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„Star!“ ist ein Biopic über den britischen Theaterstar Gertrude Lawrence (– Theaterstar ist freilich eine schlimme Vereinfachung, die im Laufe der folgenden Zeilen ein wenig korrigiert werden soll). Dieses nur 54 Jahre währende Leben war so prall und reich, dass besagter Film insgesamt für zu lang befunden wurde – obwohl er sich  auf den künstlerischen Aspekt konzentriert und das Beziehungsleben auf die heterosexuelle Seite beschränkt.
“Star!“ hat seine 12 Millionen Dollar Produktionskosten nicht annähernd eingespielt. Für Menschen, die solides Entertainment schätzen ist er, 1968 von Alleskönner Robert Wise inszeniert, trotzdem unbedingt sehenswert.

Hauptdarstellerin Julie Andrews versucht schlauerweise nicht, Gertrude Lawrence zu imitieren. Sie vermittelt uns einen Eindruck, wie es so zugegangen sein mag in dieser Welt, die im Vaudeville begann und über glanzvolle Londoner Revuen bis an den Broadway führte*. Zu Beginn sehen wir sie mit ihren Eltern in der Londoner Music Hall die Arbeiterklasse belustigen: ein besoffenes, lautes, mit Obst werfendes „Ungeheuer ohne Kopf“ (wie Chaplin dieses Publikum beschrieb). Julie / Gertie steigt aus der Nummer aus, schmeißt das Obst zurück und bringt den Saal auf Linie – sehr zum Missfallen ihrer Kollegen.

Gertrude Lawrence mit ihrem ergebensten Autor und Spielpartner Noël Coward auf einem Tonträger, der sogar noch lieferbar ist.

In den folgenden knapp drei Stunden erleben wir eine Reihe musikalischer Darbietungen, die man auch von der unerschrockenen Julie Andrews nicht erwartet hätte. Zwei der Höhepunkte sind Cole Porters „The Physician“ und das Finale aus Kurt Weills Psychoanalyse-Musical „Lady In The Dark“, die legendäre „Saga Of Jenny“.

Der wichtigste Mann im Leben der Gertrude Lawrence dürfte ihr früher Autor und Spielpartner Noël Coward gewesen sein, dem sie im Gegenzug eine Grenzerfahrung zufügte. Von Lilli Palmer befragt, ob er jemals mit einer Frau geschlafen habe, antwortete Coward „mit seiner abgehackten, leicht verschnupften Stimme“: „Niemals! Niemals. Ein einziges Mal ist ein weibliches Wesen tätig geworden. Das war natürlich Gertie. Sie war zwölf, ich war elf. Wir waren beide Engel im Weihnachtsmärchen. Mit Flügeln, was die Sache erschwerte. Das Ganze fand in der Damentoilette hinter den Kulissen statt. Seither bin ich nie mehr vom Pfad der Tugend abgewichen.“
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* Zu ihrem letzten und größten Erfolg in New York siehe https://blog.montyarnold.com/2016/12/25/broadways-like-that-38-getrude-lawrence-am-broadway/

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In London geboren, trat sie 1924 in einer englischen Revue erstmals am Broadway auf. Zwei Jahre später übernahm sie die Titelrolle in Gershwins „Oh, Kay!“. Ihr Stimmumfang war offenbar nicht sehr groß, und Richard Rodgers etwa bemängelte, dass sie nicht immer ganz sauber sang. Sie muß aber – auch das berichtet Rodgers – eine Ausstrahlung gehabt haben, die das Publikum in ihren Bann zog. Als Protagonistin von Kurt Weills „Lady In The Dark“ gelang es ihr etwa, auf einen Höhepunkt des Stückes mit ihrer Darbietung der „Saga Of Jenny“ gleich noch einen Showstopper folgen zu lassen: die Ballade von Jenny, die sich immer so eindeutig entscheiden kann – zu ihrem Unglück.

In „The King And I“ nach dem Roman “Anna And The King Of Siam” von Margaret Landon der auch schon verfilmt worden war, spielte Gertrude Lawrence eine englische Erzieherin, die um 1860 an den Hof von Siam kommt, um den zahlreichen königlichen Nachwuchs zu unterrichten. Auch Gertrude Lawrence wurde von Ed Sullivan interviewt und erzählte, dass dies wohl die aufregendste Rolle ihrer Laufbahn gewesen sei. Dann trugt sie einen Song vor, den sie im Musical zusammen mit ihren Schülern sang und der eines der Grundmotive des Stückes benennt: einander kennenlernen – „Getting To Know You“.

Der klunge Intro zu „Getting To Know You“

Ohne es zuzugeben, wird natürlich der König selbst bester und eigenwilligster Schüler der ebenso eigensinnigen Anna. Yul Brunner spielte den König, eine Rolle, die ihn berühmt machte und ihn zeitlebens nicht mehr losließ. Noch im „The King And I“-Revival von 1977 stellte er wieder den König dar.
In seinem großen Solo „A Puzzlement“ versucht der König verwirrt, sich zurechtzufinden zwischen den neuen Einflüssen und den alten Traditionen.
Es bleibt nicht aus, daß sich zwischen Anna und dem König eine uneingestandene Liebe entwickelt. Das wird beiden klar, als Anna ihn nach einem großen europäisch ausgerichteten Festmahl für die englischen Gesandten das Polkatanzen lehrt – in einem der großen Hits der Show: „Shall We Dance?“.
„The King And I“ lief noch am Broadway, als Getrude Lawrence 1952 an Krebs starb. Sie wurde in ihrem Ballkleid aus dieser Szene beigesetzt.

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Zu den Neuerungen die mit „Oklahoma!“ Einzug hielten gehört auch der Brauch, Musicals kurz nach der Broadway-Premiere in Originalbesetzung für die Schallplatte einzuspielen. Dass dies also unabhängig vom noch nicht absehbaren Erfolg geschah, führte dazu, dass sich viele sonst vergessene Shows immerhin im „Original Broadway Cast Recording“ erhalten haben.

Auch wegen des ungewöhnlichen folkloristischen Sujets, hatte man der New Yorker Premiere von „Oklahoma!“ mit Skepsis entgegengesehen. Ein Bonmot kursierte: „Keine Beine, keine Witze, keine Chance!“ Es war dann gerade der Rückgriff auf amerikanische Traditionen, der einer der Gründe für den gewaltigen Erfolg von „Oklahoma!“ ausmachte.
Eine Bekräftigung amerikanischer Werte musste 1943 – zu Kriegszeiten – hochwillkommen sein. Diese Tendenz mag aber bereits in den 30er Jahren vorbereitet worden sein, als die Amerikaner – gebeutelt von der Depression – auf der Suche nach Identität und Kontinuität, ihr Land, ihre Traditionen gleichsam neu entdeckten.
In der Kunstmusik, etwa in den folkloristischen Balletten von Aaron Copland, schlug sich diese Strömung gleichfalls nieder. 1942 wurde an der Met sein Ballett „Rodeo“ uraufgeführt. Darin fiel eine erstaunliche Choreographie auf. Agnes DeMille, die Choreographin, wurde für „Oklahoma!“ engagiert. Und auch hier gelang ihr Außergewöhnliches. „Wir wollen keine Chorus Line, wir wollten Menschen“ war ihre Devise bei der Auswahl der Tänzer. So bestach denn auch an ihrer Choreographie zu „Oklahoma!“ die große Charakterisierungskunst, welche die Charakterisierung der Personen durch Texte und Musik tänzerisch ergänzte, vertiefte und fortführte.
Der Song “Out Of My Dreams” leitet zum zentralen Traumballett von „Oklahoma!“ über, das in DeMilles Choreographie den inneren Konflikt der Protagonistin – sie sieht sich zwischen zwei Männern – ihre Hoffnungen und Ängste sichtbar machte und deutete. Nicht nur Ballett war so in „Oklahoma!“ zu einem wesentlichen Bestandteil der Handlung geworden. Ebenso waren Musik und Texte stärker in die Handlungsstruktur integriert als die oftmals eher willkürlichen Nummern früherer Musicals. „Es war ein von vielen geschaffenes Werk, das den Eindruck erweckte, von einem allein geschaffen worden zu sein“, beschreibt Rodgers das Erfolgsrezept von „Oklahoma!“.
Bestrebungen zu einem von Thema und Gestaltung her anspruchsvolleren Musical lagen Anfang der 40er Jahre gleichsam in der Luft. Erinnert sei an Rodgers eigenes „Pal Joey“. Und auch Kurt Weill hatte 1941 mit „Lady In The Dark“ zu einer schlüssigen Beziehung zwischen Handlung und Musik gefunden. „Oklahoma!“ bündelte diese Tendenzen und vollzog den Schritt von der Musical Comedy zum gewichtigeren Musical Play, ein vergleichsweise seriöses Drama, aus Handlung Gesangs- und Tanznummern organisch hervorgehen. In ihren weiteren Arbeiten festigten Rodgers & Hammerstein dieses Konzept der Integration.

Für “Carousel”, das 1945 auf “Oklahoma!” folgte, hatte Oscar Hammerstein Ferenc Molnars Stück „Liliom“ bearbeitet. Vom Budapest des Jahres 1919 verlegte er es an die Küste Neuenglands im Jahr 1873. Zudem gab er dem Schluß des Stückes eine versöhnliche Wendung. Obwohl tränenreich, ist das Ende doch tröstlich. Wegen des emotionalen Gehaltes, aber auch, weil ihm seine Partitur besonders geglückt schien, schätzte Rodgers unter seinen Musicals “Carousel” am meisten. Es ist wohl in der Tat seine geschlossenste und musikalisch ehrgeizigste Arbeit.
Schon der Beginn macht dieses Streben nach Geschlossenheit deutlich. Der “Carousel Waltz” vermag den Ton des Stückes eindringlicher vorauszuempfinden als eine konventionelle Medley-Ouvertüre. Eine Ballett-Pantomime, die während seines Erklingens auf der Bühne abläuft, führt gleichzeitig in die Handlung ein. Musikalische und dramaturgische Verdichtung erzielt Rodgers aber vor allem durch das Einfügen von Musical Scenes, d.h. längerer Sequenzen aus ineinander übergehenden musikalisch untermalten Dialogen, eher rezitativischen Passagen und Songs.
Im großen Liebesthema der Show „If I Loved You“ belauschen wir den Dialog der beiden Hauptfiguren, die sich näherkommen, aber ihren Gefühlen füreinander noch nicht trauen und sich ausmalen, wie es wäre, wenn sie sich liebten. (Diesen Kunstgriff hatte Oscar Hammerstein schon zuvor angewandt.)

Die beiden großen Konjunktiv-Songklassiker von Oscar Hammerstein: „Make-Believe“ aus „Show Boat“ (1927) und „If I Loved You“ aus „Carousel“ (1945) – die Kunst, ein nicht-banales Liebesduett zu schreiben.

Als uneinholbarer Evergreen aus „Carousel“ hat sich jedoch – wenn auch erst mit einiger Verzögerung – ein Song aus dem Finale etabliert: „You’ll Never Walk Alone“.*

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* Siehe dazu den Blog vom 19.4.2017

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