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Für „Sleeping Beauty“ wollte Walt Disney einen besonders modernen Look haben und orientierte sich widerwillig an den Kollegen von MGM und UPA. Dieser Wagemut mag zum Misserfolg des Films beigetragen haben. Als Reaktion darauf ruderte Disney nicht nur stilistisch wieder etwas zurück, er verabschiedete sich auch vom extremen Breitwandformat, das ihm ohnehin nicht recht behagt hatte.

Auch musikalisch fällt „Sleeping Beauty“ etwas aus dem Rahmen, denn die Leistungen der glanzvollen hauseigenen Komponisten-Unit mussten pausieren. Disney entschied, das berühmte Ballett, das Tschaikowski dem Stoff gewidmet hatte, für den Soundtrack zu adaptieren und einige Themen daraus mit Text zu versehen. Der große Hit des Repertoires „Once Upon A Dream“ („Einstmal im Traum“) beruht auf dem „Dornröschen-Walzer“.
Für die Szene, in der die drei Feen das Geburtstagskleid für Dornröschen schneidern, wurde das nur 30sekündige Silberelfen-Thema verwendet und weitergesponnen. Die Passage „Heil der Königin“ machte George Bruns zum Eingangsthema des Films. Als die böse Fee Malefiz die Prinzessin mit List und Tücke verleitet, sich ans Spinnrad zu setzen, erklingt das Ballet-Thema des gestiefelten Katers.
Einmal wurde Bruns bei Tschaikowski nicht fündig. Er brauchte ein heiter-deftiges Trinklied für das Festmahl, bei dem der würdige König Stefan das Glas hebt und der rundliche König Hubert gleich die ganze Flasche nimmt. Das so entstandene Lied („in Taschaikowski-Manier“) heißt nach dem neu erfundenen königlichen Trinkspruch „Scumps“.

Bruns hatte einige Semester Ingenieur-Studium hinter sich, ehe er als Musiker zum Film ging. Das Arbeiten mit Zahlen bzw. mit der Stoppuhr machte ihm somit weniger Probleme als den vom Konzertsaal kommenden Kollegen. Angesichts der langen Vorlaufzeiten des Trickfilmgeschäfts hatte Bruns drei Jahre Zeit für seine Partitur. Zur vollen Blüte gelangte sein Stil erst in den Arrangements für „Das Dschungelbuch“, „Die Aristocats“ und „Robin Hood“ – Projekten also, bei denen der Disney Sound wieder bei seinen jazzigen Ursprüngen angekommen war. Zur Freude des Publikums.

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betr.: Hörspielarbeit von Orson Welles (30er Jahre) / „War Of The Worlds“ / „Citizen Kane“

1933 traf Herrmann in den CBS-Studios mit dem jugendlichen Theatergenie Orson Welles zusammen, der ihn zum musikalischen Leiter seiner heute legendären Hörspielproduktionen machte. Der Höhepunkt des „Mercury Theatre On The Air“ ist freilich die skandalöse Übertragung des „Krieg der Welten“*, doch auch die übrigen Welles-Hörspiele sind in den letzten Jahren veröffentlicht und analysiert worden.

Auf dieser 6stündigen Audio-Laserdisc kann man auch Bekanntschaft mit dem frühen Bernard Herrmann machen. (The Voyager Company, 1988)

In der wenigen Zeit, die Bernard Herrmann jenseits seiner CBS-Projekte blieb, brachte er seine drei konzertanten Hauptwerke zu Papier. Angeregt durch weihnachtliche Genre-Litographien des New Yorker Druckhauses „Currier And Ives“ entstand 1935 die Ballett-Suite „The Skating Rink“ (Die Eislaufbahn), in der bereits Vor-Echos auf „Citizen Kane“ zu vernehmen sind: motivische „Jingle Bells“-Einsprengsel nach dem Vorbild von Charles Ives. „Moby Dick“ war 1938 der erste Meilenstein auf Herrmanns Weg zu „Amerikas einzigem Musikdramatiker“, wie Miklós Rózsa ihn später genannt hat. Zunächst als Oper geplant, machte der Komponist aus dem berühmten literarischen Stoff auf den Rat seiner späteren Ehefrau und Librettistin Lucille Fletcher hin eine Kantate für Soli, Männerchor und großes Orchester. (Fletcher sollte einige Jahre später das Libretto für Herrmanns Oper schreiben.)  Es entstand eine kongeniale musikalische Nacherzählung der Geschichte des hasserfüllten Käpt’n Ahab, der mit dem weißen Wal und den Naturgewalten ringt. Niemand Geringeres als Sir John Barbirolli dirigierte 1940 die New Yorker Premiere des schlagkräftigen Chorwerks, was ihm einige Aufmerksamkeit einbrachte.

Die handelsübliche Plattenaufnahme von „Moby Dick“ zerrt leider in den lauteren Passagen, was auch in der CD-Version nicht besser wurde. (Unicorn, 1967)

Schließlich wandte sich Herrmann mit seiner 1940 beendeten einzigen Sinfonie der absoluten Musik zu. Das viersätzige Werk fängt im Wechsel unheilvoller Dies-Irae-Stimmungen und Passagen im heroischen Gestus die Stimmung am Vorabend des US-amerikanischen Kriegseintritts ein. Während er daran arbeitete, lud ihn Orson Welles ein, ihn nach Hollywood zu begleiten. Die Hysterie, die dieser mit dem „Krieg der Welten“ ausgelöst hatte, hatte die Filmwelt aufhorchen lassen.
Welles nahm nicht nur seinen Hauskomponisten mit,  auch die Schauspieler seines „Mercury“-Theater- und Hörspielensembles sollten seinen Debütfilm „Citizen Kane“ mitgestalten – allen voran Joseph Cotten, der auch später in Carol Reeds „Der dritte Mann“ an Welles‘ Seite bleiben sollte.

Über die kühnen Innovationen, die Orson Welles mit diesem Werk der Filmkunst antat, sind zahllose Bücher und Artikel verfasst worden**. Hier sei nur kurz darauf hingewiesen, dass sich diese Qualität auch auf die Filmmusik erstreckte.
Elmer Bernstein erzählt: „Bennie erschien (in Hollywood) auf der Bildfläche, als die mitteleuropäischen Komponisten ihre große Zeit hatten: Korngold und Steiner. Aber selbst Alfred Newman machte eigentlich mitteleuropäische Musik, eine Art Post-Tschaikoswki. Diese Art von Musik passte überhaupt nicht zu Bennies Wesen. Er sollte die Gefühle der Zuschauer nicht mit Melodien manipulieren, sondern mit einem ganz besonderen Sound, einem Zauberklang.“***
Herrmann begründete seinen Gegenentwurf  zur spätromantischen Filmmusik der frühen Tonfilmzeit, indem er seine Partitur nach der Art theatralischer Zwischenmusik in einzelne, in sich abgeschlossene Stücke zerlegte. Auf den verschachtelten Zeitebenen der Handlung arbeitet er mit den unterschiedlichsten Stilen – Can-Can, Polka, Galopp und Ragtime – und legt in der berühmt gewordenen Frühstücksmontage einen stilechten Waldteufel-Walzer vor.*** Herrmann hat „Kane“ wie auch seine übrigen Soundtracks selbst orchestriert, und bei jeder Gelegenheit äußerte er seine Verachtung für jene Filmmusiker, die das nicht taten (also fast alle anderen). Der “New York Times” erzählte er am 25.5.1941: „In orchestrating the picture I avoided, as much as possible, the realistic sound of a large symphony orchestra. (…) Most of the cues were orchestrated for unorthodox instrumental groupings.”

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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2014/12/20/wacht-auf-denn-eure-traeume-sind-schlecht/
** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2015/12/09/verfolgung-auf-schlittschuhen/
*** 1992 im Gespräch mit Joshuah Waletzky

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Zu den größten internationalen Kino-Schlagern des 20. Jahrhunderts – Das 21. wird in diesem Zusammenhang keine Rolle mehr spielen, woll’n wir wetten? – gehört „The Pink Panther Theme“ von Henry Mancini.
Mancinis Kompositionen sind nicht zu zählen, und es sind einige Ohrwürmer darunter – „Moon River“, der Elefantenbaby-Marsch aus „Hatari!“ oder „Die Dornenvögel“, um nur drei weitere zu nennen. „Der rosarote Panther“ hat von allen die bewegteste Geschichte. Sie sei hier kurz wiedergegeben.

Autogrammstunde in Hollywood

Im Jahre 1961 begann Mancinis Karriere mit einem doppelten Paukenschlag. Er hatte bisher für einige Mutations-Horrorfilme des Paranoia-Kinos* Szenemusik komponiert und den Orson-Welles-Film „Touch Of Evil“ betreut, da heimste er auf einen Streich zwei Oscars ein: „Bester Soundtrack“ für „Breakfast At Tiffany’s“ und „Bester Song“ für „Moon River“ aus ebendiesem Film. Es war eine Filmmusik, die sich erstmals deutlich vom Tschaikowski-Idiom absetzte, ohne vollständig in den Jazz oder Rock’n’Roll abzutauchen. Sie balancierte genau dazwischen und hatte schon etwas von jenem lebensfrohen, federleichten Swing, der kurz darauf von jungen britischen Musikern in der Popmusik etabliert werden sollte.
In einer Szene des Films schleichen Audrey Hepburn und ihr Verehrer durch einen Laden, um etwas zu stehlen. Sie tragen Tiermasken. Darunter stampft eine nicht ganz ernstgemeinte Jazzmucke. Hier – so sollten später einige Filmhistoriker feststellen – kündigt sich der rosarote Panther schon machtvoll an.

1964 produzierten die Mirisch-Brüder eine Art Caper-Movie, gewissermaßen die abendfüllende Version des Ladendiebstahls aus „Breakfast At Tiffany’s“. Der Schurke war ein schnieker Gentleman-Ganove mit kleinem Bärtchen, der (selbstverständlich!) von David Niven gespielt wurde. Ihm war das Eröffnungsmotiv gewidmet – aber das merkte niemand mehr, als der Film herauskam. Die Filmemacher um den Regisseur Blake Edwards waren auf die Idee gekommen, dem titelgebenden „rosaroten Panther“, einem geheimnisvoll schimmernden indischen Diamanten, eine Trickfigur zu widmen. Dieser Vorspann war nach Meinung einiger Kritiker „witziger als der eigentliche Film“**. In jedem Falle war mitverantwortlich für die Fortsetzung der Filmreihe, als deren Held sich der schusselige Ermittler Clouseau emanzipieren sollte. „The Pink Panther Theme“ wurde seine Erkennungsmelodie, und Zeichentrickvorspänne kamen allgemein groß in Mode.

Noch vor Inspektor Closeau machte das Panthertier Solo-Karriere – zunächst in dem oscargekrönten Kurzfilm „The Pink Phink“ (auch 1964), bald darauf in einer TV-Reihe, in der unzählige solcher Panther-Cartoons mit Mancinis Saxophonthema (eigentlich Vorfilme fürs Kino) zu 25minütern zusammgefügt wurden. Ab 1973 lief diese Serie unter dem Titel „Der rosarote Panther – Zu Gast bei Paulchens Trickverwandten“ im ZDF-Vorabendprgramm. Der Synchron-Autor, -Sprecher und Regisseur Eberhard Storeck textete dazu eine Abspannmusik, die mit der berühmt gewordenen Frage begann: „Wer hat an der Uhr gedreht?“ und mit dem legendären Versprechen endete „Heute ist nicht alle Tage, ich komm wieder – keine Frage!“ Storeck dichtete auch eine Erzählerspur über alle Cartoons, von denen einige (nicht nur mich) geradezu an Wilhelm Busch erinnerten.

Auch ohne Film wirkliche Poesie: Beginn eines gereimten Panther-Abenteuers von Eberhard Storeck.

Seither heißt der Panther – wenn auch nur in Deutschland, Österreich und der Schweiz – Paulchen und das „Pink Panther Theme“ die Paulchen-Panther-Melodie. Es wird gelegentlich mit der Serien-Erkennungsmelodie von Fred Strittmatter verwechselt, der Instrumentalversion von „Wer hat an der Uhr gedreht?“

In den 70er Jahren nahm die Clouseau-Filmreihe Fahrt auf, und das „Pink Panther Thema“ lag unter immer neuen Trickfilm-Kinovorspännen – zuletzt mit Steve Martin als Clouseau. Es stieg als letzter Tune ins klassische Jazz-Repertoire auf und erlebte Dutzende Cover-Versionen. Der Autor Heinz Strunk machte es quasi zur Titelmusik seines Bucherfolges „Fleisch ist mein Gemüse“: die lausige Tanzkapelle, in der er seine picklige Landjugend zubrachte, spielt diese Nummer als Auftrittsmusik. Jetzt ist es amtlich: Mancinis Klassiker ist endgültig im Trash angekommen.

Im November 2011 wird der NSU öffentlich bekannt, der bis dato mindestens zehn Menschen ermordet und in selbstgebastelten Videoclips verhöhnt hat. Diese Videoclips basieren auf den Paulchen-Panther-Filmen und verwenden Bild- und Tonmaterial daraus mit rassistischen Verfremdungen.
Das ist ein herber Schlag sowohl für die schicke Raubkatze als auch für den Musiktitel. Das könnte sein Ende sein – möglicherweise.
Es könnte aber auch sein, dass Paulchen-Panther und seine Erkennungsmelodie auch diese Schändung überleben und weiterswingen. Oder -grooven.

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* siehe dazu den Blog vom 14. Oktober 2015
** Friz Freleng und David H. DePatie waren seine Schöpfer

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