine Druckerei mit angeschlossenem Vertrieb, die zur Auslastung ihrer Maschinen nebenbei Comics veröffentlichte. Die Verbindung Ditko/Charlton riss über die Jahre nie völlig ab. Zwar konnte Ditko bei Charlton keine solchen Erfolge wie mit „Amazing Spider-Man“ verbuchen, doch prägte er das Erscheinungsbild des Verlags entscheidend mit. Erst als der Verlag Mitte der Achtziger Jahre Konkurs anmeldete, trennten sich auch hier die Wege. Charlton hatte mehrere finanzielle Fehlschläge einstecken müssen, u.a. auch das Wegfallen des Vertriebs für das Männermagazin „Hustler“.

Von seinen unzähligen Stationen bei Charlton waren die wichtigsten seine Mitarbeit an: “The Blue Beetle”, “Captain Atom”, “Ghostly Haunts”, “Ghostly Tales”, “Ghost Manor”, “Jungle Jim”, “Konga”, “The Many Ghosts Of Dr. Graves”, “Mysteries Of Unexplored Worlds”, “Out Of This World”, “The Phantom”, “Scary Tales”, “Space Adventures”, “Strange Suspense Stories” und “Unusual Tales”. Besonders hervorstechend aber war Ditkos erster, wiederkehrender Charakter in „Tales Of The Mysterious Traveler”. Zwar hatte er den Traveler nicht selbst erfunden, doch die Kombination von Figur und Zeichner hätte sich nicht besser fügen können.

Stanton und Mr.A

Zwischen 1958 und 1966 teilten sich Steve Ditko und Eric Stanton (Ernest Stanzoni) ein Zeichenstudio. Obwohl sich Ditko immer wieder von den Bondage- und Fetischzeichnungen Stantons distanzierte, zeigen viele davon deutliche Anzeichen der Handschrift Ditkos. Vielleicht übte Ditkos Kunst einen wesentlichen Einfluss aus oder aber er tuschte die Bleistiftzeichnungen seines Kollegen. Mehrere Bild- und Sekundärwerke über Stanton erschienen beim Ex-Comic-Verleger Taschen.

A = A. – Aristoteles‘ Formel liegt der Philosophie des Objektivismus zugrunde. Dies bedeutet eine strikte Trennung von Gut und Böse. Entweder ist man das eine oder das andere. Jeder Kompromiss schadet den Guten und hilft den Bösen. Eine bedeutende Vertreterin des Objektivismus ist die Autorin Ayn Rand, deren Bestseller „Atlas Shrugged“ (dt. „Atlas wirft die Welt ab“) 1957 erschien. Derzeit laufen Vorbereitungen für eine Umsetzung des Stoffs auf Zelluloid, bei denen Gerüchten zufolge Angelina Jolie und Bratt Pitt die Hauptrollen spielen sollen.* Steve Ditkos Figur Mr. A (abgeleitet von A = A) erblickte das Licht der Welt erstmals im Jahr 1967 in „Witzend“ # 3. Der Charakter des Mr. A ist umstritten. Ditkos Storys vermitteln ein klar abgestecktes Weltbild, getrennt nach schwarz und weiß ohne Zwischentöne. Der Reporter Rex Graine wird zu Mr. A, der das Gesetz selbst in die Hand nimmt, um Gerechtigkeit walten zu lassen. Zu seinem Kostüm gehören eine Maske aus Metall mit einem starren Gesicht und metallene Handschuhe. Jegliche Kleidung, inklusive Maske und Handschuhe ist in weiß gehalten. Die Handlung spiegelt Ayn Rands Objektivismus – und Ditkos Verbundenheit damit – wieder. An seiner Figur hat Steve Ditko alle Urheberrechte (im Gegensatz zu seinen Schöpfungen für die US-Großverlage wie z.B. Marvel und DC). Mr. As Auftritte erschienen über Jahre verteilt meist bei Independent-Verlagen und in Fanzines.

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* Zum langsamen Tod dieses als Dreiteiler angelegten Projekts – ohne die „Brangelinas“ – siehe https://blog.montyarnold.com/2019/03/06/heisser-buchtipp-fuer-netflix/

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Ein Mann ohne Furcht – Teufelskerl Gene Colan
von  Daniel Wamsler
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Eugene Jules Colan, Jahrgang 1926, wurde in Deutschland hauptsächlich durch seine Arbeit an Daredevil (Devil-Man / Der Dämon) bekannt. Sein Name steht auch Synonym für Marvels Dracula, da er den König der Vampire von Anfang bis Ende der Serie zeichnete. Auch Dr. Strange und dessen mystische Welten wusste er perfekt in Szene zu setzen. Etwas weniger Beachtung fanden seine Einsätze bei Iron Man (Der Eiserne), Sub-Mariner (Aquarius), Captain Marvel und Captain America, die hierzulande entweder nur als Zweitstorys oder gar nicht veröffentlicht wurden. Ein paar frühe Marvel Mystery-Storys gehen ebenfalls auf sein Konto, welche die deutschen Verlage zum Teil als Lückenfüller in den Hit Comics und bei Williams (vor allem bei „Dracula“ und „Frankenstein“) brachten. Außen vor bleiben die Abenteuer von „Howard The Duck“, den man in Deutschland eigentlich nur aus dem gleichnamigen Film von Steven Spielberg kannte, bis Panini ihm 2016 einen seiner hübschen Hardcover-Bände widmete.

Daniel Wamsler: Bei all den Interviews, die Du in der Vergangenheit gegeben hast, gibt es da überhaupt noch Fragen, die man Dir noch nicht gestellt hat, oder die Du gerne gestellt bekämst?

Gene Colan: Sagen wir’s mal so, ich bin immer glücklich, die Fragen beantworten zu können, die mir gerade gestellt werden, besonders wenn jemand neugierig auf das ist, was ich mache oder gemacht habe.

Du hast mir erzählt, dass deine Vorfahren aus Deutschland stammen. Von wo genau kommen deine Ahnen?

Richtig, deutsch sowohl mütterlicher- als auch väterlicherseits. Allerdings wurden sowohl meine Eltern als auch meine Großeltern in New York City geboren. Meine Vorfahren gehörten zu den ersten Siedlern, die hierher nach Amerika kamen. Leider habe ich keinerlei Ahnung, wer meine Urgroßeltern waren oder aus welcher Stadt sie ursprünglich kamen.

Warst du oft in Deutschland? Wo gefällt es dir am besten?

Ich war nur einmal in den 60er Jahren in Deutschland. Ich mochte die Schönheit des Landes und die Warmherzigkeit der Leute. Ich kann mich erinnern, dass es meiner Frau Adrienne nicht gut ging, als wir ein Restaurant in Frankfurt besuchten. Es war beeindruckend, wie man sich dort um sie kümmerte. Ich kann mich auch an einen Aufenthalt in München erinnern, wo wir uns eine riesige Bierhalle anschauten, wirklich großartig. Noch mehr beeindruckt haben mich allerdings die kleinen romantischen Städte und Dörfer und die Landschaft. Ich glaube, das war in der Nähe von Rothenburg. Wunderschön, fast wie gemalt. Und … Blumen, überall Blumen und Blumentöpfe, das gefiel mir sehr.

Lass uns über deine Karriere sprechen. Wann genau hast du angefangen, im Comic Business zu arbeiten?

1946.

Bist du Autodidakt oder hattest du Unterricht an der Kunstschule?

Hauptsächlich ersteres. Ich habe, seit ich drei Jahre alt war, versucht alles zu zeichnen, was ich sah. Mit dreizehn, ich lebte damals in New York City, spazierte ich zu DC Comics. Man zeigte mir, wo die Künstler arbeiteten und ich sah zum ersten Mal echte Comic Art. Ich war gleichermaßen erfreut und betrübt. Erfreut, weil ich nie zuvor etwas Schöneres als diese Originalzeichnungen gesehen hatte. Betrübt andererseits, weil mir klar wurde, dass mir nichts anderes übrig blieb, als deren Rat zu befolgen und auf die Kunstschule zu gehen. Also schrieb ich mich in die „Art Student’s League“ ein und verbrachte dort einige Jahre.

Danach hast du zuerst für DC und dann Marvel gearbeitet, richtig?

Nicht ganz, erst Marvel, dann DC und schließlich beides. In den Achtzigern fing ich an, auch für die Independent-Schiene zu arbeiten, z.B. für „Dark Horse“. (Anm.: u.a. an einer 3teiligen Miniserie über „Dracula“ von 1998, zusammen mit Marv Wolfman)

Dein Stil unterscheidet sich in vielerlei Hinsicht von dem anderer Zeichner. Bei „Hopalong Cassidy“ hast du viele verschiedene Winkel und Perspektiven benutzt, um die Spannung der Story zu verstärken.

Richtig. Da gab es immer Action und ich hatte mir extra ein großes Fotoarchiv angelegt, mit Personen und allem sonst erdenklichen aus allen möglichen Blickwinkeln. Das hat geholfen … Falls ich mal keine Referenz für eine meiner Zeichnungen hatte, überredete ich einfach jemanden, sich in Pose zu setzen oder posierte selbst.

Bei Marvel warst du, nennen wir es mal „sehr experimentierfreudig“. Ich denke da an außergewöhnliche Panelaufteilungen und Seitenlayouts, Spiegelungen in Türknaufen oder Wasserpfützen …

Das war damals kein bewusstes Zeitgeist-Experiment. Nur ließ Marvel den Künstlern mehr Freiheit als andere Verlage. So hatte man die Möglichkeit, seinen eigenen Stil zu finden. Meiner war es, mit den Zeichnungen Kinofilme in Comicform zu erzählen.*

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* Ein vielbeachtetes Beispiel sahen wir im letzten Kapitel unter https://blog.montyarnold.com/2019/10/31/captain-america/

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