Fortsetzung vom 27. Juni 2024

Ab 2003 hatte ich die Freude, an der Joop Van Den Ende Academy, einer luxuriösen Musical-Ausbildungsstätte in der Hamburger Speicherstadt, als Geschichtslehrer zu arbeiten. Die JVDEA war (wie auch die anderen Hamburger Musical-Schulen, an denen ich tätig war) ein gesellschaftspolitisch paradiesischer Ort. Obschon die meisten der männlichen Eleven schwul waren (logisch), wurde auch jede andere Ausrichtung als Normalfall betrachtet. Unter den Dozentinnen und Dozenten herrschte eine ähnliche Statistik und Aufgeschlossenheit.
Und da ich es wichtig finde, die eigene künstlerische Arbeit mit dem gesellschaftlichen Umfeld (also dem Publikum) in Bezug zu setzen, konzipierte ich einem Unterrichtsschwerpunkt zum Thema „Homosexualität und Musical“. Ich rechnete – ähnlich wie meine politisch bewegten Freunde aus Saarbrücken – mit verständigen und lächelnden Mienen, hinter denen der sprichwörtliche Groschen fällt. Da ich bei der Ankündigung das Genre etwas knallig als eine im Kern schwule Kunstform bezeichnete, gab mir meine Klasse das Gefühl, einen frechen Witz gemacht zu haben. Also eröffnete ich die folgende Stunde mit einer kleinen Montage von anschaulichen Filmausschnitten. Es waren Beispiele aus neueren Hollywoodfilmen, in denen das Interesse an Musicalthemen in der schwulen Community verortet wurde, z.B. die Szene aus „Kiss Me Guido“, in der zwei frischgebackene Mitbewohner (ein schwuler Junge und ein Hetero) „The Sound Of Music“ im Fernsehen anschauen, darüber sprechen und den Film „Pretty Woman“ mit Julia Roberts als „eher was für Heteros“ entlarven. Oder eine Sequenz aus „Teuflisch“: Brendan Fraser schließt einen Pakt mit dem Teufel und verwandelt sich in mehrere ganz unterschiedliche Varianten seiner selbst. Als er plötzlich über enzyklopädisches Musical-Fachwissen verfügt, wird ihm klar, dass er schwul ist …
Danach zeigte ich meinen Studenten die üblichen zwischen den Zeilen gay konnotierten Song-Klassiker (beginnend mit „Secret Love“ aus „Calamity Jane“). Ich schilderte tragische schwule Showbusiness-Schicksale (Rex Gildo) oder groteske (Liberace), wies auf die Legion homo- und bisexueller Autoren hin (Porter, Sondheim, Herman, Weill, Bernstein, Noel Coward, Lorenz Hart, Arthur Laurents …). Ich bemühte mich, das Phänomen „Camp“ zu erklären, jene auch für das Hetero-Publikum so beglückende Substanz, die das für jüdische und schwule Künstler überlebensnotwendige Talent zur Selbstironie dem europäischen Konzept der Operette am Broadway hinzugefügt hat und die für das amerikanische Musiktheater ebenso unverzichtbar werden sollte wie die jazzigen Synkopen.
Ich führte den Anfang von „Torch Song Trilogy“ vor (Harvey Fiersteins erhellenden Prolog und die Nummer „Dames“), spielte verkleidete Pride-Songs und hintergründige Soliloquies, führte Shows ins Feld, die nicht so hetero sind wie sie tun u.v.a.m.

Mein Auditorium blieb höflich – und unberaten. Und etwas irritiert. Meine Ausführungen wurden wohl als ein Versuch gelesen, eine persönliche Marotte historisch aufzumotzen (Schauspieldozenten machen sowas ja auch). Als ich das begriff, ließ ich das Thema nach der zweiten Stunde ruhen. Ich habe immer mal wieder darauf hingewiesen, wenn mir homosexuelle Untertöne in den behandelten Werken auffielen, unterließ aber auch das, nachdem mir mein Direktor (ohne Nachdruck und ein wenig achselzuckend) nebenbei erzählte, es sei sich über meinen Homo-Fetisch leise beklagt worden.

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(siehe auch https://blog.montyarnold.com/2023/01/24/noel-coward/)

Tamara Hahn hat vor einigen Jahren in aller Stille ein Buch vorgelegt, das uns in Fragen der Selbsterfindung und Selbstdarstellung ein Leitfaden sein kann – gerade in den Zeiten der Sozialen Medien. Nebenbei ist dies das einzige Buch überhaupt, das in deutscher Sprache über Noël Coward vorgelegt worden ist: „It’s All A Question Of Masks – Selbstinszenierung und Modernität bei Noël Coward“. Am Beispiel dieses Universal-Künstlers, der vor etwa 100 Jahren den modernen Prominenten im Selbstversuch quasi erfunden hat, erfahren wir allerlei Erstaunliches zum Thema Medienkompetenz. Es handelt sich um eine Dissertation von 2002, die der Lit Verlag Münster 2004 veröffentlicht hat und die noch immer erhältlich ist. Die Autorin hat mir gestattet, diesen bereichernden Text hier als Serie wiederzugeben, wofür ich mich ganz herzlich bedanke.

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Tamara Hahn hat vor einigen Jahren in aller Stille ein Buch vorgelegt, das uns in Fragen der Selbsterfindung und Selbstdarstellung ein Leitfaden sein kann – gerade in den Zeiten der Sozialen Medien. Nebenbei ist dies das einzige Buch überhaupt, das in deutscher Sprache über Noël Coward vorgelegt worden ist: „It’s All A Question Of Masks – Selbstinszenierung und Modernität bei Noël Coward“. Am Beispiel dieses Universal-Künstlers, der vor etwa 100 Jahren den modernen Prominenten im Selbstversuch quasi erfunden hat, erfahren wir allerlei Erstaunliches zum Thema Medienkompetenz. Es handelt sich um eine Dissertation von 2002, die der Lit Verlag Münster 2004 veröffentlicht hat und die noch immer erhältlich ist. Die Autorin hat mir gestattet, diesen bereichernden Text hier als Serie wiederzugeben, wofür ich mich ganz herzlich bedanke.

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(siehe auch https://blog.montyarnold.com/2023/01/24/noel-coward/)

Tamara Hahn hat vor einigen Jahren in aller Stille ein Buch vorgelegt, das uns in Fragen der Selbsterfindung und Selbstdarstellung ein Leitfaden sein kann – gerade in den Zeiten der Sozialen Medien. Nebenbei ist dies das einzige Buch überhaupt, das in deutscher Sprache über Noël Coward vorgelegt worden ist: „It’s All A Question Of Masks – Selbstinszenierung und Modernität bei Noël Coward“. Am Beispiel dieses Universal-Künstlers, der vor etwa 100 Jahren den modernen Prominenten im Selbstversuch quasi erfunden hat, erfahren wir allerlei Erstaunliches zum Thema Medienkompetenz. Es handelt sich um eine Dissertation von 2002, die der Lit Verlag Münster 2004 veröffentlicht hat und die noch immer erhältlich ist. Die Autorin hat mir gestattet, diesen bereichernden Text hier als Serie wiederzugeben, wofür ich mich ganz herzlich bedanke.

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Spätestens seit Kenneth Angers Hollywood Babylon II wissen wir, dass die meisten von Hollywoods klassischen Liebhabern schwul waren. Zum Thema eines Films wurde Homosexualität aber allenfalls als abschreckendes Beispiel, tragische Verirrung oder Gegenstand von Spott. Erst Mitte der 80er Jahre begann das Kino – besonders das europäische – wie selbstverständlich gleichgeschlechtliche Geschichten in den unterschiedlichsten heiteren und dramatischen Genres zu erzählen. In den 90ern drang das Setting schließlich in den Mainstream vor. Aus dieser Zeit wird in der Reihe Queer in the Nineties eine kleine Auswahl vorgestellt, die zu weiterer Erforschung des Repertoires ausdrücklich einlädt.
Eine Filmreihe des METROPOLIS Kino Hamburg in Zusammenarbeit mit der Queer Media Society in Kooperation mit der Aidshilfe Hamburg und dem Hamburg International Queer Film Festival, kuratiert von Monty Arnold und Karola Oswald.

The Celluloid Closet OmU
US 1995, Rob Epstein, Jeffrey Friedman, 102 min., 35mm
Susan Sarandon, Harvey Fierstein, Whoopi Goldberg, Tom Hanks, Gore Vidal und viele andere sprechen in dieser Chronik über homosexuelle Untertöne im zunächst sehr heterosexuellen Mainstream des Kinos. Der mit reichlich Filmausschnitten bebilderte Streifzug durch die Filmgeschichte von ihren Anfängen bis in die 90er basiert auf dem gleichnamigen Quellenwerk des früh verstorbenen Vito Russo.
Auftaktveranstaltung heute um 19.00
Gemeinsame Moderation: Monty Arnold, Manja Malz, Karola Oswald, Gast: Peter Clasen

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Kurz vor der Veranstaltung kam es zu dem russischen Reaktorunfall, und damit war das kabarettistische Thema gewissermaßen gesetzt. Hanns Dieter Hüsch holte auf seinem nächsten „Gesellschaftsabend“ im SR-Sendesaal seinen klassischen Anti-Atom-Gesang „Carmina Urana“ wieder hervor („Wir wünschten, dass wir unrecht hätten …“), und auch Bob und Sigi widmeten sich in „Das Letzte“ nun intensiv der Gefährlichkeit  der Atomenergie. Vorgekommen wäre sie ohnehin, denn das nahegelegene französische Kernkraftwerk Cattenom stand kurz vor der Einweihung. Mit meinem strahlenfreien Repertoire habe ich unser Programm zumindest ganz hübsch abgerundet. Die Kollegen und das Publikum waren ganz zauberhaft.

Mitte der 80er war Saarbrücken ein Dorado der freien Theater- und Kleinkunstszene. Es wimmelte von Kulturkneipen, und übers Jahr verteilt hab es ein knappes Dutzend Festivals. Ich habe dort einen wirklich schönen Zeitpunkt erwischt.

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Natürlich ist Harvey Fierstein dieser Erfolg unbedingt zu gönnen, doch wer mit seinen früheren Arbeiten, mit seiner Stimme und Ausstrahlung vertraut ist, den muss drängende Trübsal anwehen angesichts all der Süßlichkeit der Feelgood-Stoffe, für die er heute steht – zumal er auch in seinen Anfängen nie ein einfacher Bürgerschreck gewesen ist. (Immerhin hat er es nun nicht mehr nötig, so niedere Arbeiten zu verrichten wie seine Kleinstrolle in „Independence Day“ …)
Fiersteins erster Hit außerhalb des Underground, war das Bühnenstück „Torch Song Trilogy“*. Es sorgte Anfang der 70er Jahre lang für volle Häuser am Broadway.
Die gleichnamige Verfilmung von 1988 (wieder mit dem Autor in der Hauptrolle) war trotz allen Anspruchs und Tiefgangs ein witziges Feelgood-Movie, das niemandem wehtat – einige Steinzeit-Konservative oder Antisemiten einmal ausgenommen. Man fühlte sich darin ein bisschen wie bei den „Golden Girls“, einer Serie, die zur nämlichen Zeit sehr beliebt war (und deren „Sophia“ am Broadway Fiersteins Mutter spielte).

Der Travestie-Künstler Arnold Beckoff lebt mit dem Yuppie Alan in eheähnlichen Verhältnissen in Greenwich-Village. Die beiden streben die vom New Yorker Gesetz erlaubte Adoption eines homosexuellen Jungen an. Als Alan vor der eigenen Haustür erschlagen wird, muss Arnold den Teenager David (ein ziemliches Früchtchen) allein großziehen. Dabei gerät er immer wieder mit seiner Mutter aneinander, einer strenggläubigen Jüdin, die die Neigung ihres Sohnes ablehnt, seit sie ihn in Kindertagen an ihrem Kleiderschrank erwischte. Arnolds lang vor ihr verheimliche Vaterschaft bringt sie vollends auf die Palme.
Auf selten wohltuende Weise hält „Torch Song Trilogy“ die Balance zwischen Groteske und Melodram, Extrovertiertheit und Anteilnahme. Was da an Misslichkeiten auftaucht – (schwule) Beziehungsprobleme, Mutter-Kind-Probleme, Tod und Nachfolge, das Leben als freier Künstler … – wird sehr offen verhandelt.

Es ist so seltsam wie bezeichnend, dass „Das Kuckucksei“ bis heute nicht als deutsche DVD herausgekommen ist. (Für schwule Sujets gibt es nicht nur eigene Vertriebswege, es werden sogar Filme explizit für diesen Markt produziert – Geld ließe sich demnach damit verdienen.)
Die deutsche Fassung ist nämlich großartig: in der Hauptrolle hören wir Tommi Piper, der oft darüber klagt, dass ihm seine größte Synchron-Rolle „Alf“ letztlich nur Verdruss gebracht hätte.
Im Prolog den Arnold am Schminktisch an sein Publikum richtet, fällt ein Bonmot, das Oscar Wilde neidisch gemacht hätte: „Mein größtes Problem sind meine Jugend und meine Schönheit. Denn ich war nie jung und schön. Natürlich bin ich mal jung gewesen und habe zeitweise auch sehr gut ausgesehen – aber nie zur selben Zeit!“

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* Zur Bedeutung des Bergriffs „Torch Song“ siehe https://blog.montyarnold.com/2017/06/24/broadways-like-that-62-der-letzte-torch-song/. „Trilogy“ deshalb, weil das zugrundeliegende Bühnenstück aus drei verschiedenen Theaterstücken über Stationen im Leben des Arnold bestand, die erst in der Broadway-Bühnenfassung „Torch Song Trilogy“ erstmals zusammengefügt wurden.

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Warnhinweis: Allen Musical-Fans, die älter als 35 sind oder aus den USA stammen, wird dieser Text inhaltlich nichts Neues berichten. Er entstand aus gegebenem Anlass.

Der Dean Martin-Biograph Nick Tosches nannte vor knapp 25 Jahren den Orchesterleiter Mantovani als exemplarisches Beispiel für den seichten Kitsch, unter dem die Kultur des Abendlandes in der amerikanischen Popkultur begraben wurde. Mantovanis allergrößter Hit, die Instrumentalschnulze „Charmaine“**, würde von einem jugendlichen Zuhörer des mp3-Zeitalters vermutlich für ein Stück klassischer Musik gehalten – was die Einordnung von Mr. Tosches gewissermaßen unterstreicht.
Aus meinen Gesprächen mit hiesigen Musical-Darstellern und meinen Studenten weiß ich, dass vielen von ihnen nicht bewusst ist, dass sie sich mit ihrer Kunst im Bereich des Camp befinden, einer Sparte unserer Unterhaltungsindustrie, die einem Großteil der Bevölkerung ein wenig unheimlich ist und die vom Rest genau dafür geliebt wird*** – im Gegensatz zu amerikanischen Kollegen, die sich über dieses Phänomen im Klaren sind. Der Hinweis, dass das Musical von außen betrachtet einen schwulen Touch hat (ähnlich wie das der Hochkultur zugehörige Ballett), wird von einigen von ihnen sogar als Angriff empfunden.

Seit den Ursprüngen des Genres im frühen 20. Jahrhundert gilt: Ein Musical muss einen schwulen Blickwinkel zumindest zulassen, will es gelingen und ein großes Publikum begeistern. (Von einem angestrebten Klassiker-Status will ich gar nicht erst anfangen, aber die Versuchung ist groß!)  Schließlich ist der Großteil seines Publikums weiblich oder schwul. – Das mag man beklagen, aber so sieht es aus! Autoren wie Cole Porter, Lorenz Hart, Leonard Bernstein oder Stephen Sondheim brachten das naturgemäß mit, aber auch die heterosexuellen Produzenten und Geldgeber des Genres dürften um dieses besondere Stimulans gewusst haben. Selbst in einem Unternehmen, das den Namen seines überaus konservativen Urvaters trägt, entstand eine Unzahl musikalischer Buddy-Movies, die heute vielfach auf die Bühne gefunden haben oder das alsbald tun werden: eine Grille, die einem hölzernen Bengele beisteht; ein großer, dicker Bär, der einen ahnungslosen indischen Teenager vor mehreren männlichen Nebenbuhlern beschützt, die diesen (zum Teil buchstäblich) vernaschen möchten; ein fliegender Junge, der es vollbracht hat, nicht mehr zu altern … Bezeichnenderweise war „Sleeping Beauty“, in dem dieser Twist weitgehend fehlt, in der Erstauswertung einer der wenigen Trickfilm-Flops von Walt Disney (trotz Breitwand und Stereoton). Der heiterste Abend, der sich zurzeit in einem  deutschen Musical-Theater erleben lässt, handelt von einem offensichtlich schwulen Dschinni, der dem appetitlichen Helden seine Zauberkunst zu Füßen legt. Die augenblicklich erfolgreichste Produktion der Branche wiederum hat eine intrigante Tunte zum Schurken, die auf den schrillen Kaiser Caligula aus Henry Kosters „The Robe“ verweist (- wenn dieser Bursche im Laufe der Zeit auch etwas ruhiger geworden ist). Dass die großen Broadway-Diven sämtlich auch (oder vor allem) Schwulen-Ikonen gewesen sind, ist eine Gesetzmäßigkeit, die sich von Ethel Merman über Bette Midler und Bernadette Peters bis hin zu Kristin Chenoweth beobachten lässt. Judy Garland wäre ohne ihre homosexuellen Fans (nicht zu reden von ihrem homosexuellen Regisseur und Ehemann Vincente Minnelli) schlichtweg nicht vorstellbar. Im Musical sind es mehrheitlich weibliche Stars, die Geschichte gemacht haben – im Unterschied zu Film, Fernsehen und Theater.
Selbstverständlich ist es jedem Betrachter freigestellt, diesen Aspekt zu übersehen, zu vernachlässigen oder gar zu negieren. In den wenigsten Shows tritt dieses Sujet als Thema des Abends in Erscheinung – in der harmlosen Verkleidungsklamotte „La Cage Aux Folles“ etwa oder in der „Rocky Horror Show“, wo die Furcht des Spießbürgers vor der Entfesselung der eigenen (Bi-)Sexualität als Unbehagen gegenüber Außerirdischen verkleidet wird. In „Hairspray“ hat sich das homosexuelle Moment der Filmvorlage von John Waters fast vollständig aufgelöst – obwohl die Adaption in den Händen von Harvey Fierstein lag, der den tragenden Part der Edna Turnblad in der Urbesetzung noch selbst gespielt hat.

Als DarstellerIn der Branche sollte man diesen Mechanismus (an)erkennen – unabhängig davon, ob man ihn persönlich teilt. Von Karl Kraus wissen wir, dass der Wurm dem Fisch zu schmecken hat und nicht dem Angler.
– Zumal schwul nicht die einzige Bedeutung des Wortes gay ist.

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* Song aus dem Musical „The Producers“
** Dieser Titel wird in dem Film „Einer flog übers Kuckucksnest“ in der Klapsmühle gespielt, um die Insassen einzulullen, siehe dazu auch den vorgestrigen Blog https://blog.montyarnold.com/2016/11/13/lufthoheit-ueber-dem-kuckucksnest/
*** Sie dazu auch https://blog.montyarnold.com/2014/10/04/eskapismus-fuer-geniesser-was-ist-camp/

Der Beitrag „Keep It Gay, Keep It Gay, Keep It Gay!“* erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..