



betr.: „Kultfilme – der Podcast“
Kult sei ein gutes Mittel, Schlechtes zu nobilitieren, lautet eine alte Kritikerweisheit. Zur Erinnerung: Kult war das, was das Publikum hin und wieder entfachte, ehe immerwährende Abrufbarkeit und ein mächtiger Algorithmus diesen und andere Ungehorsamkeiten auslöschten.
Der Filmjournalist Ronald M. Hahn aus Wuppertal hat mit seinem Buch „Kultfilme“ nicht nur den Kultfilm-Podcast angeregt, er hat auch aus dem Ruhestand einen Film genannt, der nach seiner Einschätzung heute Kult wäre, wenn’s sowas noch gäbe: „Valerian – Die Stadt der tausend Planeten„. Obwohl ich die literarische Vorlage liebe, wäre ich da nie drauf gekommen. Doch dieser Hinweis ist Grund genug, den Film in der nächsten Folge zu würdigen. Ein Flop war er jedenfalls – vor allem nach heutigen Gesichtspunkten, wo ein SF-Abenteuer mit jugendlichem Heldenpaar gefälligst in Serie zu gehen hat – und erfüllt damit schonmal eine wichtige einschlägige Voraussetzung.
Heute haben übrigens gleich zwei amtliche Kultfilme Geburtstag: „King Kong und die weiße Frau“ von 1933 und „Stagecoach“ von 1939. Wir stehen fest: Kultiges muss gar nicht so übel sein!
geführt von Monty Arnold

betr.: 55. Todestag von Fernandel

Hierzulande ist der Komödiant Fernandel wegen einer einzigen Rolle einmal populär gewesen: wegen der des zünftigen Dorfpfarrers „Don Camillo“ in der 5teiligen Filmreihe. Sie lief in den 70er und 80er Jahren regelmäßig im Fernsehen. Sie tut das noch immer von Zeit zu Zeit, nur heute bemerkt man das nicht mehr.
In seiner französischen Heimat ist Fernandel legendär, und sein umfangreiches filmisches Repertoire wird auch im Fernsehen fleißig gepflegt. Außerdem war er als Chansonnier bedeutsam.
In den Kulturlexika früherer Zeiten wurde er als „pferdegesichtig“ bezeichnet, was der Wiedererkennung half und ihn selber nicht gestört hat, wusste er doch unzweifelhaft, was er seiner Physiognomie verdankte. Bereits die Karikaturen auf seinen Filmplakaten schonen die Eitelkeit des Künstlers nicht. Inzwischen fühlen sich nachgeborene Dritte dazu aufgerufen, solche Attribute despektierlich zu finden und ihre Anwendung zu unterbinden.
Von den zahlreichen Anekdoten, die über Fernandel in Umlauf sind, ist die folgende also besonders aufschlussreich, zumal sie offensichtlich frei erfunden und vermutlich von ihm selbst lanciert wurde. Ihr zufolge saß er eines Tages an der Seine und angelte. Er ging dabei in Gedanken seinen neuen Film durch und starrte grübelnd ins Wasser. Da kam ein Spaziergänger vorbei und und erkundigte sich: „Beißen Sie denn?“ – „Nein“, soll Fernandel gebrummt haben, „aber wenn Sie mich lange stören, beiße ich zu!“
betr.: 50jähriges Jubiläum des Films „Rocky“ / nächste Folge der „Kultfilm Azubis“
Zu recht wird Silvester Stallone für die Qualität seines Drehbuchs „Rocky“ gelobt, dessen Verfilmung ihn auch und vor allem als Schauspieler einführte. (Er hatte vorher andere Drehbücher geschrieben, heute vergessene Auftragsarbeiten, die es ihm erlaubten, das Handwerk zu üben.)
Zu den Kritikpunkten, die man dennoch erheben kann, gehört ein Monolog, den er in der letzten Szene vor dem großen Kampf im Schlafzimmer an seine Geliebte Adrian richtet.
»Ich schaff’s nicht. Ich kann ihn nicht schlagen. Ich bin draußen rumgelaufen und hab über alles nachgedacht. Ich mach mir nichts vor. Ich bin nicht so große Klasse wie er. (…) Vorher bin ich ein Niemand gewesen. Ach, Adrian, es ist doch wahr. Ich war ein Niemand. Es kommt aber auch nicht drauf an, weißt du? Es spielt keine Rolle, ob ich den Kampf gewinne oder ob ich ihn verliere. Es ist auch völlig gleich, ob mir der Kerl den Schädel einschlägt. Nur eins möchte ich. Über die Runden kommen. Noch keiner ist bei Creed über die Runden gekommen. Wenn ich die ganze Distanz durchhalte, wenn ich beim Läuten vom Schlussgong immer noch stehe, dann werde ich zum ersten Mal in meinem Leben wissen, dass ich nicht nur irgendein Penner, ein Niemand bin. «
Autoren, besonders Anfänger, lieben es, solche Monologe zu schreiben. Es ist auch kein übermäßig schlechter Text. Aber er ist und bleibt reiner „Funktionstext“, und es wäre es ein besseres Drehbuch, wenn es ihn nicht gäbe. Im Grunde könnte man die Szene ersatzlos streichen, weil sich der Betrachter die darin zum Ausdruck gebrachten Selbstzweifel auch selber ausmalen kann. Oder man hätte eine stumme Einstellung daraus gemacht und sie der Mimik der Agierenden anvertraut.
Ich bin kein Spezialist für die „Rocky“-Reihe, aber ich glaube, solche Passagen finden sich auch in den Fortsetzungen. In der notorischen 5. Folge (Trägerin zahlreicher Schmäh-Preise) findet sich die folgende Passage:
»Weißt du noch, wie Nick manchmal erzählt hat, dass er so hart fighten musste, …? … er musste so hart fighten, dass er geglaubt hat, dass in seinem Innern was kaputtgeht. Und dass er daran sterben müsste und dass dann ein Schutzengel kommt und einem hilft. Ich kann nicht (…) ich schaff’s einfach nicht, meine Hände ruhig zu halten. Ich hab mich noch nie so beschissen gefühlt. (…) Ich will nur nach Hause. Ich bin fertig. Ich bin müde. Ich will nach Hause!«
geführt von Monty Arnold

In einem seiner berühmtesten Gedichte hat Kurt Tucholsky erklärt, warum „beim Happy End im Film jewöhnlich abjeblend‘“ wird. Dieser Frage gehen im Grunde auch beiden Paare nach, die heute im Mittelpunkt des Podcasts stehen:
https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/romanze-in-moll-zeiten-des-aufruhrs
A) Romanze in Moll
Deutsches Liebesdrama von 1943
Frankreich zur Zeit der Belle Époque. Nach dem Selbstmordversuch seiner Frau erfährt ein Kleinbürger, dass es sich bei der Perlenkette, die er oft an ihr gesehen hat keineswegs um eine Imitation handelt. Das erlaubt nur einen Schluss: seine schöne Frau hatte einen reichen Verehrer. In Rückblenden wird die Liebesgeschichte aufgerollt: Madeleine (Marianne Hoppe) lernt zufällig den pompösen Komponisten Michael (Ferdinand Marian) kennen und inspiriert ihn zu einer künstlerischen Entscheidung. Schließlich gibt sie seinem Werben nach. Eine Rückkehr in ihr altes Leben wird durch einen Erpresser verhindert …
Für den französischen Filmhistoriker Georges Sadoul war diese Verfilmung einer Vorlage von Guy de Maupassant der einzige deutsche Film von künstlerischem Wert, der während des Dritten Reichs gedreht wurde. Viele seiner Landsleute bestätigten, dass Helmut Käutner darin am reinsten den Geist des Autors beschworen habe. In der Bundesrepublik, wo sich Käutners Karriere bis ins Fernsehen fortsetzte, wurde ein anderer Film aus der Ära allerdings noch populärer: das flotte musikalische Drama „Große Freiheit Nr. 7“ mit Hans Albers.
B) Zeiten des Aufruhrs / Revolutionary Road
Amerikanisches Ehedrama von 2008
Die USA Mitte der 50er Jahre. Ihrem Mann Frank zuliebe hat sich die verhinderte Schauspielerin April mit ihrer Familie in einem hübschen Vorort von Connecticut niedergelassen. Da Frank seinerseits an seinem drögen Bürojob leidet, schlägt sie ihm aus einer Laune heraus vor, auszusteigen und nach Paris zu übersiedeln. Frank lässt sich darauf ein, vor allem, um nicht wie sein Vater zu enden, der einst in der selben Firma versauerte. Die Vorbereitungen laufen an. Doch dann bietet man Frank überraschend eine Beförderung an – und April wird schwanger. Über die Konsequenzen daraus sind die Eheleute unterschiedlicher Meinung …
In den Nuller- und Zehnerjahren wurde durch die Serie „Mad Men“ der Autor John Cheever kurzzeitig wiederentdeckt und mit ihm die kleinen Tragödien der Vorstadt nach dem Kriege, Geschichten von Ehemännern, die mit dem Vorortzug in die Stadt fahren und dort angeblich länger im Büro bleiben, um in Wahrheit ihre Frauen zu betrügen. Auf der Kinoleinwand war Sam Mendes‘ „Revolutionary Road“ nach Richard Yates das denkwürdigste Ergebnis dieses Trends. Das garantierte seinen Erfolg ebensowenig wie die Wiedervereinigung von Kate Winslet und Leonardo DiCaprio, dem tragischen Liebespaar aus „Titanic“.
Nächste Woche: Rocky und Der Zirkus.
Die aktuelle Filmkritik im Podcast
Wenn Sie Lust auf Animationsfilme haben und sich von unnützen deutschen Nachtiteln nicht schrecken lassen, dann hätt‘ ich jetzt was für Sie.
G.O.A.T. – Bock auf große Sprünge
Trickfilm von Tyree Dillihay
Will bekommt die einmalige Chance, einem Profiteam beizutreten und Roarball zu spielen – einen kontaktintensiven Hochleistungssport, bei dem die schnellsten und furchterregendsten Tiere der Welt dominieren. Roarball funktioniert nach den Regeln des Basketballs, bei dem es neben Talent zunächst einmal auf schnöde Körperlänge ankommt. Wills neue Teammitglieder sind von der Idee, einen schmächtigen Ziegenbock in ihre Mannschaft aufzunehmen, also nicht gerade begeistert. Unser Held gibt sich nicht mit einer Aufsteigergeschichte à la „Rocky“ zufrieden. Er entschließt sich, den Sport zu revolutionieren, damit dort künftig auch die Kleinen ganz groß rauskommen können.
Ronny Fanta hat sich den Film für unseren Podcast vorab angesehen: https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/g-o-a-t-bock-auf-grosse-spruenge-aktuelle-filmkritik
„Über Geschmack lässt sich streiten“, lautet eine Redensart, „Über Geschmack lässt sich nicht streiten“ eine andere. Beide bedeuten dasselbe: die allermeisten Menschen mögen nur, was sie kennen, und sind nach einer kurzen kindlichen Phase der Aufgeschlossenheit, in der andere für sie das Essen, die Musik und die Anziehsachen ausgewählt haben, gar nicht mehr daran interessiert, ihren Fokus auszuweiten. Oder eben darüber zu „streiten“.
Jeder mag das Wenige, das er kennt – was bleibt ihm übrig?
Mit Geschmack hat das nichts zu tun, denn der würde die Möglichkeit voraussetzen, zwischen mehreren unterschiedlichen Optionen zu wählen.
Das können nur die wenigen, die nach dem Ende der Kinder- und Jugendzeit weiterforschen und ihre Geschmacksknospen beweglich halten. Der früh gesättigte Normalmensch begegnet diesem Ansatz mit Irritation und wehrt die als autistisch empfundenen Differenzierungsangebote mit Kopfschütteln ab, vorzugsweise mit einer der zuerst genannten Redensarten.
Der Musiker Steffen Schleiermacher hat eine Anekdote dazu, die durch ihren extremen Charakter anschaulich macht, was ich meine: „Als ich vor Jahren für längere Zeit in Japan wohnte, bin ich ins Nō-Theater gegangen, das höfische, alte Tanztheater. Es war eine fantastische Aufführung, fand ich. Danach habe ich als einziger erheblich Beifall geklatscht. Ich wurde von meinem Sitznachbarn sehr höflich darauf hingewiesen, dass es mir nicht zusteht zu applaudieren, weil ich die Qualität der Aufführung überhaupt nicht einschätzen könne. Er hatte nicht unrecht, denn ich hatte im Grunde nur die Oberfläche gesehen: eine ganz seltsame Musik, ritualisierte Bewegungen, prunkvolle Masken, ganz minimalistisches Theater mit Gesten … man kriegt eigentlich nicht mit, worum es geht. Offensichtlich sind das immer sehr staatstragende Themen, die da verhandelt werden. Dieser Singsang, die ganze Atmosphäre hat mich begeistert, aber ich blieb natürlich an der Oberfläche stecken. Von all den Vorschriften – die Gestik, die Tonhöhe, die Proklamation betreffend – hatte und habe ich keine Ahnung. Ich wusste nur, dass es mich berührte, ohne es richtig oder falsch finden zu können.“