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A) Das Leben des Brian / Monty Python‘s Life Of Brian
Britische Bibelfilmparodie von 1979

Als die Heiligen drei Könige dem Stern von Bethlehem folgen, irren sie sich zunächst in der Adresse und legen ihre Gaben um ein Haar an der Krippe des Erdenbengels Brian nieder. Dieses Missgeschick ist prophetisch. Im Laufe seines Lebens wird Brian immer wieder für den Messias gehalten – so sehr er sich auch dagegen wehrt – denn alle sehnen sich wie verrückt nach einem Erlöser. Als Brian am Kreuz hängt, widerfährt ihm durch einen singenden Leidensgenossen tatsächlich die Erleuchtung: „Always Look On The Bright Side Of Life“.

Nach dem Erfolg des ersten Kinofilms der englischen Komikertruppe Monty Python – „Die Ritter der Kokosnuss“ – führte ein Witz auf einer Pressekonferenz zu dieser Bibelkomödie, die von Kritikern, Fans und Beteiligten heute als deren beste Filmarbeit betrachtet wird. Naturgemäß waren die Widerstände gegen dieses Werk, das sich unbesehen sehr leicht als blasphemisch missverstehen lässt, ebenso groß. Das Wunder geschah: die enorme Werbung, die die katholische Kirche ihm mit ihrer Kampagne eintrug, hat es letztlich gar nicht gebraucht.

B) Der Omega-Mann / The Omega Man
Amerikanischer Science-Fiction-Film von 1971

Im Jahre 1977 hat ein bakteriologischer Krieg die Welt entvölkert. In Los Angeles kämpft der Wissenschaftler Neville, der in letzter Sekunde ein selbstentwickeltes Heilmittel an sich ausprobierte, gegen die wenigen Überlebenden, eine fanatische Sekte lichtscheuer Seuchenkrüppel. Diese Albinos wollen die letzten Spuren der Zivilisation beseitigen – und ihren letzten Repräsentanten Neville, ihren „Leibhaftigen“. Richard Mathesons dystopische Erzählung „I Am Legend“ wurde später mit Will Smith noch ein drittes Mal verfilmt.

Im Leben wandelte sich der Schauspieler Charlton Heston vom Unterstützer des schwarzen Bürgerrechtlers Martin Luther King zum waffenstarrenden Redneck, auf der Leinwand von der Verkörperung biblischer und historischer Heldenfiguren zu einem der ersten großen Hollywoodstars, die sich für Science-Fiction-Filme hergaben, beflügelt vom Erfolg seiner Hauptrolle in „Planet der Affen“. „Der Omega-Mann“ überbrückt diese Rollenfächer, umweht von den letzten Schwaden der Flower-Power-Ära.

Nächste Woche: Romanze in moll und Zeiten des Aufruhrs

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B) Wie man Erfolg hat, ohne sich besonders anzustrengen / How To Succeed In Business Without Really Trying
Broadway-Musial-Verfilmung von 1968

J. Pierpont Finch folgt dem verlockenden Taschenbuch-Ratgeber „Wie man Erfolg hat, ohne sich besonders anzustrengen“ und steigt tatsächlich binnen Tagen vom Fensterputzer zum Aufsichtsratsvorsitzenden einer großen Firma auf, von der wir nie erfahren, womit sie sich eigentlich beschäftigt. Finch helfen seine Chuzpe, der Zufall und die Zuneigung der Sekretärin Rosemary, die er jedoch beinahe ignoriert. Am liebsten lässt er die Torheit seiner Konkurrenten für sich arbeiten, doch zur Not bringt er sie trickreich zu Fall.

Frank Loessers Bühnenmusical, das dem Film zugrundeliegt, basiert auf einem Roman von Sheperd Mead und erhielt 1962 den Pulitzerpreis. Es ist ein Segen, dass die Broadway-Besetzung sich ungewöhnlicherweise in der Verfilmung erhalten hat. Somit kommen wir auch in den Genuss der Allround-Performance von Robert Morse, dem verblüffendsten Musical-Filmhelden seit James Cagney in „Yankee Doodle Dandy“. Die Choreographie stammt von Bob Fosse.

Nächste Woche: auf mehrfachen Wunsch Eine Leiche zum Dessert sowie Blutsverwandte

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In seinem 1982er Kurzfilm-Manifest über das falsche Spiel in den westdeutschen Filmen jener Zeit beschreibt Michael Klier, was Hollywood – mit dessen Filmen er aufwuchs – besser machte. Und wie sich das nach dem Film körperlich anfühlte: „In die Schauspieler verliebte man sich, in Gary Cooper oder James Dean, sie ahmte man nach, wenn man aus dem Dunkel des Kinos in den Alltag zurückmusste.“ Die Erklärung für dieses Phänomen, das er schon damals für erloschen hielt, fand er beim poetischen Theoretiker Béla Balácz: „(…) sie stellten immer den selben Menschen dar, sich selbst. Denn in ihrer Wirkung dominierte die körperliche Erscheinung. Sie tauchten als alte Bekannte in ihren neuen Filmen auf, und nicht sie nahmen das Antlitz der Rolle an, sondern umgekehrt. (…) das Publikum liebte nicht ihre Gestaltungskunst, sondern sie selbst, den Zauber ihrer Persönlichkeit. Freilich – auch die Fähigkeit, diese auszudrücken, ist Kunst.“
Ich habe dieselbe Star-Generation – mit ähnlicher Anteilnahme – vor dem Fernseher bewundert. Ich weiß nicht, ob man meiner Art, mich zu bewegen, ansehen konnte, wem ich gerade zugesehen hatte, wenn ich aus dem Wohnzimmer kam. Aber mit mir passierte das Beschriebene auf der akustischen Ebene. Und das ist noch heute so. Ich war und bin von der damaligen Synchronkunst in Bann geschlagen, ich denke mit den Stimmen von Martin Hirthe, Friedrich Joloff und Holger Hagen oder (ganz besonders) Friedrich Schoenfelder und Erik Ode, wenn ich sie in einem Film gehört habe. Ich imitiere ihr Idiom in den Selbstgesprächen, die ich in den folgenden Stunden führe, um meine Sprache zu schärfen. Und wenn ich beruflich einen Text zu lesen habe, der vom Typ her zu einem von ihnen passt, dann identifiziere ich mich mit seinem Sound. Das geschieht nicht im Sinne einer Parodie und auf einer Ebene, die man auf der Aufnahme nicht hört. Aber es leitet mich da hindurch wie ein Geländer, das ich jederzeit loslassen und wieder ergreifen kann. Es ist wie Magnetismus.

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In der allgemeinen Wahrnehmung deutscher Krimihasen ist „Der Alte“ Siegfried Lowitz nie so präsent gewesen wie „Derrick“ Horst Tappert, sein Kollege vom selben Krimi-Sendeplatz am Freitagabend im ZDF und tätig im selben Münchner Polizeipräsidium. Das hängt natürlich auch mit der viel kürzeren Amtszeit zusammen (1977-86, also 9 statt 24 Jahre) und damit, dass er unter den nämlichen Titel von teilweise erheblich niedriger versierten Kollegen abgelöst wurde; die Serie läuft noch immer, nunmehr in der 48. Staffel. (Michael Ande spielte seinen redlichen Assistenten – und den seiner Nachfolger – Gerd Heymann noch 30 weitere Jahre, über 400 Folgen lang.)
Lowitz profitierte davon, dass die Drehbücher (anders als bei „Derrick“) von einem ganzen Team geschrieben wurden, dem auch junge Talente und namhafte Gast-Schreiber (wie etwa Herbert Rosendorfer) angehörten. Die Qualität war unterschiedlich, aber insgesamt hochanständig – was Lowitz nach seinem selbstgewählten Ausstieg freilich in Frage stellte. Auch den Serientitel fand er ganz fürchterlich. Solche Vorbehalte merkte man ihm jedenfalls nicht an; seine Spielfreude war ungebrochen, bis ihm der spätere Bond-Bösewicht Christoph Waltz in der 100. Folge den Serien-Tod bescherte. Dem Nachruhm von Siegfried hat es nichts genutzt: niemand macht in der Bewertung zwischen ihm und den anderen ZDF-Kommissaren einen Unterschied, obwohl er mehr als diese ein menschliches Wesen auf den Bildschirm brachte, das nur wenig von einer Kunstfigur hatte.

Siegfried Lowitz trug ein unaufdringliches, verschmitztes Komödiantentum in das Format, das in dieser Form nicht einmal sein direkter Vorgänger, der famose Erik Ode, aufbieten konnte oder wollte. Er ließ dezent durchblicken, dass er manche Kollegen / Zeugen / Verdächtige etwas mehr oder weniger mochte als andere, was seiner Figur weitere Wahrhaftigkeit verlieh. Hatte Lowitz alias Erwin Köster ältere Herrschaften zu verhören (also Kollegen seiner eigenen Generation), kam es mitunter zu einer ganz besonderen Chemie, einem unausgesprochenen „Wir wissen doch beide, was hier los ist“. Das galt auch für seine Duette mit dem etwas jüngeren Henning Schlüter, der ihm in den ersten Jahren als blasierter Kriminaldirektor Millinger das Leben schwer machte. (In der 78. Folge „Perfektes Geständnis“ vom 9.3.1984 tritt diese herrliche Charge letztmalig auf.) An Schlüters „komischer Nebenrolle“ wiederum ist beachtlich, dass sie das Gesamtkonzept nicht in dem Schmunzelkrimi abrutschen ließ. So skurril er sich in seinen Wutausbrüchen auch gebärdete, er blieb immer eine Type wie es sie in echten Büros und Amtsstuben tatsächlich gibt.

Ab und an griffen die Regisseure zu fiesen kleinen Tricks, um das großartige Spiel des Siegfried Lowitz noch weiter zu pimpen. Zbynek Brynych erzählt, auf die Episode „Der Freund“ habe er sich besonders gefreut, weil Lowitz hier auf Walter Sedlmayr traf. „Und die beiden haben sich dann auch gehasst wie die Pest. Nun bin ich aber jemand, der nie genug Spannung haben kann. Also bin ich von Zeit zu Zeit in den Wohnwagen vom Lowitz gegangen und hab gesagt: ‚Herr Lowitz, der Sedlmayr ist doch wirklich ein guter Schauspieler, nicht wahr?‘ Und so bekam ich, was ich haben wollte.“

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„Huhn in Halbtrauer. Mit Trüffeln. Na wunderbar. Auch der Mörder wird Huhn in Halbtrauer essen wie die anderen. Der Mörder sitzt am Tisch! Hier! Daran besteht kein Zweifel!“

Ein anonymer Brief erreicht die Pariser Kriminalpolizei: „Während der Frühmesse wird die Gräfin von Saint-Fiacre sterben.“ Kommissar Maigret kennt das designierte Opfer. Sein Vater war Gutsverwalter auf Saint-Fiacre. Der Kommissar fährt in die Auvergne, an den Ort seiner Kindheit, um den Mord zu verhindern – und kommt zu spät. Die Dame stirbt still und unbemerkt in der Kirchenbank. Maigret nimmt den Fall sehr persönlich. Er taucht ein die Strukturen der winzigen, abgelegenen Gemeinde. Einer der Unterschiede, die ihm im Vergleich zu früher auffallen: das Anwesen der Gräfin liegt wie ausgeräumt …

In der guten alten Zeit, in den Jahren des alten schwarzweißen Mannes Erik Ode alias „Der Kommissar“, galt es noch als Vorzug eines Krimis, wenn das Milieu im Zentrum stand und die Figur des Ermittlers sich wie eine Nebenrolle aufführte. Spätestens mit den „Schimanski“-Tatorten ist dieser Ansatz so vollständig ins andere Extrem verkehrt worden, dass man ihn sich zuweilen zurückwünscht. „Die Affäre Saint-Fiacre“ erreicht den Effekt, indem sie Maigret (hier mit Joachim Nottke großartig besetzt) in einem Ensemble – man könnte auch sagen: in einem Pandämonium – aufgehen lässt. Die Vorlage ist dafür besonders geeignet: selten hat sich der größte aller kontinentaleuropäischen Krimihelden so machtlos gefühlt.
Die Verfilmung des Stoffes von 1957 hat eine ähnliche Qualität. Sie bildet den dichtesten Beitrag zur Maigret-Reihe mit Jean Gabin.

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Die Filmreihe „Die freiwillig komische Leinwand“ basiert auf der Serie „Der Komiker als Filmheld“, die im ST. GEORGE HERALD in unregelmäßigen Abständen gepflegt wird. Ein Teil dieses Repertoires wird in Hamburg auch auf der großen Leinwand präsentiert. Dies sind die nächsten Termine:

DER HIMMEL KANN WARTEN – D 2000 – 92 Min., Regie: Brigitte Müller
Seit Kindertagen befreundet, stehen der melancholische Alex und der lebensfrohe Paul als Konkurrenten in der Endrunde des Comedy-Castings für  einen Fernsehvertrag. Es geht für beide schief. Um Alex aufzumuntern, macht  Paul dessen größtes Vorbild Rob Patterson ausfindig, Hüter des Geheimnisses  der legendären Huhn-Nummer. Patterson erklärt Alex, worin sein  künstlerisches Problem bestehen könnte …
Die an Erfolgen wie „Knocking On Heaven’s Door“ und „Absolute Giganten“  orientierte Buddy-Tragödie entstand im Gefolge des großen Comedy Booms der  90er Jahre.
Dienstag, 7.2., 19 Uhr

JOKER (DF) – USA 2019 – 122 Min., Regie: Todd Phillips
Der abgemagerte Einzelgänger Arthur Fleck kämpft in einer dreckigen  Großstadt der Trump-Ära um Anerkennung und Selbstfindung. Er versucht sich  als Stand-Up Comedian und verdient sein Geld als Miet-Clown in einer  schäbigen Agentur. Befeuert von Erniedrigungen, die durch seinen Job noch  befördert werden, wird ihm die Clownsmaske eines Tages zum wahren Gesicht.  Es ist das eines Horrorclowns.
„Joker“ ist ein verstörendes Drama, das auch Dank der großartigen Leistung  von Hauptdarsteller Joaquin Phoenix in Cannes gefeiert wurde. Zum  Publikumserfolg des Films trug maßgeblich die Einbindung in das  BATMAN-Franchise bei, die inhaltlich keine Rolle spielt.
Sonntag, 12.2., 19:30 Uhr

THE ENTERTAINER (OF) – GB 1960 – 96 Min., Regie: Tony Richardson
Der gealterte Music-Hall-Conférencier Archie Rice arbeitet Mitte der 50er
Jahre in einem englischen Seebad.  Seine kriselnde Ehe wird weiter beschädigt, als er einer 19jährigen den Hof macht, der Zweitplatzierten einer von ihm moderierten Schönheitskonkurrenz. Archie verspricht dem Mädchen eine Revuekarriere und bringt ihre reichen Eltern dazu, seine nächste Produktion zu finanzieren. Doch seiner Karriere wird das nicht helfen …
John Osbornes auch in Hamburg häufig gespieltes Theaterstück um den Niedergang des britischen Empire ist hier mit seiner Original– und Idealbesetzung auf Film gebannt. Jahrhundertschauspieler Laurence Olivier glänzt in einer tragikomischen Performance.
Freitag, 17.2., 19 Uhr

TV-Rolle (Kurzfilme):  DAS ENDE EINES HUMORISTEN + STAND UP – D 1972 / 2020, Regie: Theodor Grädler / Shahab Habibi
Ein Schwarzweiß-Oldie aus dem klassischen Krimifernsehen und ein Kurzfilm der Hamburg Media School runden die Reihe ab. „Tod eines Humoristen“ aus der  Serie „Der Kommissar“ kreist um den Alleinunterhalter Erwin Waldemann, der  sich in der jungen Bundesrepublik als ein Vorfahre heutiger Comedians  durchschlagen muss. Kommissar Keller muss klären, wie seine  Tochter und wichtigste Mitarbeiterin ums Leben kam. „Stand Up“ erzählt von  der Stand-Upperin Feri, die auch künstlerisch mit einem  rassistischen Übergriff umgehen muss.
Sonntag, 26.2., 19:30 Uhr – Wir erwarten mindestens einen Gast aus dem Produktionsteam des Films „Stand Up“ zum Gespräch.

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Suspense
wird oft unrichtig mit „Spannung“ übersetzt, meint aber nur jene Spielart, in der der Zuschauer mehr weiß als der Held. Man bangt im Kinosessel um den Protagonisten, dem eine Falle gestellt wurde, kann ihm aber nicht helfen. Alfred Hitchcock (1899-1980) hat den Begriff etabliert, ihn besonders prägend umgesetzt und sein Gegenteil, den ->Whodunit, stets als verächtlich abgetan. Nichtsdestotrotz war sein größter Hit „Psycho“ ein Whodunit (der mit Suspense-Elementen in Form absehbaren Unheils angereichert war).

Thriller
siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2023/04/16/22698/

Til-Schweiger-Kino
siehe dazu https://blog.montyarnold.com/2022/01/02/19682/

Torture Porn
= ein durch kommerziell erfolgreiche Filme wie „Saw“ (2004) und „Hostel“ (2005) salonfähig gewordenes Genre des Schmuddelkinos, das sadistische Folterszenen in den Mittelpunkt stellt.

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Der tschechoslowakische Regisseur Zbyněk Brynych hat in Deutschland vor allem fürs Fernsehen gearbeitet. Er fehlt also in den Werkschauen und Nachschlagewerken zum Neuen Deutschen Film, fand aber im noch rein öffentlich-rechtlichen System ein Millionenpublikum, das im Kino nur selten zusammenfindet. Rückblickend lässt sich sagen, dass er auch künstlerisch das Beste daraus gemacht – d. h. die kreativen Möglichkeiten des Mediums optimal genutzt – hat.

Im nordwestböhmischen Karlsbad zur Welt gekommen, hat Brynych zunächst als Trompeter in einem Operettenorchester gearbeitet, ehe er zur „Krátký film“ stieß, wo er nach dem Krieg als Produktionsmanager wirkte. 1949 ging er als Regieassistent zur „Barrandov Film“ und war von 1951 bis ’53 bei der Filmeinheit der tschechoslowakischen Armee beschäftigt. Der Prager Frühling unterbrach Brynychs inzwischen florierende Laufbahn als Filmregisseur, verschlug ihn aber für fünf nicht weiter erwähnenswerte Kino- und TV-Projekte in die Bundesrepublik. Daraufhin wurde er zu einem der Stammregisseure der überbordenden ZDF-Krimiproduktion (insgesamt werden es 181 Serienfolgen). Wer die Schwarzweiß-Serie „Der Kommissar“ nicht nur dem Namen nach kennt, weiß, dass das keine üble Visitenkarte ist. „Das Fernsehformat bleibt immer dieselbe Scheiße“, soll Brynych gesagt haben, „in den Ecken ist es rund!“. Dann sprengte er diese Begrenzung mit Reißschwenks, abrupten Übergängen, Zooms und „Schnitten wie bei Cassavetes“, verteilte die Agierenden in der Tiefe des Raumes oder stellte sie irritierend nahe zusammen. Brynych wird auch (schließlich war mal Musiker) dafür verantwortlich gemacht, dass sich im „Kommissar“ so viel klug ausgewählte Popmusik findet, die den Dschungel der heraufziehenden 70er Jahre um den konservativ-bedächtigen Hauptdarsteller Erik Ode höher und höher wuchern lässt (und die inzwischen auf einem Sampler zusammengetragen wurde).

1994 gab Zbyněk Brynych den Machern der Zeitschrift „Gdinetmaó“ ein köstliches Interview. Weil er wusste, dass sich die Hauptdarsteller eines Krimis gegenseitig hassten, schürte er die Spannung am Set, indem er zu Siegfried Lowitz in den Wohnwagen ging und sagte: „Der Sedlmayer ist doch wirklich ein sehr guter Schauspieler, nicht wahr?“ – so bekam er vor der Kamera, was er wollte. Er erklärt, dass man der Bitte der Schauspieler, ihnen Abgedrehtes vorab zu zeigen, nicht nachgeben sollte: „Die mögen nicht, was sie da sehen, und werden unsicher.“ Und obwohl er Fußball doof fand, gelang ihm in „Oh Happy Day“ die denkwürdige Dokumentation eines wichtigen Spiels der Saison 69/70 mit stimmungsvoller Untermalung durch den Gospelsong der Edwin Hawkins Singers. Er selbst sei „ein fleißiger Kinogänger, aber ich vergesse sofort, was mir nicht gefällt.“

Am 24. Oktober 1995 starb Zbyněk Brynych in Prag. Zwei Titel markieren seine Arbeit für die große Leinwand: das eindrucksvolle Drama „Transport aus dem Paradies“ (1963) über das KZ Theresienstadt und – am anderen Ende der Skala – der schräge Thesenfilm „Als Hitler den Krieg überlebte“ (1967).

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