Nächste Woche: Marlene (1983) und Fedora, zu Gast: Karola Oswald

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The Uprising – Für die Freiheit
Historiendrama von Paul Greengrass

England im Jahre 1381. Ein einfacher Farmer, den wir nur als „der Pflüger“ vorgestellt bekommen, hat Frau und Kinder durch die Pest verloren. Der gerade mal 14-jährige König Richard II. wird vom Kreis seiner korrupten Berater dazu angetrieben, das Volk mehr und mehr zu schröpfen. Als es bei einem Auftritt des Steuereintreibers zu besonders rohen Entgleisungen kommt, zettelt der Pflüger einen Bauernaufstand an, der immer weitere Kreise zieht und schon bald vor den Toren des Königshofes ankommt …

Der Film setzt den Trend einer betont schmucklosen Darstellung historischer Verhältnisse fort, der das Spätmittelalter von allem Glamour der alten Ritterfilme aus Hollywood entkleidet. Die Dreharbeiten fanden in Bayern statt. Die Handlung mutet an wie eine Vorgeschichte zum Robin-Hood-Mythos, spielt jedoch gut hundert Jahre später. Nach einer Reihe von Umbesetzungen wird die Hauptrolle von Andrew Garfield gespielt.

Monty Arnold und Volker Robrahn sahen den Film vorab:
https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/the-uprising-fuer-die-freiheit

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Die Dokumentation „Hateland – Die Schill Show“ ist ebenso eitel, halbseiden, populistisch und para-seriös wie ihr Gegenstand. Das heißt dann wohl: Mission accomplished.

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* Kontakt: hateland@wdr.de. Netiquette für Kommentare: https://www1.wdr.de/hilfe/kommentarregeln100.html

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Eine Pandemie hat einen Großteil der Weltbevölkerung ausgelöscht. Der Pilot Big Hig lebt mit seinem Hund Jasper in einem verlassenen Flugzeughangar in Colorado. Familie und soziales Umfeld sind ausgelöscht, nur der Ex-Marine Bangley leistet ihm noch Gesellschaft. Eines Tages empfängt Hig einen Funkspruch, der ihm Hoffnung macht, da draußen könnten noch die Überreste einer Zivilisation existieren. Er macht sich mit seiner Cessna auf die Suche nach dem Absender des Signals.

Das Drehbuch von Mark L. Smith und Christopher Wilkinson basiert auf dem 2012 veröffentlichten Roman „Das Ende der Sterne wie Big Hig sie kannte“ von Peter Heller. In den USA startet der Film einen Tag später als bei uns.

Volker Robrahn sah ihn vorab:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/das-ende-der-sterne

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Ich sehe dem Erfolg dieses Films mit Neugier und einer gewissen Besorgnis entgegen. Wenn er mit diesem Konzept an der Kinokasse durchkommt, dürfen sich die Chefs der großen Datenkraken freuen. Und mir wird dann so richtig schlecht.

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Als der später weltberühmte John Dos Passos aus Virginia durch die Länder des Nahen Ostens reiste, war er 25. Der Sohn eines vermögenden Rechtsanwalts war schon als Schüler mit seinem Privatlehrer um die Welt geschickt worden. Er sollte die Meisterwerke der Klassik und Antike im Original studieren. Nach Abschluss seines Harvard-Studiums 1916 zog es ihn nach Spanien, und im Sommer 1917 trat er in den Krieg ein, in dem er sich auf französischer Seite zum Dienst als Krankenwagenfahrer meldete. Das Kriegsende erlebte er in Paris und studierte an der Sorbonne. Sein erster Roman mit dem Titel „1917“ erschien in den USA ein Jahr, bevor er zu der Reise aufbrach, die in „Orient-Express“ geschildert wird.

Der Bericht beginnt mit der Überfahrt über den Atlantik und der Durchquerung Europas mit dem Zug, ab Konstantinopel wechseln die Fortbewegungsmittel. Eine Karawane oder ein Güterwaggon werden noch zu den kommoderen Varianten gehören. Dos Passos sieht die Verheerungen des Türkisch-Griechischen Kriegs. Er verbringt drei Wochen in Bagdad und beobachtet die Neuordnung des Irak durch die Briten, schreibt über die Ermordung der Armenier und über islamischen Fundamentalismus. Er erkrankt an Malaria-Fieber, lässt sich einen Bart wachsen und überredet die Chefin des britischen Nachrichtendienstes, ihn bei einer Expedition durch die syrische Wüste zu unterstützen. Überall wird der Reisende daran erinnert, dass der Erste Weltkrieg noch immer seinen Schatten auf die ganze Region wirft.
In seinem Nachwort schreibt Stefan Weidner: „Der aufmerksame Leser dürfte es gemerkt haben: Dos Passos reist von Teheran bis Damaskus ohne jegliche Pass- oder Grenzkontrollen. Und ohne Grenzkontrollen wäre er auch bis Gaza gekommen, wenn er gewollt hätte – eine heutzutage unvorstellbar traumwandlerische Art, den nahen Osten zu bereisen.“

Im Jahr 1925 wird John Dos Passos‘ episodischer New-York-Roman „Manhattan Transfer“ die amerikanische Moderne einläuten und ihn weltberühmt machen. 1970 wird der Autor in Baltimore sterben.

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Es geht das Gerücht, so richtig interessant wird es für euch, die ihr uns zuhört, wenn wir uns im Gespräch über Kultfilme und solche, die es werden wollen, in diesem Podcast gehörig in die Haare kriegen. Jedenfalls erklingen zum Abschluss unserer Sommerserie für alle, die gern die Fetzen fliegen sehen, drei Gespräche, bei denen wir nicht einer Meinung waren. Und zwar überhaupt nicht. Unter dem Motto „Zwei Stühle, sechs Meinungen“ hören wir noch einmal in unsere erste Staffel hinein und zweimal in die zweite.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/summer-of-kult-zwei-stuehle-sechs-meinungen

Blow Up
Britisch-italienischer Mystery-Thriller von 1966

London in den Swinging Sixties. Der hippe, erfolgreiche, aber vom Leben angeödete Modefotograf Thomas fotografiert im Park von weitem ein diskutierendes Liebespaar. Bei der Entwicklung der Bilder fällt ihm ein seltsames Detail auf. Als er dieses immer weiter vergrößert – to blow up -, glaubt er, einen Mord fotografiert zu haben. Es gelingt ihm nicht, einen seiner Freunde für diese aufregende Entdeckung zu begeistern. Die Frau auf den Bildern hat umso größeres Interesse daran. Sie wird bei Thomas vorstellig und fordert die Herausgabe des Negativs. Er trickst sie aus, doch dabei bleibt es nicht …

Der italienische Starregisseur Michelangelo Antonioni begann als Assistent von Roberto Rosselini und entwickelte dessen Stilrichtung, den damals tonangebenden Neorealismus, ab 1950 selbstbewusst weiter. Als Antonioni mit „Blow Up“ seinen ersten Film in englischer Sprache vorlegte, war er bereits einer der Größten des europäischen Kinos. Dieser Film bist bis heute sein beliebtester, der meistdiskutierte und am häufigsten wiederaufgeführte.

Als Steven Spielberg kürzlich mit „Disclosure Day“ in unsere Kinos kam, schrieben viele Rezensenten, damit sei er zurückgekehrt zu seinem eigentlichen Thema: dem Weltraum (von der Erde aus gesehen) und den Aliens.
Das ist spontan eine verblüffende Einordnung, wenn man bedenkt, wie vieler unterschiedlicher Milieus und Genres Spielberg sich in den mehr als 50 Jahren seiner Karriere angenommen hat. Auf den zweiten Blick ist es umso einleuchtender. Die Science-Fiction-Parabel „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ war 1977 der erste Film, in dem uns der Regisseur auf seine unverwechselbare Weise versprach, alles würde gut werden. Das sollte fortan ein Markenzeichen seines Personalstils sein. Fünf Jahre später machte sich Spielberg mit dem folgenden Werk zu so etwas wie dem Ehrenpräsidenten des Ministeriums für außerirdisches Leben.   

E.T. – Der Außerirdische / E.T. – The Extra-Terrestrial
Amerikanisches Science-Fiction-Märchen von 1982

Als ein Raumschiff aus einer fernen Galaxis seinen Erkundungsflug zur Erde Hals über Kopf beendet und abfliegt, bleibt einer der Passagiere in einem Waldgebiet nahe Los Angeles zurück. Der kleine runzlige Kerl versteckt sich in einem Geräteschuppen, wo er vom Sohn der Familie Toomey entdeckt wird. Der zehnjährige Elliott nimmt E.T., den Extra-Terrestrischen, heimlich mit auf sein Zimmer, füttert ihn mit Schokolade und bringt ihm Sprechen bei. Während E. T. ein Funkgerät zusammenbastelt, um seine Artgenossen zu Hilfe zu rufen, macht sich die Regierung auf die Suche nach ihm. Sie hat von seiner Ankunft Wind bekommen und möchte ihn konfiszieren. Es stellt sich heraus, dass E.T. die Anwesenheit auf der Erde gesundheitlich nicht bekommt. Ein Wettlauf mit der Zeit beginnt – und der uralte Kampf der unschuldigen Kinderseele gegen die korrupte Welt der Erwachsenen.

Über Steven Spielbergs alles überragenden Welterfolg ist kaum etwas Freundliches ungesagt geblieben. Hier kommt ein stellvertretendes Zitat von vielen, die die Begeisterung teilten. Das Filmlexikon des Katholischen Filmdienstes freute sich über ein Werk, das die unbeschwerte Trivialität des Comicstrip, die technische Phantasie des Science-Fiction-Films und familienfreundliche Sentimentalität zur perfekten Kinounterhaltung verarbeitet.

Erstaunlich oft stehen Kinder im Mittelpunkt der Filme, die wir uns gemeinsam ansehen. Warum das so ist? Mal in Ruhe überlegen.
Für Horrorfilme jedenfalls gilt: hier sind die lieben Kleinen in der Regel die Bösewichte. Und nichts für ungut: sie können ja schon recht gruselig rüberkommen mit ihren großen Köpfen, ihren noch größeren Augen und ihrem unerfindlichen Innenleben. Oswalt Kolle hat einen Bestseller darüber geschrieben: „Dein Kind, das unbekannte Wesen“.
Doch nur wenige Jahre später wendet sich Blatt. Wenn aus dem Kind ein Teenager wird, mutiert es im Horrorfilm von der Bedrohung zur bedrohten Art.
Die Helden unseres nächsten Films beschreiben genau diesen Übergang vom einen Rollenfach ins nächste.
Zum letzten Halloween hatten wir die Kollegen vom Podcast „Filmtieftauchen“ zu Gast, die sich in wechselnder Besetzung mit uns zwei Horrorfilmen gewidmet haben. Ich habe diese große Runde sehr genossen, besonders im zweiten Teil, wo die Urteile weiter voneinander abwichen als beim Kettensägenmassaker in unserem Hauptfilm „Blutgericht in Texas“. Ich grüße Susann und Asfaha und hoffe, sie sehen es mir nach, dass ich unser Vierergespräch für die heutige Collage ganz auf meinen Showdown mit Torben zugeschnitten habe, meinem Bösewicht. Das komplette Gespräch über beide Filme steht in unserer Mediathek.

The Visit
US-Teenie-Horrorfilm von 2015

Die Teenager Tyler und Rebecca haben durchgedrückt, ihre Großeltern besuchen zu dürfen, obwohl sich Mutter Loretta vor langer Zeit restlos mit ihnen überworfen und den Kontakt abgebrochen hat. Während sie eine Kreuzfahrt mit ihrem neuen Lover macht, fahren der extrovertierte Tyler und seine pfiffige große Schwester für eine Woche aufs Land. Rebecca filmt die ganze Reise mit dem Smartphone, um sie zu einer Doku zu verarbeiten. Die Kids werden herzlich empfangen, wundern sich jedoch bald darüber, wie seltsam das Alter die Menschen macht. Nach und nach werden ihnen Oma und Opa immer unheimlicher …

Der gesamte Film ist als Found-Footage-Montage gestaltet. Das mag damit zusammenhängen, dass Autorenfilmer M. Night Shyamalan nach seinem Durchbruch mit „The Sixth Sense“ einen Abstieg hinnehmen und kleinere Brötchen backen musste. Doch die kleine Form bekommt dem Ergebnis ausgezeichnet. „The Visit“ ist ein klug aufgebautes, raffiniertes und gut besetztes Kammerspiel, das sämtliche Shyamalan-Unsitten davor und danach vermeidet. Sogar die Synchronfassung ist meisterlich.

Und damit endet „Summer Of Kult“, unsere Sommerserie aus dem Archiv. Dass weibliche Kultstars und -Azubis wie Marilyn Monroe, Bette Davis, Marlene Dietrich und Margaret Rutherford hier gefehlt haben, hat Materialgründe und hängt natürlich auch mit dem Publikumsverhalten zusammen, das unserem Podcast zugrundeliegt. Es versieht uns aber auch mit guten Vorsätzen für die nahe Zukunft.

Nächste Woche mit dem Gast Bürger Lars Dietrich und den Filmen Im Himmel ist die Hölle los und Vorwiegend heiter

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Horrorfilme sind heute wertiger als früher, die Zeit des billig flimmernden Grusels ist vorbei. Was das bedeutet und wie es sich anfühlt, das lässt sich nun anschaulich im Kino erleben.

Insidious – Out Of The Further
von Jacob Chase

Die Zahnärztin Gemma Hall hatte eine mehr als traumatisierende Kindheit. Schließlich musste sie hilflos miterleben, wie sich ihre schwer gestörte Mutter an den Badezimmerkacheln selber den Schädel einschlug.
20 Jahre später ist Gemma Mutter einer kleinen Tochter und weist die Bedenken ihres Freundes, des jungen Polizisten Nick Mendoza, zurück, der sich wundert, dass sie noch immer in dem Haus wohnt, in dem sich so grauenvolle Dinge zugetragen haben – der Tod der Mutter war ja nur das Finale tagtäglichen Irrsinns. Nicks Besorgnis erweist sich als begründet. Eines Tages beginnt ein finster aussehendes Trio alter Leute – Stadtstreicher vielleicht? -, in ihrer Straße auf- und abzumarschieren und Gemma anzustarren. Bald darauf häufen sich in ihren vier Wänden paranormale Vorgänge. Gemma ist sicher: nicht das Haus ist verflucht, ich bin es selbst. Sie nimmt den Kampf mit den Chimären auf …

Die „Insidious“-Reihe hat seit 2010 weltweit bereits über 740 Millionen Dollar eingespielt. Die Figuren dieser Geschichte sind neu, ihr Schicksal setzt keine Vorkenntnisse voraus.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/insidious-out-of-the-further

Der Komiker Otto hat in den 70er Jahren in seiner TV-Show festgestellt, es gebe in ganz Hamburg keine 28-Zimmer-Wohnung. Wer gern ins Kino geht, der weiß: in der amerikanischen Vorstadt sind solche Behausungen Gang und Gäbe. Das Haus in dieser Geschichte hat außerdem die Besonderheit, dass jedes Zimmer die Größe eines Klassensaals hat, auch die Kellerräume sind riesig. Vielleicht ist das Grund dafür, dass Gemma nach allem, was geschehen ist, auch als Erwachsene an dieser Immobilie festhält und ihr Töchterchen Maya dort großziehen will. Aber in diesem Film sind alle Räume in allen Gebäuden drei Nummern größer, auch die im zahntechnischen Institut, in dem Gemma arbeitet („Second Smile – Family Dentistry“), oder das örtliche Tattoo-Studio. Ganz besonders geräumig ist die Waschküche, in der Gemma ein gewaltiges Archiv eingerichtet hat, eine Mischung aus Rumpel- und Asservatenkammer, in der sie auch die Beweisstücke des gewaltsamen Todes ihrer Mutter aufbewahrt, noch immer verpackt in den beschrifteten Plastikbeuteln der Polizei.
Maya ist ein besonders liebes und hübsches Mädchen. In der Tat ist sie so penetrant entzückend, dass man sie am liebsten aufs Internat schicken möchte. Wann immer Mama von einer Gespensterattacke geschüttelt wurde, aus einem Alptraum oder einer Trance erwacht, unter deren Bann sie Möbel umgeworfen oder Essen verschüttet hat, steht das Kind mit Fremdscham-Blick im Zimmer und fragt: „Mom, bist du okay?“
Dieser Kontrast – hier die von Furien gehetzte Heldin, die ihrer irren Mutter immer ähnlicher wird, dort das patente, kluge, liebe Kind – ist typisch für die Gegensatzpaare, mit denen der Film arbeitet: die sonnig-kitschfarbenen Bilder der realen Welt contra die blaustichige Albtraumwelt der Dämonen; das saubere zahnmedizinische Institut contra die kiezige Tattoo-Werkstatt; die rosige Schönheit ihres Latino-Lovers Nick contra die gerontische Hässlichkeit des warzigen alten Störenfrieds, der sich bei ihr auf den Behandlungsstuhl legt, um ihr seine zerborstenen Zähne zu präsentieren, zwischen denen kleine Parasiten herumkrabbeln …

Ein weiteres wiederkehrendes Motiv von „Insidious – Out Of The Further“ ist das Einsammeln sämtlicher Horrorfilmklischees, an die sich irgendjemand aus dem Produktionsteam erinnern konnte: Besessenheit, plötzlich auftauchende ekelige Fratzen, Psychoterror in der Nachbarschaft, Psychoterror in der eigenen Familie, knarrendes Holz in der Nacht, Spukhaus-Horror, Body-Horror, Lebensmittel-Horror, Rätsel, die zu lösen sind, schlecht aufgelöste VHS-Videos als Zeichen des Bösen, sonstige Found-Footage-Effekte, Spinnen, Verstümmelung, Schatten, aus denen etwas herausgerollt kommt, schlechte Tischmanieren, Zombies, Kannibalismus, Klaustrophobie, Nekrophilie, Alkoholismus, Satanismus, bedrohte Augäpfel, Ratten und anderer Schädlingsbefall, Fingernagelfolter, sonstige Folter, hässliche Oma-Tapeten, wildgewordene Hippie-Sekten, esoterisches Guru-Gelaber, Monster unterm Bett, ängstliche Blicke durch die Lamellen-Schranktür wie in „Blue Velvet“, eine kopfstehende „Stranger Things“-Parallel-Horrorwelt, der aufwallende Nebel aus „The Fog“, beiseitegerissene Duschvorhänge wie in „Psycho“, der grisselige, quadratische 70er-Jahre-Fernseher aus „Poltergeist“, Walkie-Talkies, aus denen seltsame Stimmen sprechen, technisch tiefergetunte Männerstimmen, angeklebte Warzen und Glatzen, seltsame Dinge, die nicht mit bloßem Auge, sondern nur auf dem Monitor zu sehen sind, verhexte Alltagsgegenstände, Haushaltsgeräte und Spielsachen, Alter und Fäulnis in Großaufnahme, eine Kühltruhe im Keller, Türen, die von selber auf- und zugehen, altmodisch eingerichtete Räume mit Sesseln, die nicht zusammenpassen, eine Zwangsjacke, grelle Blitze, höllische Energie, die die Figuren rückwärts umwirft, Gestöhne im Kriechkeller, Naturgesetze im On-Off-Modus und Jumpscares, Jumpscares, viele viele Jumpscares. Das einzige, was fehlt, sind Vampire (immerhin gibt es viele eklige Zähne) und Werwölfe, aber vielleicht habe ich sie in dem ganzen Durcheinander einfach übersehen.

Für sich betrachtet ist das alles technisch makellos umgesetzt, kein Vergleich mit den Billigprodukten, die das Genre des Horrorfilms lange dominiert haben. Doch während früher manchmal das Problem auftrat, dass sich gute Ideen nicht befriedigend umsetzen ließen, leide ich hier und heute unter dem Gegenteil: es ist alles möglich, es wird alles gemacht und bildgewaltig vorgeführt – ganz einfach weil es geht –, aber es gibt nicht den Hauch einer Handlung oder auch nur einer tragfähigen Idee, die das ganze irgendwie motiviert oder zusammenhält.
Der letzte Akt des Films macht uns gar nichts mehr vor: er ist wie ein Trailer geschnitten. Eine gute halbe Stunde lang werden nur noch wilde Kämpfe mit den Mächten der Finsternis aneinandergehängt, die keinen erkennbaren Zusammenhang mehr aufweisen.

Der Mensch, der all das angerichtet hat, heißt Jacob Chase, ist immerhin schon 40 Jahre alt und ganz offensichtlich nicht interessiert: nicht an Horrorfilmen, nicht an Geschichten, nicht an Charakteren, ganz offensichtlich nicht einmal am Kino an sich. Vermutlich hofft er auf einen lukrativen Vertrag mit Netflix. Chase ist derartig unbedarft, dass die Requisiten, die hier zum Einsatz kommen, aus unterschiedlichen Epochen stammen. Sein Werk hat größere Ähnlichkeit mit einer sowjetischen Raketenparade als mit einem abendfüllenden Spielfilm.   
Der Titel passt nicht zum neuesten Kapitel der Serie. „Insidious“ bedeutet „hinterhältig, heimtückisch“. Das ergibt hier keinen Sinn, denn obwohl Dämonen a priori keine anständigen Wesen sind (und sich das auch gar nicht leisten können, wenn sie in der Welt der Menschen auf einen grünen Zweig kommen wollen), treten sie doch ganz offen bedrohlich auf. Die drei widerwärtigen alten Leute, die in Gemmas Straße umherschleichen, führen ganz offensichtlich Böses im Schilde und bekunden das eher spöttisch (mit fiesem Grinsen) als mit Heimtücke.

Wie schade es um das Geld und die gute Tricktechnik ist, die hier verplempert werden, lässt sich anhand einer Szene erläutern, die auch nicht neu ist, die aber gut funktioniert. Maya hat sich im Wohnzimmer aus Sofapolstern eine kleine Höhle gebaut. Als Mutter Gemma den Fehler macht, von einem Gespenstertrick angelockt, dort hineinzukriechen, findet sie sich plötzlich in einem Sofapolster-Labyrinth wieder, aus dem es keinen Ausweg gibt. In einer weniger aufgemotzten Veranstaltung hätte diese Passage ein verstörendes Schlaglicht gesetzt. Als alles vorüber ist, spricht die Heldin davon, in ihr normales Leben zurückkehren zu wollen. Du lieber Himmel, das wollen wir nicht hoffen!

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Nach dem Selbstmord seiner Frau trifft der verstörte amerikanische Hotelier Paul bei einer Wohnungsbesichtigung in Paris die 19jährige Jeanne. Der alternde Mann und das in den Tag hineinlebende Mädchen erliegen einer seltsamen Faszination füreinander und lieben sich in der leeren Wohnung. Sie treffen sich nun regelmäßig, um hemmungslos ihre sexuellen Fantasien auszuleben. Sie vereinbaren, sonst nicht nach dem Leben des anderen zu fragen. Das geht nur ein paar Tage lang gut …

Bernardo Bertoluccis Körper- und Seelen-Striptease ist der populärste aller Skandalfilme, ein „Casablanca“ des gehobenen Schweinkrams. Marlon Brandos Partnerin Maria Schneider hat später offenbart, sie sei tatsächlich vor der Kamera vergewaltigt worden, was Bertolucci erst 2013 öffentlich zugab – zwei Jahre nach dem Tod der Schauspielerin. In die Skandalgeschichte des Films ließ sich dieses Detail gut integrieren. Gato Barbieris Soundtrack wurde unabhängig von seiner Quelle zum Klassiker.

Apocalypse Now
Vietnam-Kriegsfilm von 1979

Captain Willard erhält von seiner Stabsstelle den Auftrag, in den Wirren des Vietnamkriegs nach Colonel Kurtz zu suchen, einem Elitekrieger, der eines Tages im Dschungel Kambodschas untertauchte und – offenbar verrückt geworden – ein Terrorregime errichtet hat. Für die US-Army ist er außerdem ein Sicherheitsrisiko. Willards Eintauchen in den Urwald wird zu einem Trip in die eigenen Abgründe und zur sprichwörtlichen Reise ins Herz der Finsternis.

Ungeachtet seines Ruhmes, seines Erfolges und dem Prädikat, der wichtigste aller Vietnam-Filme und ein Meisterwerk des Kinos zu sein, wird immer wieder punktuelle Kritik an „Apocalypse Now“ geübt, der sehr freien und doch treffenden Verfilmung einer Erzählung von Joseph Conrad. Auch sein Regisseur Francis Ford Coppola hat die Welt immer wieder irritiert: mit der immensen Kluft zwischen schimmernden Ruhmestaten – wie „Der Pate“ 1 und 2 – und Murks – wie „One From The Heart“, „Megalopolis“ oder „Der Pate III“.

Spiegelbild im goldenen Auge / Reflections In A Golden Eye
Amerikanisches Südstaaten-Drama von 1967

Major Penderton und Lt. Colonel Langdon leben mit ihren Ehefrauen auf einem Militärstützpunkt in Georgia am Rande großer Waldungen. Die kriegsfreie Zeit lässt Neurosen ins Kraut schießen, die allesamt sexueller Art sind. Der impotente Major (Marlon Brando) verzweifelt an seiner lebenslustig-gefühllosen Frau (Elizabeth Taylor), die sich mit Langdon vergnügt, während dessen Frau langsam durchdreht und der verschrobene Stallbursche Williams (Robert Forster in seinem ersten Filmauftritt) sie heimlich stalkt. Dass das nicht gut ausgeht, wird schon zu Beginn des Films verraten: „Dort im Süden steht ein Fort, in dem vor Jahren ein Mord geschah.“

John Hustons Verfilmung einer Erzählung von Carson McCullers zeigt uns eine Garnison in Friedenszeiten als Mikrokosmos verkorkster Beziehungen und Obsessionen. Die Rolle des verklemmt schwulen Major Penderton hätte für Montgomery Clift das Leinwand-Coming-Out werden sollen, doch Clift starb kurz vor Beginn der Dreharbeiten, und der von ihm beeinflusste Marlon Brando übernahm. Brandos Biograf Tony Thomas attestierte diesem „die komplizierteste, rundeste und intelligenteste schauspielerische Leistung“ seiner Karriere. Elizabeth Taylor glänzt einmal mehr als große Komödiantin in einem Drama.

Nächste Woche: zum Abschluss der Sommerpause stehen sich Monty Arnold und Torben Sterner unter dem Motto „Zwei Stühle, sechs Meinungen“ in drei Gesprächen vollends unversöhnlich gegenüber.

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