mit Alex Sobolla und René Hoffmann vom Gast-Podcast „Abspanngucker“

A) Halloween – Die Nacht des Grauens / Halloween
Amerikanischer Horrorfilm von 1978

Mit sechs Jahren hat der kleine Michael Myers seine Schwester bestialisch ermordet. Nach Jahren in der Psychiatrie, in denen er kein Wort gesprochen hat, bricht er aus und kehrt in seinen Heimatort zurück, um wieder zu morden. Zum 15. Jahrestag seiner Untat mischt er sich mit Horrormaske zu Halloween unters Volk. Sein Psychiater Dr. Loomis versucht vergeblich, ein neues Blutvergießen zu verhindern …

Sein dritter Film bescherte John Carpenter einen bis heute andauernden Weltruhm und machte die Debütantin Jamie Lee Curtis in zum Star, die als Laurie vor dem Irren auf der Flucht ist. Es sollte noch 15 weitere Jahre dauern, bis Halloween auch bei uns in die Folklore eingeführt wurde. Michael Myers wurde – wie sich das gehört – zum Serienhelden. 

B) Frankenstein – Das Experiment / Frankenstein
Amerikanischer Horrorfilm von 2015

Der ganze Stolz des Wissenschaftler-Ehepaares Frankenstein ist körperlich ein junger Mann, geistig ein Säugling. Die Freude über den künstlichen Menschen ist rasch vorüber, als er rapide zu verrotten beginnt. Seine Tötung misslingt, da er schier unverwundbar und unermesslich stark ist. Er entkommt und findet in den Slums vorübergehend Anschluss, während er körperlich immer abstoßender wird. Erst als er an den Ort seiner Entstehung zurückkehrt, um Rache zu üben, erfährt er, dass er sogar einen Namen hat: Adam …

Der Film von Bernard Rose verlegt die Geschichte in die Gegenwart, verzichtet auf die Arbeit mit Leichenteilen, nimmt die literarische Vorlage jedoch insgesamt ernster als die meisten der unzähligen Verfilmungen. Das teilweise unerträglich explizite Grauen wird weder durch Camp noch durch historische Kostüme oder wohligen Grusel gemindert und außerdem mit dem realen Horror der amerikanischen Unterschicht angereichert. Danny Huston und Carrie-Ann Moss spielen die Rabeneltern Frankenstein, Xavier Samuel die verstoßene Kreatur. Der Film erblickte das Licht der Leinwand nur auf einigen Festivals und kam auf Video heraus.

Nächste Woche: Gewalt und Leidenschaft und Lemming

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Thomas Mann (1875-1955)
Mario und der Zauberer

b) Cipolla – Der Zauberer

Er kam in jenem Geschwindschritt herein, in dem Erbötigkeit gegen das Publikum sich ausdrückt und der die Täuschung erweckt, als habe der Ankommende in diesem Tempo schon eine weite Strecke zurückgelegt, um vor das Angesicht der Menge zu gelangen, während er doch eben noch in der Kulisse stand. Der Anzug Cipollas unterstützte die Fiktion des Von-außen-her-Eintreffens. Ein Mann schwer bestimmbaren Alters, aber keineswegs mehr jung, mit scharfem, zerrüttetem Gesicht, stechenden Augen, faltig verschlossenem Munde, kleinem, schwarz gewichstem Schnurrbärtchen und einer sogenannten Fliege in der Vertiefung zwischen Unterlippe und Kinn, war er in eine Art von komplizierter Abendstraßeneleganz gekleidet. Er trug einen weiten schwarzen und ärmellosen Radmantel mit Samtkragen und atlasgefütterter Pelerine, den er mit den weiß behandschuhten Händen bei behinderter Lage der Arme vorn zusammenhielt, einen weißen Schal um den Hals und einen geschweiften, schief in die Stirne gerückten Zylinderhut. Vielleicht mehr als irgendwo ist in Italien das achtzehnte Jahrhundert noch lebendig und mit ihm der Typus des Scharlatans, des marktschreierischen Possenreißers, der für diese Epoche so charakteristisch war, und dem man nur in Italien noch in ziemlich wohl erhaltenen Beispielen begegnen kann. Cipolla hatte in seinem Gesamthabitus viel von diesem historischen Schlage, und der Eindruck reklamehafter und phantastischer Narretei, die zum Bilde gehört, wurde schon dadurch erweckt, dass die anspruchsvolle Kleidung ihm sonderbar, hier falsch gestrafft und dort in falschen Falten, am Leibe saß oder gleichsam daran aufgehängt war: Irgend etwas war mit seiner Figur nicht in Ordnung, vorn nicht und hinten nicht, – später wurde das deutlicher. Aber ich muss betonen, dass von persönlicher Scherzhaftigkeit oder gar Clownerie in seiner Haltung, seinen Mienen, seinem Benehmen nicht im geringsten die Rede sein konnte; vielmehr sprachen strenge Ernsthaftigkeit, Ablehnung alles Humoristischen, ein gelegentlich übellauniger Stolz, auch jene gewisse Würde und Selbstgefälligkeit des Krüppels daraus, – was freilich nicht hinderte, dass sein Verhalten anfangs an mehreren Stellen des Saales Lachen hervorrief.
Dies Verhalten hatte nichts Dienstfertiges mehr; die Raschheit seiner Auftrittsschritte stellte sich als reine Energieäußerung heraus, an der Unterwürfigkeit keinen Teil gehabt hatte. An der Rampe stehend und sich mit lässigem Zupfen seiner Handschuhe entledigend, wobei er lange und gelbliche Hände entblößte, deren eine ein Siegelring mit hochragendem Lasurstein schmückte, ließ er seine kleinen strengen Augen, mit schlaffen Säcken darunter, musternd durch den Saal schweifen, nicht rasch, sondern indem er hie und da auf einem Gesicht in überlegener Prüfung verweilte – verkiffenen Mundes, ohne ein Wort zu sprechen. Die zusammengerollten Handschuhe warf er mit ebenso erstaunlicher wie beiläufiger Geschicklichkeit über eine bedeutende Entfernung hin genau in das Wasserglas auf dem Rundtischchen und holte dann, immer stumm umherblickend, aus irgendwelcher inneren Tasche ein Päckchen Zigaretten hervor, die billigste Sorte der Regie, wie man am Karton erkannte, zog mit spitzen Fingern eine aus dem Bündel und entzündete sie, ohne hinzusehen, mit einem prompt funktionierenden Benzinfeuerzeug. Den tief eingeatmeten Rauch stieß er, arrogant grimassierend, beide Lippen zurückgezogen, dabei mit einem Fuße leise aufklopfend, als grauen Sprudel zwischen seinen schadhaft abgenutzten, spitzigen Zähnen hervor.
(…) man sah, dass ihm über dem linken Unterarm an einer Lederschlinge unpassenderweise eine Reitpeitsche mit klauenartiger silberner Krücke hing. Man bemerkte ferner, dass er keinen Frack, sondern einen Gehrock trug, und da er auch diesen aufhob, erblickte man eine mehrfarbige, halb von der Weste verdeckte Schärpe, die Cipolla um den Leib trug, und die hinter uns sitzende Zuschauer in halblautem Austausch für das Abzeichen des Cavaliere hielten. Ich lasse das dahingestellt, denn ich habe nie gehört, dass mit dem Cavalieretitel ein derartiges Abzeichen verbunden ist. Vielleicht war die Schärpe reiner Humbug, so gut wie das wortlose Dastehen des Gauklers, der immer noch nichts tat, als dem Publikum lässig und wichtig seine Zigarette vorzurauchen.
(…) Nachdem er seinen Seidenhut, seinen Schal und Mantel abgetan, kam er, im Rock sich zurechtrückend, die mit großen Knöpfen verschlossenen Manschetten hervorziehend und an seiner Humbugschärpe ordnend, wieder nach vorn. Er hatte sehr hässliches Haar, das heißt: sein oberer Schädel war fast kahl, und nur eine schmale, schwarz gewichste Scheitelfrisur lief, wie angeklebt, vom Wirbel nach vorn, während das Schläfenhaar, ebenfalls geschwärzt, seitlich zu den Augenwinkeln hingestrichen war, – die Haartracht etwa eines altmodischen Zirkusdirektors, lächerlich, aber durchaus zum ausgefallenen Persönlichkeitsstil passend und mit so viel Selbstsicherheit getragen, dass die öffentliche Empfindlichkeit gegen ihre Komik verhalten und stumm blieb. Der kleine »Leibesschaden«, von dem er vorbeugend gesprochen hatte, war jetzt nur allzu deutlich sichtbar, wenn auch immer noch nicht ganz klar nach seiner Beschaffenheit: die Brust war zu hoch, wie gewohnt in solchen Fällen, aber der Verdruss im Rücken schien nicht an der gewohnten Stelle, zwischen den Schultern, zu sitzen, sondern tiefer, als eine Art Hüft- und Gesäßbuckel, der den Gang zwar nicht behinderte, aber ihn grotesk und bei jedem Schritt sonderbar ausladend gestaltete. Übrigens war der Unzuträglichkeit durch ihre Erwähnung gleichsam die Spitze abgebrochen worden, und zivilisiertes Feingefühl beherrschte angesichts ihrer spürbar den Saal.
(…) Wirklich sah er schlecht aus zwischenein, hohläugig und verfallen. Das Gläschen brachte das jeweils ins gleiche, und seine Rede lief danach, während der eingeatmete Rauch ihm grau aus der Lunge sprudelte, belebt und anmaßend.

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https://www.penguin.de/buecher/thomas-mann-mario-und-der-zauberer/buch/9783730615294

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Dieser Film erzählt eine in den USA allseits bekannte Geschichte, sogar der Name des Helden wurde beibehalten. Bei uns mutet er geradezu satirisch an – obwohl auch wir von der Glotze einiges gewohnt sind.

Primetime
Schwarzhumoriges Drama von Lance Oppenheim

Vor gut 20 Jahren ist Chris Hansen eines der bekanntesten TV-Gesichter Amerikas. Sein Magazin „To catch A Predator“ lockt Pädophile zu fingierten Dates, um sie dann vor laufender Kamera bloßzustellen und verhaften zu lassen. Der alterslos jugendlich wirkende Nachwuchsschauspieler Dan Plumm funktioniert als Lockvogel so gut, dass er in dem reißerischen Reality-Format Karriere macht. Bei der Jagd nach einem „Wal“ – also einem prominenten Täter aus der Politik – geraten alle an ihre Grenzen: Hansen, der allmählich zum wahnhaften Kreuzritter mutiert, Plumm, der seine Chancen schwinden sieht, noch als seriöser Schauspieler arbeiten zu können, und die Produzentin Andie, die von der Konkurrenz aggressiv umworben wird. Sie alle setzt das abscheuliche Thema zunehmend unter Druck – besonders, als die Quoten sinken …

„Primetime“ ist das Spielfilmdebüt des US-amerikanischen Regisseurs Lance Oppenheim. Der Thriller dramatisiert die tatsächlichen Ereignisse um die MSNBC-Realityserie „To Catch a Predator“, die von 2004 bis 2007 lief, und um den noch heute aktiven Chris Hansen, der als allzeit beherrscht-autoritärer Moralapostel Kultstatus erlangte. Robert Pattinson ist auch Mitproduzent, an seiner Seite spielen Skyler Gisondo und Merrit Wever.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/primetime

Der Coup in dieser Besetzungsliste ist Skyler Gisondo als unbedarfter Zwanziger, der sich als Teenager zurechtmachen muss, um seine Opfer anzulocken und lange genug hinzuhalten. Seine Rolle ist zudem klug geskriptet und inszeniert. Dan ist ein im Grunde liebenswerter Junge, geistig-moralisch im selben Maße mit seiner neuen Aufgabe überfordert wie er als Typ ideal dafür ist. Seiner Erscheinung und seiner Fähigkeit, sich überzeugend die Stimme zu verstellen (ein Aspekt, an dem unsere Synchronbrache sich sicherlich verheben wird) steht ein begreiflicher Mangel an Lebenserfahrung und Überlebenstaktiken gegenüber. Dans Naivität wird durch das illustriert, was ihn begeistert und inspiriert. Zum einen das Musical „Rent“ – ein Werk, das bei immenser Oberflächlichkeit für seinen Tiefgang gefeiert wurde. Zum anderen die Interviewreihe „Inside The Actor’s Studio“, in der Hollywoodstars Seichtigkeiten von der Sorte absonderten „Du musst immer an dich glauben, wenn du es in Hollywood zu etwas bringen willst!“; „Bewahre dir immer ein kindliches Staunen!“ oder sogar komplett Irreführendes wie „Du musst in diesem Beruf immer du selbst sein!“, während Moderator James Lipton dazu ein wichtiges Gesicht machte. Pikant ist der Clip, der für den Film ausgewählt wurde: wir sehen Billy Bob Thornton, einen Spezialisten für die Darstellung irrer und perverser Typen.
Dans Musical-Begeisterung wird zum Schluss wieder aufgegriffen. In seinem letzten, ihn restlos verstörenden Einsatz für „To Catch A Predator“ darf er den Eröffnungs-Song aus „Rent“ zum Besten geben, um den „Wal“ einzulullen, das Lied, das er bei seinem Vorsprechen für die Sendung gesungen hat. Im Epilog sehen wir Dan bei seinem Versuch, von vorn zu beginnen und doch noch ein ernsthafter Schauspieler zu werden.

Robert Pattinson – so wird erzählt – hatte ursprünglich nur als Mitproduzent in Erscheinung treten wollen, als er schließlich die Hauptrolle übernahm. Der Brite wurde als asexueller romantischer Held in der „Twilight“-Saga berühmt und konnte mit interessanten Independent-Projekten an den frühen Erfolg anknüpfen. Nachdem er diese heikle Klippe seiner Laufbahn genommen hat, scheint er sein neues Rollenfach gefunden zu haben: den abgründigen, beschädigten Schönling. Dabei kommt ihm ein optisches Detail zugute wie es auch den jungen Sean Connery einst von anderen vergleichbar attraktiven Schauspielern seiner Generation unterschied. Was bei Connery die markanten Magenfalten, sind bei Pattinson die kleinen Hautunreinheiten am Unterkiefer, die die Kamera gern prominent aus leichter Untersicht in den Blick nimmt. Kürzlich wurde Pattinson in „The Odyssey“ als fratzenschneidender Brunnenvergifter vorgeführt. Die schwierige Aufgabe, seinem klischeehaften Charakter in „Primetime“ Komplexität zu verleihen, meistert er gut genug, um diese Scharte auszuwetzen.

Um die passende Atmosphäre zu schaffen, gönnt sich „Primetime“ ein konsequent-nostalgisches Look-and-feel im Bildschirm-Format, mit schlechter Auflösung und einem stilechten Soundtrack (der allerdings eher in die frühen 90er als in die 2000er verweist). Atmosphärisch orientiert er sich in an Vorbildern wie „Taxi Driver“ und imitiert in seinen TV-Sequenzen die schwül-verwaschene Ästhetik des umstrittenen Fotografen David Hamilton. Das Ergebnis ist ein fesselnder und über weite Strecken sehenswerter Thriller, der leider selbst nicht ganz von dem selbstgerechten Pathos seines Gegenstandes lassen kann. Außerdem ist der völlig überzüchteten Schlusssequenz deutlich anzumerken, dass Ari Aster die Produzentenriege anführt, dessen Vorliebe für wüsten Kitsch bei dieser um Relevanz ringenden Aufarbeitung einer „wahren Begebenheit“ gänzlich fehl am Platze ist. Bis zu dieser Entgleisung hat der Film zeitweise das Zeug zu einer Mediensatire, einer interessanten, raren und besonders schwierigen Gattung.
Es wird hochinteressant sein, „Primetime“ in ein paar Jahren wiederzusehen und zu betrachten, wie er sich im Rückblick schlägt. Schon jetzt lohnt er sich!

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Supergirl
DC-Superhelden-Abenteuer von Craig Gillespie

Kara Zor-El alias Supergirl (Milly Alcock) feiert ihren 21. Geburtstag mit einem Roadtrip – und zwar zusammen mit ihrem Hund Krypto quer durch die Galaxis. Abstand zur Erde ist ihr eigentlich ganz recht, denn dort steht sie sowieso nur im Schatten ihres Cousins Superman (David Corenswet). Außerdem stammen die beiden zwar vom selben Planeten, werden jedoch von den Gespenstern der untergegangenen Heimat ganz unterschiedlich heimgesucht. Während Superman bereits als Baby auf der Erde gelandet ist, musste seine Cousine mit eigenen Augen ansehen, wie Krypton in Schutt und Asche gelegt wurde. Jedenfalls bleiben sie und Krypto nicht lange allein: sie geraten an die kleine Schwertträgerin Ruthye Marye Knoll (Eve Ridley), die wiederum den Tod ihres Vaters rächen will. Eine neue, weitaus größere Bedrohung in Gestalt von Krem of the Yellow Hills (Matthias Schoenaerts) schweißt sie zum Team zusammen. DC-Schlagetot Lobo (Jason Momoa) ist etwas aus dem Leim gegangen, darf aber als komische Nebenrolle mitmischen …

Das DC Extended Universe geht in die nächste Runde – und Marvel-Überläufer James Gunn passt auf, dass es nicht zu viele Überraschungen gibt. Torben Sterner hat für den heutigen Podcast dennoch ein paar aufgespürt:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/supergirl

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Der Lyriker wie SF-Autor Thomas M. Disch resümiert die Erfahrungen, die dabei gemacht wurden, schließlich in den Achtzigerjahren mit dem Bekenntnis, dass der von vielen Stimmen der New Wave geteilte Gedanke, SF pflege, wie Lyrik, ein besonderes Verhältnis zur Metapher, der die Protagonistinnen und Protagonisten der Bewegung zur Anfertigung diverser „quasi-narrative Poems“ verführt hatte, für sich genommen unfruchtbar gewesen sei: Man hatte zu viel Gewicht auf das gelegt, was bei Hegel „Aussprechen“ heißt, und zu wenig auf den „Ausdruck“ – Dischs Pointe war, dass die „experimentelle“ SF diese Schwäche mit der Zeitgenössischen Lyrik teile, welche nach Entdeckung der Reimlosigkeit, des freien Zeilenfalls und anderer Prosa-Importe auf einen Kurs geraten sei, an dessen Zielpunkt die „contemporary poetry“ sich zwischen erstens Konfession, zweitens kurzer (soll heißen: weniger als hundert Verse), semisurrealistischer Vignette und drittens bloßem Gedankenornament als rhetorische Gebärde des Nichteinverstandenseins („expostulation“) in die Belanglosigkeit habe verirren müssen – die Kapitulation der Lyrik vor der Prosa auf ihrem ureigensten Territorium.

Dietmar Dath: „Niegeschichte“ – Matthes & Seitz Berlin

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Die Tschernobyl-Katastrophe ist – so die Literaturnobelpreisträgerin Swetlana Alexijewitsch – etwas, „wofür wir noch kein System von Vorstellungen, noch keine Analogien oder Erfahrungen haben, wofür nicht einmal unser bisheriger Sprachschatz ausreicht“. Die Explosion des Reaktors im ukrainischen Kernkraftwerk veränderte nicht nur eine Landschaft, sondern das Leben hunderttausender Menschen.

Über zehn Jahre hinweg hat Swetlana Alexijewitsch mit mehr als 500 Menschen gesprochen, deren Biografien durch den Reaktorunfall unwiderruflich geprägt wurden: mit Feuerwehrleuten und Liquidatoren, mit Bewohnerinnen und Bewohnern der evakuierten Stadt Prypjat, mit Bauern, Soldaten, Wissenschaftlern, Ärzten und Hinterbliebenen. Aus ihren Erinnerungen, Klagen und Bekenntnissen formte sie eine vielstimmige Chronik – einen „Chor lebendiger Stimmen“, der nicht die Geschichte der Katastrophe aus der Perspektive der Technik erzählt, sondern aus der Perspektive der Menschen.

Da ist die junge Frau eines Feuerwehrmanns, die in der Nacht der Explosion aus dem Fenster blickt und ihren Mann zum Einsatz gehen sieht. Sie folgt ihm bis in die Moskauer Klinik für Strahlenkrankheiten, bleibt heimlich bei ihm, obwohl Ärzte sie warnen, und erlebt, wie sein Körper sich unter der tödlichen Strahlung verändert. Ihre Erinnerung ist zugleich eine Liebesgeschichte und eine Geschichte des Abschieds. Andere erzählen von der Evakuierung der Stadt, die zunächst nur für drei Tage angekündigt war – Menschen verlassen ihre Wohnungen, ohne zu wissen, dass sie nie wieder zurückkehren werden. Soldaten durchstreifen die Zone und erschießen zurückgelassene Hunde und Katzen, die noch immer auf ihre Besitzer warten. Liquidatoren erzählen von der absurden Arbeit rund um den zerstörten Reaktor: von Hubschrauberflügen über dem offenen Kern, von Männern, die Graphitbrocken mit bloßen Händen wegschaffen, von der Erde, die man abträgt und wieder vergräbt, als könnte man die Katastrophe einfach unter einer neuen Schicht Boden verschwinden lassen.

Das Ergebnis dieser vielen Gespräche, das Buch „Tschernobyl. Eine Chronik der Zukunft“, erschien 1997. Der deutsche Schriftsteller und Dramaturg Frank Werner hat einen Teil des Werkes unter dem Titel „Gespräche mit Lebenden und Toten“ zu einem Hörspiel verdichtet – eine eindringliche akustische Komposition, die ohne Pathos, allein durch die Kraft der persönlichen Erinnerungen, entstand. Das Hörspiel wurde 1999 Hörspiel des Jahres in Deutschland und erhielt im Jahr 2000 den Robert-Geisendörfer-Preis. Interessierte sollten am Sonntag, dem 2. einschalten, denn die Sendung wird nicht auf der Ö1-Homepage nachhörbar sein.
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„Gespräche mit Lebenden und Toten“ von Swetlana Alexijewitsch, Bearbeitung: Frank Werner, Übersetzung: Ingeborg Kolinko, mit Ilse Strambowski, Peter Gavajda, Viola Morlinghaus und Konstantin Graudus, technische Realisation: Ingo Siegrist, Tanja Betzholz und Karin Beaumont, Regie: Ulrich Gerhardt (SR/NDR/WDR/SFB-ORB 1998)

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Diese delikate Situation aus Pierre Boulles Science-Fiction-Geschichte „Planet der Affen“ (1963) hat ihre Entsprechung in einer charmanteren Szene des berühmten Films von 1968, der seine Figuren etwas freundlicher behandelt. Sie wurde so in den Marvel-Comic von Mike Esposito (1974) übernommen.

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Soeben wird der Tod von Terence Stamp gemeldet. Das ist mir und dem Podcast „Kultfilm Azubis“ eine Programmänderung wert. Das ohnehin geplante Gespräch über seine frühe Glanzleistung „Der Fänger“ wird auf kommenden Freitag vorgezogen, „E. T.“ kommt nächste Woche dran. Das hat der Verstorbene verdient, singt er doch Woche für Woche zusammen mit Monica Vitti unsere Abspannmusik.

Terence Stamp widerfuhr mehrere Nummern kleiner, was auch sein Kollege Alec Guinness erleben musste. Nach einem langen Leben als einer der Größten der britischen Schauspielkunst setzte er sich ausgerechnet als greiser Mentor eines Helden in einem sensationell erfolgreichen Trashprodukt im Bewusstsein des Publikums fest. Stamp war in jungen Jahren immerhin von Peter Ustinov entdeckt worden, der dem Unbekannten die Rolle des Billy in „Die Verdammten der Meere“ anvertraute. Das ist viel Verantwortung, denn der Stoff steht und fällt mit der Anmut, dem Charisma und der Integrität, die hier in einem Darsteller zusammentreffen müssen: Billy Budd ist auf den britischen Inseln eine mythische Figur.
Es gelang! Und Stamp drehte mit Fellini, Pasolini, Steven Soderbergh und William Wyler. Erinnert wird sich jedoch nur an seinen Fiesling aus den „Superman“-Filmen mit Christopher Reeve, die heute eher Mitleidsreflexe auslösen: wegen ihrer kleinbürgerlichen Steifheit, wegen der veralteten Effekte und wegen des tragischen Schicksals ihres Hauptdarstellers Christopher Reeve.
Terence Stamp wird es ähnlich gehalten haben wie Alec Guinness: er wird auf dem Weg zur Bank über sein Missgeschick geweint haben. Oder um es mit Michael Caine – einem anderen künstlerisch untadeligen Briten – zu sagen: „Wer seine Miete bezahlen will, kann nicht ausschließlich Kunst machen“.

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