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A) Was geschah wirklich mit Baby Jane? / Whatever Happened To Baby Jane?
Amerikanischer Psychothriller von 1962

Jane und Blanche, zwei alte Schwestern aus dem Showbusiness, wohnen zusammen in einer Hollywood-Villa. Sie fühlen sich tragisch aneinandergekettet: durch gegenseitige Abhängigkeit, durch tiefen Hass und durch einen weit zurückliegenden mysteriösen Unfall, der Blanche in den Rollstuhl befördert hat. Als Jane auf die absurde Idee kommt, ihre Bühnenlaufbahn wieder aufzunehmen, eskaliert die alte Rivalität der beiden in den blanken Irrsinn.

„Baby Jane“ ist ein Klassiker des Horrors wie auch der schwarzen Komödie und die künstlerische Gipfelleistung des Camp. Die verfeindeten Diven in den Hauptrollen starteten damit beide in ihre Alterskarrieren: Bette Davis (die irre Jane) in ein beachtliches, vielseitiges Spätwerk mit Selbstironie und ungebrochener Schauspielkunst, Joan Crawford (die leidende Blanche) in eine wüste Kette unfreiwillig komischer Hauptrollen in immer trashigeren Horrorfilmen, deren sinkende Qualität sich schon an den Titeln ablesen lässt. Robert Aldrichs Glanzstück wird bis heute gedeutet, parodiert und nacherzählt, und doch ist es ein Unikat geblieben.

B) Die Klavierspielerin
Deutsch-österreichisch-französisches Drama von 2001

Die 36jährige Erika Kohut ist Klavierlehrerin am Wiener Konservatorium und lebt bei ihrer kontrollsüchtigen Mutter, von der sie als Kind zum Klavierspielen gezwungen wurde. Eingeengt von der Dominanz der narzisstischen alten Dame ist Erika nicht in der Lage, Beziehungen zu anderen Menschen einzugehen. Nur im sadomasochistischen Verhältnis zu einem ihrer Klavierschüler sieht sie einen Ausweg. Dabei verstrickt sie sich jedoch immer tiefer in grausame Machtspiele.

Wie die Filme seines Kollegen, Landsmannes und Zeitgenossen Ulrich Seidl sind auch die von Michael Haneke von dokumentarischem Realismus und entführen uns in die tiefstmöglichen menschlichen Abgründe. Im Gegensatz zu Seidl ist Haneke jedoch weder voyeuristisch noch prätentiös noch herz- noch geschmacklos. Die Klavierspielerin ist ein fast beliebiges Beispiel für das bravouröse Spätwerk dieses Kinoerzählers unmittelbar vor dem Aufstieg zu flüchtigem Weltruhm.

Nächste Woche: „Der letzte Tango in Paris“ und „Ein Mann sieht rosa“

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Machen wir uns nichts vor: all die „Unsterblichen“ des Kinos sind heute vergessen (abgesehen vielleicht von der Monroe), und kein heute 30jähriger kann noch einen einzigen „Klassiker“ nennen, der deutlich vor seiner eigenen Lebensspanne gedreht wurde. Ohne „Psycho“ wäre selbst Alfred Hitchcock nicht der geflügelte Name, der er heute ist. „Psycho“, dieser unverwüstliche Kultfilm in einem prallen Repertoire aus verdienten Erfolgen und historischen Leistungen, ist der Reißnagel, der Hitch in der heutigen schnelllebigen Popkultur befestigt. Ohne ihn hätte sie seinen Regisseur längst ebenso gründlich fallenlassen wie sie es längst mit Billy Wilder und Orson Welles gemacht hat. Was „Vertigo“ den Cineasten ist, das ist „Psycho“ der wirklichen Welt. Ausgerechnet der einzige Horrorfilm im Werk des „Master of Suspense“ (was mit „Meister der Spannung“ nur nachlässig übersetzt ist), dieses mit kleinem Budget und leichter Hand wie ein Fernsehfilm produzierte Zwischenwerk, hat all die Worte, Bilder, Typen und Töne in die Welt gesetzt, die der heutige Mediennutzer braucht, um sich eines so uralten Filmes (und seines Schöpfers) zu erinnern, der überdies in Schwarzweiß gedreht wurde.

„Psycho“ brachte uns den Duschenmord mit der Jingle-tauglichen Musik von Bernard Herrmann, die Mumien-Mutter mit dem Messer, diese Schlusspointe, die inzwischen jeder kennt und die trotzdem das Vergnügen, diesen Film immer wieder mit knisternder Gänsehaut anzuschauen, nicht spoilert. Und er schenkte uns Norman Bates, den hinreißenden jugendlichen Psychopathen, der dem hoffnungsvollen und bis dato überaus vielseitigen Anthony Perkins die Rolle verpasste, von der er fortan nicht mehr loskam. Wie schon in „Marnie“ (der Folge 4 dieser Hörbuchreihe), hat Hitchcock auch diese männliche Hauptfigur etwas jünger und einnehmender gestaltet als es die Vorlage angelegt hatte. Das reale Vorbild war umso finsterer: Ed Gein war ein nekrophiler Transvestit, der nicht die Kleider seiner Opfer anzog, sondern gleich ihre Haut. Und später das Vorbild für weitaus grauenvollere Ikonen des Kinos: neben „Leatherface“ aus dem „Texas Chainsaw Massacre“ und „Buffalo Bill“ aus „Das Schweigen der Lämmer“ ist Norman Bates eine geradezu poetische Figur. Und doch steht „Psycho“ noch immer erhobenen Hauptes in einer Reihe mit unseren Zeitgenossen.
„Psycho“ ist eine solche Energiequelle der Inspiration, dass sogar seine Fortsetzung – zwei Jahre nach Hitchcocks Tod herausgekommen und ihrerseits der Startschuss für eine Unzahl von schwächeren, aber wirkungsvollen Nach- und Neuerzählungen – ein beachtlicher Film geworden ist. Er wartet mit einem Anthony Perkins auf, der wirklich aussieht, als hätte er die 22 Jahre unterdessen in einer Irrenanstalt verbracht. Und wir sind begierig, das Psycho-Haus ein weiteres Mal zu betreten – und die Winkel und Räume zu besichtigen, auf die wir zuvor keinen Blick erhaschen konnten. Nur einer freute sich nicht darüber: der ansonsten begeisterte Kritiker des „Tip“ klagte, dass „die durch allzu perfektes ‚Remake‘ der Hitchcock’schen Kulisse aufkommenden Erinnerungen an dessen Meisterwerk manchem herzlichen Lacher einfach im Wege stehen.“
Stimmt ja – witzig ist „Psycho“ auch noch. Vor allem, wenn man ihn zum zweiten Mal sieht.

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Gestern abend hatte ich erstmals Gelegenheit, Jens Wawrczecks Lesung von „Das Haus von Professor Edwardes“* in ihrer Live-Version zu erleben. Für einen lebenslangen Hitchcock-Fan und treuen Pilger der „Hitch und ich“-Reihe war das natürlich keine Entdeckungsreise – abgesehen davon, dass ich die Eleganz der abendfüllenden Kurzfassungen immer wieder eigens bewundere. Diesmal lag der Lesung ein 9stündiges Hörbuch zugrunde, was rein rechnerisch die Straffung auf ein Sechstel bedeutet, die man im Saal nicht wahrnimmt. Es fühlt sich jedesmal so an, als höre man kompletten Roman. (Einzig der Bühnenfassung der wiederum etwa doppelt so umfangreichen „Rebecca“-Lesung* ist der Effekt der Verknappung anzumerken.)
Überraschungen gab es trotzdem.
So wurde mir gestern abend vollständig bewusst, wie schundig die Buchvorlage des überaus edlen Liebesdramas „Spellbound“ (deutsch: „Ich kämpfe um dich“) doch ist. „The House Of Dr. Edwardes“ ist sicherlich das volkstümlichste und dem Groschenroman am nächsten stehende Buch, das Hitchcock verfilmt hat.
Dem Regisseur graute sogar selbst ein wenig davor, wie er François Truffaut gestand („… ein melodramatischer und wirklich verrückter Roman über einen Irren, der die Herrschaft über eine Irrenanstalt an sich reißt. In dem Roman waren sogar noch die Krankenpfleger Irre und stellten alle möglichen Dinge an.“). Selbstverständlich tat und tut das dem Vergnügen keinen Abbruch. Und auch dass sich Hitchcock von dieser Vorlage besonders weit entfernte, schadet nicht (nur „Das Lied des Drachen“ ist im Drehbuch noch freier bearbeitet worden und hat mit seiner „Verfilmung“ „Notorious“ aber auch nicht das Geringste mehr zu tun).

Diesmal wurde der Interpret von zwei Live-Musikern begleitet: der Harfinistin Maria Todtenhaupt und dem Theremin-Spieler Jan-Peter Pflug (die erstmals gemeinsam auftraten). Die ungewöhnliche Kombination dieser beiden recht exotischen Solo-Instrumente führte dank des klugen Arrangements und des virtuosen Spiels zu einem raumgreifenden Orchester-Sound.

Launiges am Rande: die Wikipedia behauptet bis heute, es gäbe von „The House Of Dr. Edwardes“ keine deutsche Übersetzung. In der Tat hat Olaf Kreutzenbeck den Text für die Reihe „Hitch und ich“ übersetzt, aber das ist ja nun auch schon einige Jahre her. Auch die angeblich vier Schwestern von Jens Wawrczeck sind nicht aus der Online-Enzyklopädie zu vertreiben.
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* Die erwähnten Hörbuch-Titel aus der Reihe „Hitch und ich“ der Edition Audoba sind #10 „Spellbound – Das Haus von Dr. Edwardes“, siehe https://blog.montyarnold.com/2018/05/10/die-fidele-klapsmuehle/; #12 „Rebecca“, siehe https://blog.montyarnold.com/2019/04/01/london-pride/ und #14 „Berüchtigt – Das Lied des Drachen“, siehe https://blog.montyarnold.com/2020/07/13/beruechtigt-als-hoerbuch/.

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Der Schauspieler und Hörspielsprecher Jens Wawrczeck hat es mit einigen seiner Arbeiten zu Prominenz und einer großen Fangemeinde gebracht. Hin und wieder wird er bei Autogrammstunden gefragt, wie er das denn geschafft habe und wie „sowas geht“. Er pflegt zu erwidern, das wisse er nicht. Es ist eine ehrliche Antwort.
In seinem Buch „How to Hitchcock“ erfahren wir nicht nur viel über den titelgebenden Filmregisseur und größten Entertainer des Medienzeitalters, wir erleben auch, wie Jens sich in seine Branche hineingearbeitet hat – ganz ohne die Protektion eines reichen, gut vernetzten oder schlichtweg kunstsinnigen Elternhauses. Insofern kann man das autobiographische Kapitel „Der innere Kompass“ – mit all den obligatorischen Punkten, die sich nicht im Sinne eines Taschenbuch-Ratgebers nachleben lassen (angefangen mit der entzauberten Welt, in der wir mittlerweile leben) – auch als Antwort auf die Frage seiner ambitionierten Fans lesen. Es ist, wie Jens im Untertitel schreibt, „Ein Kapitel, in dem ich ein wenig vom Thema abschweife. Und immer wieder zu Hitchcock zurückfinde“.

Jeder von uns wird bei der Lektüre ab und zu denken „genau wie ich!“, um dann an anderer Stelle weniger fröhlich festzustellen, dass er dies und das wohl anders angefangen hätte.
Hin und wieder verquickt sich auch beides miteinander. Im meinem Falle etwa an einer Stelle über Jens’ Zeit als Schüler am legendären „Strasberg Institute“: „Ich erinnere mich, dass Ruth, ein Mädchen, mit dem ich (…) an verschiedenen Szenen arbeitete, meinen Akzent damals besonders elegant fand. Es mag an den Filmen gelegen haben, die ich damals im ‚Regency‘ sah. Nach einer umfangreichen Bette–Davis-Retrospektive klang ich, als wäre ich in einem Schwarz-Weiß-Film aufgewachsen.“

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Frisch von ihm ins Netz gestellt: mein Gespräch mit Christopher M. Peckham, das sich rasch auf das Thema „Comedy in Deutschland“ kaprizierte. Sonst geht es ein bisschen um das Kabarett der Kohl-Ära, die Arbeit fürs Fernsehen, das Tingeln durch die Provinz, um das Verglühen lieber Gewissheiten, nagelpinselnde Mädchen, ASMR, die Wonnen des Ein- und Aussortierens und die herrlichen Zeiten im Hamburger Mojo Club der 90er. Gedroppt werden die Namen von Peter Sellers, Rich Little, Faisal Kawusi, Kara Ben Nemsi, Hildegard Knef, Valeska Gert, Thomas Gottschalk, Thomas Hermanns, Jacques Offenbach, Markus Lanz, Bodo Bach, Rainald Grebe, Hennes Bender, Bettina Böttinger, Torsten Sträter, Lisa Eckhart, Richard III., John Huston, The Beatles, George Martin, Jan Böhmermann, Dietmar Burdinski, Jens Wawrczeck, Helmut Hoffmann, Hubertus Meyer-Burckhardt, Florian Henckel von Donnersmarck, Barbara Schüssler, Orson Welles, Martin Schneider, Olli Dittrich, The Thunderbirds und viele andere mehr.

Zu erleben Bei allen gängigen Podcast Anbietern, zB. hier bei Spotify: https://open.spotify.com/episode/61UeMmekmsU7CQSg9nNAFu?si=ab683ca18d8c4b45

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„Family Plot“ ist kein unbeliebter Film, dennoch wird er nicht fair behandelt. Übergeht man ihn einmal nicht als Nebenwerk, wird ihm verübelt, den alten Hollywood-Glamour von „Marnie“ oder „Vertigo“ vermissen zu lassen (je nachdem, was gerade so als Meisterwerk offiziell im Kurs steht). Seit klar ist, dass dies Hitchcocks letzter Film bleiben würde, hat sich die abfällige Einordnung verselbstständigt. Ein so fähiger Filmhistoriker wie Frank Noack führt „Family Plot“ allen Ernstes als einen Beleg für seine These an, dass die meisten klassischen Filmregisseure zum Ende hin nichts Gescheites mehr zuwege gebracht haben.
Wer sich dieses alterslose Spätwerk tatsächlich anschaut, könnte den Eindruck gewinnen, dass solche Vorbehalte gern voneinander abgeschrieben werden.

John Russell Taylors Hitchcock-Biographie vertut sich auf amüsantere Weise, wenn sie im Register den (nach gemeinsamen Projekten gerechnet) Lieblingsschauspieler des Meisters, John Williams mit dem Komponisten gleichen Namens verwechselt. Zweiterer hatte die Ehre, die Filmmusik für „Family Plot“ zu schreiben, würdige Coda für ein Lebenswerk. John Williams, der Musiker, befand sich zu dieser Zeit auf der Höhe seiner Kunst. In den frühen 70er Jahren hatte er den Sound für das damals so beliebte Genre des Katastrophenfilms ausdefiniert und war in diesem Zusammenhang auch Steven Spielberg und dem „weißen Hai“ begegnet. In Abenteuerfilmen, Romanzen und jazzigen Komödien hatte er sich außerdem bewährt. Für Hitchcock bündelte er nun all sein Können und schrieb einen Score, der in seiner verspielten Frechheit an Ron Goodwins „Miss Marple“ erinnert und der souverän illustriert, was auch Hitchcocks Arbeit auszeichnet: die Verbindung und Witz und Nervenkitzel. Im folgenden Jahr sollte sich Williams‘ Schicksal erfüllen: er schrieb die Musik für „Star Wars“, den heute meistgespielten Soundtrack, und besiegelte damit seinen gegenwärtigen Ruf, der „größte Filmkomponist aller Zeiten“ zu sein. Wir sehen: die Fehlurteile nehmen kein Ende.

Näheres zum Vergleich von Roman und Verfilmung folgt.

Der Beitrag Schludrigkeiten um ein Kleinod erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..

Zwischen Jens Wawrczeck und mir gibt es den Running-Gag, dass er (obwohl er in einer der schönsten Städte Europas wohnt) bei jeder Gelegenheit verreisen möchte – und ich völlig anderer Gesinnung bin.
Die gestern gespielte Bühnenfassung seines Hörbuchs „Eine Dame verschwindet“* endet mit dem herrlichen Satz: „Und außerdem passieren alle aufregenden Dinge im Ausland.“
Ich hatte Jens ein wenig im Verdacht, diesen Satz selber erfunden oder doch zumindest in seine gekürzte Live-Bearbeitung des Romans hineingepflegt zu haben.
Ich hatte teilweise recht: er hat ihn um einige Zeilen vorgezogen.

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* Siehe https://blog.montyarnold.com/2015/10/14/miss-froy-und-das-paranoia-kino/

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Ein besonderer Reiz der Hörbuchreihe „Hitch und ich“ (es gibt mehrere!) liegt in der Möglichkeit, die unterschiedliche Treue zu beobachten, die Alfred Hitchcock bei den Verfilmungen der Romane an den Tag legte, die einen Großteil seines Werkes inspiriert haben. „Immer Ärger mit Harry“ bleibt fast Zeile für Zeile am Originaltext (Folge 5 der Reihe), „Notorious“ weicht von „Das Lied des Drachen“ (Folge 14) so erheblich ab, dass ich den Text gar nicht als dessen literarische Vorlage erkannt hätte.
Im Falle von „Der Fall Paradine“ hoffe ich auf eine große Ähnlichkeit des Buches mit dem Film, ist dieser doch viel besser als alle (und Hitchcock selbst) immer sagen.* Jens und ich sind uns in diesem Punkt übrigens einig, wenn wir auch über die Besetzung unterschiedlicher Meinung sind: er findet Charles Laughton und Ethel Barrymore als verfeindetes Ehepaar zu dick, ich störe mich an dem allzu gepflegten „Stallburschen“ Louis Jourdan – und jeweils umgekehrt.

Der Roman von Robert Hichens wurde tatsächlich schon 1935 auf Deutsch vorgelegt, zwei Jahre nach seinem Erscheinen. „Wege im Zwielicht“ war allerdings leicht gekürzt.
Dann mal rein ins Vergnügen!
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* Näheres dazu hier: https://blog.montyarnold.com/2022/07/24/der-fall-paradin/

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Carson McCullers wird seit einer entsprechenden Einordnung ihres Fans Tennessee Williams der „Südstaaten-Gotik“ zugerechnet. Damit sind morbide Familiendramen gemeint, die mich in den erbarmungslosen Konsequenzen der geschilderten neurotischen Handlungen ein wenig an Henrik Ibsen erinnern (kurzum: ein großer Spaß!).  Die kränkliche und schwer geprüfte Schriftstellerin starb um die Zeit, als der Verfilmung ihres zweiten Romans „Reflections In A Golden Eye“ das gleiche Unrecht widerfuhr das schon ihr Buch getroffen hatte.* Dem Film, der sich präzise an die Vorlage hält, wurde die vorwurfsvolle Frage gestellt, warum er derart abseitigen und verschrobenen Figuren soviel Aufmerksamkeit schenkt. Spätestens beim Anhören dieser Lesung lösen sich solche kleinkarierten Einwände in Luft auf. Die Erzählerin begegnet ihren Figuren mit so viel Nachsicht, dass es uns selbst überlassen bleibt, ob und wie viel Verständnis wir aufbringen möchten. Und das gelingt uns am Ende häufiger als wir es uns selbst zugetraut hätten. (Williams hat McCullers‘ Prosa mit der von Herman Melville verglichen, der seiner Zeit sogar noch einige Jahre weiter voraus war und der die gleichen Anfeindungen erlebte.) Immerhin wird uns gleich zu Beginn klargemacht, dass sich die Figuren in einer Ausnahmesituation befinden: „in einer Garnison in Friedenszeiten“. Es ist diese komfortable Eintönigkeit, die die Charaktere unterfordert, die sie auf ihre seelischen Untiefen auflaufen lässt – Charaktere, die eine militärische Struktur gewohnt sind. (Haben wir nicht alle von den Familien gehört, bei denen in der Pandemie ein Lagerkoller ausgebrochen ist?) In einem Kriegszustand hätten sie funktionieren müssen, und vermutlich wäre nichts vom hier Geschilderten passiert. Sondern weitaus grauenvollere Dinge.
   
„Spiegelbild im goldnen Auge“ wurde schon vor anderthalb Jahren von Jens Wawrczeck aufgenommen, aber die McCullers-Erben hatten die Formalitäten immer wieder unterbrochen, und so erschien das Hörbuch erst im Oktober. Wie schon bei seinen Hitchcock-Hörbüchern leuchtet der Sprecher einen Film weiter aus, den ich gut zu kennen glaubte.* Das leistet das gedruckte Buch zwar auch – es ist 2011 von Diogenes in einer hübschen McCullers-Kassette neu aufgelegt worden -, doch die Lesung rückt uns noch näher an die Figuren heran, ohne die Fairness zu hintertreiben, die die Erzählerin walten lässt. Man fühlt sich ein bisschen wie Private Ellgee Williams, der unbemerkt dicht neben Leonoras Bett kniet. Anders käme man unmöglich in den Genuss solcher Eindrücke wie in Kapitel III. Da liefert uns Jens Wawrczeck eine Vorstellung, die sich an dieser Stelle unmöglich beschreiben lässt. Die Szene, in der zwei Damen eine Abendgesellschaft planen, ist in ihrer Lebensnähe so komisch, dass mir selbst unter den von mir geschätzten Sprecherinnen keine einfällt, die so gut hinbekommen hätte.

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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2017/12/29/die-schoensten-filme-die-ich-kenne-56-spiegelbild-im-goldenen-auge/

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