Rocky
Amerikanisches Sozialdrama von 1976

Rocky Balboa, armer Sohn italienischer Einwanderer, schlägt sich in Philadelphia als Schuldeneintreiber durch und betätigt sich als Boxer. Dass er sein Training ohne rechte Ambition betreibt, erregt den Unmut seines alten Trainers Mickey, der in ihm ein Talent erblickt. Auch Rockys Annäherungsversuche an die Zoohändlerin Adrian kommen nicht recht vom Fleck. Doch dann wählt ihn der Schwergewichtsweltmeister Apollo Creed als Gegner für einen Showkampf Kampf aus, und es wird alles anders …

Was diesen Film, der mehr ein Liebesfilm als ein Sportfilm ist, so besonders macht, ist, dass er auch den Aufstieg seines Autors und Hauptdarstellers Sylvester Stallone zum Hollywood-Star miterzählt. Das 900.000-Dollar-Projekt hat längst die Schallmauer von einer Milliarde Dollar Einnahmen durchbrochen, zog 10 Oscar-Nominierungen bei drei Auszeichnungen und 8 weitere Filme nach sich. Dass Stallone mit „Rambo“ noch einen weiteren Kult-Charakter erschuf, vermochte Rockys Beliebtheit nicht zu schmälern.   

Während Stallone seinen Rocky schon beim ersten Auftritt zum Star aufsteigen ließ, blieb ein anderer großer Underdog des Kinos bis zuletzt ein armes Kerlchen – wenn er es in 25 Jahren auf der Leinwand auch immerhin vom Landstreicher zum Stadtstreicher und schließlich sogar zum Friseur brachte. In unserem heutigen Geheimtipp ist in seinem Leben noch einmal alles beim Alten. 

Der Zirkus / The Circus
Amerikanische Stummfilmkomödie von 1927

Als der Landstreicher Charlie auf der Flucht vor der Polizei eine Zirkusvorstellung stört, rettet er so die bis dahin müde Show. Der Zirkusdirektor engagiert ihn, ohne ihm den wahren Wert seiner Leistung zu verraten und lässt ihn niedere Arbeiten verrichten. Charlie willigt ein, weil er sich insgeheim nach einer Gemeinschaft sehnt und auch, weil er sich in die Tochter des Direktors verliebt hat. Wie sich jedoch zeigt, sind beide Wünsche schwerer zu erfüllen als erhofft.

Dieser Film zeigt uns Chaplins unsterblichen Tramp ein letztes Mal in seiner Urform, ehe das Heraufdämmern des Tonfilms diese Figur verändern und schließlich verschwinden lassen sollte. Wie der unterschätzte Tonfilm „Monsieur Verdoux“ gilt auch „The Circus“ als Nebenwerk im Klassiker-Kanon des großen Selbstdarstellers und Filmemachers Charles Chaplin.

Nächste Woche: Ronald M. Hahn, Mitautor des Buches „Kultfilme“, der literarischen Vorlage unserer ersten Staffel und damit unseres Podcasts, hat in einem kurzen Schriftwechsel angedeutet, es gäbe da einen Film der letzten Jahre, der nach seiner Einschätzung ein Kultfilm gewesen wäre – wenn wir nicht längst in ganz anderen Zeiten leben würden: „Valerian – Die Stadt der tausend Planeten“. Grund genug, diesen Film in Augenschein zu nehmen. Ich spreche mit Volker Robrahn auch darüber, wie wichtig dieser Comic für das Blockbuster–Kino generell gewesen ist.

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Frankreich zur Zeit der Belle Époque. Nach dem Selbstmordversuch seiner Frau erfährt ein Kleinbürger, dass es sich bei der Perlenkette, die er oft an ihr gesehen hat keineswegs um eine Imitation handelt. Das erlaubt nur einen Schluss: seine schöne Frau hatte einen reichen Verehrer. In Rückblenden wird die Liebesgeschichte aufgerollt: Madeleine (Marianne Hoppe) lernt zufällig den pompösen Komponisten Michael (Ferdinand Marian) kennen und inspiriert ihn zu einer künstlerischen Entscheidung. Schließlich gibt sie seinem Werben nach. Eine Rückkehr in ihr altes Leben wird durch einen Erpresser verhindert …

Für den französischen Filmhistoriker Georges Sadoul war diese Verfilmung einer Vorlage von Guy de Maupassant der einzige deutsche Film von künstlerischem Wert, der während des Dritten Reichs gedreht wurde. Viele seiner Landsleute bestätigten, dass Helmut Käutner darin am reinsten den Geist des Autors beschworen habe. In der Bundesrepublik, wo sich Käutners Karriere bis ins Fernsehen fortsetzte, wurde ein anderer Film aus der Ära allerdings noch populärer: das flotte musikalische Drama „Große Freiheit Nr. 7“ mit Hans Albers.    

B) Zeiten des Aufruhrs / Revolutionary Road
Amerikanisches Ehedrama von 2008

Die USA Mitte der 50er Jahre. Ihrem Mann Frank zuliebe hat sich die verhinderte Schauspielerin April mit ihrer Familie in einem hübschen Vorort von Connecticut niedergelassen. Da Frank seinerseits an seinem drögen Bürojob leidet, schlägt sie ihm aus einer Laune heraus vor, auszusteigen und nach Paris zu übersiedeln. Frank lässt sich darauf ein, vor allem, um nicht wie sein Vater zu enden, der einst in der selben Firma versauerte. Die Vorbereitungen laufen an. Doch dann bietet man Frank überraschend eine Beförderung an – und April wird schwanger. Über die Konsequenzen daraus sind die Eheleute unterschiedlicher Meinung …

In den Nuller- und Zehnerjahren wurde durch die Serie „Mad Men“ der Autor John Cheever kurzzeitig wiederentdeckt und mit ihm die kleinen Tragödien der Vorstadt nach dem Kriege, Geschichten von Ehemännern, die mit dem Vorortzug in die Stadt fahren und dort angeblich länger im Büro bleiben, um in Wahrheit ihre Frauen zu betrügen. Auf der Kinoleinwand war Sam Mendes‘ „Revolutionary Road“ nach Richard Yates das denkwürdigste Ergebnis dieses Trends. Das garantierte seinen Erfolg ebensowenig wie die Wiedervereinigung von Kate Winslet und Leonardo DiCaprio, dem tragischen Liebespaar aus „Titanic“.

Nächste Woche: Rocky und Der Zirkus.

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Stummfilmmusik ist ein Orchideenthema, für das sich kein Schwein zuständig fühlt, eine Nische innerhalb der Nische Filmmusik, die ihrerseits in den Zeiten von Hans Zimmer als einzig wahrgenommener Alternative zu John Williams ohnehin komplett auf den Hund gekommen ist. Ein Glück, dass das der Carl Davis nicht mehr erleben muss, würde ich sagen, wenn er’s nicht doch miterlebt hätte – bis vor genau zwei Jahren.
Davis war ein Alleskönner – unter anderem auch ein toller Bearbeiter („Topsy Turvy“ nach Gilbert & Sullivan) bzw. Komponist von Tonfilm-, Dokumentarfilm- und TV-Serienmusik. Aber dem Stummfilm widmete er nun eben seine besondere Hingabe. Er versah nicht nur Klassiker wie den stummen „Ben Hur“ oder „Show People“ von King Vidor, sondern auch zahlreiche Werke von Buster Keaton nachträglich mit sinfonischen Partituren. Von Charles Chaplin übernahm Davis stillschweigend die Regel, dass Stummfilmmusik nie illustrierend sein darf wie es Soundtracks üblicherweise dürfen (nicht müssen). Sie „liegt drunter“ und ist strukturell der Salonmusik ähnlicher als dem Underscoring. Das von Erich Wolfgang Korngold im frühen Tonfilm so meisterlich gepflegte (und später von Dritten so genannte) „Mickymousing“ – zu stummen Szenen funktioniert es nicht. Jeremy Brock – heute vielleicht der beste Nachfolger von Mr. Davis auf diesem Gebiet – hält sich auch daran, und der begnadete Schweizer Meister der Archivmusik Fred Stittmatter („Väter der Klamotte“) tat es schon vor 60 Jahren.

1936 in Brooklyn geboren, begann Carl Davis seine musikalische Ausbildung mit sieben Jahren. (Etwa um diese Zeit legte Chaplin übrigens mit „Goldrausch“ seine erste nachgereichte Filmmusik für einen eigenen Klassiker vor.) Mit neun Jahren  konnte der kleine Carl bereits Partituren lesen, mit 18 begleitete er den in den USA immens beliebten „Robert Shaw Chorale“ am Klavier und auf seinen Tourneen. Er wollte bald auch komponieren und studierte zwei Jahre unter Paul Nordoff am Bard College im Staate New York. Nach einem Gastspiel beim Königlich Dänischen Ballett in Kopenhagen zog es ihn nach England, das seine Wahlheimat wurde. Am Beginn seines Werkverzeichnisses steht mit „That Was The Week That Was“ eine historische Satiresendung.
Nach einer regulären Zusammenarbeit dem Regisseur Jack Gold, die dessen bekannteste Arbeiten kurioserweise ausließ, brachte Davis der Zufall mit seinem Lebensthema zusammen. Die TV-Dokumentarreihe „Hollywood: A Celebration of the American Silent Film“ kam 1980 heraus, und Davis schrieb die Musik dazu. In jenen Tagen betraute ihn die BBC mit der Neuvertonung des soeben von Kevin Brownlow rekonstruierten Monumentalschinkens „Napoleon“ von Abel Gance. Eine Reihe von Stummfilm-Rekonstruktionen und -Live-Präsentationen setzte ein, und Davis erwies sich des Segens, den ihm dieser fulminante Start mitgegeben hatte, dauerhaft als würdig und gewachsen. Er brachte es auf 60 solcher Projekte, viele davon in Zusammenarbeit mit Kevin Brownlow.

Ganz besonderes Vergnügen habe ich persönlich mit seiner Musik für Buster Keatons „Our Hospitality“ (1924 / 1984) und für den bereits erwähnten „Show People“ (1928 / 1982), in dem sich der niedergehende Stummfilm noch einmal in Hochform präsentiert und zum Abschied selbst auf die Schippe nimmt. (Beide Davis-Filmmusiken haben übrigens keine Veröffentlichung auf Tonträger erfahren, viele andere schon.)

Außerdem machte sich Carl Davis als Konzertdirigent in England und Deutschland nützlich und produzierte Alben mit Shirley Bassey, Marilyn Horne und Kiri Te Kanawa. Anlässlich des 150. Jahrestages der Gründung des „Royal Liverpool Philharmonic Orchestra“ schrieb er zusammen mit Paul McCartney das 1991 auf dem Album „Paul McCartney’s Liverpool Oratorio“ veröffentlichte Oratorium zu Ehren dieser Stadt. Von 1993 bis 2001 hatte Davis dem Orchester als künstlerischer Direktor und Dirigent der „Summer Pops Season“ vorgestanden.

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https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/forrest-gump-buster-keaton-wie-hollywood-ein-genie-zerbrach

A) Forrest Gump
Amerikanische Komödie von 1994

Auf einer Parkbank in Savannah unweit einer Bushaltestelle sitzt ein Mann namens Forrest Gump. Er ist angereist, um eine Jungendfreundin zu überraschen und hat als Präsent für sie eine Schachtel Pralinen auf dem Schoß. Den wechselnden Passanten, die im Laufe des Films neben ihm platznehmen werden, erzählt er seine wechselvolle Lebensgeschichte: seine Entwicklung vom gehbehinderten Außenseiter im amerikanischen Süden mit einem IQ von 75 zum Supersprinter, sein Einsatz im Vietnamkrieg, seine Karriere als Pingpong-Meister, seine Arbeit als Shrimps-Fischer, die unerfüllte Liebe zu Jenny, die ihn wegen seiner sexuellen Unreife nicht als festen Partner in Erwägung zog. Der Zufall führt Forrest mit Elvis Presley, John Lennon, der Hippie-Bewegung und mehreren US-Präsidenten zusammen. Unverdrossen bewahrt er sich Zuversicht und Optimismus und hält sich an Lebensweisheiten von der Sorte: Das Leben ist wie eine Schachtel Pralinen – man weiß nie, was man bekommt.

Trotz seines schwermütigen Helden und dessen mühsamen Lebensweges wurde Forrest Gump zu einem der größten Feelgood-Movies der Jahrtausendwende: die Geschichte eines reinen Toren, der sein Land liebt und seinem Herzen folgt. Hauptdarsteller Tom Hanks hatte die sprichwörtliche Rolle seines Lebens gespielt, erhielt den zweiten Hauptrollen-Oscar hintereinander und beschränkte sich für den Rest seiner Karriere hauptsächlich auf positive Helden und leichte Stoffe.

B) Buster Keaton – Wie Hollywood ein Genie zerbrach
Französische TV-Doku von 2016

Buster Keaton zählte neben Charles Chaplin und Harold Lloyd zu den erfolgreichsten Komikern der Stummfilmzeit und hat letzteren in der heutigen Bewertung meilenweit hinter sich gelassen. 1928 ist er auf dem Höhepunkt seiner Karriere – und sieben Jahre später ganz unten: ein arbeitsloser Alkoholiker, den die Ehefrau aus der gemeinsamen Villa und aus der Familie verstoßen hat. Der entscheidende Auslöser dieses Absturzes ist eine einzige tragische Fehlentscheidung. Keaton wird in Hollywood nie wieder zu alter Größe aufsteigen, doch er wird sich berappeln und sogar ein Glück erfahren, das nur wenigen zuteilwird: das Miterleben der eigenen Wiederentdeckung durch die Nachwelt.

Kunstvoll verwebt die Dokumentation Bilder aus Keatons Filmen zu einer biographischen Erzählung und – das ist das Ungeheuerliche – zu einem weiteren Film des großen Poeten der Stummfilmzeit. Handlung: das Schicksal eines Künstlers, der im Räderwerk des alten Studiosystems zerrieben wird.

Nächste Woche: „The Big Lebowski“ und „Der Mann, der zweimal lebte“

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Loriot hat uns darauf hingewiesen, dass man sich nicht auskennen muss, um zu lachen. Auch ohne einen Beruf erlernt zu haben, kann man dessen Verulkung genießen; Charlie Chaplin hat seine frühen erfolge praktisch auf diesem Effekt aufgebaut. Um Loriots Weinvertreter in „Weihnachten bei Hoppenstedts“ komisch finden, genügt es, ungefähr zu wissen, was Wein und was ein Vertreter ist. Loriot gab zu, vor der Herstellung dieser Szene nie einen solchen Herrn kennengelernt zu haben.
In seinem vielleicht schmerzlichsten Misserfolg „Kiss Me, Stupid“ lässt der große Billy Wilder zwei erfolglose Songschreiber auftreten, zwei nicht-professionelle, die davon träumen, diese Tätigkeit zu ihrem Beruf zu machen. Die deutsche Synchronisation ist 1963 dermaßen gut in Form, dass ich diese Szene (wie überhaupt die erste halbe Stunde des danach abrutschenden Films) als Glanzleistung erlebte: der beknackte Text der Freizeit-Künstler hätte in der Originalsprache nicht funktioniert, denn schließlich handelt die Szene ja (auch) vom Dichten.

Als jemand, der Loriots These unbedingt zustimmt – ich habe mich in meiner Arbeit immer ihr gemäß verhalten – habe ich mich in diesem Grenzfall doch gefragt: liebe ich die Liedermacher-Verrenkungen von Ray Walston und Cliff Osmond vielleicht doch deshalb so sehr, weil ich weiß, wie gut hier die Dynamik wiedergegeben wird, die sich zwischen einem Texter und seinem Pianisten entfaltet?
Für den Erfolg oder Misserfolg des Films war sie sicher unerheblich. Sie ist ein Kabinettstückchen.  

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betr.: 107. Geburtstag von Robert Youngson

Robert Youngson hat mit seinen Dokumentar- und Kompilationsfilmen ganz wesentlich dazu beigetragen, den verdienten Ruhm der Stummfilmkomödie ins späte 20. Jahrhundert – und damit in unsere Tage hinein – zu retten. In den frühen 60er Jahren brachte er die ersten wichtigen Kinocollagen zum Thema heraus und setzte die Wiederentdeckung von Laurel & Hardy in Gang. Mit „Laurel & Hardy’s Laughing Twenties“ („Laurel & Hardy im Flegelalter“) etablierte er die Praxis des Zusammenfügens und Kommentierens kürzerer und längerer Ausschnitte zu einem servierfähigen Programmangebot. Ganz neue Generationen von Fans wurden an die Stummfilm-Comedy herangeführt, auch als der britische Komiker Bob Monkhouse das Prinzip mit „Als die Bilder laufen lernten“ („Mad Movies“, 1965-67) ins Fernsehen mitnahm, das bald in aller Welt weitergeführt wurde.*
Ohne diese oft als respektlos geschmähte Art der Wiederverwertung wäre Hollywoods Slapstick-Ära heute nur noch einer Handvoll sozial isolierter Privatsammler überhaupt ein Begriff! Nicht einmal die berüchtigten „Nerds“ würden sich dafür interessieren.  

Im Grunde gibt es in Youngsons Arbeit nur eine schmerzliche Blindstelle: Max Linder, den ersten Filmstar der Slapstick-Komödie.
In „Jubel, Trubel, Sensationen“ („Days of Thrills and Laughter“) verkündet der Erzähler zwar, die „ersten kleinen Filmkomödien“ seien aus Frankreich gekommen, zeigt und erwähnt Linder jedoch nicht. Dessen Versinken in der Vergessenheit hatte bereits eingesetzt.

Dabei war Linder, ehe sein Werk 1925 abriss, in Hollywood durchaus gewürdigt worden. Durch die offen erklärte Wertschätzung, die ihm Charles Chaplin zuteilwerden ließ – unzweifelhaft der Hauptvertreter dieser Zunft und damals der berühmteste Mensch der Welt – dürfen wir davon ausgehen, dass man sich der Bedeutung von Linders Pionierarbeit allgemein im Klaren war.

Sein Einfluss ist universell. Doch wieviel von Max Linders Humor hat es in das Werk Laurel & Hardy geschafft?
Im Gegensatz zu den halsbrecherischen Sujets solcher Kollegen wie Larry Semon oder Buster Keaton, bespielten Stan und Ollie mit Vorliebe das gesellschaftliche Parkett, auf dem sich auch Max Linder eingerichtet hatte (also: die Innendekoration). Doch während Max, der leichtlebige Bonvivant, buchstäblich in jedem Film eine neue, in der Regel gut betuchte Verehrerin vor den Kopf stieß, waren Stan und Ollie lediglich bestrebt, in die feineren Kreise und zu den Herzen der dortigen Damenwelt vorzudringen. Was der eine den Frauen an schlechten Manieren und egomanischen Eskapaden zumutete, das bekamen die anderen zurückgezahlt: von einer ganzen Riege großartiger Komödiantinnen aus dem Roach-Ensemble, die als ihre zänkischen Ehefrauen auftraten.

Als Laurel & Hardy 1939 nach Paris reisten – wenn auch nur in ein im Studio nachgebautes – war Max Linders Welt der Belle Époque längst untergegangen. Der Beginn von „The Flying Deuces“ zeigt uns Ollie in einer Situation, bei der ihn Linder gut hätte beraten können: seine Angebetete gesteht ihm per Brief, dass sie einen anderen liebt. Daraufhin will Ollie ins Wasser gehen – in die Seine. Stattdessen landen Stan und Ollie schließlich in der Fremdenlegion.

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Wie schwer es ist, einen Idioten zu zeichnen – auch davon handelt „Inside The Simpsons“.

Seit vielen Jahren verfolge ich die „Simpsons“ nur noch, wenn mir mal ein Halloween-Special unterkommt (was hierzulande nicht nach dem Kalender geschieht und daher Glücksache ist). Dennoch fühle ich mich dieser Trickserie nach wie vor sehr verbunden. Ich gedenke der großen Satire- und Comedy-Momente ihrer frühen Jahre, die für mich persönlich Klassiker-Status haben wie Chaplins „Brötchentanz“ oder Fred Astaires Stepptanz unter der Zimmerdecke. Ganz besonders bewundere ich die Serie für ihre musikalische Kompetenz, die stets sehr beiläufig daherkommt und jahrzehntelang in den Händen von Alf Clausen lag.
Entsprechend freudig greife ich zu den einschlägigen Begleitmedien, etwa dem Ausstellungskatalog „Gelber wird’s nicht“ von Alexander Braun oder eben der sechsteiligen TV-Doku von Brian Volk-Weiss.

Die „Inside“-Reihe ist großen Phänomenen der Popkultur gewidmet und wird hierzulande donnerstags auf ProSiebenMAXX sowie vom Streaming-Anbieter Joyn präsentiert. Seit 8 Staffeln erfreut sie durch die reichhaltige Materiallage und gute Kenntnisse, legt aber ein irres Tempo vor. In letzter Zeit hat der Informationsgehalt etwas nachgelassen – bei gleicher Geschwindigkeit – und die allgemeine Schnellsprecherei wird immer häufiger mit kleinen Witzchen ausgefüllt. Die deutsche Fassung hätte hier etwas Druck rausnehmen können, doch das wird leider unterlassen. Off-Sprecherin Anke Engelke (als amtierende deutsche Stimme von Marge Simpson der Reihe besonders verbunden) strengt sich und uns mit einer Performance an, die nahe an einer Trickstimme angesiedelt ist. Auf der Bildebene wiederholen sich unterdessen impertinent die wenigen Fotos, die es jeweils von den beteiligten Medienschaffenden zu sehen gibt (was angesichts der Tatsache, dass es sich um zeitgenössische Personen öffentlichen Interesses handelt, reichlich abstrus wirkt).

In Kulturdokus wird gerne so getan, als fielen gute Bücher vom Himmel. Hier wird der Arbeit der Autoren ungewöhnlicherweise der angemessene Raum gegeben.

Ungeachtet all dieser Abstriche, ist die Reihe „Inside The Simpsons“ ihre Zeit wert, zumal sie sich zu Beginn die Mühe macht, uns daran zu erinnern, wie es zu Beginn dieser Erfolgsgeschichte auf dem US-Fernsehmarkt zugegangen ist. So weist sie über ihr eigentliches Thema hinaus und verrät uns viel über das dieses umgebende kulturelle und gesellschaftliche Umfeld.
Meine Zuneigung und lange Beschäftigung mit der Materie lässt mich aber auch über die merkwürdigen Auslassungen stolpern. Über die Musik erfahren wir so gut wie nichts – außer, dass der gefürchtete Fox-Chef Barry Diller in einem Nebensatz das Engagement eines Orchesters verfügte. Und natürlich wird obligatorisch auf Danny Elfman hingewiesen, den prominenten Schöpfer der Titelmusik. Die Halloween-Binnenserie „Treehouse Of Horror“, die sich als eigenes Genre der Gegenwartskultur etabliert hat, bleibt praktisch unerwähnt, bis es zum Ende hin zur obligatorischen Frage an alle Anwesenden nach der persönlichen Lieblingsfolge kommt. Und auch die zahllosen VIPs aus Sport, Politik und Kunst, die sich in all der Zeit darum gerissen haben, sich mit eigener Sprech- uns Singstimme innerhalb der Serie auf die Schippe nehmen zu lassen, werden erst in diesem Zusammenhang wie ein Schmankerl erwähnt. Seltsam ominös bleibt die Rolle des Simpsons-Erfinders Matt Groening im aktiven Produktionsablauf – besonders angesichts der Tatsache, dass er die Familie und ihre Vornamen auf dem Weg zum Pitch eigentlich nur improvisiert hat und die Erschaffung des Simpsons-Kosmos (einschließlich der gelben Gesichtsfarbe) im Laufe der Doku unter den übrigen Kreativen aufgeteilt wird.
Andererseits hätte ich gerne auf die vielen oft wiederholten Tratschereien in den Statements verzichtet, die etwas selbstgefällig im Habitus von Running Gags ausgeteilt werden. 
Einer davon bezieht sich auf den glücklosen Regisseur einer Folge der ersten Staffel: Kent Butterworth (es geht um einen kackenden Pferdehintern …). Die wenigen kurzen Bilder, die wir von seinem Entwurf zu sehen bekommen (während von ihm selbst kein Foto präsentiert wird), haben mich richtig neugierig auf seine abgelehnte Arbeit gemacht.

Inside The Simpsons
Doku-Reihe USA 2022, je 41 Minuten
Regie: Brian Volk-Weiss

1. Wie alles begann
In den 80er Jahren ist der Fernsehmarkt in den USA hart umkämpft. NBC, ABC und CBS sind die großen TV-Networks. Doch auch der neue Sender Fox, ein Ableger des alten Filmstudios, will sich behaupten. Zusammen mit James L. Brooks, Sam Simon und dem Underground-Zeichner Matt Groening erschafft Fox eine Reihe von kurzen Clips für die „Tracey Ullman Show“, die dem Publikum dabei helfen sollen zu erkennen, wann ein Sketch endet und der nächste beginnt.

2. Die Pilot-Folge
Die Clips innerhalb der „Tracey Ullman Show“ sind bald so beliebt, dass sich Fox entscheidet, die Simpsons als eigene Serie zu produzieren. Ein Zeichentrickformat zur besten Sendezeit bricht mit mehreren Konventionen, zumal große Konkurrenz wie die „Bill Cosby Show“ ausgestochen werden muss. Das Team arbeitet unter Hochdruck, doch der geplante Ausstrahlungstermin kann nicht gehalten werden. Zum Glück ist passend zum Kalender eine Weihnachts-Folge fertig, die als Teaser für das nächste Frühjahr dienen kann.

3. Im Writer’s Room
Die erste Staffel der Simpsons wird so erfolgreich, dass die Serie sofort verlängert wird. Ein Großteil des Verdienstes fällt den Autoren zu, die bei ihren einfallsreichen Skripten kontinuierlich am Puls der Zeit arbeiten. Während sich das Autorenteam bestens versteht, kommt es zwischen den drei Schöpfern der Serie zu Spannungen.

4. Kampf der Studios
Zu Beginn der Serie hatte die Firma Klasky Csupo die Animation besorgt. Doch das kleine winzige, unkonventionelle Studio gerät mehr und mehr an seine Grenzen, da der Sender immer aufwändigere Spektakel einfordert, die das idyllische Konzept der Familie in einer Kleinstadt aufbrechen. Innerhalb des Teams kommt es zu Differenzen, die die Zusammenarbeit mit Fox gefährden könnten. Das Studio wird ausgetauscht, das Gründungsteam zerrissen.

5. Vom Fernsehen ins Kino
Im Laufe der Jahre gibt es weitere Wechsel im Team rund um die Simpsons. Dadurch entwickelt sich die Serie stetig weiter, doch jeder einzelne Showrunner hat auch eine eigene Vision. Als Bill Oakley und Josh Weinstein das Projekt übernehmen, besinnen sie sich auf das Erfolgsrezept der Anfangsjahre zurück und schaffen es dadurch, die Serie noch größer zu machen.

6. Das Vermächtnis
Dreieinhalb Jahrzehnte lang haben die Simpsons massiven Einfluss auf die Popkultur der ganzen Welt. Über diesen Zeitraum hinweg mussten die Serie und ihre Entwickler zahlreiche Herausforderungen meistern, auch die allerschlimmste: sinkende Zuschauerzahlen. Doch der erzkonservative Sender Fox verdankt seinen Aufstieg ausgerechnet diesem aufmüpfigen Format – das ist die makabere Ironie – und lässt es weiter und weiterlaufen. Allerdings werden die Honorare gekürzt.

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Den Titel „Die Marx Brothers im Krieg“ erhielt der Film „Duck Soup“ (sinngemäß etwa: „kleine Fische“) gemeinsam mit seiner deutschen Synchronfassung, die im Februar 1967 herauskam. Diese Wahl unterstreicht die langjährige und unveränderte Einordnung des Werkes als Komödie mit politischen Untertönen.

Die 13 Marx-Brothers-Filme bilden in der heutigen Rezeption eher ein Gesamtkunstwerk als das man sie einzeln analysieren würde. Sie werden en bloc und aus Prinzip geschätzt, sind sie doch der lebendigste Teil dessen, was von der legendären Komikertruppe geblieben und allgemein zugänglich ist, die ihre Wurzeln im Vaudeville und am Broadway hat.
Groucho Marx, ältester der Brüder und „Chef der Marx Brothers“ (so der Untertitel der deutschen Ausgabe von Charlotte Chandlers Biographie) hielt „A Night At The Opera“ und „A Day At The Races“ für ihre besten Filme. Doch „Duck Soup“, den mit Leo McCarey der unstrittig beste Kinoregisseur des Teams inszenierte, hat es zum Kultstatus gebracht.* Der Katholische Filmdienst lobte ihn gar als einen „Höhepunkt der amerikanischen Tonfilmkomödie, an Geschlossenheit den anderen Marx-Brothers-Filmen überlegen“.

Letzteres kann ich nach einem Wiedersehen nach langer Zeit nicht nachvollziehen. Die meisten Gags könnten auch aus jedem anderen Marx-Film stammen, und eine Dramaturgie, die diese zusammenbinden würde, gibt es nicht. Selbst die bescheidensten Anforderungen an eine innere Logik – das wäre die besagte „Geschlossenheit“ – sucht man vergebens. Vielleicht 30% seiner Laufzeit befasst sich der Film überhaupt nur mit Politik oder Krieg, und zwar in einer losen Folge einschlägiger Sketche. Die meiste Zeit spielen Groucho und seine Brüder einfach ihre angestammten Rollen.

Titel und späte Verbreitung dieser in der Zwischenkriegszeit entstandenen Produktion (im schicksalsträchtigen Jahr 1933) haben den Wunsch in Publikum und Fachwelt geweckt, in dieser harmlosen musikalischen Revue eine Satire zu sehen – wie sie später mit dem inzwischen etablierten Feindbild des deutschen Diktators vor Augen von Chaplin („The Great Dictator“) oder Lubitsch („To Be Or Not To Be“) tatsächlich vorgenommen wurde. Dass der Feldzug der Marx Brothers in diese Reihe gehört, ist schlichtweg ein Missverständnis. Die vier Brüder (im Grunde sind es nur drei, denn Zeppo geht im übrigen Ensemble praktisch unter) verulken das Militär ebenso wie die Diplomatie, die heterosexuelle Brautwerbung, feines Benehmen oder das Genre der Tonfilmoperette. „Duck Soup“ ist ebensosehr ein Film gegen den Krieg wie „A Night At The Opera“ eine Anklage der Oper oder „Go West!“ eine Schmähung des Cowboyberufs ist.

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* Siehe dazu den Podcast „Alle 42 Kultfilme“ und https://blog.montyarnold.com/2024/05/15/25283/

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Die Historiker sind sich nicht 100%ig sicher, aber viel spricht dafür, dass Charlie Chaplin sein legendäres Tramp-Outfit zum ersten Mal trug, als er unter der Regie seines Entdeckers Mack Sennett in der Komödie „Mabel’s Strange Predicament“ agierte. Chaplin hat seinen Look von da an fast unverändert beibehalten, bis er ihn 1940 – zu diesem Zeitpunkt längst sein eigener Regisseur – ein letztes Mal pflegte.

Zu den vielen Besonderheiten, die Charlie Chaplin in kurzer Zeit zum berühmtesten lebenden Menschen der Welt gemacht haben, gehörte eine Akribie, die dem Publikum in Form ihrer Ergebnisse präsentiert wurde. Wenn der Tramp einen Beruf ergriff – oder besser: einen der Jobs, die er fast so schnell wieder verlor wie er sie angenommen hatte -, faszinierte uns die routinierte Fingerfertigkeit, mit der er zu Werke ging. Er brachte jedes Handwerk so anschaulich auf den Punkt, als habe er es tatsächlich erlernt und längere Zeit ausgeübt. Besonders berühmt wurde sein Solo als Barmixer (dessen Motorik auch noch satirisch-fachgerecht verfremdet wird). Mein Lieblingsbeispiel stammt aus dem Spätwerk „Monsieur Verdoux“: Chaplin hat einen frisch ergaunerten Stapel Geldscheine nach Hause gebracht und zählt ihn erst einmal durch. Da er im Hauptberuf Schalterbeamter ist, behandelt er das Geldscheinbündel entsprechend, was sehr komisch aussieht.

Fast vergessen ist der Komiker Max Linder, knapp sechs Jahre älter als Chaplin und der erste Comedy-Filmstar von bleibendem Wert im Geburtsland des Kinos und der Stummfilmgroteske. In seinen Filmen sehen wir das echte Paris der Belle Époque (oder zumindest echte Möbel und Klamotten der Belle Époque im Atelier), auf den Standfotos erblicken wir den attraktiven Hauptdarsteller, einen kultivierten Dandy und Lebemann vom Alten Kontinent. Sieht man sich einige seiner Filme tatsächlich vollständig an, entpuppt sich der Kerl als draufgängerischer Rüpel ohne jede soziale Kompetenz. Unter seiner feschen Schale schlägt das Herz eines flatterhaften Egomanen, der weder mit Frauen und Kindern noch mit Tieren umgehen kann. Optisch sekundiert Linder dieses Konzept mit seinen Glubschaugen, die irre aus den Höhlen treten, wenn er wieder eine schräge Idee ausbrütet, und seine Zahnlücke scheint sich noch etwas zu weiten. Es ist ein früher Fall von Text-Bild-Schere, der hier zum Vergnügen beiträgt, so anarchisch wie die wildesten Kapriolen des amerikanischen Slapstickfilms.
Während Chaplin uns mit professionell anmutender Akkuratesse den Atem raubt, ist Linder – ganz im Gegenteil – selbst mit den Kleinigkeiten der Haushaltsführung restlos überfordert und improvisiert so barbarisch und unpfleglich, dass selbst Laurel und Hardy verlegen wegsehen müssten. Täuscht Max gar vor, ein Handwerk zu beherrschen – etwa das des Fußpflegers – dann wird er zu den derbsten und denkbar falschesten Mitteln und Maßnahmen greifen und dadurch seine Lacher provozieren. Bei Chaplin denken wir: das könnt‘ ich nicht! Bei Linder beruhigt uns die Gewissheit, dass wir uns so offensichtlich dann doch nicht blamiert hätten.
In einem Punkt ähnelt der frühe Chaplin seinem französischen Vorreiter: auch der Tramp war zunächst ein reichlich brutaler Wicht, dem die enge Weste näher war als die Jacke. In den folgenden Jahren – es sollten seine produktivsten sein – verfeinerte Chaplin seinen Charakter zu einem herzensguten, wenn auch wehrhaften Opfer der Gesellschaft. Mitte der 20er war er der erste, der Drama und Klamotte in einem Genre zusammengeführt hatte und als ernsthafter Künstler gefeiert wurde.
Da war Max Linder bereits aus dem Leben geschieden, noch keine 45 Jahre alt.

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