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Als sich 1988 im Film „Falsches Spiel mit Roger Rabbit“ Donald und Daffy Duck ein Pianisten-Duell lieferten, war das eine kleine Sensation: die beiden Enten-Stars von Warner und Disney in einer Szene, und das auch noch in einem offiziellen Kinofilm! Jüngere Leser muss man dieser Stelle darauf hinweisen, dass damals längst noch nicht jeder Entertainment-Betrieb zu Disney gehörte …

Eine kleinere, private Variante dieser Irritation bereitete mir Daffy Duck, als ich kürzlich ein paar Stunden Zeichentrick von einem veralteten Medium auf ein anderes kopierte – von VHS auf DVD – was bekanntlich in Echtzeit geschehen muss. Es ging um mehrere Cassetten mit Folgen der ZDF-Serie „Mein Name ist Hase“, in der die Kino-Cartoons der Warner-Helden (ausgenommen Schweinchen Dick) verarbeitet waren. Eine Episode handelte davon, dass Daffy Duck sich einer Gruppe Zugvögel anschließen möchte, und die Animation war so primitiv, dass ich davon ausgehen musste, hier ein ausdrückliches Spätwerk vor mir zu haben. – Irgendwann entdeckt der faule Enterich ein Pferd auf einer Weide und kommt auf die Idee, doch lieber zu reiten statt selber zu fliegen. Er denkt, er muss es nur noch auf den Rücken des störrischen Tieres schaffen, dann würde es ihm gehorchen. Ersteres ist gar nicht so einfach und zweiteres ein Irrtum.
Dieser Plot kam mir bekannt vor. Ein Abenteuer von Paulchen Panther handelt genau vom gleichen Problem, und das Pferd in „Pinto Pink“ (1967) sieht Daffys Gaul verdächtig ähnlich. (Dieser Film ist meiner Generation ganz besonders gut in Erinnerung, da er gleich zu Beginn im Vorspann der Trickserie „Der rosarote Panther“ zu sehen war.)
Mich beschlich ein böser Verdacht: sollte der große Friz Freleng – hochverdienstvolle Kraft im Zeichentrick-Departement der Warner Bros. – in seiner Spätphase so plump bei sich selbst geklaut haben?
Vielleicht nicht höchstpersönlich. Wie sich herausstellte, wurde der Film „Daffy Flies North“ 1980 von der „Members of the Screen Cartoonists Local 839“ für ein Osterspecial hergestellt. Das war „in their very twilight“, kurz bevor Friz Freleng und David H. DePatie ihr Studio an Marvel Comics verkauften.

Aber im Kino geht ja niemand so ganz. Vor wenigen Tagen bin ich dem Meister wieder einmal begegnet. In einem Programmkino sah ich „With Six You Get Eggroll“ (1968), den letzten Film mit Doris Day. Er wird von einem der Zeichentrickvorspänne eröffnet, die seit der Peter-Sellers-Komödie „The Pink Panther“ in Hollywood so beliebt waren. Da Doris Day hier als Mutter einer Patchwork-Familie zu sehen ist, ist er im Stil von Kinderzeichnungen gehalten. Es war das Jahr, in dem der rosarote Panther als TV-Held in Serie ging.

Hier sind die Tiere einfach nur Haustiere: der Vorspann für „Der Mann in Mammis Bett“ von DePatie-Freleng.

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Die erstaunliche Spinne (Spider-Man)
von Daniel Wamsler
http://dassagtenuff.blogspot.com/

Die Spinne Nr. 1

Cover der deutschen Nr. 1 von „Spider-Man“ alias „Die Spinne“, erschienen im Januar 1974. Das Motiv besteht aus Titelbildelementen der US-Ausgaben „Amazing Spider-Man“ # 98 und „Fantastic Four“ # 99.

Endlich! Nach acht Jahren und 98 innerhalb der Hit-Comics des bsv erschienen Originalausgaben, erfährt der deutsche Leser wie Peter Parker zu Spider-Man wurde. Zwar gab es hier und da diverse Rückblicke auf vergangene Ereignisse, doch die Origin Story hatte der Bildschriftenverlag nie abgedruckt. Auf insgesamt elf Seiten erzählen Stan Lee und Steve Ditko wie es sich zutrug.* Storyline (diese Origin liegt auch Sam Raimis erstem „Spider-Man“-Film zugrunde, der sich erstaunlich nahe an der Comicvorlage orientiert): Peter Parker, Streber und Außenseiter, wird beim Besuch einer Physikausstellung der Midtown Highschool von einer kurz zuvor radioaktiv verstrahlten Spinne gebissen. Das Tier hatte sich an seinem seidenen Faden genau in der Sekunde von der Decke heruntergelassen, als bei einem kontrollierten Experiment kurzzeitig Strahlung frei wurde. Im Todeskampf überträgt die Spinne ihre Kräfte und Fähigkeiten auf den Schüler, in dessen Blut sich das radioaktive Spinnengift verteilt. Eher zufällig bemerkt er, dass er problemlos an Häuserwänden emporklettern und Stahl verbiegen kann. Um seine neuen Kräfte zu testen, verkleidet sich Peter und stellt sich einem Schaukampf gegen „Crusher Hogan“. Den umgebundenen Damenstrumpf, den er dabei als Maske trägt, hat er vermutlich aus Tante Mays Wäschetruhe mitgehen lassen. Nach dem Kampf engagiert ein Fernsehproduzent den Jungen für die „Ed Sullivan Show“. Mit einem selbstgebastelten Kostüm und netzversprühenden Düsen bewaffnet, begibt er sich ins Rampenlicht. Nach diesem ersten Auftritt kann er sich vor Angeboten kaum retten. In seiner Selbstverliebtheit und Hochnäsigkeit lässt er einen Dieb, der von einem Wachmann verfolgt wird, ungehindert entkommen. Ein fataler Fehler, wie sich später herausstellt. Es folgen weitere Auftritte in der Öffentlichkeit und Spider-Man avanciert zum Star. Eines Abends jedoch, als Peter von einer seiner Shows nach Hause kommt, muss er feststellen, dass sein Onkel Ben von einem Einbrecher erschossen wurde. Als Spider-Man macht er sich auf, den Verbrecher zu stellen. Dieser hat sich in einem Lagerhaus der Firma ACME (Zeichentrickfans der Warner Bros. wohlbekannt aus den „Looney Tunes“-Episoden von Bugs Bunny, Road Runner, Daffy Duck, Tweety & Sylvester, den Tiny Toons u.v.a.) am anderen Ende der Stadt verbarrikadiert. Bereits nach kurzem Kampf hat Spidey den Gegner überwältigt. Zu seinem Erstaunen stellt er fest, dass es sich um denselben Gangster handelt, den er auf den Fluren des Fernsehstudios hat entkommen lassen. In Netz verpackt, lässt er den Bösewicht abholbereit für die Polizei hängen. Voller Selbstvorwürfe trottet der junge Mann in Richtung Sonnenuntergang und weiß: aus großer Kraft folgt große Verantwortung!

Fazit: Ein unübertroffener Klassiker in der Geschichte der Superhelden – Superman wäre so etwas bestimmt nicht passiert, andere Helden hätten nicht geweint, und Lucky Luke wäre nicht mit gesenktem Haupt gen Sonnenuntergang getrottet, sondern fröhlich singend in sein nächstes Abenteuer geritten – DER Meilenstein und Wegbereiter für das aufstrebende Marvel-Universum des sogenannten „Silver Age“ der US-Comics. Für die Zeichnungen engagierte Stan Lee die richtigen Leute: Steve Ditko, der dem Helden eine zerbrechliche Persönlichkeit einhauchte für die Innenseiten und Jack Kirby, der für das Titelbild einen mächtigen Superhelden in Szene setzte. So oft diese Story auch nacherzählt wurde, kein Zeichner oder Autor konnte je die Klasse des Originals erreichen.

Was insbesondere anhand der Entstehungsgeschichten der Marvel-Helden der frühen 60er Jahre auffällt, ist der laxe Umgang mit Radioaktivität. Da werden bei einer Physikausstellung mal kurz kontrollierte (!) radioaktive Strahlen freigelassen, ein Junge kann mit seinem Wagen ungehindert auf ein atomares Testgelände in der Wüste fahren, ein anderer wird bei einem Unfall mit einem ungesicherten Laster, der samt seiner strahlenden Ladung umkippt blind, vier Freunde kapern eine Rakete der US-Regierung und fliegen damit ins All, wo sie ebenfalls von enormen Strahlendosen beschossen werden, usw … Die Kritik, die Stan Lee damit an der Gesellschaft äußert, bleibt oftmals hinter den spannenden Storys verborgen. Man hatte einfach noch nicht den heutigen Wissensstand erreicht.

Die Williams-Version

Die Spinne Nr. 1 „Die Spinne“ (Januar 1974)
Die deutsche Titelangabe im „Spider-Man Index“ von Marvel Deutschland aus „Das fehlende Jahr“-Schuber: „Der Bücherwurm wird zur Spinne“ bezieht sich aufs Cover, ist allerdings nicht ganz korrekt, da der Name des Bücherwurms „Peter Parker“ fehlt und es „zu der“ heißen muss.
Cover der deutschen Nummer 1:
Leider verwendete man für Die Spinne Nr. 1 nicht das von Jack Kirby in Szene gesetzte Originalcover von „Amazing Fantasy“ # 15, sondern eine bearbeitete Version des Titelbilds von ASM # 98 (das spätere Williams-Heft Nr. 99) des damals vor allem durch seine Arbeiten innerhalb der DC-Serie „Green Lantern“ bekannten Zeichners Gil Kane. Schriftzug und Signet übernahm man von den bereits unter dem Verlagsnamen Williams erschienenen letzten Ausgaben der Hit Comics bzw. „Superhelden“-Reihe „Die Spinne“ (Nr. 252-254). Allerdings „kippte“ man den „Die Spinne“-Schriftzug auf der linken Seite leicht nach unten, so dass das gezeichnete Netz im Hintergrund nicht mehr ganz bis zur oberen Heftkante reichte. Das Superhelden-Signet wurde durch den Aufdruck „Marvel Comics“ ersetzt, wobei man auf den Hinweis „… is a trademark of the Marvel Group“ verzichtete. Dieser wurde erst ab den Heften mit dem größeren Signet („Die Spinne“ Nr. 68) in ähnlicher Form wieder eingefügt.
Der Grüne Kobold, den die neuen Leser noch nicht kannten bzw. kennen konnten, wurde vom Cover entfernt und durch den Helden aus der Zweitgeschichte, Prinz Namor – hier als „Aquarius“ – ersetzt. Die Schatten im blauen Teil von Spider-Mans Kostüm waren nachgezeichnet, vermutlich um seine Muskeln noch größer erscheinen zu lassen (oder wesentlich wahrscheinlicher: weil die Vorlage des Druckfilms schlecht war). Sein Gürtel war schwarz anstatt rot und ohne das übliche Netzmuster. Gil Kanes Signatur überdeckte man durch eine gezackte Textblase mit der Inschrift: „Haltet Euch fest, Leute! Jetzt kommt die Spinne!“. Sehr passend, da Spider-Man sich offenbar auch nicht festhalten konnte und deshalb die Wand eines Hochhauses herunterrutscht. Die coolen Löcher vor den Riefen, die er dabei hinterlässt, wurden erst für Williams Nr. 99 hinzugefügt. Was leider in keiner der beiden deutschen Versionen (Williams/Panini) sichtbar ist, ist Spider-Mans linker kleiner Finger der am US-Signet vorbeischrammt und dabei Spuren im Marvel-Comics-Schriftzug hinterlässt.

Im Kreis für den Titel „The Goblin’s Power!“ bzw. „Des Kobolds Kraft!“, steht auch der Titel dieser Erstausgabe: „Der Bücherwurm Peter Parker wird zu der Spinne!“ Für Aquarius, dessen Namen man wohl aus Aktualitätsgründen von Sub-Mariner (die „Yellow Submarine“-Zeit der Beatles war vorbei, Musicals wie „Hair“ und Songs wie „Aquarius“ und „Let The Sunshine In“ waren vermutlich eher angesagt) in Aquarius änderte, ließ man eine von den Sprechblasen des Grünen Kobolds stehen und fügte eine zweite hinzu. Darin war aus Namors Mund zu lesen: „Prinz Namor, der Held von Atlantis kehrt in sein Reich zurück!“ und „Zu spät, Verräter! Aquarius naht!“, was irgendwie wenig Sinn zu ergeben scheint. Die andere (für die spätere Williams-Ausgabe und US-Nachdrucke zweigeteilte, im Original einteilige) Sprechblase des Kobolds wurde vom Wasserstrahl, aus dem Namor mitten in der Luft und mehrere Stockwerke hoch (!) emporsteigt, verdeckt. Der aufsteigende Rauch aus dem Düsengleiter des Kobolds wurde ebenfalls entfernt und die entsprechenden verdeckten Stellen nachgezeichnet. Die für den Druck verwendeten Farben wirken hier aufgrund des besseren Papiers wesentlich kraftvoller als bei Williams‘ „Die Spinne“ Nr. 99. Gelb und Rot wurden im Schriftzug der Hefte übrigens genau umgekehrt verwendet (Die Spinne Nr. 1: rote Schrift mit gelb unterlegtem Schatten). Wer das Titelbild von ASM # 98 in den Originalfarben betrachten möchte, der sollte sich entweder Hit-Comics „Die Spinne“ Nr. 235 oder die US-Ausgabe besorgen.

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* Im Originalbild mit neuer Übersetzung nachzuvollziehen in dieser zeitgenössischen Panini-Leseprobe: http://www.mycomics.de/comic-pages/9980-spider-man-erstaunliche-abenteuer-die-spider-man-anthologie.html#page/2/mode/2up

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Für seine DECCA-Alben suchte sich Herrmann auch einige Werke anderer Komponisten heraus, die schon deshalb so gut zu seinem eigenwilligen Dirigat passen, weil sie seinen Stil beeinflusst haben: Ravel, Debussy, Strawinsky, Holst, Ives. In Herrmanns Interpretation der „Music Hall“-Passagen aus Eric Saties „La belle excentrique“ weht uns ein Hauch „Citizen Kane“ an, die „Gymnopedies“ lassen manch einen an „Vertigo“ denken. Aber welches sind nun Herrmanns wichtigste Vorbilder und Einflüsse? Häufig wird auf die „Ähnlichkeit“ seines „Vertigo“-Liebesthemas mit Wagners „Liebestod“ verwiesen oder „Psycho“ mit Strawinskys „Sacre du printemps“ verglichen. Das ist etwa so, als würde man Daffy Duck vorhalten, sein Schnabel sähe so ähnlich wie der von Donald aus. Wagner / Strawinsky legen es jeweils auf einen ganz anderen Effekt an als ihr späterer Kollege.

Aber wie ist es um Bernard Herrmann als Vorbild bestellt? Ähnlich wie Hitchcock – er sei hier noch ein letztes Mal bemüht – hat auch Herrmann im eigenen Lager (dem der Musiker) viele Bewunderer, aber niemanden, der ihm wahrhaftig nachgefolgt wäre.
Schnell hat man famose jüngere Künstler wie Jerry Goldsmith, James Horner oder Georges Delerue als jene zur Hand, die von ihm gelernt haben sollen, aber ich musste bei ihrer Musik noch nie an Herrmann denken. Nur hin und wieder bemerke ich überhaupt die Absicht, ihm nachzueifern (z.B. bei Patrick Doyles „Carlito’s Way“) doch dieses Wiedererkennen spielt sich nur im Kopf ab, als ein Indizienprozess ohne jegliche Herzensbewegung – undenkbar bei Herrmanns Musik, deren Wirkung sich schon bei den allerersten Tönen unentrinnbar entfaltet. Man kann ihn recht gut analysieren – ein wenig ist das ja auch in diesem Text unternommen worden –, kann beispielsweise feststellen, dass seine Harmonik oft auf Terzschichtungen im Sinne von Debussys Ganztonskala beruht, dass er  wie niemand sonst mit endlosen Wiederholungen zweitaktiger Motive zu bestricken versteht …  seiner Magie kommt man so nicht auf die Spur.

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* Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2015/02/06/hollywoods-karajan-hollywoods-george-martin/

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Weiterhin verneigt sich der „St. George Herald“ von den Mitarbeitern des Magazins „Charlie Hebdo“, die heute vor drei Jahren einem Attentat zum Opfer fielen.

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Ich bin gewissermaßen ohne „Schweinchen Dick“ aufgewachsen.  (“Und immer schön fröhlich bleiben!“) Das bedeutet, dass ich den kleinen Burschen in meinen ersten Tagen als TV-Zuschauerchen noch kurz erblicken durfte, doch gleich danach kam die Ächtung durch den Direktor des ausstrahlenden Senders wegen zu großer „Brutalität“.
Das erschien mir aus zwei Gründen absurd, aus einem positiven und einem negativen. Der positive: Schweinchen Dicks Kollegen aus dem Warner-Cartoon-Ensemble – so Daffy Duck oder der noch erheblich hinterlistigere Bugs Bunny – blieben im Programm, und bei „Tom und Jerry“ ging es auf dem gleichen Sendeplatz später noch doller zur Sache. Der weniger schöne Grund war meine Einschulung und der Beginn einer jahrelangen Turnversagerkarriere, gegen die sich diese Trickfilme wie eine Woche der Brüderlichkeit ausnahmen.

In letzter Zeit muss ich oft an jenen Schweinchen-Dick-Bann vor 44 Jahren denken. Wieder haben wir es mit kurzen, boshaften Filmchen zu tun, die vor allem von Kindern und Jugendlichen geschätzt werden. Sie heißen Pranks und laufen – natürlich – im Internet. Hier sind es reale Menschen, die gedemütigt und teilweise traumatisiert werden, und diese sind nicht in der Lage, ihre Deformation sofort wieder abzuschütteln. (Für diese Fähigkeit war Schweinchen Dick damals besonders harsch kritisiert worden!)
Ein weiterer Unterschied besteht darin, dass sich heute niemand dafür zuständig fühlt, uns mit der Lüge zu trösten, dieses Phänomen und seine möglichen Folgen ließen sich mit einem Verbot aus der Welt schaffen.
Na also: früher war doch nicht alles besser!

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Der Name Jones ist in den USA das, was bei uns der Name Schmidt ist. Und hier wie dort verpflichtet ein gewöhnlicher Name nicht zur Unauffälligkeit.

Spike Jones – Entertainer

Hin und wieder – aber wirklich nur ganz, ganz selten – zeigte der Arrangeur und Orchesterchef Spike Jones, dass er auch als konventioneller Schöntöner einer der Größten hätte werden können: in der ersten Strophe von „Laura“ etwa, im Intro von „Cocktails For Two“ oder immer wieder im Verlauf von „I Kiss Your Hand Madame“. Ansonsten waren seine Versionen großer Song-Klassiker der bare Irrsinn, der schiere Unfug, saukomische, drastische, anarchische Geräuschorgien. Selbstverständlich stimmten die Harmonien immer bei „Spike Jones And His City Slickers“. Er legte – wie sich das gehört – eine Fassung von Bizets „Carmen“ und anderen klassischen Werken vor, außerdem die meistgespielte Aufnahme des vielgetanzten „Black Bottom Stomp“. Auf einem berühmten Portrait des MAD-Karikaturisten Jack Davis hat Jones einen Revolver in der Hand – und das nicht, weil er so ein „guter Amerikaner“ gewesen wäre, sondern weil er damit verdammt gut grooven konnte. Jones’ Aufnahmen waren jahrzehntelang eine wichtige Quelle für Radiojingles, Comedyformate und den Kinderfunk.

Olivia Jones – Damenimitator

Travestie war nicht immer ein Vergnügen: viele ihrer Bediensteten arbeiteten sich im Fummel an ihrer privaten Weltmüdigkeit ab und bezogen ihre Lacher gerade deshalb (von schadenfroher Seite) und trotzdem (als aufmunternde Unterstützung der Mitleidenden). Inzwischen gibt es einen neuen Typus, der sich diesem Dilemma pragmatisch entwindet, z.B. die Hamburgerin Olivia Jones. So zuverlässig sie ihre Rolle ausfüllt, so wenig nimmt sie sich dabei selber ernst. Nie käme sie auf die Idee, aus ihrer Figur eine tragische zu machen, um sich beim Publikum anzubiedern. Und das ist gar nicht mal so häufig in der Welt der Unterhaltung, nicht nur bei Damenimitatoren.

Quincy Jones – Filmkomponist

Quincy Jones ist der Mann, der die drei erfolgreichsten Alben von Michael Jackson produzierte und der schon als Teenager mit Ray Charles und Lionel Hampton musiziert hat. Was bei den wohlverdienten Huldigungen der schwarzen Musiklegende allenfalls in Aufzählungen vergraben wird, sind seine Verdienste um die Filmmusik der 60er Jahre – daran konnte auch die zuletzt immense Beliebtheit dieser Ära anlässlich der Serie „Mad Men“ oder einiger Rat-Pack-Revivals nichts ändern. Aber wer einmal die unfassbar smoothen, coolen Soundtracks für „Mirage“ („Die 27. Etage“) gehört hat, für „In Cold Blood“ oder „The Cactus Flower“, der vergisst sie nicht. „In The Heat Of The Night“ ist ein oft gecoverter Hit, der „Soul Bossa Nova“ ein viel gespieltes Original. Die Vokal-Version des Titelthemas zu „The Pawnbroker“ von Sarah Vaughan ertönt leider nur auf dem Soundtrack-Album, nicht im Film. Ein verdammtes Pech für den Film.

Rick Jones – unvorsichtiger Teenager

Ohne ihn gäbe es keinen Hulk: am 10. Mai 1962 wettete Rick Jones mit seinen Freunden, dass er den Mut aufbrächte, sich mit seinem Cabrio ins Testgelände der schrecklichen Gamma-Bombe vorzuwagen. Bei dem Versuch, ihn von dort zu retten, wurde deren Entwickler, Dr. Bruce Banner, von einer reichhaltigen Dosis der Strahlung erwischt, nachdem er den Jungen in Sicherheit gebracht hatte. Seither ist er dazu verdammt, sich in ein grünes Untier zu verwandeln, wenn er sich zu sehr aufregt. Anfangs kümmerte sich Rick Jones noch um seinen väterlichen Freund, war eine Art jugendlicher Sidekick in der Tradition von „Batman“s Robin oder „Captain America“s Bucky, aber letztlich war der Hulk dazu bestimmt, ein einsamer Serienheld zu sein, eine Mischung aus Mr. Hyde und dem Monster von Frankenstein.

Chuck Jones – Trickfilmregisseur

Chuck Jones war der wichtigste Mann hinter Bugs Bunny, jenem rotzfrechen Trick-Karnickel, das die Disneys das Fürchten lehrte. Jones erfand für die Warner Brothers das liebestolle Stinktier Pépé le Pew und Karl, den räudigen aber erfindungsreichen Coyoten, der nie seinen Roadrunner gefangen hat. Später, bei MGM, war er der letzte Verantwortliche für „Tom und Jerry“, ehe diese von der großen Leinwand verschwanden – und mit den beiden wußte er ausnahmsweise nichts anzufangen. Seine Arbeit für die „Looney Tunes“ um Bugs Bunny, Daffy Duck & Co. blieb sein großes Vermächtnis – klassische 7minütige Trickfilme, die damals, Mitte des 20.Jahrhunderts, im Kino vor dem Hauptfilm liefen.
Als Glanzlicht seiner Karriere gilt „One Froggy Evening“, ein außerordentlich böser Cartoon von 1955, den Steven Spielberg als „The `Citizen Kane’ of the animated short‘ bezeichnete. Er erzählt von Gier, vom Showgeschäft und von einem Ragtime-Frosch, der nicht jedem etwas vorsingen möchte.

Miracle Jones – Büroangestellter

„Miracle Jones“ war Ende der 40er Jahre Held eines Comic-Strips – „Held“ in Anführungszeichen. Jasper P. Jones (Vor- und Nachname spielen auf die Durchschnittlichkeit dieses bebrillten, fast kahlen Männleins an) erlebt in seinen Tagträumen parodistische Abenteuer im Stile von „Dr. Jeckyll und Mr. Hyde“, „Moby Dick“ oder „Alice im Wunderland“. Im wirklichen Leben hatte er es auch nicht leicht: sein Autor und Zeichner Burne Hogarth arbeitete zur selben Zeit an einer Comicserie, gegen deren Ruhm alles andere auf seinem Zeichenbrett keine Chance hatte: „Tarzan“.

Sidney Jones – Operettenkomponist

Wer heutzutage in Erinnerung bleiben will, der sollte nicht gerade Operetten schreiben – ein Tipp, der für den Londoner Theater-Impresario Sidney Jones 120 Jahre zu spät kommt. Gut so, denn sonst hätte er vielleicht die Perlen „San Toy“ und „The Persian Princess“ nicht komponiert. 1896 legte er „The Geisha“ vor, ein Werk, das noch bis in die 70er Jahre hinein hierzulande immer wieder gern gespielt wurde. Okay – der Song „Chin, Chin, Chinamann, bist ein armer Tropf“ klingt heute fürchterlich angenagt, aber das „Papageienlied“ ist ein ungebrochen aktuelles Haustier-Chanson.

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