Nächste Woche: KULTFILM SOMMERFERIEN mit den Science-Fiction-Kultfilmen der ersten Staffel von „Metropolis“ bis „2001: Odyssee im Weltraum“

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Sterben, wo andere Urlaub machen erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Im heutigen Podcast sehen wir zwei einsamen Wölfen dabei zu, die sich gegen das System auflehnen. Der erste Film führt uns zurück in die idyllische Zeit, als es noch keine Shitstorms gab. Jemanden öffentlich zu vernichten, war noch richtig harte Arbeit!
Torben Sterner spielt zur Zeit Theater, deswegen bespreche ich das heutige Programm mit einer Kollegin, die hier schon zu Gast war: Franzi Blass.

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/ein-mann-wie-sprengstoff-michael-clayton

Ein Mann wie Sprengstoff / The Fountainhead
Amerikanisches Drama von 1949

Mit seiner Vision einer radikal neuen Architektur bringt Howard Roark Fachwelt, Kundschaft und Öffentlichkeit gegen sich auf, während sein gefallsüchtiger Weggefährte Peter Keating mit seinen müden Konzepten Erfolg hat. Die Architekturkritikerin Dominique Francon – ebenso stur und kompromisslos wie Roark – schlägt sich auf seine Seite, als der Medientycoon Gail Wynand ihn öffentlich vernichten will. Roark und Francon halten zusammen, obwohl sie einander zu ähnlich sind, um als Paar zu funktionieren. Sie geben auch in dieser Sache nicht auf …

Dies ist ein Kultfilm aus dem Giftschrank, eine durchgeknallte Kuriosität – und ein ganz und gar einzigartiger Film. Aus den Filmographien seines Regisseurs King Vidor wie aus der seines Stars Gary Cooper ist er so gut wie gelöscht. Seine in Europa praktisch unbekannte Autorin, die Russin Ayn Rand, wird in den USA noch immer heiß diskutiert. Das Internet ist uns keine Hilfe, dort schreibt ein verbohrter Polemiker vom anderen ab, und keiner von ihnen macht den Eindruck, als habe er einen der beiden 1600-Seiten-Romane von Rand tatsächlich gelesen. Gleichwohl ist Nr. 2 “Atlas wirft die Welt ab” laut einer Umfrage von 1991 in den USA das meistgelesene Buch nach der Bibel.

Michael Clayton
Amerikanischer Thriller von 2007

Der hochbegabte Anwalt Michael Clayton versauert als Ausputzer in einer noblen New Yorker Anwaltskanzlei. Nun soll er sich er sich um seinen durchgedrehten Kollegen Edens kümmern: der droht, die kriminellen Machenschaften eine wichtigen Geschäftskunden öffentlich zu machen. Clayton tut sein Bestes, Edens wieder auf Linie zu bringen. Dabei kommt er ins Nachdenken über die moralische Qualität seines Tuns – und gilt unversehens als Sicherheitsrisiko, das aus dem Weg geräumt werden soll …

George Clooney ist häufig mit dem legendären Cary Grant verglichen worden, der trotz seines fabelhaften Aussehens ein fähiger Komödiant war. Einen seiner besten Auftritte hatte Clooney in diesem Drama, in dem sein charmanter Witz gar nicht angerufen wurde. Die kluge Figurenzeichnung erinnert an Sidney Lumet, die Geschichte des an sich netten Burschen, der es mit einem krakengleichen System aufnimmt, an James Stewart – aber mit mehr Sarkasmus. Autor und Regisseur Tony Gilroy hat mit seichter Ware wie der „Bourne“-Trilogie größere Furore gemacht, doch immerhin wurde “Michael Clayton“ für sieben Oscars nominiert. Tilda Swinton erhielt einen davon für ihre Schurkenrolle.

Nächste Woche: Bodyguard und Du lebst noch 105 Minuten

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Einer gegen alle erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Analphabet Chance hat sein Leben komplett im Gewächshaus verbracht und kennt die Welt nur aus dem Fernsehen. Als sein Dienstherr stirbt, steht der lebensuntüchtige Gärtner plötzlich auf der Straße und droht, in kürzester Zeit im Großstadt-Dschungel unter die Räder zu kommen. Das geschieht tatsächlich, doch es sind die Räder einer Millionärsgattin, die ihn mit nach Hause nimmt, um ihn wieder gesund zu pflegen. Ein erstaunlicher Aufstieg beginnt, an dessen Ende Mr. Chance sogar übers Wasser gehen wird … 

Unter den Fans des britischen Charakterkomikers Peter Sellers hält sich hartnäckig das Gerücht, dies sei sein letzter Film gewesen, krönender und würdiger Abschluss eines früh abreißenden genialen Lebenswerkes. Dass in Wahrheit die biedere Trash-Klamotte „Das boshafte Spiel des Dr. Fu Man Chu“ noch folgte, wird der Ambivalenz des Sellers’schen Schaffens, in der der Kalauer allweil seinen festen Platz hatte, ebenso gerecht. Die leise, fast zärtliche Bosheit von Hal Ashbys Parabel auf den Wunsch der westlichen Zivilisation, sich für dumm verkaufen zu lassen, nimmt sich in unseren Tagen wie ein utopisches Märchen aus.

B) Der Wolfsjunge / L’enfant sauvage
Französisches Drama von 1970

Eine südfranzösische Bäuerin sieht sich 1798 beim Pilzesuchen plötzlich einem nackten, langhaarigen Jungen gegenüber, der bei ihrem Anblick panisch auf allen Vieren flieht. Als Dr. Itard in der Zeitung von dem viehischen Findling erfährt, erwacht sein wissenschaftliches Interesse. Mit Fürsorge und Geduld glaubt er, den Knaben zivilisieren zu können. Der erhält den Namen Victor – und wehrt sich gegen die Optimierungsversuche …

All seiner unbestreitbaren Beiträge zum Klassiker-Kanon zum Trotz, kann man Francois Truffaut auf einem anderen Gebiet für noch verdienstvoller halten: dem Filmjournalismus und seiner Arbeit als Filmhistoriker. Dieses Nebenwerk des früh verstorbenen Regisseurs und Nouvelle-Vague-Mitbegründers ist auch deshalb bemerkenswert, weil es sich innerhalb und außerhalb seines Schaffens kaum einsortieren lässt. Es zeigt Truffaut auch in einer der Hauptrollen – eine späte Entscheidung des Regisseurs, nachdem er die Mitarbeit am Drehbuch schon beendet hatte.

Nächste Woche: Ein Mann wie Sprengstoff und Michael Clayton

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Aus dem Grünen ins Graue erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Männerwirtschaft erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Beitrag Kultfilm Azubis: Urban Professionals erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Ab heute ist Julia Roberts in einem neuen Film zu sehen. Und da man mit RomComs und Komödien schwerlich einen Oscar gewinnt und Roberts in diesem Abschnitt ihrer Karriere noch keinen bekommen hat, erleben wir sie von einer sehr ernsten Seite.

Alma Olsson ist Philosophieprofessorin an der US-Eliteuniversität Yale. Ihre Professur auf Lebenszeit ist in Reichweite, doch dann gerät auf den letzten Metern alles ins Schleudern. Nachts, nach einem Fest im Hause Olsson, steht plötzlich Maggie Price im Hausflur, eine von Almas Doktorandinnen. Sie berichtet völlig aufgelöst davon, wie ihr Dozent Hank Gibson ihr gegenüber sexuell übergriffig geworden sei, nachdem er sie von der Party nach Hause begleitet hat und noch auf ein Glas mit in ihre Wohnung gekommen ist. Alma zögert, dem Mädchen ihre Solidarität zuzusichern, und rät ihr sogar, die Sache für sich zu behalten. Ohne genau zu wissen, was sich zugetragen hat, sieht sie ihren Aufstieg in Gefahr, wenn sie sich auf eine Seite schlägt. Außerdem ist sie mit dem jungen Kollegen Hank in einer On-Off-Beziehung, was ihr loyaler Ehemann Frederik, ein Psychotherapeut, zu dulden scheint. Maggie schweigt jedoch nicht, meldet die Vorwürfe dem Dekan, und Hank verliert seine Stellung. Für Alma und ihre Universität bricht ein gesellschaftlicher Konflikt offen aus, der auf ihrer Party noch ein philosophisches Gedankenspiel gewesen war …

Der Vorspann wirkt wie eine Anspielung: wir sehen die typische Woody-Allen-Schrift vor schwarzem Hintergrund und hören dazu passend einen Song von Tony Bennett. Ich fürchte, das soll ein inhaltlicher Wink sein. Der Eindruck von Leichtigkeit erfüllt sich jedenfalls nicht. Die Heldin Alma Olsson wird wie eine Kranke eingeführt, oder doch wie eine Frau, der ein Zusammenbruch bevorsteht, wenn es so weitergeht. Ihr Mann legt ihr ihre Medikamente auf den Nachtschrank und schleicht sich dann wieder hinaus, um sie nicht zu stören. Dieses morgendliche Ritual ist sehr unheilschwanger in Szene gesetzt. Nach diesem Opening sind wir beinahe überrascht, dass diese Frau in ihrem überaus bewegten Alltag doch so gut funktioniert.

Julia Roberts in dieser Altersrolle zu erleben, ließ mich an Patrick Bahners‘ kluge Überlegung denken, wenn der „Peanuts“-Held Charlie Brown erwachsen geworden wäre, hätte er das Leben des Comic-Büromenschen „Dilbert“ führen müssen. Die federleichten 90er Jahre sind vorbei, und aus der vielseitigen, aber doch beständig zauberhaften Julia Roberts, in deren Charme sich dieses Jahrzehnt noch lange zu konservieren schien, ist eine etwas freudlose, aufgeräumte, pragmatische Frau geworden. Sie ist immer noch unverkennbar Julia Roberts, hat aber zur Seite keinen anheimelnden George Clooney mehr, sondern einen treusorgend-putzigen Gatten, der latent ein erstaunliches Talent erkennen lässt, auch allein zurechtzukommen. Dass sexuell längst nichts mehr läuft, dass es nicht einmal eine wirkliche Freundschaft ist, fängt Frederick mit nachsichtiger Großzügigkeit auf. Michael Stuhlbarg macht diesen Ehemann zur interessantesten Figur des ganzen Films, zur einzigen, die bei aller Schlüssigkeit ein gewisses Geheimnis bewahrt.
Was noch für den Film spricht, ist seine Relevanz. Er ist gesellschaftspolitisch auf der Höhe der Zeit und zeigt uns den längst zur Farce herabgesunkenen Geschlechterdiskurs in all seiner verbohrten Aussichtslosigkeit. Doch dann fangen die Probleme an. Das für jeden Film Wichtigste ist bei diesem ein rechter Murks: das Drehbuch. Es hat keinen Rhythmus, verschleppt den Anfang, lässt ihn in endlosen dümmlichen pseudo-philosophischen Querelen versacken. Die Dialoge – ganz besonders die fachspezifischen, aber beileibe nicht nur sie – lassen das gut besetzte Ensemble im Regen stehen. Der Zorn des beruflich ruinierten Hank wirkt eher wie der Unmut seines Darstellers Andrew Garfield über die tölpelhaften Phrasen, die er zu sprechen hat, und über die verkrampften Kamerawinkel, die sich ihm in die Nasenlöcher bohren. Man spürt jede Minute dieses überlangen, über weite Strecken geschwätzigen Dramas, gerade so, als würde das schicksalhafte, schleppende Ticken, das wir ganz zu Beginn hören, die ganze Zeit durchlaufen.

Julia Roberts spielt untadelig, kommt aber gegen das Material nicht an. Das nach der Präsentation des Films in Venedig sogleich einsetzende, unvermeidliche Geschwätz von der Oscarwürde ihrer Leistung stellte die Ambivalenz ihrer Rolle in den Vordergrund. Leider ermöglicht ihr der Film eben nicht, diese als solche auszuspielen, so blass bleibt ihre Figur in ihrem Bestreben, sich aus allem herauszuhalten. Um ihr etwas Tiefe zurückzugeben, lässt das Buch sie an schlimmen Magengeschwüren leiden, lässt sie selbst ein dunkles Geheimnis hüten, in dem ein sexueller Übergriff eine Rolle spielt, und sie ein schmuddeliges Zimmer bewirtschaften, in das sie sich zurückzieht, um sich mit Hank treffen zu können, oder um … tja, warum eigentlich? Will sie der wohlgeordneten Ehe mit einem Mann entfliehen, der unauffälliger und bescheidener lebt, aber so viel glücklicher ist als sie? Der sie – eine komplett hobbylose Karrieristin – mit seinen vergnügten Kochkünsten beschämt und mit der Freude über seine laut aufgedrehten John–Adams-Platten? Der sie überdies vor den intellektuellen und charakterlichen Mängeln der Studentin gewarnt hat, deren Förderung Alma nun auf die Füße fällt. Dieser Sache ein wenig (nicht völlig) auf den Grund zu gehen, hätte dem Film die menschlichen Zwischentöne gegeben, die vor lauter Hader und Agitation nicht gedeihen wollen. Die Kontrahenten in diesem Konflikt sind letztlich durchweg schäbige Subjekte und interessieren sich ausschließlich für ihre eigenen Belange, die sie notdürftig mit gesellschaftlichen Botschaften verbrämen. Die Heldin ist da leider keine Ausnahme. Regisseur Luca Guadagnino verhebt sich an seinem Thema und lässt uns mit all den ungelösten – unlösbaren? – Problemen zurück, die uns in der Wirklichen Welt täglich umgeben. Der Slogan auf dem amerikanischen Poster „Not everything is supposed to make you comfortable“ („Nicht alles ist dafür da, damit du dich wohlfühlst“) klingt nach schlechtem Gewissen. Ein fesselndes Drama hat so etwas nicht nötig. Die deutsche Kopfzeile versucht, das Beste draus zu machen: „Wer sagt die Wahrheit?“

Etwas ratlos macht der Schluss, ein angeklebt wirkender „5 Jahre später“-Epilog. Er bietet eine Überraschung, stellt aber auch alles auf den Kopf, was man sich im Kinosessel zusammengereimt hat, neutralisiert es gleichsam, so als sollte sich hier niemand festlegen können, wo die Sympathien hingehören, die man so gern entwickelt hätte. Für mich fühlt es sich an, als wolle der Film mir sagen: wem auch immer du in den letzten zweieinhalb Stunden die Stange gehalten hast, es war Verschwendung. Es ist betrüblich, mit diesem Gefühl aus einem so ambitionierten Film herauszukommen.

Im Podcast auch zum Hören: https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/after-the-hunt-aktuelle-filmkritik

Der Beitrag Diskurspopcorn erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Ganz allgemein wird es nicht gern gesehen, wenn sich Männer die Haare färben, obwohl sie das aus den gleichen Gründen tun wie die Frauen auch: Eitelkeit (wenn man es kritisch betrachtet) bzw. aus dem Wunsch heraus, die Mitwelt mit einem hübschen Erscheinungsbild zu erfreuen (so die selbstbetrügerische Variante).
Das erbarmungslos aufs Sommerloch zutreibende Feuilleton der seriösen Wochenpresse berichtet von Vätern, die verspottet werden, wenn sie ihre Kids mit bunten Haaren von der Kita abholen und ähnliches.

Ich bin nur dann (geschlechterunabhängig) ungnädig über gefärbte Haare, wenn es nicht ordentlich gemacht ist. Oder wenn es doof aussieht, was in der Regel auf das selbe hinausläuft.
Mit meiner Friseurin sprach ich kürzlich darüber, wie Strähnchen bei Männern auf mich wirken: tuntig. Ich bin mir nicht sicher, ob sie mich ganz richtig verstanden hat. Sie stimmte mir zwar zu, aber ich war etwas unsicher, ob sie meine Äußerung nicht fälschlich als homophob verstanden haben könnte. („Vielleicht wollen die das ja“, meinte sie ratlos.) Um die Sache nachträglich klarzustellen: „tuntig“ hat auch eine interne Bedeutung und meint unter Homosexuellen, dass jemand als Mann weibisch wirkt – was umso widersinniger ist, wenn er dafür noch eigens Aufwand treibt (Strähnchen).
Auch hier fällt mir aber eine Ausnahme ein.

Der dänische Schauspieler Esben Smed spielte in Serie „Follow The Money“ einen welpenhaften Kleinkriminellen, der sich im Laufe dreier Staffeln vor unseren Augen zum kernigen Profi-Gangster entfaltet. Ihm stand die unvollständige Blondierung so gut, dass ich ihn mir dunkelhaarig gar nicht erst vorstellen wollte. Außerdem war „Follow The Money“ ein ganz großer Spaß – im Gegensatz zu Clooneys lieb gemeintem, zum Händefalten drögen Kitschfilm „Good Night And Good Luck“.

Der Beitrag Dangerous World Of Colour erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Das alte Studiosystem in Hollywood hat noch überlebende Fürsprecher, wie die F.A.Z. heute berichtet.
„Am Lido“ liefen George Clooney und Brad Pitt über den Roten Teppich, um für ihren gemeinsamen Film „Wolfs“ zu werben, eine Komödie über zwei Tatortreiniger. Der Film sollte vom produzierenden Streaming-Dienst AppleTV+ eigentlich auch ins Kino gebracht werden, wird aber jetzt doch nur online gezeigt.
Clooney räumte angesichts dessen ein, seine Macht als Filmstar sei eindeutig im Fallen begriffen: „Die Wahrheit ist, als Brad und ich Jungschauspieler waren, gab es noch eine Form des Studiosystems. Ich hatte einen Deal mit Warner Brothers über fünf Filme in Folge, ich war da die ganze Zeit geschützt.“ Selbst als er „Batman & Robin“ drehte, der beim Publikum floppte, „war da immer noch eine Maschinerie, die das unterstützte“. Das sehe er heute für junge Schauspieler nicht mehr.
Clooney und Pitt hatten sogar eingewilligt, auf Gage zu verzichten, um „Wolfs“ auf die große Leinwand zu bringen. Kurz vor der Filmpremiere in Venedig gab Apple bekannt, es werde immerhin ein paar Aufführungen in ausgesuchten Kinos geben.
„So genau wollten es aber viele Medien in Venedig gar nicht wissen“, räumt die F.A.Z. ein. „Die meisten interessierten sich schon wieder stärker für die Begleiterinnen der beiden Hollywood-Stars.“
Na dann …

Der Beitrag Kino nicht mehr so wichtig erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Der Beitrag Ein Familienfilm wie aus dem Geschäft erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Unter den Filmen von Quentin Tarantino hat sich „Jackie Brown“ bis heute als der heiterste, der unbeschwerteste erwiesen. Ohne dass man mal als Fan des Regisseurs auf Irgendetwas verzichten müsste, was seinen Stil ausmacht, spürt man hier ausnahmsweise so etwas wie die Liebe zur Kreatur. Und diese Liebe bleibt – mindestens in bezug auf zwei wichtige Charaktere – von allem Sarkasmus ungetrübt.
Die literarische Vorlage für diesen Film hat Elmore Leonard geliefert, von dem Tarantino viel gelernt haben will und der in puncto Popularität zur zweiten Garde der großen US-Kriminalschriftsteller gehört. Sein Name ist uns weit weniger vertraut als die vom Hammett und Chandler, und doch sind sein Fleiß und Erfolg beachtlich.

In den 50er Jahren arbeitete Leonard für eine Werbeagentur in Detroit, um seine Familie nicht nervös zu machen. Die Liebe zum Schreiben reagierte er noch mit Western ab (einem Genre, das er zeitlebens liebte), die als Kurzgeschichten in den einschlägigen Pulp-Magazinen herauskamen. Hierin kündigt sich das Reich seiner späteren Erfolge bereits an, denn was ist der hartgesottene Detektiv der Großstadt anderes als ein Mutant des Westernhelden?
Aus diesen Zeiten stammt Elmores Schilderung seines typischen Tagesablaufs: „Ich machte es mir zur Regel, dass ich etwas auf dem Papier haben musste, bevor ich das Wasser für den Kaffee aufsetzen würde.“
Sein erster Kriminalroman hieß Ende der 60er „The Big Bounce“.

Hollywood begann, seine Geschichten zu verfilmen, und Leonard schrieb ihm auch einige Drehbücher ohne den Umweg über den Buchmarkt – zumal man da gar nicht schlecht verdiente. Sein „3:10 To Yuma“ – „Zähl bis drei und bete“, von dem inzwischen auch ein Remake existiert – zählt nicht zu den Westernklassikern, wird aber von den Fans des Genres zu dessen Spitzenleistungen gerechnet. Die pragmatische Verbindung zweier Typen, die eigentlich wie geschaffen sind, erbitterte Gegner zu sein, ist eines der Lieblingsmotive des Autors.
Charles Bronson, Clint Eastwood und George Clooney spielten solche Figuren. Mit „Get Shorty“ sollte Elmore Leonard richtig groß rauskommen. Star der Verfilmung John Travolta, der soeben von Tarantino (wieder) zum Star gemacht worden war.

Was uns der Meister neben all den Thrillern noch hinterlassen hat, sind seine zehn Gebote, die er 2001 der „New York Times“ verriet. Da heißt es zunächst, man solle niemals mit dem Wetter anfangen. Dass man kein Buch mit einem Prolog beginnen solle, finde ich etwas irritierend (da sie mir doch in Krimis immer besonders viel Freude machen). Aber an einer Regel kommt man nicht vorbei: „Versuch, den Teil wegzulassen, den die Leser gewöhnlich überspringen!“

Der Beitrag Nightmare On Elmore’s Street erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..