1975 hatte ein Musical am Broadway Premiere, das Langzeitrekorde aufstellen sollte, lange bevor das Konzept einer weltweiten Vermarktung (dazu später mehr) ihm dabei hätte helfen können: “A Chorus Line”. Es erzählt die alltägliche Geschichte vom langsamen Entstehen eines Tanz-Ensembles.
Der Komponist Marvin Hamlisch hatte zu dieser Zeit bereits einige Filmmusiken geschrieben und sich hier auch um die Titelsongs gekümmert. Besonders beliebt wurde Barbra Streisands „The Way We Were“.Wenige Jahre später sollte Hamlisch für „The Spy Who Loved Me“ die erste Soundtrack-Oscarnominierung für einen „James Bond“-Film erhalten.

Zach ist der Regisseur eines neuen Broadway-Musicals, für das noch Tänzer gesucht werden: vier Jungen und vier Mädchen für die Revuegruppe im Vordergrund. In einem gnadenlosen Auswahlverfahren werden die anfangs ein paar hundert AnwärterInnen auf gesangliche und tänzerische Fähigkeiten geprüft: Vortanzen bis zum Exzeß und ehrliche Antworten auf noch so persönliche Fragen, damit Zach in der engeren Wahl feststellen kann, wer vielleicht auch eine kleinere Rolle in dem Stück übernehmen kann. Nur wer beide Prüfungen besteht, kriegt auch den Job. Als Zachs Ex-Geliebte Cassie auftaucht, um sich zu bewerben, entwickelt sich die Veranstaltung zum Psychodrama.

Das Broadway-Musical „A Chorus Line“ gehört zu den erfolgreichsten aller Zeiten, trotzdem ließ die Kinofassung zehn Jahre auf sich warten. Bis dahin war das Musical in Deutschland – auch von den Lehrlingen der Musical-Zunft – völlig unbemerkt geblieben.  Obwohl Regisseur Sir Richard Attenborough 1969 mit der Verfilmung einer Antikriegsrevue das Genre des Musikfilms schon einmal bedient hatte, bestätigte er die Befürchtung, so lange nach dem Ende des MGM-Musicals könnte der Stoff auf der Leinwand Probleme verursachen. Dem Monumentalfilmer Attenborough, der soeben mit „Gandhi“ das Publikum begeistert hatte, fehlte erkennbar der Blick für’s menschliche Detail. Die Schicksale der Protagonisten werden zu schnell abgehandelt, weder die Tänze noch die Songs wollen zünden. Wer diese Show genießen will, ohne dass dies gerade im Theater möglich ist, dem erweist das Cast-Recording von 1975 noch immer den besten Dienst.

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Mitte der 70er Jahre ereigneten sich drei bemerkenswerte Dinge, die für die Geschichte des Musicals auf unterschiedliche Weise bedeutsam sind. Im Oktober 1974 startete „Mack And Mabel“, ein Flop, der bei Liebhabern mit Überblick als beste Arbeit jenes Jerry Herman gilt, der seine größten Erfolge mit „Hello Dolly!“ und „La Cage Aux Folles“ haben sollte. (Dazu später mehr.) Im Jahr darauf hatte das Backstage-Musical „A Chorus Line“ des Filmmusikers Marvin Hamlisch Premiere, das den Rekord als am längsten laufendes Broadway Musical brechen sollte. Diese Bestmarke hat bis heute ihren Wert, denn sie stammt aus der Zeit vor dem Siegeszug der lizensierten Musicals, für die in aller Welt Werbung gemacht und Theater errichtet werden.
Weiterhin machte in jenen Tagen eine britische Billig-Produktion Karriere, die wie kein anderes Produkt der Popkultur den Begriff „Kult“* verkörpert: Die „Rocky Horror (Picture) Show“. Ihre multimediale Erfolgsgeschichte ist mindestens so inhaltsträchtig wie das Werk selbst – und das Werk hat allerhand zu erzählen. Bezeichnenderweise hat der Broadway an dieser Musical-Erfolgsgeschichte keinerlei Anteil und war hier nur der spätere Nutznießer.

Der in Neuseeland aufgewachsene Schauspieler Richard O’Brien hatte sich die Geschichte um das junge Spießerpärchen, das nach einer nächtlichen Reifenpanne in eine außerirdische Sexparty verwickelt wird, ausgedacht, nachdem er aus dem Ensemble von „Jesus Christ Superstar“ in London rausgeschmissen worden war. Er legte als Parodist halbseidener Kulturphänomene – in diesem Falle die Horror- und Science-Fiction-B-Movies des Kalten Krieges und die untergegangenen Burlesque-Shows – ein ähnliches Vorgehen an den Tag wie 20 Jahre später Quentin Tarantino im Film.
Zusammen mit ein paar Kollegen brachte er das Ergebnis, seine „Rocky Horror Show“ auf die Bühne, und die zunächst 63 Sitzplätze waren Abend für Abend ausverkauft. Bald zog die Truppe aus dem kleinen Royal Court Theater in Chelsea in ein größeres Londoner Theater um und danach weiter in die USA. Der Erfolg im legendären Roxy Theater in Los Angeles verschaffte der Truppe einen Filmvertrag. Richard O’Brien spielte wie gehabt den buckligen Riff-Raff und sang das Eröffnungslied (obwohl der berühmte rote Mund nicht seiner ist). Einige US-Weltstars wie Susan Sarandon und Meat Loaf pimpten das Londoner Ensemble, das am 14. August 1975 die Premiere in seiner Heimatstadt feierte. Der Kinostart in den USA folgte im September – mit sieben Kopien. Auch aufgrund dieser ratlosen Halbherzigkeit wurden die Erwartungen der Beteiligten herb enttäuscht, wie sich Patricia Smith, die von Anfang an dabei war, erinnert: „Bei 20th Century Fox konnten sie mit dem Film nichts anfangen. Er war ein totaler Flop, bis ein brillanter Kopf auf die Idee kam, ihn an allen großen amerikanischen Universitäten auf dem Campus zu zeigen, und zwar um Mitternacht. Das war perfekt, da kam dann schon ein sehr seltsames Völkchen zusammen.“
New York erwies sich einmal mehr als „Laboratorium der Moderne“: im Village wurde die „Rocky Horror Picture Show“ als sogenanntes Midnight-Movie zum Renner. Die Leute kamen immer wieder und brachten ihre Freunde mit – bis alle den Film auswendig kannten und ihnen das Zusehen allein nicht mehr genügte. Die Londoner Schauspieler staunten nicht schlecht, als sie von dort eine Cassette mit den Zwischenrufen aus dem Saal und dem Hinweis erreichte: „Die Leute sind so aufgemacht wie ihr!“
„Es war unglaublich“, erzählt Smith weiter. „Der Film animierte das Publikum, mitzuspielen und an bestimmten Stellen zu reagieren.“
Die „Rocky Horror Picture Show“ begann, sich zu verselbständigen – bald gehorchte das Kinopublikum überall auf der Welt den gleichen Spielregeln: es warf mit Reis bei der Hochzeitsszene, spritzte beim anschließenden Gewitter mit Wasserpistolen und hatte ein Parallel-Drehbuch aus Kommentaren, Regieanweisungen und ironischen Zwischenrufen gefertigt. Als der Film zwei Jahre später auch in den deutschen Kinos anlief – im Original mit Untertiteln – wurden diese auch bei uns im O-Ton übernommen.

Heute ist die „Rocky Horror Show“ das auf unseren Bühnen meistinszenierte Musical, und Teile des Publikums fröhnen auch in der Live-Version dem Reiswerfen, Zeitungaufklappen und Hineinrufen. Das ist zwar eigentlich witzlos, da es nicht bei einem Film geschieht, der unbeirrt seinen Lauf nimmt, aber ein Phänomen wie einst in New York entsteht heute nicht mehr so ohne Weiteres, da der Mainstream breiter ist als je zuvor und die Subkultur es kaum mehr dort hineinschafft.
Auch insofern ist die „Rocky Horror Picture Show“ gleichermaßen ein Medienereignis aus dem Geschichts- und aus dem Bilderbuch.

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* Siehe dazu auch https://blog.montyarnold.com/2014/09/21/was-ist-kult/

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Der gefeierte Filmkomödiant Jack Lemmon schaffte mühelos den Schritt ins ernste Fach, als er dies wünschte (und wieder zurück). Darum dürften ihn viele Kollegen beneidet haben, die sich als Insassen einer Schublade fühlten, auch in anderen Bereichen der Kunst.
Als Regisseur beließ es Lemmon bei einem Versuch: er inszenierte seinen Lieblingskollegen Walter Matthau, den er älter geschminkt als Rentner auftreten ließ.
Die sentimentale Komödie „Kotch“ kam 1971 heraus. Als Filmkomponisten wählte Lemmon Marvin Hamlisch aus, der in den nächsten Jahren mächtig von sich reden machen würde: mit dem Streisand-Hit „The Way We Were“, mit dem Adaptions-Oscar für „Der Clou“, dem rekordebrechenden Musical „A Chorus Line“, mit dem ersten Bond-Soundtrack, der eine Oscar-Nominierung bekam, „The Spy Who Loved Me“.

Im Jahre 1971 war Marvin Hamlisch noch der Hauskomponist von Woody Allen, der bald dazu übergehen sollte, seine Filmmusik aus alten Schallplatten zusammenzustellen.
Für „Kotch“ komponierte er eine Parodie. Der Titelsong des Films, „Life Is What You Make It“, ist reinster Henry Mancini – kompositorisch, mit einem täuschend echten Mancini-Chorgesang und mit einem Solo-Klavierspiel, das verblüffend nach Mancini klingt. Auch der Text ist reiner Mancini – er stammt von Johnny Mercer, dem Texter zahlreicher von dessen Songs.

Auf seinem im Folgejahr erschienenen Album „Big Screen – Little Screen“ läßt Mancini diesen Titel von seinem Chor nachsingen, aber echter als Original kriegt auch er seinen Sound nicht hin.
„Life Is What You Make It“ wurde für den Oscar nominiert, der überaus unterhaltsame Soundtrack – in dem Hamlisch seinen eigenen Personalstil pflegt – wurde leider niemals auf Tonträger veröffentlicht.

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Hin und wieder ärgere ich meine Studenten mit der Aufforderung, sich etwas zu erhören, was (noch) nicht ihren Hörgewohnheiten entspricht. Ich erwecke dann den Eindruck, ich hätte gut reden, weil meine Hörgewohnheiten eben zufällig zum Unterrichtsstoff passen. Das täuscht: Ich weiß, wie schwer ein solches Abweichen von der lieben Gewohnheit ist und wie sehr es sich zuweilen lohnt.
Als Teenager war das Musical-Idiom für mich das von MGM: klassische Songs des „Great American Songbook“ mit sinfonischer Big-Band-Begleitung, das alles im typischen Lichtton-Sound, wenn das Fernsehen alte Filmmusicals zeigte. Eines Tages wurde diese Gemütlichkeit auf eine harte Probe gestellt.

Mein Faible für Filmmusik hatte mich auf den Namen Marvin Hamlisch gebracht. Seine Musik war mir einem James-Bond-Soundtrack aufgefallen, der ausnahmsweise nicht von John Barry stammte: „Der Spion, der mich liebte“. Auch Woody Allens „Bananas“ waren von Hamlisch (– kurz darauf ging dieser Regisseur bekanntlich dazu über, seine Filmmusik aus Archivaufnahmen zusammenzustellen). Nun wollte ich mehr davon haben und ging in ein Elektrogeschäft, weil es damals auf dem Dorfe keine Plattenläden gab. Der Verkäufer wuchtete einen mächtigen Wälzer auf den Tresen, den sogenannten „Bielefelder Katalog“, in dem die lieferbaren Langspielplatten verzeichnet waren. Der Name Hamlisch tauchte abgesehen von der Bond-Platte noch dreimal auf: mit „The Sting“, „Ice Castles“ und „A Chrorus Line“ – das alles sagte mir nichts. Jede dieser Platten würde mich c.a. unglaubliche 25 Mark kosten – ich konnte mir also kaum eine davon leisten. Eine innere Stimme sagte mir aber, so schlimm würde es sicher nicht kommen – und ich bestellte alle drei.
Ich behielt recht: es kam nur eine. Sechs Wochen später durfte ich das beliebte blassgrüne Klapp-Album „A Chorus Line“ mit nach Hause nehmen. Meine Enttäuschung, als ich die Nadel auf die Rille setzte, hätte nicht größer sein können.

Zunächst einmal war das gar kein Soundtrack – dieser Hamlisch war offensichtlich und frecherweise auf mehreren Gebieten tätig. Immerhin ein Musical, soso …? Aber was für eins? Keine Spur von swingendem Orchestersound, von lilty tunes und Nachtclubatmosphäre. Ich hörte eine kleine Besetzung mit viel Schlagwerk, aufgeregte, fast privat klingende junge Stimmen mit einem Repertoire, das sich für mich im ersten Moment wie „Neue Musik“ anfühlte. Ich hörte auf Anhieb kein einziges Thema heraus.
Nachdem ich den ersten Schock überwunden hatte, beschloß ich tapfer zu sein. Es müsse doch etwas taugen, was ich mir da angelacht hatte – schließlich war es ja Marvin Hamlisch! Außerdem ahnte ich, dass mein 15ähriger Musikhorizont eine Dehnung gut vertragen könnte. Der Song „The Music And The Mirror“ – der ganz besonders rüde mit seinen Klangvorstellungen umging – hat mich sogar schon ein wenig angefixt, eine Welle fast wohligen Grusels hatte mich beschlichen.
Ich verordnete mir also eine Gewaltkur: mindestens fünfmal wollte ich die Platte komplett aufmerksam anhören, ehe ich mich in die Tatsache fügte, mich verkauft zu haben.
Schon beim ersten vollständigen Anhören (im Rundfunk nannte man diese akustische Pflichterfüllung „Abhören“) fiel mir das Finaletto „What I Did For Love“ angenehm auf, ein „schönes Lied“ im klassisch-konventionellen Sinne. Beim zweiten oder dritten Mal erkannte ich die Qualitäten von „Nothing“ und „At The Ballet“. Es blieb eine wackere Aufgabe, aber es begann, mir Spaß zu machen.
Bald darauf erfuhr ich, dass diese Show am Broadway bereits Langlaufrekorde gebrochen hatte. In Deutschland wußte man nichts davon, denn aktuelle Musicals waren seinerzeit (gerade eben noch) kein Thema auf dem hiesigen Unterhaltungsmarkt. „A Chorus Line“ gehörte nur mir allein – ich fühlte mich, als hätte ich daran mitgearbeitet.
Fazit: wie genial Marvin Hamlisch wirklich war, wußte ich nach diesem Abenteuer viel besser als zuvor – und noch immer ist „The Spy Who Loved Me“ einer meiner Lieblingssoundtracks der 70er Jahre.
Aber um meine „Chorus Line“-Aventure noch rasch zuendezubringen: Mitte der 80er Jahre kam die populäre Verfilmung mit Michael Douglas heraus. Die Musik, die ich vom Cast-Recording kannte, klang plötzlich wie Tütensuppe aus der Dose, billig gefertigter 80er-Mumpf (mit noch kleinerer Besetzung!), und „The Music And The Mirror“ fehlte gleich ganz, wenn auch nicht ersatzlos. „Let Me Dance For You“, ein Song auf der „Höhe“ der Zeit, war an seine Stelle getreten. „Mein modernstes Musical“ war mir entrissen worden. Als ich geraume Zeit später vor meine erste Musical-Klasse trat, war „A Chorus Line – The Movie“ bereits schon wieder vergessen. Viel hatte sich inzwischen getan auf dem deutschen Show-Sektor.

Heute kann ich es kaum fassen, aber auch „Les Parapluies de Cherbourg“ war für mich zunächst ein hartes Stück Arbeit. Dieses komplett durchkomponierte bittersüße Drama vor dem Hintergrund des Algerienkrieges kannte ich – wie die meisten Musicals – nur als Plattenaufnahme. Auch hier ahnte ich, das müsse etwas ganz Famoses sein, aber ich kam nicht mit. Ein frankophiler Kollege vom Saarländischen Rundfunk hatte mir einmal geraten: „Bleib dran! Es lohnt sich!“ Erst Jahre später ging mir in Hamburg der Knopf auf. Eine instrumentale Suite der „Regenschirme von Cherbourg“, von Michel Legrand selbst für Harfe und Orchester arrangiert, erklärte mir die Musik auf Anhieb, und seither wünsche ich mir, ich könnte dieses Glück mit meinen Studenten teilen.
Mir leuchtet ein, warum das nicht so einfach ist!

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