Auf einer Comic-Convention nimmt das titelgebende Medium heute nur noch einen kleinen Teil der Hallenfläche ein. Zuletzt waren es vor allem Influencer, die sich hier stattdessen breitmachten, doch dieser Trend ist gottlob wieder etwas rückläufig.
Was man weitaus zahlreicher antrifft als Comichefte, sind Sprecher: also stimmliche Interpreten von Computerspielen, Hörspielen, Filmen und Serien, die sich jedoch in der Regel alle unter der Rubrik „Synchron“ ihrem Publikum präsentieren bzw. präsentieren lassen.
In Stuttgart gab es nun ein Trio auf der Bühne, das in der aktuellen Game-Version einer beliebten Filmreihe zu sehen ist (oder besser: der Game-Version eines Franchise. Das ist die einzige Kategorie, die in der gegenwärtigen Sprachregelung der Rede wert ist).
Zwei Dinge wurde aus berufenem Munde gesagt, die ich so nicht stehenlassen möchte.
Auf die Frage nach den Unterschieden zwischen der Synchronarbeit und dem Sprechen für Software gab es die nicht nur wischiwaschihafte, sondern schlichtweg irreführende Antwort: das sei eigentlich letztlich dasselbe, in beiden Fällen würde man seine eigene Persönlichkeit einbringen, um eine Figur zum Leben zu blala. (Über die tatsächlich erheblichen Unterschiede beider Arbeitstechniken und ihrer Herausforderungen wurde an dieser Stelle schon ausführlich berichtet.)
Dann fiel noch ein Satz, den ich nie vergessen werde: „Der Anfänger schaut beim Synchron auf den Mund. Der Profi schaut auf die Augen, denn dort spielen sich die Gefühle der Figuren ab.“
Vermutlich ist das einfach die Übersetzung für: „Es gibt Anfänger, und es gibt Leute wie mich!“

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Es gibt (mindestens) fünf Möglichkeiten, die Antwort des Herrn rechts sinnhaft zu betonen, je nachdem, wie die Unterhaltung verläuft.

Würde der Herr rechts das Gespräch mit einer nachdenklichen Bemerkung eröffnen und sich folglich nicht auf seinen Vorredner beziehen, würde er übrigens seine Akzente auf die letzten beiden Wörter setzen.

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ON und OFF in Wald und Flur

Im Theater ist es ganz einfach: sobald man mich nicht sieht, bin ich im OFF. Trete ich auf / werde ich sichtbar, bin ich im ON. Das ON ist somit der Normalzustand.
Rufe ich jedoch aus der Gasse heraus: „Herr Baron, der Gutshof brennt!“ und komme erst dann atemlos (und mit rußigen Wangen) auf die Bühne gestürmt, habe ich meinen Satz im OFF gesprochen.
Hört man meine Stimme einen Prolog sprechen, ehe der Vorhang sich hebt oder bevor das Licht angegangen ist („Unsere Geschichte beginnt in tragischer, bewegter Zeit. Heute sollt ihr erfahren, was sich zugetragen hat, als …“) – vielleicht sogar mächtig und eindrucksvoll über den Saal-Lautsprecher („Meine Damen und Herren, bitte vergessen Sie nicht, Ihr Mobiltelefon nach der Vorstellung … hihi … wieder einzuschalten!“) -, bin ich ebenfalls im OFF.

Im Synchron ist es ein wenig anders, wenn auch ebenso einleuchtend. Hier sind ON und OFF rein technische Hinweise.
Sieht man eine Person sprechen, dann ist sie im ON. Hört man sie nur / spricht sie außerhalb unseres Blickfeldes, ist sie im OFF. Auch wer bereits aufgetreten ist und mit den Angesprochenen im selben Raume verweilt, befindet sich im OFF, sobald er oder sie nicht im Bild ist. Das kann im Laufe eines Satzes wechseln, sogar mehrfach. Sieht man einen Teil der Person (etwa die linke Schulter oder eine Hand), kann aber ihre Lippen nicht erkennen, spricht die Dialogregie von CONTER.

Wie aber verhält es sich in rein akustischen Zusammenhängen: bei Hörspiel, Radiofeature, Funkwerbung? Selbstverständlich gibt es auch hier ON und OFF, obwohl gar kein Bild existiert, in das man sich herein- oder aus dem man sich hinausbewegen kann.
OFF bedeutet hier grundsätzlich, dass zu der Stimme, die wir hören, kein Körper gehört. Die OFF-Stimme ist eine Erzählerstimme, ein Kommentar, eine Gedankenstimme, keine physisch agierende Person. Wer diese Stimme abgibt, ist für die Personen im ON üblicherweise nicht sicht- oder hörbar.
Das hat große Auswirkungen auf die Art und Weise, wie gesprochen und wie sich insgesamt am Mikrofon verhalten wird.
(Auch für die Mikrofonie und die Abmischung ist es von Bedeutung.) Wer sich in historischen Medien wie Radio, Fernsehen und Kino professionelle Audio-Produktionen anhört, wird die folgenden Regeln nachvollziehen und verinnerlichen können. (Auf dem Gebiet des Podcasts gibt es zahlreiche Spielarten, die hier als Beispiel ungeeignet sind, daher die Einschränkung.)

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1. Die Aufforderung „Bringt gern eure Texte selber mit“
Das ist zunächst einmal irreführend, weil professionelle Sprecher niemals ihr Material selber aussuchen bzw. mitbringen. Weiterhin ist nicht jeder Text gleich gut geeignet, an das Thema herangeführt zu werden. (Selbst mitgebrachte Texte sind sowieso ungeeignet, weil man sie in der Regel schon kennt, und das ist bei Sprecherjobs vielfach nicht gegeben.) Und schließlich ist diese Aufforderung ein Indiz für faules Arbeiten. Wer also sagt: „Schreibt selber was!“ oder eine zufällig herumliegende Illustrierte aufs Pult packt, hatte zur Vorbereitung des Kurses offensichtlich keine Lust.
Hinreißend auch dieser (häufig beobachtete) Fall: In einem „Hörspielkurs“ wird eine Szene aus „TKKG“ eingesprochen. Die entstandene Aufnahme wird den Teilnehmern dann „aus rechtlichen Gründen“ vorenthalten. Warum er es unterlassen hat, ein eigenes Skript herzustellen – z.B. die Bearbeitung einer Sequenz aus einer gemeinfreien Vorlage – wird der Veranstalter in der Regel praktischerweise nicht gefragt.

2. Die Aufforderung „Mach’s nochmal!“
Wenn ein Take nicht zu gebrauchen ist, gibt es dafür immer einen konkreten und benennbaren Grund. Daraus ergibt sich,

was zu tun ist, um den Fehler beim nächsten Anlauf zu beheben. Die Formulierung dieser korrigierenden Vorgehensweise nennt man „Regieanweisung“. Es einfach nochmal zu machen, klingt zwar nach kuscheligem Pfadfinder-Wochenende, ist aber nicht nur sinnlos (weil ein schlicht wiederholter Satz in der Regel auch den Fehler wiederholt) sondern sogar kontraproduktiv: je öfter man den eigenen Fehler selber hört, desto mehr prägt er sich ein und setzt sich im (Muskel)gedächtnis fest.* Wer ohne Anleitung autodidaktisch übt, läuft vor allem aus diesem Grund Gefahr, seine Fehler und Marotten zu kultivieren.

3. Der Programmpunkt „Wir sprechen Nachrichten.“
Nachrichtensprechen ist ein scheinbar naheliegendes Thema, weil es nach dem Synchronsprechen jenes Medienphänomen ist, bei dem die Sprechertätigkeit für den Laien am auffälligsten (am sichtbarsten) ist. Daher wird es mit dem „Sprechen am Mikrofon“ gern assoziiert bzw. verwechselt. Das Sprechen von Nachrichten wird jedoch grundsätzlich nicht an Sprecher delegiert, sondern stets von Journalisten (etwa den „Redakteuren im Studio“) erledigt, die innerhalb ihrer Arbeit auch eine Sprecherausbildung haben. Also: schlechtes Arbeitsmaterial.

4. Das inflationäre Lob „Tolldu! Gaaanz toll!“
In eine Zwickmühle gerät jeder Anbieter eines solchen Seminars: Kritik macht schnell unbeliebt, besonders wenn sie zutrifft. Es gilt, eine gute Balance zwischen Kritik und Aufmunterung zu finden, aber Fehler müssen unmissverständlich und ohne Angst und Gefälligkeit benannt werden (siehe Punkt 2). Spätestens, wenn im Laufe eines Kurses alle immerzu „toll“ sind, wird sich hier um eine Pflicht herumgedrückt, für die der Veranstalter bezahlt wird.

5. Die Auslobung „Produktion eines Sprecherdemos in einer Stunde“ (o. Ä.)
Es gibt Versprechungen, die sind einfach zu schön um wahr zu sein. Selbst ein Profi, der bestens vorbereitet ins Studio kommt, muss – um ein umfassendes Demo zu schaffen – in einer Stunde ziemlich flott und konzentriert sein. Einem Anfänger so etwas zu versprechen, ist, als wollte man dem Besucher eines Sportstudios nach dem ersten Training einen Schwarzenegger-Körper in Aussicht stellen. Wer einen Kurs zum Thema „Sprecherdemo“ besucht, nimmt nach einem guten Wochenende vielleicht zwei bis drei gelungene Takes mit nach Hause und hat über die, die ihm noch fehlen, schon einiges gelernt. Mehr ist nicht drin!

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* Dass solche Misslichkeiten auch die Größten aus unserer Mitte nicht verschonen, belegt dieses Beispiel: https://blog.montyarnold.com/2015/03/11/zittern-unterm-mikrofongalgen/

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(Fortsetzung vom 25.2.2019)

Dies ist eine Aufstellung der zehn Typen, in die sich jeder Bösewicht in Popkultur, Literatur und Mythologie einordnen lässt. Sie können sich ja noch zusätzliche ausdenken, aber ich hoffe nicht, dass das nötig sein wird. Die weibliche Version ist ein spannendes Stück Arbeit, das noch zu tun bleibt.

Die zehn Archetypen des bösen Charakters (Mischformen möglich)

Der verrückte Wissenschaftler
(selbstbesoffen, pathetisch, grundsätzlich anfällig für nagende Selbstzweifel)
Der „Mad Scientist“ ist die mit Abstand beliebteste Ausprägung des Schurken. Obwohl nur die wenigsten von uns jemals persönlich einem solchen begegnet sind, ist er uns vertraut und zählt seit dem 19. Jahrhundert zum festen Inventar der Erzählkunst. In früheren Zeiten hatte er im Magier oder Alchimisten bereits einen Vorläufer. Einen besonderen Reiz beziehen diese Burschen aus ihrem akademischen Hintergrund, der eine Motivation sein kann, ihnen humanistisches Gebaren und gute Umgangsformen mitzugeben. Seit Hitchcock wissen wir, dass höfliche Schurken den Betrachter am schnellsten auf die Palme bringen. Auch der von William K. Everson definierte doppelte Boden ihrer Moral verleiht ihnen zusätzliche Tiefe: schließlich hatten viele von ihnen ursprünglich edle Absichten. Manche trachteten danach, Leben zu erschaffen oder Schönheit auf ewig zu bewahren, ehe ihnen die entscheidende Sicherung durchbrannte.
Prachtvolle Darbietungen: Unzählige „Dr. Frankensteine“ säumen unseren Weg.* Mir hat Peter Cushing, der häufig solche Rollen spielte, besonders gefallen. Eine wundervolle Variante bietet Curd Jürgens als „geistig seekranker Unterwasser-Onassis“ in „James Bond – Der Spion, der mich liebte“.

Der Scherge
Typ a) primitiv (kriecherisch, beschädigt oder doch wenigstens etwas ungepflegt)
Dieser Typus ist zumeist als Laborgehilfe anzutreffen, manchmal zusätzlich komischer Sidekick. In Märchen und Cartoons kann er einer unsympathischen Tierart angehören, die auf der Schulter des Ober-Bösewichts sitzt und ihm üble Gedanken einflüstert. Shakespeares Jago ist das bedeutsamste und raumgreifendste Beispiel. In aller Regel haben wir es mit einer Nebenfigur zu tun, die einen „Wirt“ benötigt und diesem treu ergeben ist.
Prachtvolle Darbietungen: Dwight Frye in den klassischen „Frankenstein“-Filmen
Typ b) integriert (kultiviert, versnobt, mitunter etwas fade)
Er tritt als Sekundant, Consigliere oder reche Hand einer höherrangigen Figur auf. Manchmal ist der Chef sogar das anvisierte Opfer, weil der Scherge Kalif anstelle des Kalifen werden will. Auch sein Part ist in der Regel klein, aber doch größer als der der primitiven Variante.
Prachtvolle Darbietungen: Peter Mark Richman im „Denver-Clan“, Robert Duvall in „Der Pate“ (1) und (2)

Der Tyrann
(großspurig, humorlos)
Wie auch der „verrückte Wissenschaftler“ kann diese Figur einst ein Mann mit Idealen gewesen sein, der zuallererst an sich selbst gescheitert ist. In Fantasy- oder Historienstoffen fühlt er sich besonders wohl. Er gedeiht auch in Familiendramen. Vorsicht: es droht das Schreckgespenst der Eindimensionalität (was umgekehrt den Helden interessanter wirken lässt), so dass der Typus gern etwas aufgeweicht oder gebrochen wird. Besonders großen Beifall ernteten Schauspieler, die (unfreiwillige) Komik in die Figur einbrachten: Peter Ustinovs „Nero“ (der Elemente des „Psychopathen“ aufweist) oder der Jay Robinsons schriller Caligula in „Das Gewand“. Unvergessen die jovialen Nazis, die Sig Ruman bei Lubitsch und Wilder gespielt hat.
Prachtvolle Darbietungen: in ernsten bzw. biblischen Stoffen gibt es keinen Zuverlässigeren als Christopher Plummer, einen Mimen von geradezu verstörender Gravitation, der aber auch alles andere spielen kann.

Der Repräsentant einer feindlichen Macht
(zumeist staatstragend, maskenhaft, verkniffen)
Meist ist dies eine kleinere Nebenrolle, eine graue Eminenz, ein besserer MacGuffin, da der Feind dieses Feindes uns naturgemäß wichtiger ist. Er wirkt am besten, wenn er sein Geheimnis bewahren kann und im Dunkeln die Fäden zieht. Gibt man diesem Typus mehr Raum – wie dem Putin-Charakter in „House Of Cards“ – gerät das zumeist überaus schwerfällig.
Prachtvolle Darbietungen: Walter Gotell hat diesem undankbaren Typus als General Gogol in einigen James-Bond-Filmen Charme und Tiefe gegeben, ohne eine Karikatur daraus zu machen.

Der Hasardeur
(ruchlos, ungezähmt, entweder wenig umgänglich oder sehr charmant)
Er kann ein ambivalenter Charakter sein, der uns bei seinen Intrigen und Tricksereien auf seine Seite zieht. Oder ein im Verborgenen wirkender Finsterling, der seinen Status als einsamer Wolf genießt. Ich muss bei zweiterem Typus immer zuerst an Dennis Hopper denken, ohne dass mir sogleich konkrete Filmbeispiele einfallen. Am wenigsten geht der „Hasardeur“ dann in einer der anderen Rubriken auf, wenn er in einer postapokalyptischen Einöde dem Helden den Tag verderben kann.
In der realen Politik (auch der westlichen Welt) wimmelt es zurzeit derartig von diesen Leuten, dass sie im Entertainment wenig Konjunktur haben.
Prachtvolle Darbietungen: Max von Sydow als ein- und ausbrechender Racheengel in „Der nächtliche Besucher“, Donald Pleasence in „Telefon“

Der entfesselte Unhold
(sollte nicht zu hübsch sein, sonst unberechenbar)
Dieses ist die menschliche Variante des Monsters, eine Art Godzilla im Anzug, ein im physischen Sinne bedrohlicher Mensch. Häufig wird er von einem anderen Schurkentypus gezähmt, beherrscht oder befehligt (und kommt dann als „Scherge“ daher). Auch die mutierenden „Mr. Hyde“-Figuren (wie der unglaubliche Hulk) fallen in diese Rubrik.
Prachtvolle Darbietungen: Richard Kiel als „Beisser“ bei James Bond, Lenny Montana als Luca Brasi in „Der Pate“

Der verkommene Bildungsbürger
(gepflegt, zur Leutseligkeit fähig, exzentrisch, erfüllt von mühsam zurückgehaltener Verachtung)
Es gibt ihn nicht oft zu sehen, aber er kann superbes Vergnügen bereiten: der geachtete Mitbürger, der Salonlöwe, der eigentlich alles hat – wären da nicht Spielschulden, Gier oder schlicht der Ennui des Arrivierten. Da er seine Gefühlskälte auch gegen sich selbst richtet, hat er sich stets unter Kontrolle – auch im Augenblick des Niedergangs.
Prachtvolle Darbietungen: Ray Milland in „Bei Anruf Mord“ und „Columbo – Blumen des Bösen“, James Mason in „Der unsichtbare Dritte“

Der Psychopath
(bis zum Finale maximal wandlungsfähig bzw. zurückhaltend, dann kalt und allenfalls von sich selbst berauscht)
Diesem völlig amoralischen Entwurf fehlt nicht nur jegliche Empathie, er braucht auch kein Motiv, um einen Mord zu begehen. („Sie müssen mich nicht töten!“ – „Ich tu’s gern“, heißt es einmal bei David Mamet.)
Auf den ersten Blick ist dies eine vergnügliche, dankbare Rolle. Leider ist die Versuchung groß, ins platt Kinskihafte abzugleiten. Entsprechend rar sind die wirklich gelungenen Beispiele. Man sollte bei solchen Rollen immer Ausschau halten, ob sich nicht eine andere Rubrik als Ergänzung findet.
Der berühmte Hannibal Lecter ist ebenso hier wie unter „Mad Scientist“ einzuordnen.
Prachtvolle Darbietungen: Barry Foster in „Frenzy“, Joseph Cotten in „Im Schatten des Zweifels“, die Figur des Martin Vanger im ersten Teil der „Millennium“-Trilogie

Der Anarchist
(stoisch, unbeirrt, gern etwas humorlos)
Er hat eine Mission. Der gefühllos funktionierende Auftragskiller gehört in diese Kategorie. Je intelligenter und organisierter er vorgeht, desto mehr Freude macht es, ihn zu hassen. In der Frühzeit der islamistischen Bedrohung gab es häufig die archaische Spielart, z.B. in der Serie „24“: den Attentäter. Wie im wirklichen Leben tritt dieser uns als religiöser oder politischer Knalldepp unter die Augen, der einen Minderwertigkeitskomplex mit einer wirren Lehre verbrämt (was mir persönlich auch im Film wenig Spaß macht).
Die Anarchistenrolle kann auch dem Helden zufallen, der seine Bestrebungen gegen ein System richtet, das wir mit ihm gemeinsam fürchten und ablehnen – dann ist von einem „Rebellen“ die Rede.
Prachtvolle Darbietungen: Edward Fox in „Der Schakal“, Arnold Schwarzenegger im 1. „Terminator“

Das rächende Würstchen
(leichter Unterton der früheren Kränkung, eher unauffälliger Typ)
Dieses ist die kleinbürgerliche Version des eingangs geschilderten „Mad Scientist“. Ist jener ein verstoßener Mann der Wissenschaft, der nun mit einer im Exil gezüchteten Monsterrasse zurückkehrt, um die Richtigkeit seiner Thesen auf blutige Weise zu untermauern, geht es bei diesem um einen kleinen Wicht, eine einstmals gepeinigte Kreatur. Es muss kein Einzelner, es kann die schiere Mitwelt sein, von der er sich missachtet fühlt. Entweder er wächst über sich hinaus, oder er versucht es wenigstens. In jedem Falle richtet er eine Menge Unheil an, ehe er selbst untergeht. Wollten wir das Monster von Frankenstein als Bösewicht einordnen, gehörte es in diese Rubrik.
Prachtvolle Darbietungen: Bryan Cranston in „Breaking Bad“, William H. Macy in „Fargo“

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* Siehe hierzu auch https://blog.montyarnold.com/2017/12/24/die-wiedergefundene-textstelle-der-verstossene-mann-der-wissenschaft/

Der Beitrag Zehn Gesichter des Bösen (2/2) erschien zuerst auf Monty Arnold blogt..