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A) Pretty Woman
Amerikanische Liebeskomödie von 1990

Der graumelierte New Yorker Millionär Edward (Richard Gere) verfährt sich mit dem Mietwagen in Los Angeles. Die Hure Vivian (Julia Roberts) steigt zu, lotst ihn zum Luxushotel „Beverly Wilshire“ und bringt ihn mit einem Griff neben den Steuerknüppel in Stimmung. In der eleganten Suite angekommen, packt sie erst einmal ihre Profi-Ausstattung aus: Kondome in den Regenbogen-Farben. Edward bietet ihr an, für 3000 Dollar plus Boutiquenbummel mit der goldenen Kreditkarte die zehn Tage bis zu seiner Heimreise Tisch und Bett mit ihm zu teilen. Vivian, die pfiffige Bordsteinschwalbe, entwickelt sich zur Dame und verweist die Society-Susen auf die Plätze. Ein Märchen wird wahr …

Overknee-Stiefel, die eine Modewelle auslösten, eine legendäre Shoppingtour zum kultigen Titelsong von Roy Orbison, eine klägliche Musicalversion, die ausgerechnet diesen Song nicht verwenden durfte – die 1990 erschienene Liebeskomödie „Pretty Woman“ von Garry Marshall ist bis heute der größte Kinoerfolg des Genres. Diese moderne Variante der Dirne mit dem Goldenen Herzen brachte Millionen zum Schluchzen und machte die 22-jährige Julia Roberts augenblicklich berühmt. Eine kuriose Besonderheit: die schwule Community, die in jenen Tagen so viele Filmerfolge mit starker Titelheldin zu verantworten hatte, mochte diesen Film überhaupt nicht!

B) Paper Moon
Satirische US-Komödie von 1973

Die USA zur Zeit der Großen Depression. Am Grab einer Ex-Geliebten bekommt der charmante Trickbetrüger Moses (Ryan O’Neal) deren Tochter aufs Auge gedrückt – und mit Bestimmtheit wissen wir nur, dass es im wirklichen Leben auch seine eigene (Tatum O’Neal) ist. Addie soll bei einer Tante abgeliefert werden. Auf dem Weg dorthin nervt sie Moses mit ihrer schlechten Laune und ihrem Dickkopf. Bei dessen Fischzügen als betrügerischem Bibelverkäufer erweist sich die zigarettenrauchende Göre jedoch als hilfreiches Naturtalent. Dennoch lässt Moses keinen Zweifel daran, dass er sie wie geplant abliefern will. Addies Laune verfinstert sich noch mehr, als Moses eine vulgäre Cabaret-Sängerin zusteigen lässt, die ihn ganz offensichtlich längerfristig ausnutzen möchte …

Tatum O’Neal wurde mit 9 Jahren die jüngste oscarprämierte Schauspielerin überhaupt, und an den Erfolg des Films schloss sich eine gleichnamige Fernsehserie an. Seither ist die Zeit gründlich über dieses Frühwerk von Peter Bogdanovich hinweggegangen. Heute wieder hervorgeholt, beweist der Film einen berühmten Ausspruch von Loriot: Altmodisches hält sich besser.

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Nachdem er einige Zeit bei Roger Corman in die Lehre gegangen war, trat Peter Bogdanovich erstmals als Regisseur eines Films in Erscheinung. „Targets“ (1968) ist außerdem einer der ersten Filme, in deren Mittelpunkt ein Sniper steht. (Inzwischen ist das Treiben dieser Leute aus den Auslandsnachrichten nicht mehr wegzudenken.)
Knapp zehn Jahre später verwob Lars Gustafsson eine solche und weitere unerhörte Begebenheiten sind zu einem grotesk-witzigen Satyrspiel, das von einem anderen Spiel begleitet wird: „Die Tennisspieler“.

Ja, es war eine glückliche Zeit.
So lange danach fühle ich ganz deutlich, dass sie glücklich war.
Ich stand gewöhnlich morgens so gegen sechs Uhr auf, als die Luft noch einigermaßen kühl war. Zog ein Hemd und sehr verwaschene Jeans an, füllte meinen Rucksack mit einem Tennisschläger, sechs Bällen, Nietzsches „Jenseits von gut und böse“, einem Band von Brandes‘ „Hauptströmungen in der Literatur des 20. Jahrhunderts“, holte mein italienisches Fahrrad aus dem Parkhaus des Wohnblocks und raste einfach ins Morgenlicht hinaus, das um diese Zeit noch rosenfarben war. Ich erinnere mich noch, dass ich „Siegfrieds Rheinfahrt“ aus der „Götterdämmerung“ zu pfeifen pflegte. Meine Fahrt führte durch ein immer helleres, immer klareres Tageslicht zu einem Tennisplatz im Viertel jenseits des Lamar Boulevard in Austin im südöstlichen Texas.

Es gibt nichts Erholsameres nach einer Vorlesung, als auf dem Campus im Gras zu liegen. Du schaust in den blauen Himmel, hin und wieder schlendert ein Bekannter vorbei, du sagst „Hi“ oder sowas.
Der Turm der Universität wurde immer mit roten Scheinwerfern angestrahlt, wenn die „Texas Longhorns“ ein Spiel gewonnen hatten. Das sah aus wie ein enormer ekstatischer Phallus.
Es sind auch schon Studenten runtergesprungen. Damals – zu jener Zeit – waren es  schon acht.
Die Zahl der Toten erhöhte sich aber beträchtlich an jenem sagenhaften Junitag des Jahres 1966. Es war mittags zur Essenszeit. Genau wie jetzt.
Menschen strömten aus den Universitätsgebäuden auf die Wiesen hinaus, massenhaft Leute waren in die verschiedensten Richtungen zu ihren gewohnten Essenslokalen unterwegs. Einer von ihnen war ein hervorragender englischer Atomphysiker, vorübergehend in einem der Labors zu Gast.

Ein sehr heißer Junitag. Plötzlich geschah etwas Unerwartetes.
Innerhalb von 30 Minuten sollten 13 Menschen tot sein.
Ein ehemaliger Marinesoldat, seit Monaten bei einem Studentenpsychiater in Behandlung, hatte den Nachmittag darauf verwendet, seine Mutter umzubringen und sich dann oben im Turm verbarrikadiert. Auf der Brüstung hatte er vier Hochleistungsgewehre mit Zielfernrohr installiert, eins für jede Himmelsrichtung. Vermutlich glaubte er, dass einem, der die Mutter umgebracht hat, die ganze Welt offensteht.
Als die Nationalgarde angerückt war, gab es ein lebhaftes Feuergefecht. Doch selbst Angriffe schwer gepanzerter Hubschrauber auf die Turmspitze scheiterten.
Schließlich nahm ein junger Hilfssheriff ganz einfach den Aufzug durch alle Bibliotheksetagen. Die gesamten 18 Stockwerke mühselig angehäufter Kultur durchfuhr er in einem knarrenden Lift und trat dann ruhig auf die Aussichtsplattform des 19. Stockwerks hinaus. Als er dir Tür öffnete, stand der Killer auf der anderen Seite des Balkons. Der Sheriff erschoss ihn mit einem einzigen gezielten Schuss.

Ein einigermaßen normaler Fall von Studentenneurose.

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Nur wenige Buchstaben trennen Kent Jones, einen offensichtlich sehr uninspirierten Dokumentarfilmer, von Ken Burns, der auf dem nämlichen Gebiet einer der Fähigsten und Fleißigsten ist. Es ist unmöglich, diesen Kalauer niederzuhalten, wenn man der Doku „Hitchcock/Truffaut“ ansichtig wird – noch so eine unselige Namensgebung, zitiert sie doch den Titel des berühmtesten Gesprächs der Filmgeschichte, das in Buchform „Truffaut/Hitchcock“ heißt (im Deutschen viel angemessener / amüsanter „Mr. Hitchcock, wie haben Sie das gemacht?“). Die Phrase, das Buch sei mal wieder besser als der Film, verbietet sich trotzdem, denn wie müsste eine „Verfilmung“ von Truffauts Bestseller aussehen (mit all den verzeihlichen Verkürzungen, die ein solcher Transfer naturgemäß mit sich bringt)? Eine halbstündige TV-Doku hat es vor Jahren vorgemacht, auf DVD-Bonus-Sektionen wird es hin und wieder als kleine Fingerübung gemacht: man lässt Passagen aus dem Tonbandprotokoll des Gesprächs laufen, einfach laufen, und illustriert sie mit den launigen Interview-Fotos, mit Storyboard-Auszügen und natürlich mit Filmclips. Das wäre das Leichteste von der Welt, und es würde beim Zuschauen das allergrößte Vergnügen bereiten.
Als positiv denkender Mensch hatte ich auf genau so etwas gehofft. Ich kenne das Buch so gut, dass ich nichts Neues gelernt hätte (so wie mir das regelmäßige Wiedersehen von Hitchcocks Filmen nichts inhaltlich Neues verrät), und ich hätte (genau wie dort) eine herrliche Zeit gehabt.
Was tut Jones? Er lässt nur Sekunden aus der erwähnten Aufnahme erklingen. Stattdessen kommt eine stattliche Zahl berühmter Kinoregisseure zu Wort. Leute von heute, die schon aufgrund ihrer Jugend nicht als Zeitzeugen taugen: Wes Anderson, James Gray, Olivier Assayas, Richard Linklater, Kiyoshi Kurosawa (wohlgemerkt Kiyosjhi, nicht Akira …). Analytisches oder sonstwie Erhellendes haben sie nicht zu berichten, nur die üblichen Marketing-Bekenntnisse von der unbestreitbaren Prominenz des Meisters. Dass es sich bei ihrer Lobhudelei eben um lupenreine Hudelei handelt, lässt sich schon an ihrer Arbeit ablesen, die keinen von ihnen als persönlichen Hitchcock-Fan ausweist. Wenige alte Hasen sind darunter: Paul Schrader, Peter Bogdanovich, Martin Scorsese. Letzterer spricht eher von sich selbst, wenn er sagt, es sei eine Freude gewesen, Hitchcocks Filme gesehen zu haben, als sie einst gestartet sind. Das ist die einzige wirkliche Information, die wir an diesen Abend erhalten (und auch sie hätte man sich ausrechnen können).
So verrinnen kostbare 79 Minuten. Ärgerliche 79 Minuten.

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Es ist eine dieser großen Hollywood-Anekdoten. Sie betrifft das Zustandekommen eines von Orson Welles‘ umstrittenen Klassikern „The Lady From Shanghai“. Welles erzählt von einem dieser Tage, an denen er mal wieder Geld brauchte: „Ich rief Harry Cohn in Hollywood an und sagte: Ich hab‘ da eine riesige Story für Sie, wenn Sie mir innerhalb einer Stunde telegraphisch 50.000 Dollar anweisen. Welche Story, fragte Cohn. Ich felefonierte von einem Münzfernsprecher, direkt daneben war ein Schaufenster mit lauter Taschenbüchern, und ich nannte einen der Titel: Lady From Shanghai. Ich sagte, kaufen Sie den Roman, und ich mache den Film. Eine Stunde später hatten wir das Geld.“
So grandios das Finale im Spiegelkabinett auch ist, so ratlos hat der Film mich insgesamt hinterlassen. Daher fand ich es beruhigend zu erfahren, auf welch zufällige Weise er initiiert worden war.
Ähnlich verhält es sich mit „Der Prozess“. Warum nur hat mich dieser Film nicht überzeugt, eine Art Zusammenarbeit zwischen zwei Genies wie Welles und Franz Kafka? – Und dann noch mit Anthony Perkins, dem idealen Statthalter Franz Kafkas auf der Leinwand …
Dafür hat Orson Welles eine ähnlich de-romantisierende Erklärung. Er erzählte Peter Bogdanovich die Geschichte* seiner Begegnung mit „zwei Russen namens Salkind, Vater und Sohn“, die Welles als Schauspieler für ihre Verfilmung von „Taras Bulba“ gewinnen wollten. Daraus wurde nichts, denn Hollywood kam dem Projekt mit seiner Version des Stoffes zuvor. Doch Orson „hatte jetzt einen Draht zu ihnen. Und der alte Herr – ein engelhafter, lieber Mensch – gab mir eine Liste mit einhundert Büchern und fragte mich, welches ich machen wollte. Kafkas ‚Prozess‘ stand mit auf der Liste, und als ich sagte, ich wollte ‚Das Schloss‘ machen, weil ich diesen Roman lieber mochte, überredeten sie mich, doch den ‚Prozess‘ zu nehmen. Ich konnte sie nicht dazu bewegen, mich ein Originaldrehbuch machen zu lassen, es musste eine Romanvorlage sein.“
Und ich hatte geglaubt, dieser Stoff und dieser Regisseur müssten einander magnetisch angezogen haben.

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* … der sie mit vielen anderen in dem Buch „Hier spricht Orson Welles“ versammelte.

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Parallel dazu vollzog sich ein Generationswechsel. Regisseure, die mit ihrem unaufgeregten Fleiß die Produktivität des Studiosystems gesichert hatten und heute als Meister verehrt werden – John Ford, Raoul Walsh, Michael Curtiz u.a. – traten ab, junge Regisseure, die oft auch als Produzenten fungierten, traten in Erscheinung.

Zwei Filme, die nachträglich als früheste Beiträge zum New Hollywood betrachtet werden, entstanden noch im klassischen Studiosystem und waren sehr erfolgreich. Sie zeigten bereits die wichtigsten Merkmale der sich anbahnenden Strömung: eine gesellschaftskritische Grundhaltung, fragwürdige Protagonisten und das Fehlen eines klassischen Happy End. In „Die Reifeprüfung“ (1967, Regie: Mike Nichols) erringt der Held einen schalen Etappensieg, der ihm noch einigen Ärger einbringen wird, in „Bonnie und Clyde“ (1968, Regie: Arthur Penn) sterben die Helden, die zugleich die Schurken sind. Es folgten „Easy Rider“ (1969), den der Schauspieler Dennis Hopper auf der Basis der Vorleistungen des B-Filmproduzenten Roger Corman realisierte, und die Arbeiten der heute legendären Nachwuchsregisseure, die zunächst gut miteinander vernetzt waren: Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich* u.a.. Der Erfolg konnte den Grundstein für eine lebenslange Karriere legen. Andererseits genügte ein Flop, um ein One-Hit-Wonder zurückzulassen. Dieses Schicksal traf etwa Hal Ashby, Henry Jaglom und Douglas Trumbull.
Das in jenen Tagen entstandene Repertoire, das sich über sämtliche Genres erstreckte, gilt heute als Inbegriff des modernen unkonventionellen US-Kinos der 70er Jahre.

Die (im Sinne der Resonanz) größten Filmschaffenden aus dieser Zeit des Umbruchs waren in ihrer Spätphase die Könige des Kommerzes, des Kompromisses und der Konvention. Sie haben mehr zur Vereinheitlichung des filmischen Erzählens beigetragen als irgendein Studioboss der Gründerjahre: Steven Spielberg und George Lucas (was ihr Publikum niemals davon abhielt, sie als Erneuer zu feiern). Die absichtliche Missachtung einer alten Sehgewohnheit, inhaltliche oder filmästhetische Experimente waren in Hollywood noch nie so unwahrscheinlich und unfinanzierbar wie in den frühen 2000er Jahren.

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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2022/01/06/19698/

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„Wir starten alle besser als wir landen“, sagte ein kluger Mann und dachte dabei wohl an körperliche Vergänglichkeit. Kopfarbeiter können dieser Regel ausweichen. So haben einige wenige große Regisseure ihre Raffinesse zum Ende hin gehalten oder gar gesteigert, getreu der Devise, dass das Gehirn das einzige menschliche Organ ist, das sich theoretisch bis zuletzt weiterentwickeln kann. Peter Bogdanovich gehört leider nicht in diesen Club – und befindet sich in allerbester Gesellschaft (etwa der von Komödienmeistern wie Billy Wilder oder Charles Chaplin). Sein letzter Film „Broadway Therapy“ wurde 2014 als Comeback gewürdigt, und in der Tat liefert er solide Sitcom-Qualität – aber eben kein bisschen mehr. Selbst die Liebe zum Kino, die der Regisseur auch außerhalb des Filmateliers so heilbringend auslebte, gerät darin zur Kitschpose.

Dennoch und völlig zu recht trauern heute nicht nur Filmfans um ihn, sondern ganz besonders Regisseure jeden Alters.  Peter Bogdanovich hat zwei bleibende Wundertaten vollbracht. Er führte eine Unzahl von ausführlichen Interviews mit großen Filmregisseuren, denen er teilweise überhaupt erst zu einer angemessenen Reputation verhalf. Und er hat ihre Hinweise offensichtlich beherzigt. Seine ersten vier selbst inszenierten Filme decken auf meisterliche Weise unterschiedliche Genres ab: ein brutales Drama mit Anspielungen an den klassischen Horrorfilm, eine zärtliche Milieustudie, ein komödiantisches Road-Movie und eine Verbindung aus Slapstick- und Screwball-Comedy. Nach dieser kurzen Phase, in der Bogdanovich als großes Versprechen des New–Hollywood-Kinos erschien, war es, als hätte jemand einen Schalter umgelegt. Seine späteren Arbeiten lassen die typische spielerische Souveränität des Anfangs vermissen, die meisten sind einfach nur mittelmäßig. Aus gegebenem Anlass wird nun wieder über die Gründe dafür nachgedacht, aber eine plausible Erklärung steht noch aus.
Immerhin ist es einleuchtend, dass den Regisseur eine Reihe von Schicksalsschlägen und historischen Fehlentscheidungen (wie die Ablehnung des Auftrags, Regie bei „Der Pate“ zu führen) nicht beflügelt haben dürften.

Peter Bogdanovich, der mit 12 Jahren angefangen hat, über jeden von ihm gesehenen Film ein Protokoll anzulegen, saß im Kino immer neben uns.

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1951 in Anarene, einem Kaff in Texas. Die Ölindustrie prägt die Atmosphäre, und obwohl die Kids am Leben ihrer Eltern deutlich ablesen können, was ihnen nach dem Highscool-Abschluss bevorsteht – ein Leben in öden Jobs und lieblosen Ehen – fiebern sie diesem Ereignis entgegen. Der coole Duane (Jeff Bridges, der die größte Karriere des jungen Ensembles gemacht hat) ist in die reiche Jacy verliebt, das schönste Mädchen der Schule. Nachdem eine gemeinsame Nacht in einem Motel schiefgeht, wendet sie sich einem erfahreneren Mitschüler zu. Der zartbesaitete Sonny (Timothy Bottoms, der schon hier dem jungen George W. Bush so ähnlich sieht, dass er ihn mehrfach in Film und Fernsehen verkörpern durfte) wird von Mr. Popper, dem Trainer des High-School-Fottballteams, dazu manöviert, seine unglückliche Ehefrau zu verführen. Tatsächlich entwickelt sich zwischen Sonny und Ruth Popper eine heimliche, zärtliche Romanze.
Der einzige Platz, der den jungen Leuten von Anarene eine gewisse Fluchtmöglichkeit bietet, ist das Kino, das vom charismatischen Ex-Cowboy Sam „dem Löwen“ betrieben wird. Sam ist Sonny ein väterlicher Freund, doch buchstäblich der ganze Ort ist bestürzt, als Sam plötzlich stirbt. Bald schließt das Kino – zuletzt wird der Edelwestern „Red River“ gezeigt.
Sonny holt sich in einer Affäre mit einer Gleichaltrigen eine blutige Nase und kehrt reumütig zu Mrs. Popper zurück. Duane wird in den Koreakrieg ziehen …

Unablässig treibt der Wind taub und tote Blätter durch die heruntergekommene Hauptstraße, so dass der Ort wie eine Geisterstadt wirkt. Statt einer Filmmusik ist nur die Berieselung zu hören, die sich den handelnden Personen bietet. Da die Geschichte kurz vor dem Siegeszug des Rock’n’Roll spielt, hören wir immerzu schnulzige Country Music.
Die besondere Qualität, die 1998 zur Aufnahme von „Last Picture Show“ in die amerikanische Kongressbibliothek führte, ist nicht mehr ohne kleine Hindernisse zu besichtigen. Mit seinem (unnötigen) zweistündigen Director’s Cut (der überdies auf Breitbild heruntergeschnitten wurde) handelte Bogdanovich seinem deutschen Publikum eine neue Synchronfassung ein, vor der man sich in Acht nehmen sollte.

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(7) „Marty“ bekam 1956 den Oscar als Bester Film und machte den knorrigen Ernest Borgnine für den Rest seines Lebens zum gutbeschäftigten Charakterdarsteller. Dennoch kennt diese berührende Charakterkomödie heute kein Schwein. Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2015/07/08/bitte-wiederentdecken-marty/

(8) „Monsieur Verdoux“ wurde Ende der 40er Jahre sehr ungnädig aufgenommen, weil niemand Charlie Chaplin als Frauenmörder sehen wollte. Wie heißt es doch so schön unter Filmhistorikern: „Heute dürfen wir uns ein sachlicheres Urteil erlauben!“ Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2015/09/05/chaplins-bester-tonfilm/

(9) „Bewegliche Ziele“ ist das Erstlingswerk von Peter Bogdanovich. Er drehte danach noch drei vollkommen unterschiedliche makellose Prachtstücke der Filmkunst – und versagte bei Film Nummer 5 umso gründlicher.
Als Regisseur kam der noch immer aktive Regisseur nie wieder zu seiner frühen Höhe hinauf, doch als Filmhistoriker hat er Großes geleistet. Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2016/07/20/das-gegenteil-von-spielberg/

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Der Beginn der Karriere von Peter Bogdanovich ist ähnlich eindrucksvoll wie der seines bedeutenderen Kollegen Orson Welles – nur, dass es hier drei kleinere Meisterstücke waren, die ihn markierten. Beide Regisseure haben danach ihren Weg gemacht, kamen zur Höhe ihres Anfangs jedoch nie wieder hinauf. (Sie waren übrigens befreundet.)
In seinem Debüt nimmt Bogdanovich einen Archetypen der heutigen Zeit vorweg: den wohlerzogenen, wohlbehüteten und letztlich heillos verwöhnten jungen Amerikaner, der plötzlich zur Waffe (zu einem sorgfältig bereitgelegten Arsenal von Waffen) greift, um wahllos möglichst viele Menschen zu erschießen. Das war 1967.

„Bewegliche Ziele“ („Targets“) war einmal eine Fiktion und ein Kultfilm. Er kommt völlig ohne Botschaft daher. – Das bedeutet: er souffliert keine bestimmte Botschaft, sondern überläßt alle Ausdeutung dem als mündig vorausgesetzten Betrachter. Im Vergleich zu den folgenden beiden berühmten Bogdanovich-Filmen (einem Drama und einer Screwball-Comedy, beide famos) wirkt „Targets“ spröde und schmucklos, doch er hat nun einmal diesen köstlichen Vorzug, sein Publikum nicht zu unterschätzen.

Der unrühmliche Held hat das Gesicht eines netten Burschen von nebenan – nur in einigen wenigen irritierenden Augenblicken nimmt ihn die Kamera aus einem Winkel auf, der ihn abseitig und bedrohlich aussehen läßt, doch das ist so schnell vorbei, dass man glaubt, sich geirrt zu haben. Dieser junge Mann ist im Begriff, zu einem stinklangweiligen Abziehbild seines republikanischen Vaters zu werden. Dieser Perspektive entzieht er sich, indem er seine nach und nach zusammengekauften Waffen zunächst auf seine Mutter und seine Verlobte, dann auf einen Botenjungen, einige Verkehrsteilnehmer und schließlich auf die Besucher eines Autokinos richtet. (Der Vater, der diesem Jungen das Schießen beigebracht und es ihm als Kern einer anständigen Gesinnung verkauft hat, überlebt übrigens – eine der versteckten Pointen dieses perfiden Films.)

Vor der Errichtung der sozialen Netzwerke mußten solche Bekennerschreiben noch auf der Schreibmaschine getippt werden und blieben unbebildert: „An alle, die es angeht: Es ist jetzt 11 Uhr 40. Meine Frau schläft noch, aber wenn sie aufwacht, werde ich sie umbringen. Dann werde ich meine Mutter töten. Ich weiß, dass sie mich erwischen werden, aber bevor ich sterbe werden noch mehr Morde geschehen.“

Zum ruhmlos gebliebenen Tim O’Kelly und dem Regisseur, der eine der Hauptrollen bekleidet, gesellt sich das prächtigste aller Filmmonster: Boris Karloff persönlich, der sich gewissermaßen selbst spielt. Er weist uns zu Beginn des Films (fast 40 Jahre nach seinem „Frankenstein“) darauf hin, seine Art von Horror sei überholt.  Dieses Statement könnte heute nicht beziehungsreicher sein – da das Sujet von „Targets“ sich alle paar Wochen in der amerikanischen Realität ereignet und da die Welt Gefahr läuft, an Donald Trump zu erkranken.

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Unter anderem René Descartes wird der Ausspruch zugeschrieben: „Nichts ist so gerecht verteilt wie der gesunde Menschenverstand. Niemand glaubt, mehr davon zu brauchen als er hat.“ Mit der Ironiebegabung ist es ähnlich. In einer Umfrage bezeichnet sich niemand als humorlos oder in Humorfragen begriffsstutzig. Dabei wurde in einigen dieser Untersuchungen, die regelmäßig angestellt werden, das Gegenteil herausgefunden: von allen Begabungen (Augenmaß und räumliche Wahrnehmung, musikalisches Verständnis, Orientierungssinn, Namensgedächtnis …) ist jene, Ironie zu verstehen, am wenigsten verbreitet.
Ich persönlich mache vor allem im öffentlichen Dienst schlimme Erfahrungen damit. Meine gelegentlichen Scherze beim Abwickeln kleinerer Einkäufe oder dem Einholen von Auskünften werden fast ausnahmslos mißverstanden und mit grimmigen Gesichtern als Beleidigungen gelesen. In meine Lieblingsbäckerei traute ich mich nach einem harmlosen Bärlauch-Witz tagelang nicht hinein, mein Tee-Lieferant auf dem Wochenmarkt fand mein letztes aufrichtiges Kompliment gar nicht komisch – es war verpackt in mein Erschrecken über seinen sehr kurzfristig angekündigten Urlaub.
(Als ehemaliger Kabarettist muß ich hier natürlich auch die Möglichkeit in Betracht ziehen, etwas aus der Übung zu sein.)

Im Verkehr der täglichen Kurznachrichten ist Ironie eine ganz aussichtslose Sache. Hier kann sie überhaupt nicht funktionieren – Begabung hin oder her –, wird aber pausenlos getätigt, weil nun einmal alle gern witzig sein möchten. Das Lachen darüber übernehmen immer ausgetüfteltere Grinselogos, die gleich mitgeschickt werden.

In einem Punkt staune ich immer wieder über die humoristische Empathie meiner Mitmenschen. Wenn sich aus ihnen ein Kabarett- oder Comedypublikum formt, sind die allermeisten nicht nur wild entschlossen, das Produkt dankbar anzunehmen, sie spüren den Witz sogar dort auf, wo er gar nicht wirklich sitzt sondern nur vorgesehen ist. Dann reagieren sie freiwillig – denn selbstverständlich müssen sie darüber nicht im literarischen Sinne lachen. Sie tun es aus Höflichkeit: „Ah – der Künstler hat ‚Merkel‘ gesagt. Ich kenne diesen Namen. Da wir hier im Kabarett sind, muß gerade ein Pointenversuch gemacht worden sein! Dann will ich mal mitspielen und reagieren. – Na sowas! Die anderen tun es ja auch!“ – „Die Freundin des Komikers braucht also immer sehr lange im Bad! – Soso. Ich habe schon davon gehört, dass Frauen im Bad lange brauchen. Da muß was dran sein. Wenn ich mal wieder eine Freundin habe, prüfe ich das sofort nach. Inzwischen will ich keine Spaßbremse sein! Haha, guter Witz!“

Vielleicht suchen sich die Leute aber auch mit Absicht solche Veranstaltungen heraus. In der Öffentlichkeit einen wirklich üblen Lach-Flash zu kriegen, weil man sich leichtsinnigerweise in die Aufführung eines wirklich guten Unterhalters hineingetraut hat, ist möglicherweise ein bißchen peinlich. Tränen zu lachen ist schließlich ein sehr privater Vorgang. Ich habe bei mehreren besonders schlimmen Lachanfällen (auch im Kino) manchmal das Gefühl gehabt, bei einem Galakonzert zu stören.
Auch körperlich ist wirklich heftiges Gelächter nicht ungefährlich.
Orson Welles erzählte Peter Bogdanovich einmal von einem Theaterbesuch. Ein anderer Zuschauer wurde so ausdauernd von einem Lachanfall geschüttelt, dass er schließlich von der Ambulanz fortgeschafft werden mußte. Er hatte sich buchstäblich krankgelacht. Welles hat mit diesem Phänomen auch selbst Bekanntschaft gemacht. Beim Besuch des Films „The Ladies‘ Man“ erlitt er nach eigener Aussage beinahe einen Herzanfall vor Lachen, als Jerry Lewis versucht, einem Gangster einen Hut aufzusetzen.

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