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A) „Das Buch der Kanamiter“ („To Serve Man“) aus der Serie„The Twilight Zone“ vom 2.3.1962

Ein Menschheitstraum wird wahr, als hochbeinige, humanoide Aliens auf der Erde landen und die Menschen einladen, ihre Welt touristisch zu erschließen und sich dort verwöhnen zu lassen. Letztes Misstrauen angesichts eines solch verlockenden Angebotes will ein Wissenschaftler des Geheimdienstes ausräumen, indem er ein Buch aus der Sprache der Kanamiter ins irdische Englisch übersetzt. Während er bei der Arbeit ist, heben die ersten Touri-Raumschiffe bereits ab, seine Expertise kommt zu spät: die Passagiere fliegen geradewegs in den Schlachthof ihrer Gastgeber, das rätselhafte Dokument ist ein Kochbuch!

Die Serie „The Twilight Zone“ hat ungewöhnlich viele Folgen, die ihren Legendenstatus mehrten und selbst zu Klassikern wurden: komische, tragische, weise und allegorische, nicht wenige der besten schrieb der Showrunner Rod Serling selbst. „To Serve Man“ ist ein Highlight der für die Serie so wichtigen Programmfarbe Science-Fiction und kann für sich in Anspruch nehmen, dass die „Simpsons“ ihr schon in ihrem ersten Halloween-Special in netter Form eins draufgaben. Der Botschafter aus dem All wird von Richard Kiel verkörpert, später der mörderische „Beißer“ in zwei James-Bond-Filmen.B) Klimpergeld („Pin Money“) aus der Serie „Der Unsichtbare“ („The Invisible Man“) vom 1.12.1975

Dr. Daniel Westin entwickelt eine Apparatur, die unsichtbar machen kann. Als die Regierung diese Erfindung für militärische Zwecke nutzen will, unternimmt er eine Selbstbehandlung, zerstört die Maschine und flieht. Ein befreundeter Gesichtschirurg stellt ihm eine Maske und Handschuhe her, die er fortan im Alltag tragen muss. Diese sind so überzeugend, dass Westin seine Unsichtbarkeit geheimhalten und für detektivische Spezialeinsätze nutzen kann. Die Serie begann dramatisch und wurde zunehmend selbstparodistisch.

Die Episode „Klimpergeld“ ist die Geschichte eines umgekehrten Banküberfalls. Das Geld, das eine liebenswerte kleptomanische Lady gestohlen hat, soll heimlich in den Tresor zurückgeschmuggelt werden. Nun geraten mehrere Teams von echten und falschen Bankräubern aneinander, die unpraktischerweise alle Frankenstein-Masken tragen.

Die kurzlebige Universal-Serie „Der Unsichtbare“ lief 1978 im regionalen Vorabendprogramm der ARD, ihr Hauptdarsteller David McCallum hatte schon eine legendäre Serienrolle hinter sich: in „Solo für O.N.C.E.L.“. Er war außerdem Britpopper und sollte bis ins hohe Alter weiterspielen, vor allem im Fernsehen, zuletzt in „Navy CIS“.

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In der zweiten Verfilmung der oft geklauten und nie erfolgreich adaptierten Erzählung „Die Insel des Dr. Moreau“ von H. G. Wells gibt es eine denkwürdige Szene. Es ist eine Schlüsselszene, so klein und unscheinbar, dass man sie in einem Action-gesättigten B-Film von Samuel Z. Arkoff übersehen könnte.
Der Schiffbrüchige Andrew Braddock (Michael York), den es in einen ungastlichen Urwald verschlagen hat, ist von dem kultivierten Dr. Moreau aufgenommen worden. Zunächst hat er allen Grund, sich bei dem charismatischen Weltbürger (gespielt von Burt Lancaster und bedächtig synchronisiert von Heinz Petruo, leider nicht von Holger Hagen, der es noch schöner hinbekommen hätte) gut aufgehoben zu fühlen. Doch leider handeln das Buch und seine Verfilmungen von einem verrückten Wissenschaftler, der Gen-Experimente an seinen Mitmenschen durchführt.
Ähnlich dem Klassiker „Graf Zaroff – Genie des Bösen“ („The Most Dangerous Game“ von 1932), der sehr von diesem Roman profitiert und wenige Monate vor dessen erster offizieller Verfilmung herauskam, führt er seinen Schurken als Besitzer einer imposanten Bibliothek ein, der sogar die Werke seines neuesten Opfers im Regal hat. „Die Insel des Dr. Moreau“ von 1977, Regie: Don Taylor, variiert diesen Twist folgendermaßen: Braddock stöbert in der Bibliothek seines Gastgebers zu einem Zeitpunkt, als ihm und uns allen schon gehörige Zweifel an dessen Integrität gekommen sind. Gerade als er gefunden hat, was er sucht, und die Öllampe aufflackern lässt, um es durchzulesen, hört er hinter sich die Stimme von Dr. Moreau – und lässt das Buch sinken: „Moreau, Paul – 12. April 1851, Boston, Massachusetts. Doktor der Chemie, Physiologie und Medizin. Ließ bei seinen frühen Arbeiten und Abhandlungen brillante Anlagen erkennen. – Haben Sie danach gesucht? – Seine besten Arbeiten schrieb er in seiner Jugend, noch bevor er 30 war. Aber seine Erkenntnisse wurden heftig kritisiert. Man erklärte sie für zu spekulativ und nicht genügend fundiert. – Sie haben genau 44 Worte über mich geschrieben.“
Moreau sagt all das leise, mit einem beinahe selbstironischen Fatalismus. Es ist jetzt eh nichts mehr zu ändern. Für ihn nicht und für seinen Gast auch nicht.

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„Die […] Phantomwelt wurde undeutlicher, sozusagen durchscheinend, und wie durch Ritzen begann er die Wirklichkeit wieder zu sehen. […] Zuerst war es sehr verwirrend für ihn, dass diese zwei Bilder ineinandergriffen wie die Wechselbilder einer Laterna magica. Aber nach kurzer Zeit schon konnte er Wirklichkeit und Illusion voneinander unterscheiden“. Was der Klassiker der Phantastik H. G. Wells in „Die merkwürdige Geschichte von Davidsons Augen“ beschreibt, erinnert an die Technik, die gegenwärtig versucht, der Virtual Reality (VR) den Rang abzulaufen: die Mixed Reality oder Augmented Reality (AR), die das alte Prinzip mit einschließt.
Während eine VR-Brille die komplette Illusion verspricht, werden bei der Mixed Reality reale und künstlich erzeugte Inhalte kombiniert. Bei einer Renovierung kann man sich zum Beispiel vorführen lassen, wie die Wohnung hinterher aussehen soll. Aber obwohl das Gerät gefälliger aussieht als seine Vorgängerin – eher wie eine Taucherbrille und leichter, da die Akkus am Körper getragen werden, mit zusätzlichen Außen-Bildschirmen, die die Augenpartie des Trägers simulieren … – ist sie damit eher etwas für Spezialisten als für Privatleute. Mechaniker können damit lernen, wo sie zu schrauben haben, Chirurgen, wo und wie tief sie schneiden müssen …
Hersteller Apple hofft, damit auch bei der breiten Masse zu punkten und sogar einen Makel der VR-Brille zu beheben. Die wurde nämlich von den meisten Käufern nach einigen Monaten gar nicht mehr genutzt, ähnlich wie ein begeistert angeschafftes Trampolin. Eine andere Zählung spricht immerhin davon, dass von 20 Millionen verkaufter Quest-Brillen aus dem Hause Zuckerberg nur noch jede dritte regelmäßig benutzt würde.

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Künstlern wie Wayne und ihren Werken bleibt nichts anderes übrig, auf eine Gelegenheit zu warten, sich im Rahmen einer vergänglichen Würdigung noch einmal in Erinnerung zu bringen und sich in das eine oder andere physische Regal zu retten. Im genannten Falle war dies eine 2005 erschienene Luxus-Neuausgabe des Albums. Im opulenten Booklet scheint auch der Grund auf, warum die Erinnerung diesem Opus so herzlos mitgespielt hat. Die Bezeichnung „Musikwerk“ („one oft he best known and best selling musical Works of all time“) bezeichnet eine Mischung aus Rock-Oper und Hörspiel, ein Kuriosum also. Im Musical-Zusammenhang taucht sie nicht auf, da sie weder (ihrerseits) verfilmt noch auf der Bühne verwirklicht wurde. Nicht einmal  der aufgeschlossenste Feuilletonist wüsste, wo er diese Platte nach Hörgenuss und Rezension hinsortieren soll.
Die Zielgruppe für „Jeff Wayne’s The War Of The Worlds“ trat nur kurz im Jahre 1978 zusammen und hat sich wieder zerstreut.

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„Rocky Horror Picture Show“, Prelude – Richard O‘Brien

George Pal war ein aus Ungarn stammenden Animationsfilmer, der über die Bühnenbildnerei zum Film kam. Wir sollten ihm auf ewig dankbar sein, dass er 1959 eine Erzählung von H. G. Wells zum schönsten Science-Fiction-Film aller kommenden und vergangenen Zeiten machte. „Die Zeitmaschine“ überragt alle übrigen Arbeiten des Regisseurs, so auch den knapp zehn Jahre später von ihm produzierten Thriller „Die sechs Verdächtigen“ (Regie: Byron Haskin). Dennoch tut ihm der „Katholische Filmdienst“ unrecht, wenn er hier nur einen „einfallsarmen Science-Fiction-Film“ vorfindet. „Haiko’s Filmlexikon“ geht noch weiter und beklagt „bodenlose Naivitäten, wie sie damals halt Ganz (sic!) und Gäbe waren“. Ich würde sagen: Das klingt nach Fun, Leute!

Dieses ergiebige Portrait des Filmemachers George Pal streift „Die sechs Verdächtigen“ immerhin kurz im Bonusmaterial. (Image Entertainment 1985 / 2000)

„Die sechs Verdächtigen“ ist – je nach Sichtweise – edler Trash* oder actionreicher Camp**. (Sigrid Löffler hätte wohl den Begriff „Kolportage“ verwendet.) Er verbindet die Motive und Erfahrungswerte des Paranoia-Kinos der 50er*** und des britischen Agentenfilms der 60er Jahre bis zu deren großem US-Vorbild „Der unsichtbare Dritte“ und formt sie zu einem unwiderstehlichen Gesamtkunstwerk: kultivierte Erzbösewichte mit abscheulichen Superwaffen, eine sehr schöne Frau, rasant wechselnde Schauplätze, kauzige Nebenfiguren, die vom Strudel der Ereignisse zermalmt werden. Der Held (gespielt vom jungen George Hamilton) ist seinen Mitmenschen in der Evolution vorausgeeilt, ohne sich dessen bewusst zu sein; der Originaltitel „The Power“ bezieht sich darauf. Die Genremischung bringt es mit sich, dass sich weder die Agentenfilm-Nachschlagewerke noch die des phantastischen Films so recht für das Werk zuständig fühlen.

Da der Komponist Miklós Rózsa (wie auch der Held und der Regisseur des Films) osteuropäische Wurzeln hat, ist das Hackbrett das zentrale Musikinstrument des Soundtracks (- wir sehen im Vorspann, wie es gespielt wird). Rózsa merkte in seiner Biographie 1982 an, dieses Instrument sei für ihn kein zweites Theremin geworden (mit welchem er in früheren Soundtracks viel Erfolg hatte, bevor es in den Händen jüngerer Kollegen zur wichtigsten Stimme im SF-Kino werden sollte). Das ist bedauerlich. Der Sound des Cymbalons ist ebenso finster, enigmatisch und sexy wie der gesamte Film.
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* Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2014/09/23/abfall-ist-rohstoff-was-ist-trash/
** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2014/10/04/eskapismus-fuer-geniesser-was-ist-camp/
*** Siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2015/10/14/miss-froy-und-das-paranoia-kino/

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Den Arbeiten osteuropäischer Zeichner begegnete ich zumeist in „Fix und Foxi“, wo die Kollegen zum deutschen Kauka-Team gehörten*. Eine Ausnahme war der (ebenfalls anonyme) Auftritt von Jules Radilovic und seines Ermittlers Herlock Sholmes in der legendären Jugendzeitschrift „Yps (mit Gimmick)“. Die angemessene deutsche Entdeckung dieser Serie aus den 50er Jahren steht noch aus, denn nach zwei Fortsetzungsgeschichten ward sie nie mehr gesehen.* Ihr Zeichenstil ist klar und aufgeräumt, aber historisch präzise und diskret mit stimmigen Details gespickt.

Ähnlich wie in den Filmen „Genie und Schnauze“ oder „Das Privatleben des Sherlock Holmes“ wird der berühmteste Detektiv der Welt ein wenig hinterfragt und neu ausgedeutet. Bei Radilovic und seinem langjährigen Autor Zvonimir Furtiner (die Abenteuer basieren nicht auf den klassischen Vorlagen) geht es jedoch nicht um Demontage – ihr Sholmes ist nicht der übliche unausstehliche Übermensch, zuweilen verzweifelt er fast an der Tücke des Objekts, doch letztlich bleibt er Herr der Lage und ist ein Verkleidungskünstler, wie ihn die Welt noch nicht gesehen hat. (Unvergessen sein Auftritt als Baum, der so überzeugend ist, dass an seiner Wurzel ein Hundebeinchen gehoben wird. Doch auch als Hund macht Sholmes an anderer Stelle eine gute Figur.)
Eine Seite aus „Der Fall Anastasia“ – Copyright by Erko Verlag (siehe unten)

Seine Abenteuer führen ihn und seinen Freund Dr. Waston mitunter buchstäblich in andere Welten und im heutigen Fall sogar in die Vergangenheit.

Verzweifelt hat der Schriftsteller Wells (der als Portrait von H. G. Wells zu erkennen ist), den berühmten Detektiv Herlock Sholmes um Hilfe gebeten. Man will ihm den Mord an seinem amerikanischen Kollegen Sam Clemens (Mark Twain alias Samuel Langhorne Clemens wie aus dem Gesicht geschnitten) anhängen, der auf dem geheimnisvollen Schloss Sadwidge spurlos verschwunden ist. Sholmes und Waston begleiten Mr. Wells dorthin. In einer Maurerritze findet der Detektiv einen Zettel mit einer lateinischen Anweisung. Als er ihre Wirkung testen will, finden er und Dr. Waston sich unversehens in einer Gefängniszelle wieder. Wie sich herausstellt, wurden die beiden ins sechste Jahrhundert an den Hof von König Artus katapultiert. Dort treffen sie den verschwundenen Mr. Clemens, mit dem sie gemeinsam auf dem Scheiterhaufen sterben sollen. Eine Sonnenfinsternis kommt ihnen zu Hilfe (ein vertrautes Sagen- und Comicmotiv) und ermöglicht es Sholmes, den König davon zu überzeugen, dass er ein großer Zauberer sei. König Artus ist dermaßen beeindruckt, dass er dem Detektiv die Verantwortung für seine Sicherheit überträgt – sehr zum Ärger von Ritter Lancelot und dem Hofzauberer Merlin. Da keiner der drei Gäste aus der Neuzeit die Formel kennt, die sie in ihre eigene Zeit zurückbringen kann, sind sie gezwungen, bei Hofe zu bleiben und den König vor einer Reihe von Intrigen zu schützen, die gegen ihn im Gange sind.
Herlock Sholmes, der sich während einer Jagd als Wildschwein verkleidet, um seinen diskreten Dienst besser versehen zu können, kann nicht verhindern, dass Lancelot Genoveva, die Gemahlin des Königs, entführt, um selbst König zu werden. (Als ein Knappe ein echtes Wildschwein erlegt, macht sich Waston kurzzeitig große Sorgen um seinen Freund …) Sholmes gelingt es – als Weinfass getarnt – in die Burg des Ritters einzudringen und Genoveva zusammen mit dem ebenfalls dort festgesetzten Ritter Magnus zu befreien. Doch der Dank König Artus‘ fällt anders aus als erwartet. Umso dringlicher wird es für unsere Freunde, die Formel zu finden …

Ich muss zugeben, dass ich die nächste Sholmes-Geschichte „Der Fall Anastasia“, die milde auf Edgar Allan Poes „Doppelmord in der Rue Morgue“ anspielt, schon wegen ihres urbanen Londoner Flairs noch ein wenig interessanter finde, aber, ach!: sie liegt mir nicht vollständig vor. (Einige der betreffenden „Yps“-Hefte konnte ich bis heute nicht auftreiben.) Wie dem auch sei: nach all den Jahren, in denen Sherlock-Holmes-Parodien ununterbrochen Konjunktur hatten, behauptet diese kleine Artussage ihren Platz in meinem Herzen.

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Nachtrag:
Moinsen!

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Von den Mythen, die der phantastische Schriftsteller Herbert George Wells in die Welt gesetzt hat, ist die Unsichtbarkeit weniger erstrebenswert. Bereits der Umstand, dass sich der betroffene Held nicht nach Belieben vom einen in den anderen Zustand versetzen konnte, machte seine Situation eher zu einer Notlage. In Jugendtagen sah ich das völlig anders, und insofern kam die kurzlebige US-TV-Serie „Der Unsichtbare“ genau zur rechten Zeit. Sie lief 1978 im regionalen Vorabendprogramm der ARD, und ihr Hauptdarsteller David McCallum hatte schon eine legendäre Serienrolle hinter sich (die ich noch nicht kannte): in „Solo für O.N.C.E.L.“. Wir hatten ihn alle schrecklich lieb – trotz seiner unmöglichen Frisur.
Die Serie „The Invisible Man“ wurde von Universal produziert, dem traditionellen Hollywoodstudio für Gruseliges und Phantastisches, und übernahm von der Vorlage nur das Allernötigste.
In der Gegenwart des Jahres 1975 entwickelt Dr. Daniel Westin eine Apparatur, die unsichtbar machen kann. Als die Regierung diese Erfindung für militärische Zwecke nutzen will, unternimmt er eine Selbstbehandlung, zerstört die Maschine und flieht. Ein befreundeter Gesichtschirurg stellt ihm eine Maske und Handschuhe her, die er fortan tragen muss. Diese sind so überzeugend, dass Westin seine Unsichtbarkeit geheimhalten und für detektivische Spezialeinsätze nutzen kann. Er wird also, unterstützt von seiner reizenden Frau Kate, zum Spezialagenten. Will er unsichtbar werden, braucht er sich nur auszuziehen. Die betreffenden Szenen waren preiswert, aber wirkungsvoll: ein Kameramann lief die meiste Zeit durch die menschenleere Dekoration, und der Betrachter konnte sich seinen Teil denken.

Ich fand den „Unsichtbaren“ nicht nur spannend und amüsant, er schreckte auch meine medienkundlichen Instinkte auf. Immer, wenn das Bild schmierig und unscharf wurde, wusste ich: gleich nimmt Dr. Westin seine Maske ab. Die auf Film produzierte Serie gestattete sich in Tricksequenzen das Umswitchen auf Videotechnik (auf das damals wirklich vorsintflutliche amerikanische NTSC-System). Danach wurde das Bild mit dem nächsten Umschnitt wieder scharf.
Einige Jahre später wurde die komplette US-Fernsehserienproduktion aus Kostengründen auf die nach wie vor mangelhafte Technik umgestellt, und selbst glamouröse Sendereihen wie „Dallas“ oder „Der Denver-Clan“ sahen urplötzlich unfassbar dreckig und billig aus. Dieser räudige Look ist heute das untrügliche Erkennungszeichen der US-Serien aus den Achtzigern.

Viel wichtiger aber war, dass es in „Der Unsichtbare“ ein paar Episoden gab, um die es einfach schade ist. „Klimpergeld“ ist eine kleine Filmkomödie, in der die Geschichte eines umgekehrten Banküberfalls erzählt wird: das Geld, das eine liebenswerte kleptomanische Lady gestohlen hat, soll heimlich in den Tresor zurückgeschmuggelt werden. Nun geraten mehrere Teams von echten und falschen Bankräubern aneinander, die unpraktischerweise alle Frankenstein-Masken tragen. In der weitaus grimmigeren Folge „Rotes Licht wird teuer“ stranden die Westins in einer durch und durch korrupten Kleinstadt und gehen den örtlichen Ordnungmächten in die Falle – Pech für die Ordnungsmächte. Derart gutgebaute Geschichten sucht man vergebens im heutigen Blockbuster-Kino.
Andererseits fehlen die beiden Folgen, auf die die ARD seinerzeit verzichtete, zu recht. „Der Unsichtbare“ ist ein Paradebeispiel für ein wundervolles Konzept, das im Handumdrehen völlig auserzählt war.
Im selben Jahr trat David McCallum noch in unserem turnusmäßigen Adventsvierteiler „Die Abenteuer des David Balfour“ auf. Das war kein gutes Omen. Für viele Jahre wurde er nun wirklich unsichtbar. (Erst im Jahre 2003 materialisierte er sich wieder in „Navy CIS“.)

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* Die leider bis heute unveröffentlichte Filmmusik stammte von Henry Mancini. Die Serie selbst gibt es seit 2013 auf Universal-DVD und Blu-ray.

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Der amerikanische Songtexter Otto Harbach, Sohn dänischer Einwanderer, war ein Mitbegründer der amerikanischen Operette, die im Begriff war sich zum Musical zu wandeln, und gehört somit zu den Erfindern des klassischen amerikanischen Songs. Zu seinen Vertonern zählen die Spitzenkräfte dieser Generation: Herbert Stothart, Vincent Youmans, George Gershwin und Sigmund Romberg. Er textete auch für den legendären europäischen Operettenmeister Emmerich Kálmán und für Jerome Kern, der seine beiden wichtigsten Songs komponierte: „Smoke Gets in Your Eyes“ (in den Fifties nochmals ein großer Hit für die Platters) und „Yesterdays“, unsterblich gemacht von Billie Holiday.

Keiner seiner Erfolgstitel aber reicht so weit in die Popkultur hinein wie der „Indian Love Call“, der im Deutschen Reich unter dem Titel „Über die Prärie“ bekannt wurde. Rainer Brandt schuf später eine neue Übersetzung des Refrains:

Ursprünglich gehörte der Song ins Repertoire der Operette „Rose-Marie“ von Rudolf Friml, die vom berühmtesten Gesangspaar der Filmgeschichte (Was heißt das heute schon?) interpretiert wurde: Jeanette MacDonald und Nelson Eddy.
Den heute Lebenden wurde der Titel in einer Country-Version bekannt, und zwar in der Science-Fiction-Comedy „Mars Attacks“. Ähnlich wie im zugrundeliegenden Klassiker „Krieg der Welten“ scheint auch diesmal die Erde den Invasoren aus dem Weltraum schutzlos ausgeliefert – schrecklich sind die bereits angerichteten Verwüstungen, zahllos die Opfer. Doch während es bei H. G. Wells irdische Krankheitskeime sind, die die Eindringlinge schließlich umbringen, ist es in „Mars Attacks“ der „Indian Love Call“. Diese Platte ist so schauerlich, dass den Marsianern die Köpfe zerplatzen.

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Wie man sich erinnert, war Luzifer („Lichtengel“) nicht immer der Beherrscher der Hölle, er fiel zuvor im Himmel in Ungnade. Solange der Mensch angehalten war, sich von Gott kein Bildnis zu machen, blieb auch die Gestalt des Teufels ein Geheimnis.
Aber um verdammt und von den Gläubigen abgelehnt werden zu können, mußte das Böse als „der Leibhaftige“ figürlich konzipiert werden. (Der Begriff Monstrum ist abgeleitet vom lateinischen monstrare = zeigen.)
In der Bildkunst des Mittelalters nahm die Figur des Teufels jene Gestalt an, die wir noch heute zur Hand nehmen und jederzeit wiedererkennen.
So schuf der Mensch sich den Teufel nach seinem Ebenbild und versah ihn dann mit Defekten (Klumpfuß bzw. Pferdefuß), Tier-Organen (Schwanz und Hörner), entwendetem göttlichem Gerät (Dreizack) und germanischen Mythologenen (wie z.B. dem übelriechenden Dampf, der zur Begrüßung aufsteigt).
Erstaunlicherweise ähneln sich die Teufelsdarstellungen verschiedener Weltreligionen (wie auch die Vorstellungen, die man sich von einer Hexe macht, diesseits und jenseits des Atlantiks ähnlich sind).

Das körperliche Zusammenfügen aus Mensch und Tier ist gewissermaßen der modus operandi des mythologischen Designs. Die altertümlichen Horror- und Fabelwesen, aber auch viele Gottheiten zeigen vielfach kombinierte Körperteile verschiedener Spezies.
Ein literarisches Werk hat das Prinzip aufgegriffen: „Das Eiland des Dr. Moreau“.
Auf einer küstennahen Privatinsel versucht der von der Fachwelt verschmähte Naturwissenschaftler Dr. Moreau in einer Reihe von Experimenten, den Entwicklungsprozeß vom Tier zum Menschen zu beschleunigen – und zwar, indem er beides miteinander kreuzt und die ungewissen Ausgänge dieser Paarungen beobachtet. Die Ergebnisse sind freilich alle zum Fürchten.
Der berühmte Autor der Geschichte, H. G. Wells („Die Zeitmaschine“, „Krieg der Welten“) erlebte die erste ihrer Verfilmungen noch mit: in „Island Of Lost Souls“ spielte Charles Laughton 1933 die Titelrolle. Wells mochte den Film nicht, und er gilt allgemein als missglückt. (Zur Strafe wenden sich Moreaus Geschöpfe gegen ihn und unterziehen ihn im „Haus der Schmerzen“ selbst einer Behandlung.)
44 Jahre später trat Burt Lancaster an Laughtons Stelle. Er kehrte das evolutionäre Ansinnen der Vorlage um und „animalisierte“ seinen Partner Michael York – ebenfalls ein Reinfall sowohl vor der Augen der Wissenschaft als auch vor denen des Kinopublikums.
Und die 1996er Version mit Marlon Brando und Val Kilmer? – Nun, das war eher eine Formalität. (Brandos lebenslange Verachtung für den Filmschauspielerberuf war inzwischen selbst für seine Fans offensichtlich.)

Wie kann es sein, dass ein so prachtvoller Stoff, der zudem mit einer zentralen menschheitsgeschichtlichen Formel spielt, bei derart prominenter Besetzung jedesmal in die Hose geht?
Vielleicht hat ja hier wirklich der Teufel die Finger im Spiel.

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