„Schwermetall“ war Anfang der 80er Jahre in der BRD die natürliche Fortsetzung von „Fix und Foxi“ – während in Frankreich die von Knirpsen zu Halbstarken gereiften Comicleser von „Pilote“ zu „Métal Hurlant“ wechseln konnten. Hier wie dort waren es vor allem frankobelgische Künstler, die uns präsentiert wurden.* Sie bespielten die Genres Krimi, Fantasy und Science-Fiction, und es wimmelte von barbusigen Damen; „Schwermetall“ bot Comics für Erwachsene.

Von „Schwermetall“ strahlten die prachtvollsten Titelseiten im gesamten deutschen Blätterwald herab. Was den Autor dazu bewogen hat, ausgerechnet dieses Motiv (Caza weit unterhalb seiner Möglichkeiten) als Cover für sein fabelhaftes Buch auszuwählen, gehört zu den ungelösten Rätseln der darin beschworenen fremden Welten.

Achim Schnurrer, langjähriger Chefredakteur des Magazins und Gründer des Erlanger „Comic Salons“, hat soeben den ersten von zwei Bänden vorgelegt, die die Geschichte der Publikation erzählen, zunächst die Jahre 1980 bis ‘88.
Das Buch behandelt im Vorspiel die amerikanische Underground-Szene und schildert in ungewohnten Bildern auch ein Stück bundesrepublikanischer Geschichte. Dabei bringt es eine Reihe von Kunststücken fertig. Biografische und drucktechnische Erläuterungen werden fließend in die Schilderung eingebunden, deren Gerüst die Dokumentation der ersten 99 Ausgaben mit Titelseite und Inhaltsverzeichnis bilden. So gut wie nie verfällt der Autor dabei in altlinkes Gejammer – und die Versuchung wäre groß angesichts des gesellschaftspolitischen Hintergrunds.

Es gibt ganz wenig zu meckern. Die Titel und Schöpfer der erfreulich zahlreichen Ausschnitte aus den Comic-Serien muss der Leser selbst erraten (ein paar winzige Ziffern hätten Abhilfe geschaffen), und ausgerechnet der hochspannende Ricardo Rinaldi wird mit dem Verweis auf eine längst vergriffene Publikation des Autors abgefrühstückt. (Rinaldi war ein Kauka-Mitarbeiter – der beste, der jemals „Lupo“ gezeichnet hat, und der Schöpfer der Serie „Die Pichelsteiner“ – und versah die Bonbonpapierchen des Süßwarenherstellers Storck mit hinreißenden Comic-Abenteuern um den dusseligen Bären Schleck, bevor er für „Schwermetall“ einige Titelseiten zeichnete.)
Die meisten übrigen Kritikpunkte sind nicht des Chronisten Schuld, sondern spiegeln den Lauf der Welt.
Mit dem Abgang des Gründungs-Chefredakteurs Raymond Martin und als Folge seiner Verfehlungen, kommen dem Magazin die Künstler der Gründungszeit* abhanden. „Schwermetall“ wird ab 1985 zu einem wichtigen Schaufenster der deutschen Comic-Szene, was ja eine wirklich feine Sache ist. Leider ist das Magazin von diesem Zeitpunkt an wirklich „achtziger“ – auch, was das ausländische Material betrifft.
U.a. kam mir mein seinerzeitiger Eindruck, der im Buch mehrfach seliggesprochene Hamburger Zeichner Chris Scheuer sei eher ein sensationeller Werbegrafiker als ein passabler Geschichtenerzähler, machtvoll wieder zu Bewusstsein.
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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2018/07/14/ein-laechelnder-spuk-aus-der-vergangenheit/

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Im aktuellen Comic-Angebot kam es dieser Tage zu einem Wiedersehen, mit dem ich überhaupt nicht gerechnet hatte. Nachdem ich im ersten Band eines Buches über das deutsche „Schwermetall“ (dazu bald mehr an dieser Stelle) soeben daran erinnert worden war, was mir der Comic-Künstler Richard Corben im Realschulalter bedeutet hat, fiel mir nun ein aktuelles Buch von ihm in die Hände, das seine zuletzt entstandenen Arbeiten für US-Horrormagazine im Sammelband „Schatten auf dem Grab“ vereint. Manche Künstler werden im Alter reifer und verfeinern ihren Stil, andere überleben ihre Kreativität. Corben ist exakt in der gleichen Hochform wie vor 35 Jahren.

Über einen Mitschüler kam ich erstmals mit „Schwermetall“ in Berührung, diesem „Comic-Magazin für Erwachsene“, bei dem ich ganz selbstverständlich davon ausging, es mit einer Übertragung aus dem Amerikanischen zu tun haben. Dass dessen Vorläufer „Heavy Metal“ seinerseits einen französischen namens „Métal Hurlant“ hatte, wusste ich noch nicht, dass außer Corben fast alle hier repräsentierten Künstler Franzosen waren, fiel mir zunächst nicht auf.
Diese französischen Künstler – vor allem Moebius*, Caza** und Druillet –  haben sich mir augenblicklich und nachhaltig eingeprägt. Aber Corben war völlig anders. In seiner Neuordnung der menschlichen Anatomie, der dynamischen Plastizität seiner Zeichnungen erinnerte er mich sogleich Jack Kirby***, doch – apropos „für Erwachsene“ – kam hier noch das sexuelle Element hinzu. Seinen Kollegen hatte er außerdem etwas voraus, was auf Anhieb banal erscheint, aber ich bitte darum, es eine Weile wertfrei wirken zu lassen: Corben war der einzige, der sich nicht scheute, in aller Beiläufigkeit auch das männliche Geschlechtsteil mit abzubilden. In erotischen Darstellungen (Filmen, Comics, purem Schweinkram …) wird seit jeher auf dieses für jeden heterosexuellen Geschlechtsverkehr unerlässliche Organ (un)möglichst verzichtet, und immens sind allweil die Verrenkungen der Pose und des Bildausschnitts, um es nicht zeigen zu müssen. (Ralf König etablierte sich in den 80er Jahren als große Ausnahme.) „Den“ – Corbens bis heute wichtigster Serienheld – trug zwar ein Cape, war aber ansonsten nackt, wie es seiner archaischen Welt der „Sword and Sorcery“ zutiefst entsprach.
Natürlich war der unbekümmerte Umgang mit dem Dödel nicht Richard Corbens einziges Alleinstellungsmerkmal. Seine vierfarbigen Zeichnungen wirken heute so, als hätte jemand die 3D-Animation auf dem Papier vorweggenommen. Aber auch in Schwarzweiß – mit festem Strich und wahlweise Rastern, Schraffuren oder harten Kontrasten – rücken seine Zeichnungen in einer geradezu übergriffigen Weise an den Leser heran.

„Schatten aus dem Grab“ ist in Schwarzweiß gehalten. Im Anhang des Buches sehen wir ein wenig bunt. (Aus dem besprochenen Band, dort in deutscher Übersetzung)

Nun erfahre ich also, dass es dem Meister – dessen Arbeiten ich seither nur im Antiquariat angetroffen habe – nach so langer Zeit noch immer prächtig geht. Die vorliegende Sammlung kurzer Gruselstories folgt der von Edgar Allan Poe aufgestellten Regel, eine Geschichte sollte nach Möglichkeit kurz genug sein, um sie in einem Zug konsumieren zu können, weil eine Unterbrechung die Atmosphäre ruinieren würde.
Noch nie hat sich das oft strapazierte Motiv des rachsüchtigen Kadavers in solcher Vielfalt vor mir ausgebreitet. Corbens erzählerische und gestalterische Variationen des Vergeltungsthemas sind so unverschämt und unerwartet, dass man das Gefühl einer Genreparodie (im schönsten Sinne!) nicht loswird. Seine Kombination aus hartem Strich und verbeultem Fotorealismus setzen sich über die Gesetzmäßigkeiten grafischen Darstellung schier hinweg. Es ist ein himmlisches Vergnügen.

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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2016/12/22/die-schoensten-comics-die-ich-kenne-9-the-long-tomorrow/
** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/04/28/die-schoensten-comics-die-ich-kenne-13-der-floetenspieler/
*** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/01/14/der-raum-ausstatter/

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Caza veröffentlichte seine Arbeiten ab 1976 in „Métal Hurlant“, einer Zeitschrift, die der Leserschaft „Comics für Erwachsene“ versprach.
Der Einfluss des Großmeisters und Magazin-Mitbegründers Moebius auf seinen Zeichenstil ist so immens, das man seine Arbeit auf dem ersten Blick glatt für Moebius halten könnte. Doch gleich auf den zweiten zeigt sich, wie kreativ Caza auf dessen Vorbild aufbaut – viel kreativer als etwa Philippe Druillet. En detail macht er eigentlich alles anders. Leider steht die allzu knallige Colorierung seinen Sujets manchmal im Wege (so auch hier. Viele Jahre lang besaß ich den „Flötenspieler“ nur als Fotokopie in Schwarzweiß. Als ich mir das Heft endlich besorgte, taten mir die grün lachenden Himmel fast in den Augen weh.)

Das bei „Métal Hurlant“ quasi zum Service gehörende sexuelle Element tritt bei Cazas vier- bis zehnseitigen fantastischen Beiträgen (er gestaltete auch einige Cover und veröffentlichte Alben) in den Hintergrund. Bei allem finsteren Existenzialismus sind sie gewissermaßen jugendfrei. Das ist angesichts dessen, was sie über das Leben zu erzählen haben, nicht unpraktisch.

In „Der Flötenspieler“ wirft Caza einen besonders unversöhnlichen Blick auf den Homo Sapiens. Diese Geschichte liegt im Trend ihrer Entstehungszeit, da Öko-Themen sich einen festen Platz in der Popkultur eroberten. Doch sie macht es sich nicht so leicht wie die meisten Kunstwerke mit edler Botschaft. Gewiss, auch hier sind die „Menschs“ die größten Feinde ihres Planeten; sie haben ihn befallen wie eine Läuseplage. Doch Caza zeigt sie nicht beim Verschmutzen der Umwelt, beim Quälen oder Töten von Tieren und beim Abholzen von Wäldern. Die unbehagliche Präsenz dieser puddingfeisten Geschöpfe wird uns als ein Endstadium präsentiert. Ihr Gegenspieler, der Rattenfänger der alten Sage, ist der einzige, den wir einen kleinen Baum fällen sehen. Das einzig halbwegs Einnehmende an dieser bitteren, ausgemergelten Gestalt ist ihr Hass auf die Erdverwüster – und dass sie als Letzte zu Musik imstande ist, auch wenn sie diese als Waffe einsetzt.

“Der Flötenspieler“ ist, wie bei Caza üblich, eigentlich kein Comic, sondern eine Bildergeschichte mit Begleittext (wie auch der Klassiker „Prinz Eisenherz“). Der Text transportiert die vollständige Geschichte. Allein die Pointe – das Opfer, das der zunächst scheiternde Titelheld zu erbringen hat – ist so schauerlich, dass dem Meister die Worte fehlen und er sie uns nur auf der Bild-Ebene erzählt.

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Wer als Comicfreund ein großes Herz hat, fühlt sich mitunter an die Politik erinnert – menschlich verständliche Prioritätensetzung geht nahtlos in Entrüstung und bald in eine Tortenschlacht über, in der die Wahrheit (die nach wie vor irgendwo existiert) eher im Wege ist.

Er ist neben John Romita der zeitloseste Stilist der frühen Marvel-Ära. Kein Körnchen Staub haftet auf diesen Zeichnungen, neben denen selbst die Arbeiten des großen Gene Colan zuweilen wie Werbe-Illustrationen aus den Sixties wirken.* – Giovanni Natale Buscema (11. Dezember 1927 – 10. Januar 2002), hier im Portrait des Williams Verlags (mit einem Marvel-Publicityfoto von 1975).

Als ich bei der Arbeit an einer Reihe für diesen Blog in alten Moebius-Zeitungsausschnitten blätterte, fiel mir ein Artikel aus „Tempo“ in die Hände (– diese „Zeitgeistmagazine“ waren ein Phänomen der 80er Jahre und sind bald nach ihnen ebenfalls zuendegegangen). In diesem Text wurde – zu recht – Moebius‘ Gastspiel in den USA gepriesen. Er hatte sich von Marvel Comics, dazu überreden lassen, den „Silver Surfer“ (einen heute zu Film-Ruhm gelangten kosmischen Heiland) und den dazu passenden Wüterich Galactus zu zeichnen. Das war ein echter Coup, denn Moebius, der das international erfolgreiche Comic-Magazin „Schwermetall“ mitbegründet hatte und den europäischen „Comic für Erwachsene“ geradezu verkörperte, desertierte nun zu Stan Lee, der das absolute Gegenstück zum frankobelgischen Comic (zumal dem für sexuell erwachte Leser) repräsentierte, das Superheldengenre. Moebius‘ frühere Weggefährten rümpften die Nase. „Schwermetall“-Mitbegründer Philippe Druillet verhöhnte die „gelangweilten“ Amis ob ihrer schwanzlosen Muskelmänner, und der Filmemacher Alejandro Jodorowsky rief in einer später entstandenen Doku gar aus: „Superman finde ich zum Kotzen, Batman und das alles, dieses ganze Imperium, diese Religion! Es ist sehr wichtig, dass die Superhelden immerfort leiden! Das ist mir so dermaßen wurscht! Ich scheiße auf die USA!“

(Wir wollen nicht vergessen, dass der Comic eine in den USA entstandene Kunstform ist und dass es spätestens seit Robert Crumb und aktuell z.B. durch Charles Burns durchaus auch US-Comichelden mit Geschlechtsorganen gibt.)

Diese Flüche hatte auch ihre komische Seite. Ein Gedankenspiel aus dem „Tempo“-Artikel von Christoph Dallach nahm ich allerdings persönlich. Da heißt es: „Als John Buscema dem Surfer 1968 eine eigene Reihe widmete, beschränkte er die grafische Gestaltung auf ganzseitige Zeichnungen, sogenannte ‚Slash-Pages‘. Leider vergaß er, die Leser auf seine außerirdischen Trips mitzunehmen. Sie reagierten mit Surfer-Boykott und zwangen den Helden zur Bruchlandung.“
Augenblick! Es wurde sich keineswegs auf Slash-Pages** beschränkt, sie waren ein wohlerwogenes Stilmittel. Der Rezensent hatte den klassischen „Silver Surfer“ offensichtlich nie in der Hand. Ihm fiel einfach kein anderer Weg ein, Moebius zu huldigen, als der, den Vorgänger (weiter unten noch mit den Worten „schlecht gezeichnet und miserabel getextet“) verächtlich zu machen. Damit lag und liegt er durchaus im Trend dieser Auseinandersetzung: das angeblich noch Schlechtere ist notwendig, um das Gute gernhaben zu dürfen. Für den Comic heißt das: Wer Funnies mag, darf keine Abenteuergeschichten mögen, wer erotische Comics aus Frankreich liest, hat den amerikanischen Kram gefälligst hinter sich, und die meisten lesen in ihrer Jugend sowieso nur „Asterix“ – und lassen später auf ewig die Finger von Bildergeschichten.

Natürlich ist auch mir der Feierabend heilig, und ich kann mich kriminal ärgern, wenn ich mal wieder einen Fehlkauf vor der Nase habe. (Einer der übelsten war der umjubelte „Jimmy Corrigan“ von Chris Ware, der in der „Literarischen Welt“ zutreffend als „Folterbuch“ bezeichnet wurde.)
Und zugegeben: auch ich finde Superhelden zur Zeit reichlich überrepräsentiert; sie sind eben der aktuelle „heiße Scheiß“ im Kino – eine üble Sache, gerade diese vielen Marvel-Typen. Aber einst waren diese Herren und Damen das pfiffigere Pendant zum schon damals drögen Alleskönner „Superman“.
Und wer jemals irgendein später verfilmtes Buch gelesen hat, der weiß es längst: die literarische Vorlage behält ihre Vorzüge.

Über alledem steht John Buscema, der ein seiner Glanzzeit einem Namen alle Ehre machte, den ihm seine Kollegin Marie Severin 2002 verlieh: „Michaelangelo der Comics“.

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* Nichts für ungut – ich persönlich liebe Werbe-Illustrationen aus den Sixties!
** Inzwischen wird der Einsatz der Slash-Page übertrieben – wie alles, was in der Postmoderne ein paarmal gutgegangen ist. (Aber dafür kann Mr. Buscema ja nichts.)

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51 ist ein gefährliches Alter für Männer, die nicht ausreichend auf sich achten. Die Schauspieler James Gandolfini und Dirk Bach verließen uns kurz hintereinander zur allgemeinen Überraschung und Bestürzung. Stieg Larsson – bald darauf ein international gefeierter Autor – starb, weil sein Herz den eiligen Fußweg durchs Treppenhaus nicht mitmachte, als der Fahrstuhl an an einem heißen Tag streikte. Der „Tatort“-Ermittler Eberhard Feik überlebte ein Belastungs-EKG nicht – und so war es auch bei René Goscinny, der den meisten nur als Texter der Asterix-Comics geläufig ist. Heute liegt das letztgenannte traurige Ereignis genau 37 Jahre zurück.
Erst kürzlich hat sich auch Albert Uderzo aus der (zuletzt sehr vereinzelten) aktiven Arbeit an „Asterix“ zurückgezogen – 35 Jahre zu spät, wie selbst seine größten Bewunderer hinter schlampig vorgehaltener Hand zugeben. Nach dem Ableben ihres Texters und Szenaristen (gewissermaßen der Bildregisseur einer Geschichte) ist jener niveauvolle Witz aus der Serie verschwunden, dem sie ihren legendären Status verdankt. Was soll’s – auch die übrig gebliebene Selbstparodie hat sehr gutes Geld eingespielt.

Doch René Goscinny gestaltete den französischen Comic nicht nur Künstler. Das von ihm mitbegründete und zeitweilig geleitete Comic-Magazin „Pilote“ war eine der Säulen des franco-belgischen Comic-Standortes, der für europäische Leser nach dem Krieg der wichtigste und attraktivste war. (Später drängten sich die USA etwa auf Parallelhöhe hinauf, mittlerweile dürfte Japan den Spitzenplatz innehaben.)
Von Leserbefragungen, wie sie in den übrigen Magazinen üblich waren, hielt er nichts: „Der Chefredakteur muss den Lesern vorangehen!“
Im „Pilote“ begannen die Karrieren von Tardi, Claire Bretécher und Bilal – sie und einige andere lehnten sich später gegen Goscinny auf, dessen Spektrum ihnen zu eng erschien. Vereinfacht gesagt, war es ein Streit um die Definition der Zielgruppe und einer zwischen zwei Generationen. Immerhin gab es bald darauf noch ein weiteres gut gemachtes Magazin, das sich nun um die Abteilung „Comics für Erwachsene“ kümmerte: „Métal hurlant“. Dessen Gründungsmitglieder und wichtigste Künstler wären aber ohne die frühe Förderung René Goscinnys nicht denkbar gewesen.

In den letzten Jahren hat „Der kleine Nick“ Kinokarriere gemacht, eine Prosa-Reihe Goscinnys, die der Cartoonist Sempé illustriert hat. Die in der US-Pionierzeit spielenden Abenteuer des Indianers Umpah-Pah und seines weißen Freundes „Doppelskalp“ (Zeichnungen von Uderzo) sind heute nur noch nostalgischen Comic-Fans geläufig. Seit langer Zeit ein richtiges Medienereignis ist hingegen der Westernheld „Lucky Luke“. In dieses Projekt des Zeichners Morris stieg der Texter 1955 ein – die beiden kannten sich aus der Zeit, die Goscinny in New York zugebracht hatte. „Lucky Luke“ war der Grund für ihn, sich allein auf das Schreiben zu verlegen. „Er ging immer nur den leichten Weg“, sagte Morris rückblickend über den Zeichner Goscinny. „An die schwierigen Sachen wagte er sich nicht heran.“

Goscinnys Vater (unten rechts), ein aschkenasischer Jude aus Polen, war 1927 (das Familienfoto stammt vom 12. Februar dieses Jahres)  mit Frau, Tochter und einjährigem Söhnchen René aus Paris nach Argentinien gegangen, um dort für die Jewish Colonization Association zu arbeiten, die landwirtschaftliche Kolonien in Palästina und Südamerika gründete, um osteuropäischen Juden eine neue Heimat zu schaffen. In Goscinnys Werk spielt das Judentum vordergründig nie eine Rolle. 

Und dann ist da noch „Isnogud – der bitterböse Großwesir“, eine Geschichte, die auf eine Episode des „kleinen Nick“ zurückgeht. „Isnogud“ steht hinter hinter diesem, hinter „Lucky Luke“ und dem alles überstrahlenden „Asterix“ rettungslos im Schatten. Während die Abenteuer um die beiden wehrhaften Gallier auch von Pädagogen gelobt (und angeblich sogar gelesen) werden, da sie historisch so sauber recherchiert und mit lateinischen Zitaten garniert sind, und der historisch wesentlich freiere „Lucky Luke“ immer noch stilecht bleibt und z.B. mit sensationellen Gaststar-Auftritten der Zeitgeschichte aufwartet, ist „Isnogud“ der reine Blödsinn, der bare Unfug. Der von Tabary gezeichnete alte Orient ist nur ein Vorwand, um uns unsere realen Torheiten vor Augen zu halten: die der Gegenwart, die des Abendlandes, die der kapitalistischen Medien- und Konsumgesellschaft.

Nie habe ich beim (immer Wieder-)Lesen eines Comics so oft und ausdauernd gelacht wie bei den prinzipiell vergeblichen Versuchen des „zweiten Mannes im Staat“, den schlichten aber gutmütigen Beherrscher der Gläubigen Harun-al-Pussah um die Ecke zu bringen, um selbst „Kalif anstelle des Kalifen“ zu werden. Wer die Zeichentrick-Abenteuer um „Karl, den Coyoten“ aus dem Ensemble um das pubertierende Kaninchen Bugs Bunny gesehen hat, kennt das Prinzip: man lacht nicht so sehr aus Überraschung sondern über das vorhersehbar Unausweichliche. Dieses immer wieder frisch neu zu konzipieren, ist die große Kunst. Goscinny tut das scheinbar Kinderleichte: er reiht Kalauer an Kalauer, aber man lacht nie unter Niveau. Hin und wieder erklingen Sätze, die auch ohne den haarsträubenden Zusammenhang ihre Botschaft behalten: „Besonders die Kinder der Wüstennomaden freuen sich auf den Strandurlaub. Endlich können sie den ganzen Tag zelten und im Sand spielen.“ oder „Ich habe die Nase voll von diesem Doppelgänger, der niemandem ähnlich sieht!“

Nicht mehr lange, und die gleichen schlichten Gemüter mit dem goldenen Herzen, die schon den „Negerkönig“ aus den Kinderbüchern der Astrid Lindgren radiert haben, werden auch „Isnogud“ aus unseren Büchereien / Bibliotheken / Kinderzimmern entfernen, denn neuerdings darf auch hierzulande über nichts mehr gelacht werden, was jene unkomisch finden könnten, die bei uns zu Gast sind.
Man sollte sich dieses Lesevergnügen also gönnen, solange es noch geht! Am besten mit den frühen Bänden – denn auch „Isnogud“ wurde nach dem Tod des Texters vom Zeichner allein fortgesetzt.

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