Notes On A Podcast: Neo, schaff‘ Neues!

Es kommt mir vor wie gestern – dabei ist es demnächst 30 Jahre her -, dass der Film „Matrix“ eine ganze Reihe von Duftmarken setzte, die ihn über sein sensationelles Einspielergebnis hinaus zu einem Dauerbrenner der Popkultur gemacht haben. Die größte seiner Leistungen besteht sicher darin, dass er die Jammerfülle der eilig nachgeschobenen Teile 2 und 3 unbeschadet überstanden hat. Außerdem revolutionierte er mit seinen Multi-Angle-Schwebe-Standbild-Kampfszenen die Choreographie des Actionkinos und erregte in allen anderen Medien (außer dem deutschen Serienfernsehen) eine Unzahl von Plagiaten und Parodien.
Er rettete die Kaninchenbau-Metapher aus „Alice im Wunderland“ ins neue Millennium hinüber und vermittelte den Menschen des alten eine Ahnung davon, was ihnen bevorsteht, wenn sie so leichtsinnig sind, weiterzuleben: sie werden entweder erkennen, dass sie nur ein „Avatar“ sind (obwohl dieses Wort erst gut zehn Jahre später mit dem gleichnamigen Filmerfolg in den geflügelten Wortschatz eindrang) oder sich doch zumindest so fühlen werden, auch wenn sie lobenswerterweise keiner sind.

Die zuletzt genannte Leistung von „Matrix“ ist mir persönlich am wichtigsten. Sie traf mich so punktgenau, dass ich den Film deswegen nicht besonders gemocht habe. Seine Eleganz und seine wegweisenden Aspekte imponierten mir, aber er tröstete mich nicht, indem er mich in einer anderen Weise berührt hätte. Wenn ich ihn mir in Kürze für den Podcast „Kultfilm Azubis“ nochmals ansehen werde, wird es das erste Mal seit damals sein.
Noch tiefer als „Matrix“ hat mich in seiner tunnelsichtigen Dystopie nur „Her“ von 2013 frustriert, in dem ein verhärmter Dienstleister und Single (Joaquin Phoenix) in einer wabenartigen Wohnzelle vor sich hinvegetiert und sich in etwas verliebt, was wir heute eine „KI“ nennen.

Wie so oft, fand der Schriftsteller Clemens J. Setz, für das von mir Beschriebene die noch passenderen Worte.
In einer Literatur-Sonderausgabe der „Zeit“* klagte er kürzlich darüber, dass die literarische Science-Fiction – die ihm viel bedeutet – immerzu dafür gelobt werden möchte, visionär zu sein (oder „düster“, wie es heute so schön heißt) und, um das zu erreichen, Dinge vorhersagt, die sich inzwischen jeder an drei seiner zehn Finger abzählen kann – was 1999 noch nicht ganz so banal war. Die große Kino-Dystopie dieses Jahres erwähnt auch Setz implizit, indem er die Hörigen des aktuellen Trends in einer »„Red Pill“/Men’s Rights-Jammerwolke« verortet. Er wünscht sich von der Literatur, was ich mir auch und ganz besonders vom Kino wünsche: Werke, die einem »weder irgendeinen transhumanistisch-technofeudalen Rückenwind verleihen noch eindringlich vor solchen Entwicklungen warnen, sondern einfach nur für sich in der Vergangenheit stehen, als monolithische Rätsel. Das war nämlich einmal eine der vornehmsten Nebenrollen der Science-Fiction. Nicht zeitdiagnostisch, politisch-parabelhaft ober vorhersagend zu erzählen, sondern unvereinnahmbare Ungetüme zu erschaffen, wie von einer anderen Zivilisation in einer anderen Timeline verfasst und durch ihre glorreiche Weirdness weitgehend immun gegenüber dem andauernden Gezerre und Geplärre des technologischen und kulturellen Fortschritts, der immerzu quengelnd nach seinen „großen Erzählungen“ verlangt.«
Die visionären Skills, für die dieses Genre der Popkultur von uns allen lange Zeit gelobt und gepriesen wurde – etwa, dass es uns mit dem Kommunikator der „Enterprise“ das Handy vorgesagt hat – können auch ermüden. Besonders, wenn es die Kreativen zu sehr darauf anlegen. Einen »möglichen Ausgang aus der Matrix, das heißt aus den gegenwärtigen Diskursen« könn(t)en uns Kunstwerke weisen, die uns vorleben (oder daran erinnern), »was es heißt, keine Ressource zu sein, sondern ein Mysterium. Ich will die Zukunft nicht ständig als Warnschrei oder Applaus für diese oder jene bedauerlicherweise über mich verhängte gesellschaftliche Entwicklung ins Gesicht geblasen bekommen. (…) Genug, dass unsere Gegenwart andauernd nur von unserer Gegenwart handelt, diesem sich endlos selbst fressenden Wurm, da muss es die Zukunft nicht auch noch tun.«


  • Vom 5.10.2026 in der Rubrik „Wenn Sie mich fragen …“
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Notes On A Podcast: Die Emsigen

Der Schakal / The Day Of The Jackal
Englischer Politthriller von 1973

Die Terrororganisation OAS beauftragt einen Killer mit der Ermordung des französischen Präsidenten Charles de Gaulle. Parallel zur minutiösen Planung des Anschlags durch einen Einzelgänger, der sich „Schakal“ nennt, erleben wir die fieberhaften Versuche eines gewaltigen Apparats aus Staatsbeamten, Polizisten, Killern und Spionen, ebendiesen zu verhindern, sowie deren Folgen für allerlei unschuldig Verstrickte. Die Leitung der Operation wird dem unscheinbaren Kommissar Lebel übertragen …


Spontan fallen mir zu diesem außergewöhnlichen Film zwei Nachbartitel ein. Auch Hitchcocks „Topas“ – wenige Jahre zuvor entstanden – zeigt uns eine Geheimoperation vor der politischen Kulisse der frühen 60er Jahre, in der wir einen eleganten Weltbürger durch viele Länder begleiten. Zwölf Jahre später folgte ihm „Die Nadel“ („Eye Of The Needle“) von Richard Marquand. Das eiskalte Killer-Chamäleon dieses wiederum zeitgeschichtlich grundierten Thrillers (gespielt von Donald Sutherland) ist bereits vom „Schakal“ beeinflusst.
Doch wie gesagt: „Der Schakal“ ist anders, und er ist der Beste in dieser kleinen Auswahl.

Regisseur Fred Zinneman, der sich Anfang der 50er Jahre mit „Zwölf Uhr mittags“ und „Verdammt in alle Ewigkeit“ Klassiker-Status erworben hatte, wünschte sich für die Titelrolle ein nicht-prominentes Gesicht, um den identitätslosen Bösewicht glaubhaft zu machen. 25 Jahre später bewies ein starbesetztes Remake die Klugheit dieser Entscheidung. Nicht nur Edward Fox, auch sein Gegenspieler Michel Lonsdale ist kein Filmstar, obschon ein gewiefter Charakterschauspieler mit beachtlicher Filmographie.
Der Film ist aus einem Guss, obwohl er unentwegt zwischen Schauplätzen und Dekorationen wechselt. Man sieht viel sommerliches Europa, viel weltläufige Eleganz. Die meisten der zahllosen „Personen, die uns vorgeführt werden, sind edle Naturen und haben recht in ihrem Tun. (…) alle handeln korrekt, der jedesmaligen Situation entsprechend, und befriedigen unser menschliches und ästhetisches Gefühl“, wie Fontane gesagt hätte, so dass man sich die Perfidie dieses politischen Mordkomplotts immer wieder vergegenwärtigen muss. Auch die „gute Seite“ ist nicht zimperlich: sie filzt, durchsucht, foltert und mordet eilig, unbürokratisch und rücksichtslos, letzteres zumeist im Off oder in der Dunkelheit. Aus dieser Text-Bild-Schere bezieht der Film zusätzlichen Reiz.

Nach der alten Devise, nach der man in der Kunst gut daran tut, alles Unnötige wegzulassen, wird in diesem Film nur wenig gesprochen. Doch die Worte sind sorgfältig gewählt und runden die Portraits ab. Besonderes Vergnügen machen etwa der reizende ältere Herr, der sich als Konstrukteur von Mordwaffen verdingt (Cyril Cusack mit der deutschen Stimme von Siegmar Schneider) und die gelangweilte Edeldame Colette de Montpellier, gespielt von Delphine Seyrig („Jeanne Dielman“), eine in ihrer herablassenden Eleganz an Vanessa Redgrave erinnernde Lady, die es irre romantisch findet, dass ihr das Schicksal einen gesuchten Verbrecher aufs Kopfkissen gelegt hat.

Wie unzählige französische Filme der Nachkriegszeit, ist auch diese britische Produktion mit einem Thema grundiert, das wir deutschen Zuschauer meist übersehen oder doch sofort wieder vergessen: der Algerienkrieg. In diesem Falle ist es dessen Beendigung, die die Verschwörer aktiv werden lässt.
Obwohl der große Georges Delerue als Komponist genannt wird, hat der Film so gut wie keine Musik. Wenige sekundenlange atmosphärische Jingles werden eingespielt, ansonsten herrschen dokumentarische Stille oder die sogenannte Source-Music, etwa die Blaskapellen bei den abschließenden Feierlichkeiten. Das ist die heiße Phase, da der Augenblick des Attentats näherrückt. Ausgerechnet im Finale, wo wir besonders am Treiben des Killers interessiert sind, mutet uns der Film sieben Minuten zu, in denen wir diesen nicht zu Gesicht bekommen.

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Kultfilm Azubis: Hausfriedensbruch

Zwei sehr unterschiedliche Fälle von häuslicher Invasion beschäftigen uns im heutigen Podcast:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/gewalt-und-leidenschaft-lemming

A) Gewalt und Leidenschaft / Gruppo di famiglia in un inferno
Französisch-italienisches Drama von 1974

Ein pensionierter Professor, ein Amerikaner in Rom, sammelt in seiner großen, mit Kunstschätzen überladenen Wohnung Familienportraits, doch echte Menschen hat er schon lange nicht mehr um sich. Als die leichtlebige Marchesa Brumonti ihn ausmanövriert, ihren Anhang ins Obergeschoss einziehen zu lassen, ist es mit der Ruhe vorbei. Der alte Herr wird in die Affären der jungen Leute verwickelt, ist aber auch fasziniert von der schillernden, parasitären Persönlichkeit des Liebhabers der Marchesa …

In seinem preisgekrönten Alterswerk widmet sich Luchino Visconti seinen ewigen Lebensthemen: Schönheit, Verlangen, Vergänglichkeit, dem Zusammenprall gegensätzlicher Milieus. Es spielen: Hollywoodstar Burt Lancaster, Filmdiva Silvana Magnano und die Visconti-Entdeckung Helmut Berger, dessen Lebenswandel ihn über den „Denver-Clan“ bis ins „Dschungelcamp“ führen sollte. 

B) Lemming
Surrealer französischer Psychothriller von 2005

Der aufstrebende Ingenieur Alain Getty und seine Frau Bénédicte erwarten Gäste zum Abendessen. Alains Chef Monsieur Pollock bringt seine verstimmte Gattin mit, die den Abend in einer peinlichen Situation versinken lässt. In den folgenden Tagen wird das junge Paar immer tiefer in die Ehekrise des älteren hineingezogen. Und in einen Horrortrip, bei dem ein Lemming im Abwasserrohr als Unglücksbote auftritt …

Dominik Molls schräges Ehedrama mit übernatürlichem Einschlag traf Publikum und Kritik unvorbereitet. Wer den Film ein wenig mochte, verglich ihn mit Hitchcock und David Lynch – mit Lynch hat der Film sehr oberflächlich, mit Hitchcock rein gar nichts zu tun. Der Regisseur wie auch der Gaststar Charlotte Rampling erhielten ansehnliche Filmpreisnominierungen, doch das Werk versank rasch. Und Molls weitere Karriere war bisher nicht dazu angetan, ihn dem Vergessen wieder zu entreißen.

Nächste Woche: Chinatown und Maigret kennt kein Erbarmen

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Böse alte Jammerlappen

betr.: Aktuelle Filmkritik im Podcast

Kleine Spoilerwarnung: im folgenden Gespräch mit Volker Robrahn – mit dessen Urteil ich heute nicht übereinstimme – über eine prominent besetzte Mischung aus Buddy-Movie, Politthriller, Ganovenklamotte und Urlaubsfilm wird ein Detail aus dem dritten Akt verraten. Meiner Meinung nach eines, auf das der Film eh hinarbeitet, aber ich möchte darauf hinweisen:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/wild-horse-nine

Wild Horse Nine
Schwarze Komödie von Martin McDonagh

Im Jahr 1973 werden die CIA-Agenten Chris und Lee von ihrem finsteren Büroleiter MJ auf die Osterinseln entsandt, während dieser in Santiago de Chile den Militärputsch vorbereitet. Chris ist schwer krank, und sein jüngerer Kollege Lee soll ihm angesichts der Memoiren auf den Zahn fühlen, die er vor seinem Ende noch verfassen will.
Vor dem Panorama der ikonischen Osterinsel-Köpfe philosophieren die langjährigen Kampfgefährten über ihre Karrieren, ringen mit ihrer dunklen Vergangenheit und malen sich die Folgen der aktuellen Verschwörung aus. Chris rückt zwei attraktiven rebellischen Studentinnen auf die Pelle, was Lee missfällt und MJ Maßnahmen ergreifen lässt. Schließlich reist der Chef seinen Agenten nach, um sie zur Rede zu stellen …

„Wild Horse Nine“ ist ein schwarzhumoriger Agentenfilm von Martin McDonagh, dem Macher solcher Filme wie „Three Billboards Outside Ebbing, Missouri“. Die Show gehört John Malkovich und Sam Rockwell – mit Steve Buscemi, der sich im Finale zu ihnen gesellt. Die britisch-amerikanisch-chilenische Coproduktion wurde als Wettbewerbsbeitrag der Internationalen Filmfestspiele von Venedig uraufgeführt, wo John Malkovich als bester Darsteller gehrt wurde.
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Auflösung des gestrigen Rätselkrimis

Mr. Crack sen. hatte bei seiner Gedächtnisprobe eine Falle gestellt, in die Mr. McCoy (seltsamerweise als einziger) hineintappte: Im Test-Text hieß es: „… zu einer grauen Sandale trug er …“. Demnach besuchte Mr. Nicholson die Wohltätigkeitsveranstaltung also mit nur einer Sandale. Mr. McCoy war von einem Paar ausgegangen.

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Beim Herrenausstatter

betr.: 43. Todestag von Wolfgang Ecke

In jenen Tagen, da es nur ganz wenige Medien gab und ich dennoch immer das Gefühl hatte, bestens damit versorgt zu sein, gab es einen Autor namens Wolfgang Ecke, der bemerkenswert zuverlässig lieferte: Woche für Woche gab es einen Text im abgebildeten Format in der Zeitschrift „Yps“, und außerdem las man als Jugendlicher seinen Namen auch sonst immerfort. Er imponiert mir im Rückblick noch mehr als in meiner damaligen Zielgruppen-Unschuld.
Diesen Fall mochte ich besonders, obwohl der freundliche Herr im Bild einen etwas fiesen Trick anwendet. Und obwohl es sich eigentlich gar nicht um einen Krimi handelt, sondern einfach nur um eine Denksportaufgabe. (Schon damals war diese Genre-Verpackung hilfreich!)

Die Auflösung wird unter dem morgigen Podcast nachgeliefert.

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Der wärmstmögliche trockene Humor

Zum Tode von Hanni Vanhaiden

Am „Spiegel“-Nachruf auf Hanni Vanhaiden fällt einiges auf, was nur zwischen den Zeilen dasteht – oder gar nicht. Selbstverständlich habe ich keinen Fehler zu beklagen, und der Schwerpunkt auf ihrer Tätigkeit als wichtiges Mitglied unseres historischen Ansagerinnen-Ensembles ist völlig korrekt.
Dass Hanni Vanhaiden auch – ich möchte sagen: zuallererst – eine hinreißende Heldin des Kinderfunks war, darf trotzdem nicht unerwähnt bleiben.
Sie war es in besonderem Maße!
Mehr als all die anderen vielgeliebten Schauspieler/Sänger/Kabarettisten/Journalisten beiderlei Geschlechts, die sich im Nebenberuf vor der Kamera auch den „lieben Mädchen und Jungen“ zugewandt haben, war sie begabt darin, diese Zielgruppe umfänglich wertzuschätzen und gleichzeitig deren freundliche Schadenfreude zu erregen, indem sie die engelsgeduldige Erwachsene verkörperte, die von einem Lichteffekt, einer Cartoonfigur oder einer sprechenden Handpuppe schwer geprüft wurde (in diesem Falle: Meikel Mausegreis, der sich die sperrigen Mickymaus-Ohren nach zwei Folgen wegoperieren ließ, um zu Meikel Katzengreis zu mutieren). Die Balance zwischen solcher Loyalität und einem Augenzwinkern hat niemand annähernd so natürlich hinbekommen – und so witzig.
Deshalb war „Emm wie Meikel“ das hintersinnigste und – sagen wir es offen – beste Format seiner Art – Sorry, lieber Hase Cäsar, nichts für ungut, Freund Plumpaquatsch. Vanhaiden traf zur rechten Zeit auf den Autor / Sprecher Wolfgang Buresch (zuvor auch „Der Hase Cäsar“), dessen Humor mit den Jahren immer feiner und durchgeknallter geworden war.
Im Nachruf fällt außerdem auf, dass sich die Hamburger Redaktion nicht nur über den Geburtszeitpunkt der NDR-Größe im Unklaren ist, sondern auch gut zwei Wochen gebraucht hat, um ihr Ableben überhaupt zur Kenntnis zu nehmen. Meikel Katzengreis würde jetzt seine Sherlock–Holmes-Mütze aufsetzen und der Sache nachgehen, wenn er nicht schon viel früher, sang- und klangloser verschwunden wäre.
Der Norden ist ein wenig kühler geworden.

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Zwischen zwei Welten

betr.: Die aktuelle Filmkritik im Podcast

Fatih Akins neuer Film hat eine höhere Altersfreigabe. Monty Arnold und Thomas Schunke sahen ihn vorab:

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/geister

Geister
Fantasy-Romanze von Fatih Akin

Eine rauschende Abi-Party auf dem Fernsehturm – das ist die Nacht, in der sich Farasha und Faris kennenlernen. Faris, der nur Wasser getrunken hat, bietet an, Farasha und ihre schwer betrunkene Freundin Una nach Hause zu fahren. Doch auf dem Weg nach Wilhelmsburg kommt ihnen ein Laster in die Quere. Als Faris im Krankenhaus erwacht, braucht er eine Weile um zu realisieren, dass das Mädchen, in das er sich Hals über Kopf verliebt hat, bei diesem Unfall ums Leben kam. In der Nacht nach dem Begräbnis erscheint sie ihm im Traum und macht ihm klar, dass ihnen nur noch 40 Tage bleiben, um auf diese Weise zusammen zu sein. Es sei denn, Faris ist zu einem drastischen Schritt bereit …

Seit mehr als 20 Jahren und mit ebensovielen Spielfilmen ist Fatih Akin ein Star der deutschen Kinoszene. 2018 erhielt er für „Aus dem Nichts“ den Golden Globe. Mit „Geister“ lotet er das Schattenreich zwischen Leben und Tod aus …

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Tod in der Schreibstube

betr.: Aktuelle Filmkritik im Podcast

https://alle42kultfilme.letscast.fm/episode/ein-talent-fuers-morden

Ein Talent fürs Morden
Ironisches Kriminalstück von Anton Corbijn

Mitte der 90er Jahre hat die sich gefeierte amerikanische Thriller-Autorin Patricia Highsmith längst in ihr Chalet in den Schweizer Alpen zurückgezogen. Der Welt und ihrer Leserschaft überdrüssig, umgibt sie sich nur noch mit Büchern, Schnecken und Katzen sowie ihrer geliebten Sammlung antiker Waffen. Eines Tages steht der junge Lektor Edward Ridgeway vor der Tür, der der Schriftstellerin im Auftrag ihres New Yorker Verlages einen weiteren Roman um den Hochstapler und Mörder Tom Ripley abtrotzen soll, Highsmiths berühmteste Schöpfung. Dass Ridgeway sich nicht von ihr schocken lässt – nicht von ihrer Ablehnung und nicht von ihren makaberen Scherzen -, lässt die alte Dame zu einer Mischung aus Abscheu und neu erwachtem Sportsgeist auflaufen. Sie quartiert den nervösen jungen Mann bei sich ein und verwickelt  ihn in ein Katz-und-Maus-Spiel. Ridgeway beginnt unter ihrem Einfluss zu mutieren …

Abermals schlüpft Helen Mirren in die Rolle einer historischen Persönlichkeit: der gefeierten Autorin Patricia Highsmith, die wir am Ende ihres Lebensweges und ihrer knapp 50jährigen Weltkarriere antreffen. Ihr Partner in diesem erweiterten Zweipersonenstück ist Alden Ehrenreich. Regisseur Anton Corbijn wurde mit diversen Popstar-Portraits bekannt, „A Talent For Murder“ ist sein 5. Spielfilm.

***

Eingedenk der Tatsache, dass Helen Mirren sich ein wichtiges physiognomisches Merkmal der alten Patricia Highsmith regelmäßig strammziehen lässt, ist es wirklich verblüffend, wie ähnlich sie ihrem Vorbild sieht. Schon als Mirren ganz zu Beginn von hinten in Sicht kommt, meint man die große Schriftstellerin zu sehen. Patricia Highsmith, eine produktive, erfolgreiche und vielfotografierte Frau bis zuletzt, steht vielen von uns noch vor Augen. Sein wir ehrlich: in einem solchen Projekt ist dieser Aspekt keineswegs banal. Ich erinnere mich an zwei Richard–Nixon-Darsteller (Anthony Hopkins und Frank Langella), die mich mit ihrer unpassenden Optik unentwegt aus der Geschichte verscheucht haben und an den berühmten Kalauer von René Goscinny denken ließen: „Ich habe die Nase voll von diesem Doppelgänger, der niemandem ähnlich sieht!“

Selbstverständlich lässt es Helen Mirren nicht bei Äußerlichkeiten bewenden, sondern füllt ihre monströse Rolle fabelhaft aus. Wie schon in „The Queen“, gelingt ihr diese Verwandlung (abgesehen von der Perücke) ohne maskenbildnerische Verfremdung, worauf die Schauspielerin großen Wert legt. Lediglich die Schultern hat sie sich ein bisschen anheben lassen – was bei Königin Elizabeth II. nicht nötig war. Als begeisterter Leser von Highsmiths Romanen und eifriger Konsument auch der sie betreffenden Reportagen und Artikel freue ich mich über die funktionierende Illusion einer Homestory. Das Haus, in dem der Film spielt, ist zwar von außen längst nicht so grotesk und festungsartig wie die wirkliche Trutzburg der unleidlichen alten Dame, doch im Inneren falle ich gern darauf herein, darin umhergehen zu dürfen.

Aber was taugt der Film inhaltlich, und wie gut schlägt sich Mirrens Gegenüber Alden Ehrenreich? Er durfte ja immerhin schon den Weltraumhelden Han Solo verkörpern, gegen dessen reales Vorbild Harrison Ford er nach allgemeiner Einschätzung allerdings nicht ankam. Auch in „A Talent For Murder“ agiert er – wenn auch erst auf den zweiten Blick – als moderne Sagengestalt: Tom Ripley, der literarische und filmische Serien-Schurke, der nach Meinung seiner Erfinderin nie gefasst werden darf. Optisch geht das in Ordnung, zu häufig und zu vielgestaltig wurde dieser Charakter schon interpretiert: von Alain Delon, Dennis Hopper, Matt Damon und zuletzt in einer Serie. Tom Ripley ist ein Chamäleon, ähnlich wie James Bond oder „Dr. Who“. Das entlastet seinen Darsteller. Und dennoch ist der in seiner Bubihaftigkeit nur so lange überzeugend, wie er als Verlagsangestellter auftritt, der gleich zu Beginn seiner Karriere eine besonders harte Nuss zu knacken hat, und nicht als gespaltene Persönlichkeit. Als der Film uns allen Ernstes weismachen will, hinter seiner biederen Fassade lauere gewissermaßen der Leibhaftige, gerät der Film auf mehrfache Weise in Schwierigkeiten. Zunächst einmal waren wir gerade dabei, es uns in einem recht soliden Kammerspiel bequem zu machen, einem Psycho- und Rededuell, als die Handlung uns plötzlich an mondäne Orte mitnimmt und aufgedonnerte Klischeefiguren auftreten lässt – bekanntlich liebt Ripley die Upper Class und will von ihr akzeptiert und zu ihren Parties eingeladen werden. Erstens sind die Drehbuch-Verfasser damit bereits überfordert (der quasikulturelle Smalltalk in den High-Society-Szenen tut körperlich weh), zweitens lässt sich der Film so auf einen Zweikampf mit dem schon erwähnten Auftritt Matt Damons ein: „Der talentierte Mr. Ripley“ von 1999, ein wirkliches Glanzstück, ein schlafender Hund in unseren Hinterköpfen, den man nicht unnütz wecken sollte.
Das Übelste an der Sache aber ist die unverschämte Behauptung, wir würden hier den krönenden Abschluss des Ripley-Zyklus und somit das Vermächtnis der Patricia Highsmith serviert bekommen. Geht’s noch? Dieser aberwitzige Ansatz geht erwartungsgemäß schrecklich in die Hose. Was uns hier als Super-Mordkomplett der beiden Ober-Krimihasen Highsmith und Ridgeway-Ripley geboten wird, würde jeden deutschen Schmunzelkrimi pupsig aussehen lassen. Dass hier weiterhin der Eindruck erweckt wird, der Stern der Schriftstellerin habe sich zuletzt im Sinkflug befunden, ist mindestens ungehörig, angesichts von Highsmiths bis heute ungebrochener Popularität außerdem nicht angebracht.
So verdirbt es sich der Film ausgerechnet mit jenem Teil des Publikums, aus dem er ein paar wirkliche Fans hätte gewinnen können. Mal sehen, was das Laufpublikum sagt.

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Kultfilm Azubis Halloween-Special: Der Schrecken schleicht durch die Nacht

mit Alex Sobolla und René Hoffmann vom Gast-Podcast „Abspanngucker“

A) Halloween – Die Nacht des Grauens / Halloween
Amerikanischer Horrorfilm von 1978

Mit sechs Jahren hat der kleine Michael Myers seine Schwester bestialisch ermordet. Nach Jahren in der Psychiatrie, in denen er kein Wort gesprochen hat, bricht er aus und kehrt in seinen Heimatort zurück, um wieder zu morden. Zum 15. Jahrestag seiner Untat mischt er sich mit Horrormaske zu Halloween unters Volk. Sein Psychiater Dr. Loomis versucht vergeblich, ein neues Blutvergießen zu verhindern …

Sein dritter Film bescherte John Carpenter einen bis heute andauernden Weltruhm und machte die Debütantin Jamie Lee Curtis in zum Star, die als Laurie vor dem Irren auf der Flucht ist. Es sollte noch 15 weitere Jahre dauern, bis Halloween auch bei uns in die Folklore eingeführt wurde. Michael Myers wurde – wie sich das gehört – zum Serienhelden. 

B) Frankenstein – Das Experiment / Frankenstein
Amerikanischer Horrorfilm von 2015

Der ganze Stolz des Wissenschaftler-Ehepaares Frankenstein ist körperlich ein junger Mann, geistig ein Säugling. Die Freude über den künstlichen Menschen ist rasch vorüber, als er rapide zu verrotten beginnt. Seine Tötung misslingt, da er schier unverwundbar und unermesslich stark ist. Er entkommt und findet in den Slums vorübergehend Anschluss, während er körperlich immer abstoßender wird. Erst als er an den Ort seiner Entstehung zurückkehrt, um Rache zu üben, erfährt er, dass er sogar einen Namen hat: Adam …

Der Film von Bernard Rose verlegt die Geschichte in die Gegenwart, verzichtet auf die Arbeit mit Leichenteilen, nimmt die literarische Vorlage jedoch insgesamt ernster als die meisten der unzähligen Verfilmungen. Das teilweise unerträglich explizite Grauen wird weder durch Camp noch durch historische Kostüme oder wohligen Grusel gemindert und außerdem mit dem realen Horror der amerikanischen Unterschicht angereichert. Danny Huston und Carrie-Ann Moss spielen die Rabeneltern Frankenstein, Xavier Samuel die verstoßene Kreatur. Der Film erblickte das Licht der Leinwand nur auf einigen Festivals und kam auf Video heraus.

Nächste Woche: Gewalt und Leidenschaft und Lemming

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Lesen vom Blatt – Lange Sätze

betr.: Sprechen am Mikrofon / Übung

Von seinem Winkel aus konnte Lord Henry Wotton, der auf dem von Perserteppichen bedeckten Diwan lag und wie üblich unzählige Zigaretten rauchte, eben noch den Schimmer der honigsüßen und honigfarbenen Blüten eines Goldregens wahrnehmen, dessen bebende Äste kaum imstande zu sein schienen, die Last einer so flammenreichen Schönheit zu tragen, und hin und wieder flitzten die wunderlichen Schatten fliegender Vögel über die langen, dunkelrehfarbenen Seidenvorhänge, die vor das Fenster gezogen waren, wodurch sie vorübergehend einen japanischen Effekt hervorriefen und ihn an jene bleichen Maler Tokios mit ihren wie aus Jade geschnittenen Gesichtern denken ließen, welche durch eine Kunst, die notwendigerweise unbeweglich ist, das Gefühl von Geschwindigkeit und Bewegung zu vermitteln suchen.

Oscar Wilde: „Das Bildnis des Dorian Gray“

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